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About this blog

Bonjour à toute et à tous ! Anima est une chronique sur la Japanimation mais aussi sur les manga, et peut-être même plus ! 

Venez découvrir ou redécouvrir certains classiques de l'animation japonaise, parfois sous un nouveau regard (mais surtout pour le plaisir d'en parler, hein 😉 )

 

 

Et comme le dit Hideaki Anno: " Dans les tests scolaires, il n'y a qu'une seule réponse pour chaque question, et soit vous avez un demi-point, soit zéro si vous vous trompez. Mais dans la vrai vie, les choses ne sont pas si blancs ou noires, alors penser et exprimer les choses par des mots ou des images. C'est comme ça que vous communiquez avec les gens, C'est tellement important."  

 

 

ça n'a pas vraiment de rapport avec la chronique mais c'était cool de casser cette citation ^^

 

 

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Puella Magi Madoka Magica

S'il y a un bien un genre qui évolue constamment dans l'animation Japonaise c'est bien le Magical Girl ! Il est peut-être difficile de le croire mais je ne suis pas friand de Magical Girl, je reconnais avoir eu un coup de cœur pour Sailor Moon mais pour les autres animés de ce type, je ne suis pas si motivé à les regarder. Cependant, avant que je regarde sérieusement Sailor Moon, j’avais déjà regardé une autre Magical Girl et pour tout vous dire, c’était même mon premier. Pourquoi je n’ai pas commencé par celui-là ? Parce que je voulais traiter initialement cette animé pour présenter le genre mais une autre héroïne a été plus rapide. C’est plutôt un mal pour un bien car maintenant qu’on a été initié au genre, il est temps maintenant de voir quelques chose de beaucoup plus différent, ça tombe bien car l’animé que je voulais traiter n’est rien d’autre que Puella Magi Madoka Magica. Je suis certain que vous la connaissez pour la plupart d’entre vous mais si ce n’est pas le cas, alors il est grand temps que je vous la présente. Si vous chercher des héroïnes kawai, de l’humour ou une grande histoire d’amour et d’amitié….j’ai peur que vous serez un petit peu déçus !   Trop Kawai cet Opening !                 Prisme Lunaire, Transforme….Oups, je me suis trompé d’animé !   Puella Magi Madoka Magica est un animé sorti en 2011 et ne dure que 12 épisodes, faisant de cette série une des plus courtes à regarder en matière de Magical Girl, on est loin de la centaine d’épisode que propose en général n’importe quelle autre série de ce genre. Autre chose étonnant, cette animé est considéré non pas comme un Shojo mais comme un Seinen, ce qui est un peu étrange sur le moment mais vous allez très vite comprendre pourquoi.   On doit cette animé au studio Shaft, studio très connu puisqu'il c'est chargé d’animé comme Nisekoi (2011), Sayonara Monsieur Désespoir (2007), Shin Negima!? (2006) ou encore la série trop surestimé à mon goût Monogatari (2009) et tous ses dérivé en -gatari (il faut dire que la scène où le protagoniste brosse les dents de sa sœur était….malsaine).   La série a été réalisé par Akiyuki Shinbo qui a réalisé Magical Girl Lyrical Nanoha (2004) et tout ce que je viens de citer, ce qui me permet de voir deux choses. D’abord, c’est le genre de réalisateur qui fait la réputation d’un studio (comme Hideaki Anno avec la Gainax) et que Madoka n’est pas son premier Magical Girl (Negima et Nanoha sont considérés comme des Magical Girl), on a donc affaire à quelqu’un de bien rodé dans le domaine.   On retrouve Gen Urobuchi en tant que scénariste et si vous ne savez qui est Gen Urobuchi, il s’agit de l’auteur du Light Novel Black Lagoon, Fate/Zero (Livre et Animé) ou encore Psycho-Pass. Je pense que vous avez compris que ce bonhomme n’est pas un petit joueur et qui plus est un de mes scénariste préféré, j’aime particulièrement l’atmosphère de ces œuvres.   Il y a aussi Ume Aoki qui n’est rien d’autre que la Chara Designer de la série. C’est une femme très discrète qui refuse de montrer son visage ou de donner son âge….en faite, on ne sais rien d’elle. Elle utilise différents pseudonyme comme Apricot+ ou Apply Fujimiya, elle était connue avant de travailler sur Madoka en faisant le chara-design sur Hidamari Sketch (elle prête aussi sa voix à un de ses personnage) et sur le Visual Nov….Ah ! l’Eroge Sanarara (et je confirme bien que c’est un Eroge....on est pro ou on ne l'est pas ! 😆)   Le Saviez-vous ? Le succès de Madoka.   Avant même d'entrer dans le vif du sujet, on sais tous que Madoka à connu un engouement incroyable au Japon.  Un engouement si puissant que le 1er Dōjin (manga amateur) d'Ume Aoki sur Madoka s'est vendu dans son intégralité.....au bout d'une heure seulement ! Il y avait tellement de monde qui ont fait la queue pour acheter ce Dōjin qu'il en n'avait même pas assez pour tout le monde, seuls les plus chanceux ont pour obtenir ce livre et voir la mangaka. En Amérique, les gens pillent les places de concert pour aller voir les Rolling Stones, au Japon c'est pour aller voir la dessinatrice de Madoka , chacun ces idoles 🙂      à gauche, l'affiche qui annonce la rupture de stock et à droite, une partie de la file d'attente pour acheter le Dōjin   Ah oui ! On retrouve la boite de production Aniplex, très connu pour avoir participé à plein de projets comme Naruto, City Hunter, Fate/Stay Night, Fullmetal Alchemist, Gurren Lagann et j’en passe.   Pour revenir sur Madoka, au fil du temps ce simple animé est devenu une franchise qui a connu un très grand succès, il faut dire que cette série fût l’une des séries les plus rentable pour le studio Shaft. Elle a connu divers adaptations : Plusieurs manga, un Light Novel, deux jeux vidéo sur PSP et PSVita ainsi que 2 jeux mobiles dont l’un fût adapté en animé cette année. Mais surtout une trilogie de film qui est sortie après la série dont je peux vous dire d’avance que je vais traiter aussi ! Mais pour l’instant, limitons nous à la série. Je ne parlerai pas des produits dérivés qui sortent tout les mois depuis le succès de cette animé, pour dire à quel point cette série s’est fait sacrément remarquer.   Les présentations sont faite parlons donc de l’intrigue ! Madoka Kaname est une collégienne banale qui manque de confiance en elle, accompagnée de son amie, Sayaka Miki, elles se font approchées par Kyubey, une étrange créature qui leurs propose de devenir une Magical Girl ou pour être plus précis, une Puella Magi. Cependant, au même moment, apparaît une étrange fille du nom d’Homura Akemi qui semble vouloir empêcher Madoka de passer un contrat avec Kyubey.   Si à la lecture de ce très court résumé vous vous dite...   « Bah ! C’est classique ton scénario, une fois de plus tu en fait un plat pour rien ! »   ….sauf que je n’ai pas fini mon résumé. Je disais donc que Madoka et Sayaka ce font aborder par Kyubey mais elles vont rencontrer aussi Mami Tomoe, une Puella Magi expérimentée qui va un peu faire la promo de son ‘Job’. On apprend donc que les Puella Magi se battent contre des « Sorcières », une forme d’identité démoniaque qui se servent du désespoir des hommes….c’est à dire les dépressifs et les suicidaires pour répandre le mal !   Mais pas de panique, les Puella Magi sont là pour éviter des tragédies, en plus ça a l’air super cool de tuer des Sorcières, de rendre service à la communauté, après tout quelles petites filles n’a jamais rêver d’être comme Sailor Moon ? En plus de tout ça, tu as droit à un vœu, bien mieux que les promos Steam, non ? Le seule problème c’est Homura qui est rabat-joie mais Madoka et Sayaka sont vraiment motivées pour devenir des Puella Magi…..puis il y a l’épisode 3 comme le disais si bien l’amiral ackbar….   Que serait une Magical Girl sans scène de transformation ?                 Penses-tu que ta famille et tes amis sont importants pour toi ? Si ils le sont, tu ne devrais jamais penser à changer. Sinon, tu perdras tout ce qui est précieux pour toi !   Mais avant de s’attarder sur le sujet, parlons un peu du style de l’animé.   D’un point de vue technique, il n’y a rien à dire si ce n’est qu’il est très jolie et que je n’ai pas remarqué de chose étrange dans l’animation, c’est un sans-faute. J’ai plutôt envie de vous parler de la mise en scène qui est typiquement du Shaft, si vous avez déjà vu Monogatari, vous avez déjà un petit aperçu de Madoka, à la différence qu’elle n'en n’abuse pas pour rien.   Madoka joue beaucoup sur une mise en scène singulier qui joue sur des plans très larges ou des plan très rapprochés qui se succèdent à certain moment, une manière d’insister sur les émotions des personnages comme pris sur le moments. On retrouve parfois aussi l’utilisation de bordure noir, typiquement aussi du Shaft. J’ai pour habitude de parler « d’architecture Shaftienne » lorsque je parle de la série, c’est à dire des décors vide mais surréaliste à fois. Lors des affrontement contre les sorcières, chaque combat possède sa mise en scène propre mais avec un motif de carton récurent. C’est pas évident à expliquer mais les décors font penser à des dessins d’enfants, on se croirez dans un atelier d’art plastique, comme si c’était du collage mais en mouvement….je crois que je me perd.   En bref, c’est très singulier comme mise en scène pour une Magical Girl mais c’est à la fois le style de Shaft de faire ce genre de mise en scène. Un autre aspect très Shaft se trouve dans la gestuelle des personnages, à un moment ou l’autre les personnages vont avoir une position très précis lorsqu’ils parlent, nos héroïnes auront tendance à se retourner avec la tête qui penche vers le bas. J’ai déjà vu cette position dans Monogatari sauf que dans Madoka cela va en être abusé comme une manière de dire : « Regarder moi, je suis stylé ! » En effet, ça l’est par contre c’est pas très pratique pour parler, j’ai essayé et maintenant j’ai mal au cou comme pas possible, à croire qu’être stylé n’est pas donné à tout le monde 😅   Une petite reproche quand même dans la mise en scène concernant l’éclairage parfois trop sombre selon les moments mais c’est probablement dus à un réglage de ma télévision.   Regardez-moi ! Je suis Badasse ! (par contre n'abusez pas, ça fait vraiment mal au cou)      parlons de l'ost ! On le doit à Yuki Kajiura qui n’est rien d’autre que ma compositrice préférée, décidément le hasard fait bien les choses ! Elle avait fait l’ost de .hack//Sign (une des meilleurs ost qu’elle a fait selon moi), Fate/Zero, Sword Art Online ou encore Noir. Son style est très reconnaissable puisqu’elle utilise beaucoup le chant dans ses ost et que son style musical est assez New Age. Elle fait partie de plusieurs groupes dont Kalafina qui a fait l’ending de Madoka, décidément tout se concorde !   La musique est très important dans Madoka, elle contribue à son atmosphère si particulier, on retrouve peu de thème et elle se répète beaucoup mais elles sont tellement unique qu’à chaque fois que j’entends le thème des Puella Magica, je suis transporté et c’est rare que je décroche un peu l’intrigue pour une ost !   D’ailleurs, écoutons les 2 thèmes mythiques de la série !   Cela va être compliqué de ne pas spoiler Madoka mais tout l’intérêt de la série commence à partir de l’épisode 3 et disons que la série va prendre une drôle de tournure, c’est à ce moment qu’on réalise qu’il y a erreur sur la marchandise.   "Ah bon ? Non parce que j'ai regarder ton Opening mignon et je ne vois pas en quoi il y a erreur sur la marchandise....attend cette tournure de phrase me fait peur !"   Avant d'appeler le FBI pour une phrase sortie hors de son contexte, regardons à nouveau l'Opening. En général quand je mets un Opening c'est pas pour rien, on s’attend à voir un peu près ce qu’il y est présenté, d’autant que les premiers épisodes ne sont pas si étrange, par contre on ne vois pas l’Ending, étrange tout ça. En effet, on voit l’Ending qu’à partir de l’épisode 3 et c'est à ce moment qu'on comprend que l'animé ne va pas être ce que l'on croyait. Pour ma part, c’est l’une des meilleurs Ending que j’ai vu surtout grâce à son utilisation judicieuse par rapport à l’animé, ça va plus loin qu’un  simple Ending et c’est ce qui le rend génial, elle fait partie de l’oeuvre ! en plus elle s’oppose au Ending traditionnelles, rien que pour ça cette série mérite votre attention.   La question que vous vous posez sûrement est pourquoi je parle de cette série ? Pour résumé globalement la série, je dirais que le scénariste c’est levé un matin et est parti chez le studio Shaft en prononçant ces mots à ses collègues : « Les gars, on va refaire Sailor Moon mais avec une écriture à la Evangelion »   Et oui, Madoka c'est un peu la ‘Evangelion des Magical Girls’, je dirais même qu’il s’agit d’un anti-Magical Girl, c’est à dire que cette animé va s’amuser à déconstruire les codes du genre. Du coup, on peut considéré Madoka comme faisant partie de la sixième génération des Magical Girls, je vous renvoie à mon premier billet sur Sailor Moon pour plus de détail.   Je vous en ai déjà parlé mais l’ambiance y est très singulier, faussement enfantin et particulièrement malsain. Tout est sombre aussi bien dans son ambiance que dans son écriture. J’espère que vous aimez les personnages tourmentés parce que vous allez en voir des personnages sombrer de plus en plus dans leurs enfers.   Exemple de plan large qui met bien en évidence la mise en scène 'Shaftienne'     Parce que oui, être une Magical Girl dans cette animé n’est pas une chose facile….clairement pas, c’est pas cadeau, croyez-moi ! Au fil de l’intrigue il y aura des révélations à propos des contrats que passe les filles pour devenir des Puella Magica et elles vont tomber de haut, tout comme le spectateur. Disons que tuer des êtres démoniaques nommés les sorcières est de loin la pire contrainte, j’en rêverai d’en parlais en profondeur mais ça serai ternir l’intérêt de l’animé, donc à vous de découvrir ce qui va se passer. Malgré que Madoka reste avant tout un récit initiatique, c’est à dire comment on passe de l’enfance à l’adulte, il en reste pas moins différents des autres animés de ce genre. En faite, je trouve qu’il a une approche très terre à terre des choses, on dit les choses comme elles sont. Par exemple, la relation de Madoka avec sa mère est un très bon exemple de l’apprentissage initiatique. La mère de Madoka a un rôle importante dans une société et on la perçoit comme une femme indépendante, voire pragmatique.   On voit à plusieurs reprise dans l’animé que Madoka et sa mère ont des discussions en tête à tête en pleine nuit d’insomnie pour l’une et l’autre, quand c’est pas sa mère qui rentre bourrée à cause d’un rendez-vous de travail. Ces petits moments montre une réalité qu’on n’a pas l’habitude de voir dans les Magical Girls parce qu’en général l’animé s’en fout un peu. Je pense d’ailleurs que les combats avec les sorcières montrent en réalité des personnages qui refusent de grandir….     Ce choix artistique lors des combats rappelle l’enfance, comme si les personnages refusent de grandir . Cela me rappelle Sailor Moon Super S, le film qui abordait aussi ce thème.   Ce qui rend Madoka très sombre dans ce qu’il parle est qu’on parle de chose très dur comme le suicide, la dépression, la fragilité mental de plusieurs personnages face à une dur réalité et particulièrement le deuil de l’enfance. Autant vous dire que l’animé tente d’apprendre ce qu’est être adulte de la pire des manières et j’adore cette approche ! (Espèce de Sadique 😄)   On y retrouve aussi des choses plus classiques comme la quête d’identité (qui je suis ? Que devrai-je faire pour être aimé ? Est-ce la solution ? Etc….) ou le rapport face à l’amour et particulièrement ces vices qu’elles peut provoqués. Pour un peu insisté sur ‘l’amour’ dans l’œuvre, elle est aussi très terre à terre, là où Sailor Moon te dit qu’il faut croire à l’amour véritable et qu’il faut se battre pour elle, une fille dans Madoka aura plutôt tendance à dire qu’il vaut mieux péter les bras et les jambes de ton amoureux histoire qu’il reste à toi pour toujours…. c’est une autre approche de l’amour j’en conviens 😅   Il y a aussi la question de l’Homosexualité qui est posé, question assez récurent dans les Magical Girls, c’est à dire « Est-ce que j’aime réellement les garçons ? » mais c’est très flou et pratiquement jamais pris au sérieux….sauf peut-être pour un couple que j'ai en tête.   Le Saviez-vous ? Une Femme avec une Femme !   Je n'ai jamais vraiment compris le délire de la relation entre Kyouko et Sayaka, tout les opposes mais les fans aiment l'idée qu'elles ont une relation intime. Je dis que c'est bizarre parce que je ne le ressens pas et j'ai toujours l'impression que c'est un délire des fans, du moins jusqu'à maintenant. Il faut savoir que cette idée viens, non pas des fans et encore moins du scénariste mais d’Ume Aoki elle-même ! Elle a tellement aimée ces deux personnages qu'elle en a répendue cette idée chez les fans....j'aime bien ce genre d'anecdotes ! Ah oui, c'est aussi les deux personnages qui sont les plus simples à dessiner selon la dessinatrice.   Illustration d'Ume Aoki qui représente le célèbre "couple"   Encore un point très intéressant à propos de Kyubey, cette petite créatures si adorable sur qui ont peut compter….     Oui il est très différent de ce qu’on connaît mais son utilisation reste très intelligente notamment par rapport à une révélation au court de l’animé, disons que l’Humanité lui doit beaucoup et j’ai trouvé cette idée assez original pour un Magical Girl.   Je trouve aussi qu’un des sujets le plus important de l’œuvre concerne l’image « égoïste » que peuvent avoir les Magical Girls, je pense surtout à toute celles avant Sailor Moon (bien que cette dernière l’est un petit peu aussi mais bon l’animé en rit). Il est intéressant de constaté qu’on revient sur cette image égoïste qui va prendre un énorme sens dans Madoka....     Le plus gros morceau de l’œuvre réside dans sa vision plutôt religieuse et philosophique du genre. Si les gens disent que Madoka est un peu la Evangelion des Magical Girls, c’est pas pour rien !     En tout cas, Madoka est belle et bien une anti-Magical Girl !   C'est moi où j'ai l'impression que c'est une référence à l'album Wish You Were Here des Pink Floyd ?                         Tiens mais c’est vrai ! Si on le veut vraiment on peut complètement effacer la douleur !   Parlons maintenant de ce qui fâche dans Madoka. En vérité, j’ai pas grand-chose à lui reprocher mais si on cherche bien, on trouve deux ou trois petits défauts.   La première concerne quelques points scénaristiques un peu flou. Ce qui me viens en tête est le Walpurgis (qui n’a rien à voir avec un livre noir, je vous rassure 😅), c’est un événement qui arrive tard dans l’intrigue et tombe un peu comme un cheveux dans la soupe. À aucun moment on va réellement expliquer d’où viens le Walpurgis, ni même comment elle s’est formée. On explique bien la base de cette événement et on devine bien plusieurs choses mais même en devinant, cela reste flou….     Il y a aussi un personnage qui est très peu développée et c’est Mami ! Étrangement c’est le seul personnage qui ne soit pas approfondie, on sais pas grand-chose d’elle et son passé reste très mystérieux. Il y a bien un concept autour de ce personnage qui lui donne de la profondeur mais ça reste léger selon moi. Je comprend que ce manque de développement soit dû à l’intrigue mais il n’empêche que ça reste dommage qu’elle ne soit pas si approfondie, surtout qu’elle est quand même charismatique….     Histoire que je chipote encore un peu, il y a aussi quelques éléments scénaristiques qui sont expliqué un peu trop tard. D’abord, le Walpurgis comme je l’ai déjà mentionné mais en vérité je pense à des choses plus simple. Miki Sayaka est amoureuse d’un garçon nommé Kyosuke, on apprend pas grand-chose sur ce garçon mais ce n’est pas si grave puisqu’il reste très en retrait dans l’intrigue (contrairement à Mami). Cependant, pendant mon visionnage je me suis posé une question simple : C’est qui Kyosuke par rapport à Miki ? Je ne parle pas par rapport aux émotions mais par rapport à leur relation : Comment ce sont-ils connu ? Miki la rencontrée par hasard ? Ami d’enfance ? Etc…. On le saura finalement assez tard et en plein milieu d’une conversation, je trouve dommage qu’on n’a pas précisez dès le début le rapport entre les deux là, parce que je pense que pour comprendre une relation entre deux personnages, la base est d’expliquer comment ils se connaissent. Pour Miki, je trouve que l’on apprend trop tard cette histoire surtout qu’il y a une révélation à ce moment, donc si on n’est pas attentif, on ne fait pas attention…..     On m'avais dit pourtant que c'était mignon....du moins les deux premiers épisodes.   Un autre défaut….qui en faite n’en n’est pas un à proprement parlé puisqu’elle concerne l’intégral en tant que tel. Voyez-vous, depuis peu j’ai arrêté mon abonnement Netflix parce que je voulais me concentré sur mes DVD et puis que j’aime bien avoir une collection de ce que je regarde. J’avais déjà vu Madoka il y a plusieurs années de cela et j’avais envie de m’acheter l’intégral sachant que cette série me plaisais….mais je ne l’ai pas trouvé, en faite, il n’existe pas chez nous !   Il existe bien des intégral de Madoka, en Italie, en Grand Bretagne, en Allemagne, en Espagne mais pas chez nous, pourquoi ! Pour moi, c’est incompréhensible parce qu’on parle d’un animé très connu, l’intégral Japonnais ce sont vendu comme des petits pains (53 000 exemplaire pour le 1er coffret et 50 000 pour les autres) alors pourquoi on n’a pas eu le droit à un intégral chez nous ?   Le problème s’appelle Wakanime, ils ont l’exclusivité de la licence chez nous et ils ont pas envie de faire un intégral DVD pour gagner/Préserver un public qui paye son service de streaming légal. Il est aussi sur Netflix mais pas en DVD donc si vous voulez avoir l’animé pour vous dans une bibliothèque, vous pouvez oublier….à moins que vous créer votre propre intégral (ce que je fait actuellement). J’aurai pu acheter un intégral en import mais le problème c’est qu’il n’y a pas de sous-titre français mais uniquement Anglais. Si quelqu’un à l’intégral, je serai curieux de savoir quelle édition il a pris.   Autre chose aussi, il n’existe pas de VF de la série ! En général, quand c’est un animé peu connu il y a de forte chance qu’il y a pas de VF mais là on parle d’une série connue, c’est plutôt rare. Seuls les films ont droit à une VF mais j’en parlerai en tant venu.   Tu veux un bonbon ?     Maintenant il est grand temps de parler de ce qui me dérange vraiment dans cette série, une fois de plus ce n’est pas par rapport à la série à proprement parler mais plutôt de ce qu’on en dit. Quand j’ai fait des recherches sur cette animé, le mot que j’ai souvent vu pour désigner Madoka est « Révolution », si j’avais écrit cette review il y a des années plus tôt, j’aurais probablement dit que c’était le cas, Madoka est bien une série révolutionnaire. Cependant, je trouve que de nos jours, ce n’est plus vraiment le cas, en faite, je pense que Madoka n’est pas si révolutionnaire que ça. Pourquoi ce changement d’avis ? Est-ce que mon deuxième visionnage m’a prouver cette affirmation ? Non, même après plusieurs années, je trouve que cette série à bien vieillit et est toujours aussi agréable à suivre.   "Mais alors pourquoi pense tu que Madoka n’est pas une révolution ?" Pour cela, il me faut la définition du mot « Révolution ».   Selon le Larousse, la révolution est un «  Changement brusque, d'ordre économique, moral, culturel, qui se produit dans une société », dans notre cas, ça reviens à dire que Madoka est un changement brusque dans le domaine du Magical Girl, ce qui implique deux choses :   - D’abord, qu’aucune Magical Girl n’a jamais fait ce que Madoka a fait à l’époque. - Deuxièmement, que Madoka est la première à avoir créer ce changement brusque (dans son domaine).   Je pense que ces deux affirmations sont fausses.   Si on reprend plusieurs éléments de ce que j’ai cité plus tôt comme l’ambiance sombre, des Magical Girl qui se battent entre elles, la violence ou encore l’aspect psychologique de l’œuvre, ils sont présent dans d’autres Magical Girls avant elle, quand je dit ça, je pense fortement à une œuvre précise: Sailor Moon !   Oui, tout ça était présent dans Sailor Moon ; L’ambiance sombre dans les deux derniers épisodes de la saison 1….     Mais aussi le dernier quart de la saison 2 ou encore le troisième film sorti en 1995. Sailor Uranus et Neptune laissent à plusieurs reprises Sailor Moon et les autres dans la mouise dans la saison 3 et travaillent uniquement pour elles. Sailor Jupiter se bat avec Sailor Uranus dans l’épisode 7 ou encore la violence des monstres qui vole les cristaux de cette même saison (et le 1er film aussi). Enfin, tout ce qui entoure Black Lady est très psychologique (j’en parlerai bientôt mais pas encore tout de suite).   Comprenez bien que je ne descend pas Madoka mais plusieurs éléments  dite « Révolutionnaire » l’on été il y a 20 ans. Quand à l’idée qu’on avais jamais fait d’anti-Magical Girls avant Madoka, c’est tout aussi faux puisqu’un Manga/OAV nommé Alien9 avais déjà pratiquer ceci en 2001 (pas de magie mais de la technologie ; la mascotte est un truc dégueulasse ; personne ne veut être une Magical Girl etc....), donc oui Madoka est en retard de 10 ans pour être désignée comme une révolution.   Par contre, Madoka est celle qui a démocratiser ce mouvement, elle a développée et approfondie son domaine contrairement aux autres qui ont juste ‘tâter le terrain’ et ça on ne peut pas l’enlever.   Le Saviez-vous ? Quelques Anecdotes en vrac !   Parce que j'aurai jamais le temps de tout dire, voici une petite liste non exhaustive :   - La dessinatrice avait commencée par dessiner les armes pour savoir comment dessiner les personnages. - L’ Opening contient une référence à Sailor Moon, Madoka imite les poses des Sailors (Venus à 0:25; Mercury à 0:33 et Jupiter à 0:28), il y a aussi une référence à Sally la Petite Sorcière à 0:27. - La série a été regardé par 100 000 personnes et le dernier épisode fût suivi par un million de spectateurs ! D'ailleurs, les deux derniers épisodes ont dû être reportée à l'époque à cause du séisme de 2011 qui provoqua l'accident nucléaire de Fukushima. - En Amérique, les Magical Girls sont étudié dans certaines universités : https://adala-news.fr/2016/12/les-animes-magical-girl-etudies-a-luniversite-americaine-de-caroline-du-sud/      Du coup, est-ce que Madoka est une Magical Girl qui mérite sa place avec les autres ? Assurément ! A t’elle apportée quelque chose au genre ? Sans aucun doute ! Est-elle un très bon anti-Magical Girls ? Carrément ! Mais est-elle une révolution pour le genre ? Pour moi, Non !   Je sais que tout le monde ne sera pas d’accord avec ça mais dans tout les cas, Madoka est une série qu’il faut voir au moins une fois et là on est tous d’accord ^^   Exemple de plan rapproché très court dans la durée. Pas la peine de faire la gueule Homorua, la série n'est pas révolutionnaire mais reste génial !                        Vous les copains, je ne vous oublierai jamais ! (Conclusion)   Acclamée par la critique, adoré des fans ou non du genre, Puella Magi Madoka Magica est en plus d’être un très bon Magical Girl, un très bon animé tout court ! On pourrait même dire que c’est un chef-d’œuvre si on prend en compte le fait qu’elle possède de multiple interprétations et que chacun voit l’œuvre comme elle l’entend. Pour ma part, je vous conseille cette série courte de 12 épisodes pour aborder le genre des Magical Girl si vous êtes à la base pas friand de ce genre !   Je ne sais pas pour vous mais tout ça sent la rébellion…..   Parce qu'Homorua le veut bien ! 😆    
DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

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Détective Conan

C'est quand même étrange que depuis que je publie mon avis sur un blog, je n’ai jamais vraiment traité un animé de mon enfance alors que la majorité des animés que je traite sont issus des années 90, époque où j’ai connu beaucoup d’animé étant très jeune. Les deux animés que j’avais vu à l’époque était Sailor Moon et Neon Genesis Evangelion mais j’étais trop jeune pour bien m’en rappeler, si ce n’est qu’ils m’avaient marqués par la chaleur amical que m’avais procuré l’un et par sa violence pour l’autre. Bien sûr, j'ai vu d'autres classiques mais je n'en n'ai jamais parlé. C’est décidé, je vais parler d’un animé de mon enfance et dont j’en est un souvenir clair, un animé que j’aimai suivre à l’époque. J’aurais pu choisir Ranma 1/2 mais c’était plus mon frère qui en était fan, Dragon Ball Z ? Pareil, non il fallait un animé propre à mes goûts. C’est en voulant me renseigner sur Doraemon pour un potentiel billet que je me suis souvenu qu’il y avait un animé dont j’étais plutôt fan étant jeune, comment ai-je pu oublier cette animé : Détective Conan ! C’est un animé encore populaire au Japon et très aimé chez nous, je crois que son moment de gloire est enfin arrivé, laissez-moi vous présenté le plus grand des détectives….non pas Batman mais Shinichi Kudo !   Comment démarré un tel sujet sans vous diffuser le générique Français de l'époque, enjoy :   Cela a dus faire revivre des souvenirs parmi vous, j'en suis certain !                      Rien n'est petit pour un grand esprit !   Détective Conan est un manga de Gōshō Aoyama publié en 1994 et qui connaîtra une adaptation en animé dès 1996, c’est de son adaptation que je vais vous parler, mais avant tout, parlons de son auteur.   Gōshō Aoyama est principalement connu pour Détective Conan mais ce n’est pas son premier grand succès. En effet, avant Conan il avais fait Y∀IBA (Yaiba) entre 1988 et 1993 qui raconte l’histoire d’un jeune Samouraï, œuvre qui recevra le Prix Shōgakukan, prix prestigieux reçu par des auteurs comme Osamu Tezuka, Takao Saitō (Golgo 13), Leiji Matsumoto (Galaxy Express 999), Rumiko Takahashi (Ranma ½) ou encore Akira Toriyama (Dragon Ball).   Gōshō Aoyama est aussi connu pour Magic Kaito (1987) que les fans de Conan doivent bien connaître puisqu'il apparaît aussi de temps en temps dans la série, connu chez nous par L'insaisissable Kid, il ressemble à Arsène Lupin mais en blanc, perso il est stylé.   Il faut savoir que l’auteur de Conan s’est fait remarquer depuis le CP par une peinture qui  fût exposée alors que nous autres, quand on avais son âge, on nous disait qu’on faisait de la merde, j’ai jamais pardonné ma maîtresse de l’époque….Oui ? Gōshō Aoyama ? Ah oui ! Excusez-moi pour cette interlude inutile 😅 Sinon, Gōshō Aoyama est entouré par une famille de Scientifique, de médecin et de mécanicien. L’intérêt ? Disons que quand tu est mangaka, c’est plutôt pratique de raconter des histoire de meurtre quand ton frère est médecin, ça aide bien !   Le Saviez-vous ? Je me suis marié avec Conan....Non pas moi !   Parfois les relations amoureuses liées au métier du manga/Animation sont assez drôles. Vous ne le saviez peut-être pas mais Gōshō Aoyama s’est marié avec Minami Takayama en 2005, qui n’est rien d’autre que la voix de Conan dans la série. D'ailleurs, lors de leur mariage, les assistants d’Aoyama leur ont offert un chat de race et il devait s'appeler Conan mais la jeune femme décida de l'appeler Kaitō (ref à Magic Kaito) parce que, je cite " Conan, c'est moi ! "   Bon ça n’a pas vraiment duré puisqu’ils ont divorcés en 2007, soit à peine 2 ans de mariage…..Comme le chantais si bien Les Rita Mitsouko « Les histoires d'amour finissent mal, En général »   Malgré tout, Détective Conan reste la série la plus célèbre de l’auteur, c’est pas moins de 230 millions d’exemplaire et fess….Hum, Faisant de la série la 8ième Bande dessinée la plus vendu du monde, toute catégorie confondu ! Ce n’est pas tout ! Conan c’est aussi 12 OAV et 23 films, soit presque 1 film par an, ajouter à cela 2 série-live de 4 et de 13 épisodes. Et je garde le meilleur pour la fin, Détective Conan c’est 98 Tomes et 976 épisodes, c’est plus long que One Piece ! Chiffre temporaire puisque l’auteur continue de publier et la série d'être diffusé….et dire qu’on se plaignait des 200 épisodes de Sailor Moon 😄   J’ai oublié aussi de préciser que la série possède des épisodes spéciaux d’une durée de 45 minutes et que la série fait un total de 25 saisons ! Si je vous disais que j’avais vu les 976 épisodes pour faire ce billet, je vous mentirais comme jamais. Pour avoir un large aperçu, je me suis fixé à la première saison, soit une trentaines épisodes pour revenir en enfance (j’expliquerai ce chiffre plus tard).   C’est le studio TMS Entertainment qui s’occupe de l’adaptation pour la Télé, studio très connu puisqu’ils ont participés à des films comme Akira, Le Château de Cagliostro ou encore Cobra Le Film (3 films que j'adore au passage). On leur doit aussi la série D-Gray Man ou Sonic X.
On retrouve deux réalisateurs pour cette animé : Kenji Kodama, connu pour avoir réalisé les animés Cat's Eye (2ième saisons) et City Hunter (Série, Films et OAV), pour ce qui est de Conan, il a réalisé les épisodes 1 à 118. L’autre réalisateur est Yasuichiro Yamamoto qui a repris la relève de Détective Conan que ce soit pour la série ou les films. Il est plutôt habitué à travailler dans la technique que dans la réalisation, il a participé à des séries comme Georgie, Ah! My Goddess ou encore Angel Heart.   On ne pourra pas dire que Gōshō Aoyama ne sait pas faire des personnages charismatiques !                       J'ai dix ans , je sais que c'est pas vrai Mais j'ai dix ans, Si tu m'crois pas hé, Tar' ta gueule à la récré !   Pour les plus jeunes d’entre-vous qui ne connaîtraient pas cette série, Détective Conan raconte l’histoire de Shinichi Kudo, un jeune ado de 17 ans qui a une capacité de déduction hors du commun et des talents de détective extraordinaire. Malheureusement pour lui, il s’est mêlé à une transaction énigmatique entre deux hommes et qui semble être liée à une organisation criminelle. Pris par surprise, Shinichi se fait assommer et empoissonner par ces deux hommes en noirs, poison qui a pour effet de rajeunir Shinichi en enfant de 10 ans. Suite à cette accident, il sera hébergé par sa petite amie (non avoué), Ran Mōri, qui s’avère être la fille d’un détective raté nommé Kogoro. Pour la protégée des hommes en noirs, Shinichi va prendre pour nom Conan, prénom inspiré de Sir Arthur Conan Doyle, l’auteur de Sherlock Holmes, son idole.   Son sens de la justice va l’amener à résoudre différents enquêtes tout en traquant les Hommes en noirs pour retrouvé sa taille. Dans ses enquêtes, il sera parfois aidé du professeur Agasa qui lui fera des gadgets comme le fameux nœud de papillons qui modifie sa voix ou les chaussures qui augmente sa force de frappe !   Malheureusement pour Conan, sa course-poursuite contre les hommes en noirs va durer plus longtemps que prévu, notamment à cause des multiples enquêtes qui vont occupé notre génie…..et aussi parce que les hommes en noirs se cachent très bien.   Le Saviez-vous ? Les références Policières de Conan.   Si le prénom de Conan sonne comme une évidence pour ce qui est d'être une référence à Sherlock Homes, savez-vous cependant que ce n'est pas la seul référence à des romans policier ? Ran Mouri est un dérivé de "Morisu Ruburan", prononciation Japonaise de Maurice Leblanc, le créateur d'Arsène Lupin.  Juzo Megure viens de Jules Maigret, le fameux détective, de plus, en VF il s’appelle directement commissaire Maigret. Kogoro Mouri viens Kogoro Akechi, un détective de l'auteur Edogawa Rampo. D'ailleurs, l'acteur qui a joué le personnage d'edogawa Rampo a joué aussi le personnage de Kogoro Mouri dans le drama !   Ceci ne sont que quelques exemples mais le manga contient plein de référence de ce genre.    Ce qui m’amène au premier point de l’animé, les enquêtes sont variés et sont très souvent passionnants. Les enquêtes sont majoritairement des meurtres mais il y a aussi des tentatives d’attentats, des kidnappings, du chantage ou encore des codes mystérieux à déchiffrés et j’en passe….   Mais la variété des enquêtes ne se limite pas qu’à ça, il y a aussi de la variété dans chaque type d’enquête et dans sa résolution. Par exemple, les meurtres ‘Classiques’ ont pour but d’être à la recherche du coupable mais il arrive qu’on sais dès le début qui est le meurtrier, l’enquête se limite alors à défoncer l’alibi du coupable. Parfois, les types d’enquêtes sont dur à définir due aux nombreux mystères qui entoure l’enquête de l’épisode, par exemple, un épisode commence par une histoire de harcèlement pour finir dans l’empêchement d’un meurtre.   Je pense que vous avez compris que l’un des gros points forts de la série est la variété des histoires et ce n’est pas tout. Son auteur se veut être très malin dans ces histoires, notamment dans la révélation du meurtrier et ses aveux qui conclus l’enquête mais aussi dans le déroulement de ces histoires.   Si l’auteur a fait rajeunir son héros, ce n’est pas que pour créer un style, cette contrainte permet de créer un suspens et de mettre des bâtons dans les roues de Conan. Shinichi est incroyablement très intelligent et malin pour résoudre rapidement des enquêtes mais son problème de taille lui pose bien des soucis. D’abord, il doit masquer son identité pour éviter que les hommes en noirs ne s’en prennent à lui et à son entourage, ce qui d’ailleurs, est parfois plus mis en avant que l’enquête en cours.   Et oui, parfois c’est son entourage qui met des bâtons dans les roues, notamment Ran qui a des doutes sur l’identité de Conan, ce qui est très souvent propice à de l’humour, surtout que c’est la seule qui se pose des questions, non franchement, j’ai l’impression qu’elle est entouré d’idiots.   Un autre bon point pour Détective Conan est son ambiance ou plus précisément son style. Peut-être qu’en voyant le chara-design des personnages, vous vous êtes dit que c’est plutôt enfantin, il faut dire que l’auteur à un style très reconnaissable (c’est un compliment, si vous avez des doutes). Cependant, on parle d’enquêtes, de crime, de meurtres et l’auteur n’hésite pas à être précis dans ses détails morbides et aussi par la présence de sang….je suis sérieux, les meurtres sont souvent un bain de sang.   Le réalisme de l’œuvre s’oppose bien à ce style ‘enfantin’ sans pour autant que cela deviennent perturbant et ça créer un style visuel que j’aime bien. Par exemple, le tout premier meurtre de la série (épisode 1) est trash puisque la victime se fait décapiter la tête sur un manège et ça gicle bien !   Ah oui ! C'est sanglant quand même (et j'ai pris des exemples soft)   Les personnages sont tous….euh, presque tous attachants, pour ceux qui se demande qui je n’aime pas, il s’agit des gamins qui suivent Conan dans ses pattes, ça reste personnel mais ils me gonflent, en plus à force de voir des crimes je suis étonné qu’ils ne sont pas actuellement entrain de suivre une très long thérapie.   L’OST n’est pas en reste non plus, les thèmes sont très reconnaissables. Le son est très jazzy, qu’il soit rythmé ou pas et ça donne un cachet à l’animé, Conan est une série qui à un style propre visuellement et dans sa sonorité. j’aime bien le thème où le coupable est dévoilé et raconte pourquoi il a commis son acte. Attendez ! On me dit à l’oreille qu’il existe plusieurs thème d’affaire résolu ! En effet, il existe plusieurs thème pour une même chose, c’est plutôt rare parce qu’on est plus souvent habitués à des variations que de nouveaux thème.   Quoi qu’il en soit, l’OST de cette animé est mythique et je vous conseille d’aller les écouter.   Voici le thème de Ran qu’on entend très souvent dans la série :   Et voici le même thème dans une variation plus ‘triste’ :   Pour finir voici un des thèmes d’affaire résolue (c’est celui que j’aime bien) :   Cela tombe bien qu’on parle d’ost triste parce qu’il faut que je vous raconte une petite anecdote. Quand j’étais petit, je ressentais toujours une forme de tristesse en voyant Ran, je trouve que c’est un personnage très profond malgré qu’elle soit discrète, justement sa discrétion est ce qui rend ce personnage intéressant.   Sans manquer de respect, Ran n’est pas toujours utile lors des enquêtes, en faite c’est même plutôt rare mais alors pourquoi est-elle là ? Pour mettre des bâtons dans les roues de Conan ? D’une certaine manière. Pour satisfaire les fans ? Probablement mais je pense que sa présence est avant tout pour rappeler que Conan n’a pas toujours été Conan.   Ran est un personnage très mélancolique qui souffre de l’absence de Shinichi au point même que le simple fait de la voir vous rappelle le fardeau qu’elle porte. Bon, c’est pas constant dans la série mais ça revient très souvent et quand j’étais petit garçon, ça m’affectais beaucoup.   Si je vous raconte ça c’est surtout pour dire qu’on s’attache aux personnages comme le père de Ran, le commissaire Maigret et potentiellement ces petit mer….merveilleux Ayumi, Mitsuhiko et Genta (je suis méchant, je sais)   Et oui ! Même les plus grands détectives ont besoin de gadget comme Ami Mizuno (oui elle n'est pas détective mais bon elle est intelligente)               Petit frère veut grandir trop vite mais il a oublié que rien ne sert de courir, petit frère.   On ne s’en rend pas forcément compte mais « Populaire » ne rime pas nécessairement avec « Qualité », non pas que Détective Conan sois mauvais mais il faut reconnaître qu’il n’est pas parfait non plus. Malheureusement, certaines séries sont plus difficile à regarder que d’autres malgré leurs réputations et leurs éloges. Ce que j’essaye de dire, c’est que certaines séries ne font pas vraiment en sorte de vous motiver à continuer de la regarder….c’est hélas mon cas avec Détective Conan.   « Comment ? Tu n’as pas aimé ? Scandale ! Au boucher ! À l’assassin ! Menteur ! Pharisien ! »   Laissons de côté l’avis des fans hardcore de la série et soyons honnêtes entre vous et moi. On a tous au moins entendu parler d’une série que tout le monde aime bien….tout le monde sauf vous.   Combien de fois ai-je entendu dire qu’Evangelion est une série nul où on suit qu’un pleurnichard/Trouillard où encore que Sailor Moon est une cruche (pour resté poli) La vérité est qu’ils n’ont pas aimés (ou pas vu la série 😅) mais dans tout les cas, ils ont droits de ne pas aimés, quitte à se prendre la foudre des fans.   En sois j’aime beaucoup la série et son concept mais malgré toute ma bonne foi, quand on fixe son propre visionnage à la première saison, c’est à dire 42 épisodes et qu’on le descend à 30 épisodes pour finalement faire 20 épisodes….c’est qu’il y a un problème.   Mon problème lors du visionnage a été la motivation qui a descendu très vite, pour dire vrais au bout de 10 épisodes j’en avais marre. Le problème c’est que Détective Conan est une série qui n’évolue pas ou du moins sur un trop long terme. Au fond, c’est toujours la même chose, des enquêtes qui se suivent et qui n’ont pas de lien entre eux et avec l’intrigue.   Le vrai problème reste que la série n’a pas vraiment de fil rouge pour motiver un visionnage sur un long terme, plutôt ballot comme défaut quand ta série fait presque mille épisodes.   « Mais bien sûr qu’il y a un fil rouge avec les hommes en noir ! »   Les hommes en noir parlons-en ! On les vois jamais, on parle beaucoup d’eux dans les 5 premiers épisodes puis plus rien, nada, que dalle ! Je ne les ai plus jamais revus, on ne les mentionnes plus et on fait que de suivre une série d’enquêtes qui n’ont aucun rapport entre-elles et encore moins liés aux hommes en noir. Je sais qu’on les revois mais c’est pas tout de suite et quand je dis « pas tout de suite », c’est vraiment pas tout de suite.   « Pourtant Sailor Moon à le même bin’s et pourtant tu as accroché »   Oui, tout simplement parce qu’il y a une ligne directrice, certes très (trop) étirée avec des fillers mais il y a une ligne directrice. Les fillers sont liés à l’intrigue, on voit les méchants complotés et agir, parfois ça ne sert à rien mais c’est quasiment toujours lié à l’intrigue, je n’ai vu qu’un épisode qui n’était pas lié à l’intrigue dans la deuxième saison ! Pour Conan, sur les 20 épisodes que j’ai vu, il y en avait 15 épisodes qui n’était pas lié à l’intrigue, c’est pas pareil !   Je sais bien, qu’on ne regarde pas Conan pour son intrigue mais qui a envie de regarder une série où les épisodes s’enchaînent sans lien et que l’intrigue sert à la limite de prétexte à des péripéties ? Personne sauf les fans !   « Mais alors pourquoi les gens conseillent de le regarder ? »   Parce qu’ils sont fans tout simplement ! Ils peuvent regarder pendant des heures cette série mais il faut se mettre dans la peau d’un spectateur moyen, à moins d’être un grand fan, c’est dur de regarder entièrement Conan malgré ces qualités indéniables.   C’est finalement le problème des Shonen des années 90-2000, ils durent tous une éternité (sauf exception bien sûr). On abusais tellement sur les fillers que ça dégoûtait les gens de continuer à regarder la série et si de nos jours, on privilégie des Shonen sans fillers, c’est pas pour rien.   Il faut comprendre que plus un Manga était populaire, plus son intrigue était étiré et c’est principalement pour ça que je ne regarde quasiment jamais de Shonnen Nekkestu. Si Détective Conan dure aussi longtemps c’est parce qu’il est victime de son propre succès, l’auteur doit étiré sa propre intrigue selon le désir de son éditeur et l’auteur ne s’en plaint pas parce qu’il gagne de l’argent et comme c’est dur de gagner sa vie en étant Mangaka, il va pas cracher dans la soupe, c’est normal.   Le pire dans tout ça c’est qu’il y a très peu de filler dans cette série, cette enchaînement d’enquêtes est propre au manga ! J’avais peur dans un premier temps que ce reproche était propre à moi mais après quelques recherches, que fût ma surprise de voir que je n’étais pas le seul à reprocher à cette série sa longueur inutile et surtout son manque de ligne conductrice dans son intrigue.   C’est bête au fond parce qu’il aurait simplement suffit de liés les enquêtes aux hommes en noirs pour que j’accroche plus, c’est pas grand-chose mais ça fait toute la différence. De même que je sais qu'il a un développement de l'univers de Conan avec de nouveaux personnages, des révélations sur le passé de tel ou de tel personnage mais c'est rare et j'ai l'impression que ça concerne que les dernières saisons.   L'intrigue principal avance troooop lentement, même Ran en a marre !   Ce manque d’évolution entraîne aussi un manque de développement des personnages, je veux dire par là que chaque personnage joue un rôle propre à lui comme un rôle archétypal. Kogoro Mouri restera ce détective « incompétent » mais drôle, Conan résoudra toujours les enquêtes, Ran restera cette fille forte mais triste ou encore Genta qui restera toujours un gros boulet. Certes, il est vrai que le fait d’avoir finalement peu vu cette série n’aide pas à mon argumentation mais du peu que j'en est vu, c’est toujours un peu la même chose.   Disons que j’aurais aimé que la série « bouleverse » un peu ce quotidien, quelque chose qui ferait en sorte de mettre des bâtons dans les roues de Conan comme Ran qui ferait son enquête pour retrouver Shinichi Kudo. Et quand je dis ça, c’est pas genre sur un épisode, ça serait sur le long terme. Ça pourrait être aussi des enquêtes qui ne se résout pas sur le moment comme un sérial Killer qui ferait plusieurs victime comme le film Seven par exemple.     Un autre défaut de la série qui sert un peu de coup de grâce est le concept de cette animé qui tourne vite en rond : Situation normal qui est perturbé par un crime (meurtre, connaissance d’un mystère ou autre), Conan qui mène l’enquête puis révèle la solution pour retourner à une vie normal.   C’est et ça sera toujours comme ça, j’ai presque envie de dire que Sailor Moon est plus varié alors qu’on sais à quel point c’est répétitif. On sent quand même que la série tourne en rond malgré sa diversité mais comme ça s’ajoute à son manque de ligne directrice….c’est à ce moment que j’ai ressentie la lassitude.   D’autant, que les enquêtes sont plutôt inégaux entre-elles, certains sont plus intéressant que d’autre. En faite, je ne me suis jamais véritablement ennuyé devant une enquête mais c’est toujours décevant de découvrir le meurtrier ou l’astuce avant l’heure et pour une série policière, ça reste ballot. Déception encore plus grande quand l’épisode est vraiment bien comme la série de meurtre au Sonate au clair de lune (épisode 11)…..     Et parfois l’inverse se fait ! C’est à dire qu’un épisode va paraître pas terrible mais sera en réalité bien parce qu’il aura sût me menez en bateau comme l’épisode où Ayumi se fait kidnapper (épisode 12) ou celui avec un étrange sniper (épisode 14). Quand je dis qu’un épisode ne va pas paraître « terrible », ce sont les épisodes où Conan (et nous) se coltine les trois chieurs de la série : Ayumi, Mitsuhiko et Genta, j’ai du mal avec eux et on les vois beaucoup.   Si seulement, Si seulement.... / Dessinateur en herbe et fan du manga, à vous de jouer  👽     Un autre point un peu bizarre de la série. La véritable identité de Conan permet à certain enquêtes d’être un peu plus croustillant parce que Conan doit se cacher de Ran qui lui reproche d’être parti par exemple. Il arrive même que Ran a un gros doute sur Conan…..puis elle oublie tout !   J’exagère un peu mais on n’est pas non plus si loin de la réalité. À l’épisode 7, Ran réalise que c’est Conan qui avait résolu les enquêtes précédents et qu’il a un sens de déduction peu commun (comme le Hooper ?), l’épisode fini même sur Ran qui comprend que Conan joue un double jeu…..puis plus rien, elle à oublier, plouf…..disparu ! J’entends très souvent dire que les femmes sont compliqué mais pas à ce point là ! 😅   Et que dire des autres adultes qui ne sont pas capable de voir des évidences dans certaines enquêtes. Je pense à l’épisode 19 où la victime se fait tuer dans un ascenseur mais le corps fait face à l’ascenseur au lieu d’être dans l’ascenseur. Il y a 5 adultes (6 avec le coupable) dont un policier, un gardien de l’immeuble, un inspecteur et un détective privé et sa fille. parmi tout ces gens, personnes n’a remarquer ce détail alors qu’il y a 3 personnes dont c’est le métier de voir ce genre de détail.   Je sais que c’est pour mettre en avant les capacités de Conan, quand c’est des crimes assez tordu ça marche très bien mais quand c’est des éléments aussi bidon que cette histoire de corps dans l’ascenseur, ça deviens bête au point de croire que Conan est entouré d’incapable !   Bref, c’est dans ce sens que je trouve les enquêtes inégaux.   Le Saviez-Vous ? Quelques Anecdotes en vrac.   Voici une petite liste d'anecdotes sympathique :    - Il existe au Japon des bonbons qui reprend le médicament qu'avale Shinichi Kudo de force.    - Aux Etats-Unis, la série s’appelle Case Closed.    - L'auteur soufre apparemment d'une maladie rare aux niveaux des doigts à force de dessiner Conan.    - L'auteur saurait déjà comment le manga se terminera.      - La préfecture de Tottori où est naît l'auteur est considéré comme le berceau de la création de Détective Conan, Cela attire beaucoup de fan et les habitants rendent souvent hommage au manga en faisant des sculptures et même un pont porte le prénom de Conan (avec plaque commémorative).   Finissons avec le doublage Français qui est pour ma part dur à juger puisqu’elle fait partie des VF de mon enfance mais je dirais qu’elle collent bien. On peut parler d’une interprétation propre de la VF qui respecte bien l’univers du manga. Bon, pour une fois que j’ai pas du mal à dire de la VF, on va parler de censure et c’est une toute autre histoire.   Pour la petite histoire, les chaînes de télévision françaises ont achetés les droits de l’animé pour les 214 premiers épisodes mais seulement 170 épisodes ont été diffusés sur des chaînes publiques. D’abord, 214 épisodes c’est pas grand-chose pour nous pauvres français, ce qui donne une sensation qu’on est passé à côté d’un truc, sensations qui n’a fait que d’accroître lors de mes recherches, j’ai quand même était surpris de voir du Détective Conan avec la technologie visuelle de nos jours.   Puis, vous vous êtes probablement demandés pourquoi la France n’a diffusé que 170 épisodes alors qu’elle en a acheté 214, la réponse est simple, la censure ! C’est quand même dingue quand on y pense mais il faut vraiment croire que la France aime acheter ce qu’il connaît pas ou mal. Non pas que ce soit un défaut (j’achète aussi des choses que je ne connais pas) mais c’est plutôt le regard de la télévision et particulièrement des politiciens (oui oui les deux sont liées hélas).   Le problème de ces gens est qu’ils sont très fermé d’esprits et qu’ils sont encore persuadés que les animés Japonnais sont des dessins animés pour enfants…..certains oui mais d’autres non ! Vous savez, ma passion n’est pas toujours vu d’un bon œil dans mon entourage à cause de cette fermeture d’esprit de croire que les dessins animés pour adultes n’existe pas et que c’est pour les enfants (laissant supposé qu’on est immature).   Même si de nos jours, les mentalités changent un peu grâce à la multiplication de dessins mature (je ne parle pas des Hentai hein 😅), la vérité c’est que les Japonnais était en avance sur nous depuis bien longtemps….mais bon, depuis quand la France est en avance sur les autres, hein ?   Je parlais de quoi déjà ? Ah oui ! La censure ! Le lien avec tout mon blabla sur les mentalités c’est que Détective Conan est bien plus mature qu’on ne le croit et que certains meurtres sont plutôt Trash je vous rappelle (coucou le 1er épisode). Par conséquent, diffuser un dessin (à l’époque c’était plus vu comme un dessin qu’une série) qui met en scène des meurtres sordides avec des détails peu réjouissant,diffusé lorsque les gamins rentraient de l’école ainsi que le Samedi et le Dimanche matin….comprenez que la Télé à un peu flippé.   Je comprend l’utilisation de la censure mais ils ont été jusqu’à ne pas montrer des éléments importants pour comprendre l’enquête, voire tout représentation du corps de la victime. Voici un petit exemple de censure qui gâche l’expérience :       Bon, la bonne nouvelle c’est que les dialogues n’étais pas affecté par la censure, ce qui fait qu’il est quand même regardable, amoindri certes mais regardable.               Allez bye bye, déjà, Il faut que l'on s'en aille, Chacun sa route et son étoile, On dit, déjà, bye bye ! (Conclusion)   Alors mes retrouvailles avec Conan c'est-il bien passé ? Je ne peux m’empêcher d’avoir un goût amer. Comprenez-moi bien, j’aime bien la série, c’est vrai je n’ai pas passé un mauvais moment mais le problème c’est que Détective Conan est une série qui n’est pas fait pour moi à mon grand regret. À court terme, Détective Conan permet de passer un bon moment mais sur le long terme, l’ennuie s’installe, son manque de progression a tué ma motivation, je n’avais qu’une envie : passez à autre chose.   C’est dommage pour moi car j’affectionne les personnages (sauf les trois gamins, faut pas exagérer non plus XD) et son univers, je suis conscient que je passe à côté de quelque chose mais j’ai juste pas envie d’attendre plusieurs saisons pour voir une toute petite progression.   Je vais faire un dernier parallèle avec Sailor Moon, je suis en train d’achever la deuxième saison dans son intégralité mais pour le visionnage, je me suis pris autrement. J’ai regarder Sailor Moon uniquement un jour par semaine, allant d’un épisode à 4 selon l’humeur du jour. Devinez quoi ? Ça a été beaucoup plus agréable, j’ai mis trois plomb mais ça a été agréable et c’est à ce moment que j’ai réalisé que j’aurais dû faire pareil avec Conan, le résultat n’aurais pas été garantie mais cela aurait été plus agréable.   Alors il ne faut pas regarder Conan ? Bien sûr que non, bien au contraire. Je ne dirais pas qu’il faut le voir absolument mais qu’il faut lui laissez sa chance, je sais que cette conclusion va en déplaire à plus d’un mais n’oubliez pas que si vous êtes fan de la série, c’est que vous avez su capter la véritable force de cette série, ce que je n’ai pas pu faire. Comme tout série, soit on adore, soit c'est sans plus. Alors ne crachez pas votre haine et soyez compréhensif sur le fait que les goûts et les couleurs dépend de chacun….par contre que des gens n’aime pas Evangelion alors là ça me dépasse ! 😜  

Macross Do You Remember Love ?

La vie est faite d’imprévus ! Je ne dit pas ça à cause de ce l’on vit actuellement mais plutôt parce que j’ai eu les yeux plus gros que le ventre. J’aurais dû vous parler d’un autre animé pour ce mois-ci mais le problème est qu’il s’agit d’un gros morceau et que je n’ai pas encore tout vu, ni tout écrit. Par conséquence, j’ai dû vite trouver un autre sujet et dans ce genre de cas, j’aime bien parler d’animé qui m’a bien marqué lors de son visionnage. Cela tombe bien car le film du jour est un film que je voulais vous présenter depuis un petit moment. Ce film n’est rien d’autre que Macross Do You Remember Love ? Qui est aussi un bon gros morceau dans l’animation car c’est un film culte au Japon. Pour une fois, nous allons parler de mécha sans pour autant que ce soit Evangelion…..il faut varié les plaisirs n’est-ce pas ?   à gauche, l'affiche japonnais du DVD et à droite la VHS Française du film !                  C'est l'amour, c’est l’amour mour, mour, mour !   Avant de parler de ce film et de son univers, il est important de comprendre l’importance du sous-genre Mécha dans l’animation Japonaise…...Petit cours d’histoire :   Les manga existe depuis le Xe siècle au Japon, c’était à l’époque des dessins satyriques. Le manga tel que nous le connaissons aujourd’hui date de l’après seconde guerre mondial, en particulier grâce à Osamu Tezuka, le père du manga moderne.   Les Mécha ont permis à beaucoup d’auteur dont Osamu Tezuka d’exprimer une certaine crainte envers la technologie. La science a pour but d’aider l’humanité mais également de l’amener vers sa destruction.   Il y a 3 séries cultes au Japon en matière de Mécha : Gundam, Macross et Evangelion. Bien sûr, on pourrait ajouter Maginzer Z ou Goldorak mais ces trois séries présentées plus tôt forme chacun un pilier assez conséquent dans l’animation japonaise et pour le genre Mecha. Il est fort probable que plusieurs séries seront à ajouter à cette liste et étonnant sois t-il, je ne suis pas assez fan des mécha pour les mentionner alors que j’adore Evangelion.   Gundam est la série qui a amener la notion de « Real Robot » qui l’oppose au « Super Robot », c’est à dire des très gros robot ultra puisant comme Goldorak par exemple. Les « Real Robot » sont des robots réalistes et sont plus vu comme des armes qu’on manie que des identités propre (si le Gundam n’a pas de pilote, il ne bouge pas alors que certains super robot n’ont pas besoin de pilote).   Puis un jour, le genre a encore évolué parce qu’un jour un bonhomme c’est dit :   « Et pourquoi qu’on ne mélangerait pas un Super Robot avec un Real Robot….ça pourrait être rigolo »   Ce qui donne Neon Genesis Evangelion, un super robot qui a une identité propre mais qui a besoin d’un pilote pour fonctionné, en plus d’une relation forte entre le robot et le pilote. Bon, j’ai expliqué très rapidement les types de mécha mais j’en conviens qu’il faudrait que j’approfondis le sujet un jour….mais Macross se situe où dans tout ça ? On le situe dans le Real Robot et est même considéré comme un rival de Gundam rien que ça.   Macross c’est avant tout une série de 36 épisode sorti en 1982 qui a eu la chance d’avoir été diffusé dans nos télé sur la Cinq en 1987 sous le titre Robotech. Je n’ai pas vu cette série et étonnant soit-il, je ne la conseille pas trop parce que ça a mal vieillit….et pas qu’un peu. J’ai vu quelques extraits sur Youtube et l’animation a prit un coup de vieux, si vous voulez vous mettre au Mecha, ne commencez pas par cette série par peur d’avoir un mauvais regard sur le genre (j’ai vu le 1er Gundam et autant vous dire que je le regrette encore aujourd’hui pour les mêmes raison).   Heureusement que c'était pas autre chose pour comprendre les relations Homme-Femme !   L’autre raison de pourquoi ne pas regarder cette série c’est parce que le film que je vais vous présentez sert de base à l’univers Macross….tout ce qui suivra ce film mentionnera les éléments scénaristiques comme base de l’univers, alors entre regarder une série un peu vieillotte et un film de 2 Heure, mon choix a été très vite faite.   S’ensuivra ainsi plusieurs séries, films et OAV dont le très célèbre Macross Plus que je vous présenterai un jour. La chronologie des Macross est un peu complexe mais pas autant que celui de Gundam, d’autant qu’il y a beaucoup moins de série que ce dernier, c’est simple, il n’y en n’a que 4 séries et à part la tout première série, ils sont sorti assez tard pour être appréciés.   Il existe des romans, des Drama CD et des jeux vidéo (le dernier date de 2013 sur PS3) sur cette univers, bref cette série est encore bien implanté au Japon.   Macross Do You Remember Love est un film sorti en 1984 et réalisé par Noburo Ishiguro qui a travaillé sur Astro Boy (celui de 1980) et Space Battleship Yamato II (1978). Il y a aussi Shōji Kawamori au poste de réalisateur sur ce film qui n’est rien d’autre que le co-créateur de la série Vision d'Escaflowne, de Sōsei no Aquarion et de plusieurs autres séries Macross. Ce n’est pas tout ! Il est le scénariste de ce film et est très célèbre en tant que mecha-designer puisqu’il a fait le design des mécha dans Ulysse 31 (1979), Ghost in the Shell (1995), Patlabor (1989) ou encore Eureka Seven (2005) sans oublier les séries dont il en est le co-créateur.   pour finir il a été le co-scénariste de la série Cowboy Bebop et qu’il a travaillé sur la licence de jeu Armored Core…..tout ça pour dire que si un jour, ce gars sonne à ma porte pour me vider le frigo, je lui déroule le tapis rouge.   Ce film été très ambitieux à l’époque car il fut le film d’animation le plus cher de son temps avec pas moins de 700 millions de Yens et a rapporter 1,8 Milliard de Yens au box office, pour un animé c’est énorme ! Il a aussi bénéficié d’une grosse publicité au point qu’il y avait des queux pour aller voir ce film au ciné.   Le Saviez-vous ? J’ai pas été là mais j’ai vu comment ça c’est passé !   Comme je le dit plus haut, ce film à bénéficié d’une grosse promo et que les gens attendez des heures avant de pouvoir voir ce film, au point de camper ! Si vous avez vu l’OAV Otaku No Video (1991), ce fait a été mentionné (les personnages attendent pour aller voir Nausicaa de la valée du vent) et c’est plutôt logique car la Gainax avait aidé à la production de ce film dont un certain Hideaki Anno en tant qu’animateur…..on le voit partout dis donc !     Autre anecdote, le croquis que vous voyez tiré toujours de cette OAV est le vrai croquis du film Macross.   Pour finir rapidement cette partie, plusieurs studio d’animation ce sont occupé de ce gros projet comme Tatsunoko Production (Speed Racer de 1967), Studio Nue (co-créateur de Macross) ou encore Artland (spécialisé dans la sous traitance). Sachez cependant qu’ils y a eu probablement d’autres studio qui ont participé à ce film vu l’ampleur du projet, j’ai eu vent un jour qu’il y avait une vingtaine de studio sur ce film mais je ne suis pas sûr bien que c’est probable.                  Mon petit copain est piloooooote ! (j’ai plus de voix)   On parle de Macross mais qu’elle est l’histoire de ce film ?   En 1999, un vaisseau extraterrestre s’est crashée sur Terre et fût reconstruit par les Hommes dans le but d’un voyage vers la lune, c’est ainsi que le SDF-1 Macross fut reconstruit. Malheureusement, l’Humanité étant conscient qu’un vaisseau qui s’écrase de nulle part ne peut que provenir d’un peuple avec une technologie très avancé, crainte fondé puisqu’en 2009 lors de l’inauguration du Macross, plusieurs vaisseaux extraterrestres attaque la Terre, précipitant ainsi le départ du Macross avec 50 000 personnes à son bord…..oui c’est une véritable forteresse.   Cependant, L’humanité a bien l’intention de se battre pour revenir sur Terre pour botter le cul des extraterrestres mais c’est plus compliqué que prévu….. En effet, les extraterrestres sont scindés en deux : Les Zentradi (ou Zentran) qui sont des Hommes géant de 15 mètre de Haut et réputés pour leur culture de la guerre, ils aiment bien tuer et détruire en gros. Puis il y a les Meltrandi (ou Meltran) qui sont des femmes géantes et font la guerre au Zentran parce que….euh, ben quand tu fait 15 mètre de haut tu peux chercher les cross à n’importe qui ^^   C'est moi ou cette image ressemble à une pochette de Queen ?    Le problème dans tout ça c’est que l’Humanité est au centre de cette guerre entre Zentran et Meltran, un peu comme quand un couple s’engueule tout en lançant des assiettes et que vous êtes au milieu, sauf qu’ici ce sont des géants et qu’ils ont chacun une armée de vaisseau, autant vous le dire vous êtes dans la merde 😅   Le film commence lors d’une attaque des Zentran sur le Macross, un jeune pilote nommé Hikaru Ichijô sauve la seule et unique chanteuse/Idole de l’humanité nommée Lynn Minmay, c’est comme si ils nous restait Mylène Farmer en tant que chanteuse pour l’Humanité. Ils finissent par ‘sympathiser’ mais ils vont se retrouver au centre de la solution dans la guerre Zentran/Meltran.   La question que vous vous demandez sûrement est pourquoi Macross connaît un sacré succès alors que quand on lit le scénario, c’est plutôt ‘classique’. Je ne serai pas surpris d’entendre que lors de la lecture de ce résumé, vous avez pensez à plusieurs animé comme Vandread ou tout autre space-opéra dans le genre….c’est normal puisqu’ils ce sont tous inspiré de Macross.   Le succès de Macross découle de trois points importants :   D’abord, le concept du Macross en lui-même est un bon argument. C’était plutôt ingénieux de faire un vaisseau Forteresse spatial où les gens vivent comme dans une ville géante. Contrairement à Gundam, les Hommes ne vivent pas dans des colonies construit fixe, le Macross c’est une forteresse qui flotte dans l’espace mais avec la sensation de vivre sur Terre avec des magasins, un stade etc.… j’ai toujours aimé cette idée.   Ce n’est pas tout puisqu’il faut que je vous parle des valkyries, ce sont les vaisseau que pilotes les humains pour se défendre et ils possèdent trois types de modes : - Le mode Fighter, le vaisseau est très proche d’un avion de chasse. - Le mode Gerwalk, pareil qu’avant sauf qu’il a des bras et des jambes (terrestre en gros). - Le mode Battroid, le vaisseau se transforme en ‘Gundam’ pour simplifier.   Il faut savoir qu’il existe plusieurs types de Valkyrie mais on sais tous pourquoi il y en a autant : L’ Argent ! C’est un peu les travers des Mecha mais le but premier de ces séries sont de vendre des jouets, c’est pourquoi il y a autant de vaisseaux et de dérivé. Je tiens à rassurer, Macross n’est pas la seule série à faire ce genre de pratique pour ne pas citer Gundam ou Evangelion.   Je ne sais pas pour vous mais je trouve qu'ils ont l'aire niais quand ils sourient comme ça !     Le saviez-vous ? Macross et la France   Lors de mes recherches sur ce film, je suis tombé sur une anecdotes plutôt étrange. Peu-être avez vous vu la série Robotech étant enfant qui n’est rien d’autre que le titre Français de Macross mais savez-vous qu’il existe des suites à cette série ? Quand je parle de suite, je veux dire des suites pas vraiment officiels.   Il faut savoir qu’en France, Robotech était vu comme une trilogie avec The Macross Saga (la série originale), The Masters et New Generation sauf qu’il y a un problème ! The Masters s’appelle Southern Cross et New Generation s’appelle Genesis Climber Mospeada au Japon et ces deux séries n’ont aucun rapport avec Macross !   Dans notre version, les séries ce fessaient références entre eux en mentionnant des personnages, des éléments scénaristiques etc. … il y a a eu tout un travail d’adaptation de ces univers alors qu’ils n’ont aucun rapport entre eux. C’est comme si Raxerphon était la suite officiel d’Evangelion en France alors que les deux univers n’ont aucun rapport, je crois que c’est la première fois que je vois ce genre de cas !   Le deuxième point concernant le succès de Macross est l’aspect musicale de l’univers. Je vous rassure, ce n’est pas une comédie musicale mais le film comporte plusieurs chansons, d’ailleurs la série en a aussi. Les chansons sont chanté par Lynn Minmay qui je vous rappelle est la seule chanteuse de l’humanité et qui par conséquence est la superstar du Macross. (Facile quand il n’y a pas de concurrence 😅)   Lors de mon visionnage, j’ai eu la chance de voir que le traducteur a traduit les chansons, certains sont assez mythiques si on prend en compte l’avis des fans de la série. Cette traduction m’a permit de voir à quel point les premières chansons sont, on va pas se mentir, assez mièvres. Pour faire simple, ça parle d’amour trop rêveur et presque illusoire et c’est justement ce qui est intéressant.   Oui, intéressant mais pourquoi ? Pour cela il faut que je vous parle du dernier point qui a fait le succès de Macross : Le triangle amoureux ! Vous vous attendez peut-être que je vous dise que Macross a amené cette notion dans les mécha mais c’est faux, on peut le voir déjà dans le tout premier Gundam entre Amuro, Char Aznable et Lalah Sune….     À la différence de Gundam qui ne dure qu’une partie de l’intrigue, le triangle amoureux dans Macross est beaucoup plus central sans pour autant être vraiment développé dans le film, c’est dommage. Cependant, les histoires d’amours sont quand même très présent dans Macross, ça ne se limite pas aux héros principaux, c’est toute une ambiance qui se dégage avec la musique pop de Lynn Minmay.   Le lien avec les chansons et le triangle amoureux est qu’ils évoluent au fil du film jusqu’à atteindre l’apogée avec la fin du film est la très célèbre chanson Do You Remember Love qui dure pas moins de 7 minutes, le tout dans un final qui envoie tout la pâtée (et le budget du film). Si vous regardez ce film, vous serait submergé par cette scène et la chanson car elle montre la maturité des personnages, personnellement c’est ma scène préféré du film d’autant qu’elle est assez mythique. Du coup, toute la mièvrerie des premières chansons va amener à une forme de maturité à la fin du film.   Pour finir, il faut que je vous parle de l’animation du film qui est juste extraordinaire pour l’époque et est encore magnifique aujourd’hui. C’est incroyable à quel point ce film est beau pour 1984, surtout quand on compare avec la série qui était diffusé il y a peine 2 ans avant ce film ! Peut-être que cela ne vous sautera pas aux yeux mais pour l’époque c’était magnifique, donnant ce film un aspect vraiment épique tellement les combats sont rapide et coloré.   La mise en scène du film renforce l'aspect épique de ce film !                                      Amour, amour, pauvre détresse, Je n'en peux plus de me cacher.   Ce film à beau être considéré comme un chef d’œuvre, il n’empêche qu’il existe des erreurs, et oui, la perfection n’existe pas !   Le premier point que je voudrai préciser n’est pas un défaut à proprement parlé mais il est important d’en dire un mot. Je ne sais pas si parmi vous il y a des gens qui regarde des vieux animés, pas la peine de vous cacher que c’est mon cas. Quand je parle de vieux animé, je ne parle pas des années 90, je dis ça car j’ai déjà entendu des gens dire qu’Evangelion était un animé de vieux 😅   Quand je parle de vieux animé, je veux dire les années 70 et début 80, si vous êtes pas habitué à voir des animés de cette période mais que le film Macross vous intéresse….il faudra vous préparé visuellement et psychologiquement.   Je suis conscient que la tolérance envers les vieux animés dépend de chacun et que certains peuvent en regarder sans sourcillé, pour d’autres il faudra faire un effort. Bien que le film est très jolie au niveau de son animation, il n’empêche que son Chara-design peut en perturber plus d’un.   Disons qu’on est encore un peu dans les années 70 au niveau du design, sans compter que certains personnages auront souvent un air niais malgré eux, surtout quand ils font des grands sourire à faire pâlir Rei Ayanami…..elle est déjà pâle à la base mais vous voyez le tableau.   Le Macross en action !   Plus sérieusement, ne soyez pas trop surpris de voir un côté vieillot à ce film d’un point de vue visuelle mais c’est un effort qui en vaut la chandelle quand on voit la beauté du film. Par contre, d’un point de vue mentalité, c’est une autre histoire….   Une fois de plus, je vais devoir parler vous parler de la ‘psychologie’ de l’époque. Disons qu’il y a une époque, on avait du mal à concevoir qu’une femme pouvait piloter un robot géant et sauver la Terre en prime, on le voit très souvent dans les premiers mécha dont le 1er Gundam, je me rappelle encore d’Amuro qui dit à Fraw qu’elle ne pourrait jamais piloter le Gundam parce qu’elle est maladroite alors que lui-même n’a pas reçu de formation mais la destinée Bla Bla Bla Bla…..   Heureusement qu’il y a des femmes pilotes mais sois elles fessaient pas long feu ou sois elles étaient trop maladroite pour piloter le Gundam malgré leurs formations mais la destinée d’Amuro Bla Bla Bla Bla…..   Dans ce film, c’est quand même mieux que dans Gundam mais il y a des scènes quand on regarde de nos jours, on ne peut s’empêcher de dire que ça ne passerais tellement pas aujourd’hui ! L’exemple que j’ai en tête est lorsque Hikaru et Misa Hayase sont bloqués sur une planète et découvre une ville en ruine. Alors qu’ils avaient passé un bon gros mois à vivre sous une tente et à manger des truc dégueux, la vue d’une maison les ramènent à la société et redécouvre les vieilles habitudes, c’est à dire que Hikaru va aller chercher des infos ou un truc à manger pendant que Misa va à la cuisine et prépare la table. La cerise sur le gâteau reste quand Misa dit « Certaines choses ne changent jamais » le tout devant un lavabo rempli de vaisselle 😆   Je comprend que le but de cette scène était de montrer un retour à une forme de société et que c’était les mentalités de l’époque mais de nos jours ce genre de scène ne passent plus vraiment.   Un autre exemple concerne la vison de l’amour selon Roy Focker, un personnage plutôt macho et qui aime bien se saouler la tronche. Pourquoi ? Parce qu’un vrai Homme aime boire ! Selon lui, pour séduire une femme, il faut la « Poursuivre » jusqu’à qu’elle en a marre, mon cher Roy, ça s’appelle du Harcèlement ! Et je vous passe l’idée qu’un homme doit coucher avec une femme dès le premier soir.   Sympa pour elle ! En plus c’est sa copine à côté 😆   Tout ça pour dire qu’il ne faut pas être choqué par certains propos qui était ‘normal’ pour l’époque mais il est évident que de nos jours, ce genre de réplique ne passe plus !   Bon le vrai premier défaut est qu’il faut avoir un minimum de connaissance sur l’univers de Macross pour comprendre certains détails secondaire du film.   En vérité, le résumé que j’ai écrit plus tôt à été réalisé grâce à des recherches sur internet parce que le film n’explique quasiment rien avant le lancement du Macross, c’est juste un petit texte et c’est tout. Alors oui, là vous vous dite que j’avais tort quand j’ai dit qu’on peut sauter la série et passer directement au film, ce qui est vrai et faux à la fois.   C’est vrai car on explique que l’essentiel mais c’est faux dans le sens où ce manque d’information reste très secondaire même si ça empiète sur la sympathie d’un personnage. Je pense à Misa quand je dit ça parce qu’elle n’est quasiment pas développée alors qu’elle est une des héroïnes principaux du film. D’autant plus que c’est un personnage qui évolue par rapport à un passé mais comme le film dit les choses à moitié, on comprend pas vraiment certains détails.   Par exemple, vers le début du film, on voit un genre de Flash-back où Misa fait un signe militaire devant un autre personnage qui disparaît. À aucun moment dans le film, on ne va t’expliquer qui était cette homme, pour le savoir, j’ai dû faire des recherches sur internet….       Là où c’est embêtant, c’est qu’il s’agit d’un aspect important du personnage et surtout par rapport à un autre personnage.   On pourrait dire de même avec Maximilian Jenius et Miriya Parina Sterling qui sont assez important dans la série mais qui sont très secondaire dans ce film, notamment la relation entre ces deux personnage qui est juste essentiel à tout les autres série Macross mais qui se limite à une petite scène, stylé certes mais très léger dans l’implication de ses personnages et c’est dommage.   Il faut comprendre que résumé une série en 2 Heure est très court et qu’il faut aller à l’essentiel,ce que le film fait très bien car il y a des notions qui sont au moins expliqué comme la protoculture ou les Meltran etc.… Le film reste flou pour ce qui est de certains personnages et vous pouvez passer à côté de la subtilité du film.   à moins d'avoir vu la série original, vous ne comprendrez pas cette scène     Quand à la VF et bien je ne sais pas vu qu’elle est introuvable….jusqu’à aujourd’hui ! J’ai eu de la chance d’avoir enfin pu trouver la VF de ce film car cela fait des années que je la cherchais.J’étais très curieux d’entendre des voix française, surtout qu’elle n’a jamais été rééditée depuis sa sortie en VHS en 1995 chez nous.   Alors qu’en est-il ? D’abord, en matière de doubleurs, on retrouve Mark Lesser dans la peau d’Hikari (la voix de Trunk dans DBZ et de Zoïzite dans Sailor Moon) ; Laurence Sacquet en Lynn Minmay (La voix de Dorémi dans Magical Dorémi) ou encore le génial Antoine Tomé en Roy Fokker (la voix de Lambert dans Splinter Cell !).   Les voix en eux-même sont plutôt inégaux, certains s’en tire vraiment bien comme Hikari et d’autres sont vraiment horrible comme le manager de Lynn Minmay mais globalement la VF passe bien. Il y a toujours des petits problèmes comme le fait que les acteurs sont souvent plus vieux que les personnages donnant la sensation d’avoir des héroïnes de 16- 24 ans avec des voix de femmes de 30-40 ans, comme ce fût le cas avec Sailor Moon.   Il y a aussi une traduction un peu foireuse parfois mais c’est finalement le mixage qui est le gros défaut de cette VF. C’est très simple, le film passe souvent de la VF à la VO et on entend les différences sonores (trop fort pour la VF au point qu’on entend plus les chansons lorsqu’un personnage parle). Après, je pense que c’est normal que le mixage est horrible sachant qu’il n’a jamais été remixé.   La grande question était de savoir si les chansons était chantées en Français et c’est Non ! Ça pose un petit problème car il n’y a aucune traduction des chansons, perdant ainsi la symbolique de certains passage comme la scène de bataille final. Détail intriguant, les chansons sont resté en VO….sauf à un moment précis ! À un moment dans le film, Lynn Minmay fredonne un air, on s’attend à ce que ce soit la VO mais non ! À ce moment seulement, c’est la doubleuse française qui fredonne…..et elle fredonne mal ! 😅 Ce qui est plutôt ballot vu que ça tombe sur une scène forte et que j’aime particulièrement mais gâché par la VF, un peu comme si vous regardez le Titanic mais avec une OST faite à la flûte par un amateur !   Une dernière chose, cela concerne la censure ! Oui le film fût censuré mais pour une fois pas chez nous ! C’est les Américains qui sont perdant puisqu’ils censuré pas mal le film. En vérité, le film n’a pas subit trop de censure et cela concerne quelques mort un peu trash et tout sous-entendu Sexiste.   Chez nous, seulement tout ce qui est Sexiste fût censuré….c’est pas vraiment un mal.   Les méchants dans ce film sont assez charismatique je trouve                      PROTOCULTUUUUUUUUURE ! (Conclusion)   Au fil du temps, j’ai constaté que ce film était vraiment perçu comme un chef d’œuvre au Japon et pour tout les fans d’animé ! D’ailleurs, il s’agit d’un de mes films préféré en matière d’animé. Ce film fait plaisir à voir pour ses qualités mais aussi parce qu’il s’agit d’un remake en soi. Les adaptations de série en film sont très souvent du foutage de gueule à cause que très souvent, ils reprennent les scènes de la série et paf, voici un film mais ce n’est pas le cas ici !   Parce que certains films sortent du lot comme Escaflowne Le Film qui se permet de refaire les scènes et de réécrire l’histoire par rapport à la série qu’il ne faut pas toujours tout jeté, c’est le cas pour Macross Do You Remember Love ?   C’est un film qu’il faut voir pour sa culture Otaku et qu’il sert de base à tout les autres séries et films Macross. Il ne sera pas évident de tout comprendre dans ce film à cause qu’il reste destiné à des fans mais si vous voulez ne serait-ce qu’un Macross à regarder, ce film est probablement le meilleur choix (avec Macross Plus).   Parce que cette critique est enfin fini, je vous souhaite une bonne journée….mais j’ai une petite surprise pour vous. Comme je sais que regarder un film n’est pas toujours motivant à cause des recherches pour le voir ou pour se le procurer, sachez que ce film est disponible gratuitement sur Youtube et je vous donne les liens ci-dessous pour aller le voir directement, comme ça pas d’excuse pour ne pas le voir 😉     https://www.youtube.com/watch?v=sQc3TwZJ074 (Film en Vostfr non censuré et remasterisé)   https://www.youtube.com/watch?v=j1sV4vu6fq8 (Film en Français)   C'est pas tout ça mais je vais faire dodo....

X-Clamp

Alors que nous somme tous confinés chez soi, à tuer le temps du mieux que l’on peut, je me suis dit que c’était le moment de regarder un animé qui traîne depuis trop longtemps dans ma bibliothèque. Je n’ai pas une si grande collection contrairement à ce que l’on peut croire mais il m’arrive d’acheter des vieux intégrales d’animé pour une modique somme. C’est comme ça que je me suis retrouvé avec du Raxephon, Full Metal Panic, Trigun, Higurashi ou encore Berserk dans ma bibliothèque (sans oublier des OAV obscure des années 90). Cependant, entre ma collection d’Evangelion, mes petites trouvailles et quelques classiques, il y a un intégral qui m’avait fait de l’œil. 5 DVD regroupés dans un gros fourreau avec un personnage qui fait une pose quasi-divine enroulé d’une cape. Mais c’est surtout une lettre écrit en rouge qui m’attira : X. J’en avais vaguement entendu parler de ce X et je pense qu’il était grand temps pour moi d’accomplir mon destin….c’est à dire regarder la série et donner mon avis….oui ça casse un peu l’ambiance 😅   Voici le Générique Français de la série :                            C'est l'instant X, Qu'on attend comme le messie….   X, aussi appelé X/1999, X de Clamp ou encore X-Clamp est un Shojo de Clamp mais qui est Clamp ? Tout d’abord, Clamp n’est pas une personne mais un groupe de personne, un collectif, une équipe quoi ! Oui, mais une équipe particulière car elle n’est que composé de femmes !   Initialement, elles étaient onze mais seule quatre d’entre-elles sont restées dans ce groupe, voici les membres :   - Nanase Ohkawa , c’est la leader du groupe et scénariste des œuvres. Elle supervise aussi le chara-design et le calendrier des publications. - Tsubaki Nekoi, c’est l’assistante numéro 1 de Nanase. Elle est la seconde dessinatrice et chara-design des personnage masculin mais s’occupe aussi des décors. - Mokona est la dessinatrice principale et chara-design des personnages féminins. - Satsuki Igarashi est la coscénariste et gère le story-board. Elle est aussi éditorialiste, ça aide !   Vous aurez remarqué que chacune n’a pas vraiment de rôle fixe et qu’elle se partage les rôles en fonction des œuvres, ce qui est plutôt rare dans le domaine des manga qui nous habitue plutôt à un unique auteur (et quelques aides extérieur).   Je parle d’œuvres mais qu’elles ont-elles faits ? Il y a de fortes chance que vous connaissez au moins un des œuvres car c’est un collectif très connus. On leurs doit Tokyo Babylon (1991) leurs premiers grand succès mais aussi Clamp School Detectives (1991). Ces deux œuvres sont particulières puisqu’elles se passent dans le même univers que X, on y retrouve même des personnages qui ont de l’importance dans l’intrigue.   C’est la grosse particularité de Clamp, elles adorent mêler les œuvres dans un même univers comme Leiji Matsumoto (Albator, Galaxy Express 999, La Reine du fond des temps etc.…). X sert de pont entre tout ces œuvres (Personnages, lieux etc.…), voire de terminer les intrigues des précédents œuvres.   Chez nous, Clamp est connu pour Sakura, chasseuse de cartes (1996), Chobits (2000), Tsubasa Reservoir Chronicle (2003) ou encore xxxHOLiC (2003) qui d’ailleurs se passe dans le même univers que Tsubasa. Cerise sur le gâteau, c’est Clamp qui a fait les croquis originaux des personnages de Code Geass….quand je vous dit qu’elles sont célèbres !   Une dernière chose, Clamp est aussi varié dans son choix de public, tantôt Shojo, tantôt Seinen, que dans son ton, tantôt parodique, tantôt sérieux. Elles sont aussi très engagées dans des questions humanitaires et philosophiques.   X fait parti des grands succès de Clamp et comme tout manga qui cartonne, une adaptation en animé ne se fit pas attendre. D’abord, en 1996 dans un film culte par Rintarō (l’OAV Gunnm pour ceux qui s’en souviennent) mais c’est l’adaptation de 2001 en série de Yoshiaki Kawajiri qui va nous intéresser.   Si le nom de Kawajiri ne vous dit rien, sachez qu’il s’agit d’un des réalisateurs qui a donné ces lettres de noblesse au OAV des années 90. Son style est simple : Violence, gore et sexe….la charte des OAV old school à ne pas mettre entre tout les mains ! On lui doit le très célèbre Ninja Scroll (un jour, je vous en parlerez, promis ^^ ) , Wicked City (1987), Vampire Hunter 😧 Bloodlust (2000) et surtout il a participé à Animatrix (2003).   Je ne vais pas vous le cacher, j’aime beaucoup ce réalisateur malgré sa réputation de réalisateur Hentai mal assumé (quelqu’un l’avais désigner ainsi sur le net). Cependant, on ne retrouvera pas son style dans X car il s’agit probablement d’une commande pour une adaptation, ce qui fait de X une œuvre à part dans sa filmographie. Je précise aussi que c’est le studio Madhouse qui s’est occupé d’adapter X, studio très célèbre que je ne vous présente plus.     L' équipe de choc qu'on nomme Clamp !                                      Destinée, On était tous les deux destinés !   Quelle est donc l’intrigue de X ? Kamui est un lycéen qui reviens à Tokyo après avoir abandonné à contre cœur Fuma et Kotori, deux amis d’enfance. Kamui les retrouves mais reste très distant avec eux à cause qu’il est mêlé à une lutte sans merci pour la bataille de l’apocalypse dont il en est la clé. Accosté par plusieurs individus, Kamui ne veut pas être mêlé à cette histoire mais il ne pourra pas résister face au destin, à moins qu’il n’y a un espoir…..   Le résumé est très flou car comme dans Fate/Stay Night, X comporte des combats et les personnages ont des pouvoirs en fonction de leur clan et du camp. En effet, si dans Fate/Stay Night c’était chacun pour soi, ici c’est deux camps qui s’affrontent :   - Les Dragon du ciel, composé de 6 membres appelés les six Sceaux (et non les ciseaux….tousse tousse) ont le pouvoirs de créer des barrières, ce sont des sortes de zone parallèles qui évite de faire des victimes. Leurs but est de protéger les humains de la vengeance de la Terre-Mère, ouais la Terre n’est pas contente à cause qu’on pollue et qu’on détruit tout (c’est Final Fantasy 7 tout ça ^^ )   - Les Dragons de la Terre, composé aussi de 6 membres et appelés les six anges. Ils n’ont pas le pouvoir de créer des barrières pour la simple raison qu’ils cherchent à tuer les Humains pour que la nature reprend ses droits…..j’en suis sûr que c’est eux qui ont répandu le coronavirus !     Si vous trouvez que Fate/Stay Night était compliqué dans ses règles, c’est rien comparé à X car je vous épargne que chaque camps sont aidés par des organisations, des serviteurs, des moines et même des membres de la famille ! Chaque camps ont aussi un personnage qui est capable de voir l’avenir et qu’ils ont tous un leader pour gérer cette guerre.   Et Kamui dans tout ça ? Il devra choisir un camp et diriger ses alliés à la victoire comme un messie car il serait le seule qui fera toute la différence et ça va encore plus se complexifié mais je vous laisserez la surprise.   Encore un dernier détail, les personnages ont tous des pouvoirs qui lui sont propre : Hydrokinésie, Pyrokinésie, Inugami (un chien protecteur divin qui se transforme en épée), l’informatique/Science ou encore la Télépathie et j’en passe.   Savez-vous ce qu’on peut encore ajouter pour rendre l’intrigue encore plus complexe ? Un développement pour chaque personnage ! En effet, le passé des personnages est très important car il permet de comprendre son implication dans cette guerre et autant vous dire que certains sont plus là pour régler des comptes personnel qu’autre chose, au point même qu’il est conseillé de lire les autres manga de Clamp qui sont lié à X.   Alors que je vous explique le principe de l’œuvre, vous vous êtes peut-être dit : « Mais ton animé est génial ! » et vous avez raison ! Je suis resté scotché du début à la fin, l’animé possède un très bon rythme entre explication, révélation, développement et combat ! Malgré son côté un petit peu bordélique, l’intrigue est toujours au centre des propos, surtout quand on réalise que X ne sert que de pont entre plusieurs manga de Clamp.   Voici Kotori, un personnage sympathique qui possède le "syndrome Tifa". Une amie d'enfance qui en pince pour le héro !   Je parle de Propos mais de quoi traite X ?   Commençons par le plus évident, il s’agit d’une relecture de l’apocalypse de Saint-Jean ce qui a valut à Clamp pas mal de soucis. « Pourquoi ? » Dans l’intrigue, la fin du monde est présenté par des tremblement de terre en forme de pentagramme dont le point de départ est le Japon. « Et Alors ? » et alors le Japon est un pays qui ont beaucoup de problème sismique. C’est un sujet plutôt tabou la-bas d’après ce que j’ai compris (avec les bombes nucléaires), surtout qu’il y a un tremblement meurtrière à Kobe en 1995 avec 6 437 morts et 43 792 blessés. Cette accident avais conduit à la suspension de la parution de X dus à des lettres de plaintes des lecteurs….oui des lecteurs eux-mêmes ! Je comprend l’arrêt de la publication mais je ne m’attendais pas que ce soit les lecteurs eux-mêmes, c’est comme si je portais plainte à la Gainax pour avoir diffusé Evangelion à cause du réchauffement climatique (pas un bon exemple, je vous l'accorde)   Et c’est pas tout ! Le manga s’est arrêter à nouveau en 1997 à cause de la violence du manga (gore, mutilation). En effet, il y a eu une psychose au Japon à cause qu’un enfant avait tué et découpé la tête d’un autre enfant pour ensuite la mettre devant son collège…..quand il ne tuait pas d’autre enfants avec un marteau (je vous met cette histoire macabre ici : https://fr.wikipedia.org/wiki/Seito_Sakakibara )   Et savez-vous ce qu’on a fait ? On a accusé les manga/Animé d'être violents, d’ailleurs c’est pour ça que les Animés ultra violents ce sont calmés au Japon.   Revenons à X, un autre sujet important dans l’animé est la Destinée. S’il y a bien un point que les personnages insistent bien, c’est que leurs vies sont toute tracés mais ça ne veut pas dire qu’ils acceptent le destin. Certain savent qu’ils vont mourir et vont très bien l’accepter quand à d’autres, ils vont tout faire pour éviter de mourir ou de perdre un être chère.   Le personnage qui représente bien la souffrance de la destiné est la princesse Hinoto. Elle est aveugle, sourde, muette et ne peut pas bouger….on peut dire qu’elle n’a vraiment pas de bol, cependant, elle est capable de communiquer par télépathie et surtout de faire des rêves prémonitoires. Elle sait qui va mourir, qui va souffrir etc.… et c’est là tout le fardeau du personnage….     Ne croyez surtout pas que c’est la seule personnage qui va souffrir de la destinée puisqu’elle n’est pas la seule à faire des rêves prémonitoires et ils seront tous impuissant.   Un dernier point sur les thèmes de X, Le deuil. Si certains souffre d’être impuissant face au destin, d’autres doivent apprendre à vivre sans la présence d’un être cher. Ce n’est jamais clairement dit mais pour certains personnages, on pourrait jusqu’à parler de dépression, bonjour l’ambiance. Certains personnages souffrent dès le début de l’absence de ceux/celles qu’ils aiment mais d’autres vivrons ce drame pendant l’intrigue, le seule point commun est que la mort d’un personnage va affecté tout le monde. D’ailleurs, le fait de tuer un personnage particulièrement sympathique fait partie des marques de fabrique de Clamp, oui elles adorent tuer des personnages charismatiques et surtout au bon moment dans l’intrigue….     Les personnages, qu’ils soient dans un camp ou l’autre vont souffrir et avec toujours dans le fond cet aire où ils ne peuvent rien faire. Pour moi, cette ambiance joue énormément au succès de l’œuvre. J'ai aussi une remarque par rapport au fait que la défaite d'un personnage dans un combat résulte plus du fait qu'il ou elle n'a pas su répondre à une question philosophique que par rapport à ses talents...     Après, ça n’empêche pas à l’intrigue d’avoir son moment débile, je pense à l’épisode 2 où on voit Kamui sauver Kotori quand ils étaient enfants. Kamui retient Kotori toute la journée littéralement avec un seul bras et il est même capable de dormir alors qu’il devrait ressentir tout le poids de Kotori, What The Fuck !   Je vous rassure, c’est le seul passage ‘débile’ de l’animé et j’en est plutôt rie qu’autre chose.     Quand ce n'est pas le destin, c'est les blessures liés à l'enfance qui s'occupera de tourmentés les personnages.                           le futur n'est pas encore décidé, hein ?   Comme je l’ai dit plus tôt, la série est sorti en 2001 (et non en 1999) , je l’ai su qu’après avoir vu la série et heureusement. « Pourquoi ? » , je ne sais pas pour vous mais quand on regarde un animé d’un point de vue technique, on peut vaguement deviner la période. À force de regarder des vieux animes, on voit aussi l’évolution technique et comme tout évolution, il y a des moments creux comme avec la 3D. Les animés souffrent aussi de cela et je peut un peu près dire la période, elle se situe entre 1999 et 2006. Pour faire simple, je trouve que très souvent les animés de cette période ont mal vieillit techniquement et même parfois mentalement. J’ai toujours la sensation de regarder un animé typique 90 mais au début de la HD, comme par exemple un char-design très 1990 mais avec une technique 2000.   Contrairement aux années 80 et 90 qui se conservent mieux en moyenne, les années début 2000 était un sacré Gloubi-boulga, ça s’explique par le fait que, par exemple, les animés employé de la 3D qui a mal vieillit aujourd’hui…..je pense à Vandread (2000) qui, pour moi, à sacrément mal vieillit mais bien sûr ça n’empêche pas qu’on peut aimé ces animés, personnellement, j’aime bien Vandread mais ça pique les yeux, pas beaucoup mais un petit peu.   Et X dans tout ça ? Je trouve qu’il s’en sort très bien, il y a des exceptions ! Après, l’animé reste très basique d’un point de vue technique : pas de 3D et pas d’effet visuel impressionnant….et c’est pourquoi il y a bien vieillit. Oui c’est dingue que ce sont les animés qui ont voulu être à la pointe durant cette période qui ont le plus mal vieillit alors que les plus modeste sont encore aujourd’hui très regardable et c’est le cas de X.   Un autre point fort de l’animé réside dans sa narration qui vous donnera toujours envie de connaître la suite. On enchaîne bien les combats et les développements personnels même si parfois on voudrai voir plus de combat que de développement, il y a une vingtaine de personnages importants je vous rappelle !   Ce qui m’amène aussi à un défaut majeur de l’œuvre, son développement. C’est compliqué parce qu’en sois, l’animé développe très bien et on s’attache aux personnages….tout les personnages ! « Mais c’est quoi le problème alors ? » c’est que tout le monde n’a pas le droit au même traitement de faveur en matière de développement. Je trouve qu’on s’attarde un peu trop sur certains personnages principaux alors que d’autres mériteraient d’avoir plus de développement, par exemple, le passé d’Arashi est très peu mentionné alors que dans le manga, il y a un réelle développement. C’est le cas aussi pour Seiichirō Aoki qui est plutôt développé à travers un personnage moins important que lui et que dire de Karen dont sa profession est à la fois clair et flou (c’est une masseuse, une call-girl ou une prostituée ?)   Je ne parlerai même pas du côté des anges qui ont aussi des failles (Yuuto Kigai par exemple) mais dont le pire reste Nataku qui a le droit à rien mais rien du tout ! On peut cependant excusez d’autres personnages comme Subaru Sumeragi puisque son développement viens d’un autre manga de Clamp.   Pour en finir avec le développement, je trouve qu’on va parfois trop vite et on ne cerne pas toujours les véritables enjeu de tel rivalité ou de tel personnage. Ce qui m’amène à la fin, je vous rassure je ne dirais rien, si ce n’est que je n’ai pas vraiment compris la conclusion. Certains personnages n’ont pas de conclusion claires dans leurs intrigues (j’ai dû faire des recherches pour comprendre que tel personnage était mort !) et je trouve que l’animé se conclue trop rapidement mais j’ai en vérité une explication.   Conseil pour toutes les jeunes demoiselles : Ne courez jamais dans les bras d'un inconnu....ça ne se fait pas trop 😅    Vous vous souvenez quand j’ai dit que le manga s’est arrêté deux fois ? En vérité, il s’est arrêté trois fois et il n’a jamais été repris à ce jour. C’est plutôt impressionnant de voir qu’une œuvre aussi célèbre que X reste inachevé et le restera à mon avis. La raison de son arrêt est dus à la complexité de continuer dans les thèmes de l’œuvre (tremblement de terre et meurtre de la part de fou en partie) mais j’ai trouvé une autre raison !   L’autre raison serait dus à un désaccord entre Clamp et son éditeur, en effet ce dernier voulait changer la fin de l’œuvre mais elles ont refusées. Une thèse probable voudrait qu’elles préfèrent se concentrer sur d’autres séries.   J’ai une pensée qui me viens à l’esprit, je n’ai pas dit à un seul moment que X est un Shojo….sauf si vous avez regarder les Screenshots, on le devine quand même un petit peu.J’ai volontairement caché ce détail par peur que ça puisse créer un blocage parmi vous sauf qu’on ressent très peu l’aspect Shojo dans X si ça peut vous rassurer. On a le droit à quelques ambiguïté dans des relations entre certains personnages masculin (plus du fan-service selon moi), le style du chara-design….et c’est tout !   Il faut reconnaître que quand on pense au mot Shojo, on pense au mot « Romance » et surtout « Public féminin » (logique vu que Shojo veut dire « petite fille »), on imagine des personnage masculin féminisé, une lourdeur dans des histoires d’amours, etc.… c’est quelques chose que je comprend.   Cependant, il m’a fallut un certain temps pour comprendre que le « Shojo » est un manga/Animé Majoritairement pour fille, c’est à dire qu’il y a de très forte chance qu’un public constitué de fille regarde la série, mais ça ne veut pas dire qu’un garçon ne pourrait pas la regarder !   Tout les Shojo ne sont pas des animés/Manga de romance, il y a aussi des combats et parfois du gore, X en est un très bon exemple ! Il faut comprendre que tout les Shojo ne sont pas à mettre dans le même sac : certains assume qu’il est réservé à un public féminin tandis que d’autre joue sur les deux bords. Je l’avais un peu compris avec Sailor Moon mais X est vraiment le shojo qui m’a fait réalisé l’erreur de claser des manga/animé dans des genres.   Dans notre cas, Sailor Moon et X sont deux shojo totalement différent : l’un mise sur une forme d’apprentissage pour une petite fille (Qu’est ce que l’amour ? L’amitié ? Assumé qui nous somme et nos délires etc...) tandis que l’autre mise sur des questions philosophiques (Est-on maître de nos vies ? Peut-on vivre après avoir perdu tout ceux qu’on aime ? Somme-nous condamnés à répété nos erreurs ? Etc…). Je ne parlerai même pas de l’ambiance qui créer juste un énorme fossé entre les deux œuvres : l’un est généralement comique tandis que l’autre est constamment tragique. D’ailleurs, c’est aussi le cas pour les Shōnens qui ne sont pas centré uniquement sur des combats, il y en a aussi qui mise sur des romances comme Nisekoi (2011).   Pour conclure cette petite parenthèse, j’aurais été tenté de dire que X est le Fate/Stay Night pour fille mais ça reviendrais à contredire tous le speech que je viens de dire, d’autant que Fate/Stay Night est aussi très appréciés des filles que des garçons. Tout ça pour dire qu’il ne faut pas mélanger « Genre » et « public visé », ce sont deux chose qui faut dissociés.   Le Saviez-Vous ? Roméo et Juliette version Clamp !   Le personnage de Sorata était conçu à la base pour un projet non-abouti de Clamp. C’était un Roméo et Juliette dans un cadre contemporain au Japon où Sorata était le fils d’un flic qui entretenais une relation avec une fille de Yakuza….. si vous avez vu X, vous savez probablement qui était censé être la fille. Finalement, pas mal d’éléments seront utilisé dans X-1999, tout est bon à prendre 🙂   Terminons donc sur le doublage, Tout d’abord, l’Opening et l’Ending sont chantés en Français (traduit du Japonnais), chose rare à noté. On pourra remarquer qu’on retrouve Ryōka Yuzuki (Arashi Kishu) qui à doublé sur plusieurs adaptation de Clamp (Sakura/Chobits et X) mais aussi Aya Hisakawa (la princesse Hinoto) qui est connu pour être Sailor Mercury. On retrouve aussi deux doubleurs de Fate/Stay Night : Mitsuaki Madono (Sorata) et Junichi Suwabe (Le génialissime Archer !). Un dernier pour la route avec Tomokazu Sugita (Subaru) qui n’est rien d’autre que la voix de Ragna The Bloodedge dans les jeux Blazblue, la classe !   Quand à la VF, elle n’est pas extraordinaire sans pour autant être catastrophique du peu que j’en est entendu. Elle m’a l’aire surtout inégale mais on est loin de la catastrophe, elle est juste banale, sans plus. D’autant que c’était l’un des premiers animés à être pris au sérieux en tant que doublage.     Non-Non, ce n'est pas ce que vous croyez ! Il va juste révéler quelque chose d'important (c'est vrai le pire 😆)                           Franchement, le futur n'est pas encore décidé, hein ? Rassurez-moi ! (Conclusion)     Que dire de X ? Que je l’ai beaucoup apprécié malgré que j’ai ressentie plusieurs failles scénaristiques, non pas dans l’intrigue en elle-même mais plutôt dans sa manière de raconter l’intrigue. Après plusieurs recherches, le manga est beaucoup plus approfondi dans ses développements (surtout les personnages), il faut prendre en compte que dans une adaptation animé, il n’est pas toujours permis de tout dire et qu’il faut faire des choix.   Cependant, ça n’empêche pas qu’on suit agréablement l’intrigue, qu’on apprécie les personnages et qu’on ce sent touché par ce qui dit ou montré….et c’est l’essentiel !   Je vous conseille plus que grandement X si vous êtes fan de Fate/Stay Night ou si vous êtes curieux de voir un Shojo plutôt mature. Je pense que X est aussi un très bon choix si vous voulez commencez à regarder des Shojo, il ne dé-paysage pas trop pour un public masculin.   Je ne peux m'empêcher de conclure ce billet avec ce fameux passage où Kamui sauve Kotori. (c'est entre 2:20 et 4:40) Oui je sais, il est balèze Kamui mais avouez que s'il avait autant de force pour maintenir Kotori, il aurait pu simplement la remontée, non ? 

Le Tombeau des lucioles

Le studio Ghibli est probablement l’un des studio le plus célèbre dans le domaine cinématographique, c’est simple, qui ne connaît pas ce studio ? Qui n’a jamais entendu parlé d’Hayao Miyazaki ? Qui n’a jamais vu ne serait-ce qu’un de ces films ? Hélas oui, des gens qui n’ont jamais vu un Ghibli existent et je ne parle pas des nouveaux nées, trop facile. Dans ce cas, bienvenue à toi qui a décidé de faire le premier pas comme moi il y a quelques années de cela et même encore aujourd’hui, je n’ai pas vu tout les Ghibli. La première question que tu va te poser est par lequel des films va tu commencer et je peux t’affirmer….Ah ! Tu as choisit Le Tombeau Des Lucioles d’Isao Takahata, c’est un bon choix mais tu est sûr de commencer par….Vraiment ? Ma foi, tu est bien courageux, surtout que ce n’est pas un film de Miyazaki et j’aime varié les plaisirs, alors laisse-moi te présenter ce film si particulier du studio Ghibli…..par contre, j’espère que tu as un paquet de mouchoir, tu va en avoir besoin, crois-moi !   à gauche, l'affiche original du film et à droite une première édition DVD sorti en France (Je le possède)                   Nous les Lucioles, quand nous apparaissons, s'éclaire la forêt ! ( Whoa la référence !)       Le Tombeau des Lucioles est un film sorti le 16 avril 1988 par Isao Takahata, c’est même son premier film. Qui est Isao Takahata ? Les plus fidèles d’entre vous se souviennent que j’avais mentionné ce nom dans mon billet sur Nausicaä De La Vallée Du Vent, il y a un plus d’un an de cela. Takahata est aussi le réalisateur de Pompoko (1994) que je vous conseille….encore un film qui mériterai que je m’y attarde.   Petit rappel, Isao Takahata est le cofondateur du studio Ghibli avec son copain Miyazaki suite au succès de Nausicaä, je vous redirige à ce billet si vous ne l’avez jamais lu : https://www.romstation.fr/blogs/entry/11047-nausicaä-de-la-vallée-du-vent/   Isao Takahata avais rencontré Miyazaki lors d’une grève à la Toei en 1959, ces deux hommes sympathise bien et travaillèrent ensemble sur plein de projets dont Heidi, la petite fille des Alpes (1974). La suite est simple, Nausicaä et la création du studio Ghibli. Remettons nous dans le contexte, Le studio Ghibli connu le succès avec son premier film Le Château dans le ciel (1986) dont Takahata en était le producteur comme ce fut le cas avec Nausicaä.   « Objection ! Nausicaä est sorti avant Le Château dans le ciel, donc ce n’est pas le premier film de Ghibli » Certes, mais Nausicaä n’est pas un film Ghibli ‘Techniquement’ malgré que c’est la même équipe car à l’époque, Ghibli n’existait pas mais si tu avais lu mon billet sur Nausicaä, tu l’aurai su ^^   Je disais donc que Le Château dans le ciel était un carton et que Miyazaki était en train de plancher sur son prochain film, un certain Mon voisin Totoro (1988). Quand à Takahata, il souhaite revenir en tant que réalisateur, lui qui était plus connu comme producteur pour ce studio. Il fait un documentaire sur le canal de Yanagawa en 1987 (prise de vue réelle) mais un jour sur son bureau, se trouve un projet d’une adaptation d’une nouvelle, La Tombe des lucioles !   Car oui, Le tombeau des lucioles est une adaptation de la nouvelle La Tombe des lucioles d’Akiyuki Nosaka, publié en 1967 et recevant le Prix Naoki, prix destinée aux jeunes auteurs. Le récit raconte la survie de deux enfants pendant les bombardements de Kobe en 1945 et si je parle de cette nouvelle, c’est parce qu’il est semi-autobiographique ! En effet, Akiyuki Nosaka à perdu sa famille lors de ses bombardements et à vu sa sœur mourir de Dénutrition, fessant de lui le seul survivant. Il a écrit cette nouvelle pour se libéré de la culpabilité et du traumatisme de n’avoir pas pût sauver sa sœur.   Le Saviez-vous ? Les Lucioles et les bombes.   Anecdotes un peu technique mais il faut savoir que le titre de la nouvelle n’est pas écrit en Kanji habituel mais avec un autre Kanji (me demandez pas lequel, je ne saurais pas vous répondre). Ce qui est intéressant, c’est que le mot « lucioles » se prononce littéralement « Hotaru » qui veut dire « le feu qui tombe goutte à goutte », si vous avez vu le film, ça fait référence aux bombardements. D’ailleurs, il y a un bombardier qui se cache dans l’obscurité de l’affiche du film, vous pouvez vérifier il est au dessus du titre du film.   Akiyuki Nosaka été plutôt réfractaire à l’idée d’une adaptation cinématographique, il avait peur que ça ne retranscrit pas l’horreur de la guerre qu’il avait vécu mais quand il a vu les planches du film, il fut surpris de revoir son quartier et de l’avoir reconnu tel quel. Il faut savoir que le film est aussi un peu biographique pour Takahata car il a connu aussi les bombardements à la même époque, fuyant en pleine nuit avec sa sœur et n’ayant pas de nouvelles de ces parents durant deux jours !   Nos deux héros qui regarde leurs ville brûler                   La nuit du 21 Septembre 1945, Je suis mort      Voici comment le film s’ouvre, un plan fixe sur le héro du film, Seita, qui nous regarde dans l’obscurité et prononçant cette phrase qui sert de titre à cette partie. En réalité, il regarde un enfant qui est mort dans l’indifférence et dans une gare avec d’autres enfants, cette enfant c’est lui…..Vous avez compris, le ton est donné dès les premières secondes et on ne va pas rire.   J’adore cette ouverture, elle me donne des frissons et on est directement concerné, c’est simple et efficace. Il est rejoins par une petite fille qui n’est rien d’autres que sa sœur, entourés de luciole et heureuse de revoir son frère, ils partent du champs et le titre apparaît. Nous comprenons que nous allons suivre des âmes errantes qui vont revoir leurs derniers instants ou plutôt qui vont nous racontés ce qu’ils ont vécus car c’est une invitation aux spectateurs conscient dans quoi ils ce sont embarqués, comme ces enfants qui monte dans un train, ce n’est plus un film c’est un voyage !   Je ne vais pas vous mentir, j’ai vu ce film très récemment bien que je connaissait son existence et surtout la réputation qu’il s’agit d’un film très triste. Pourquoi maintenant ? Si vous avez lu mon précédant billet sur les films Sailor Moon, j’avais mentionné ce film et de plus, le film était sur Netflix, j’ai pris mon courage à deux mains et je l’ai regardé. Si à cette lecture, vous voyez de la réticence, et bien, vous avez raison mais je l’expliquerais un peu plus tard.   Parlons plutôt de la particularité de ce film, il s’agit probablement du film qui fait le moins penser à du Ghibli, en faite, je l’ai su qu’au visionnage du film que c'était de ce studio ! Pourquoi j’affirme cela ? C’est très simple, imaginez votre Ghibli préféré, souvenez-vous de la particularité de ces films….ici, il n’y a absolument rien de cela !   Le premier point concerne le réalisme du film, oui ce film est réaliste ! Quand on pense à Ghibli, on pense à des créatures étranges, parfois sauvages, des gros loups ou des petits écureuils trop mimi. Ici, vous n’aurez droit qu’à des lucioles réalistes qui meurt en une nuit, la dur réalité de la vie.   En parlant de dur réalité, il y a aussi (et surtout) la dur réalité de la guerre : Des maisons qui brûles, des cadavres qu’on laisse traîner ou qu’on brûles, des blessées qui souffrent le martyre, la misère, la pauvreté ou encore la faim….je continue ou vous avez compris que la guerre c’est moche.   Moche et injuste même car si le film montre bien quelques choses, c’est que les victimes de la guerre sont avant tout des civiles et en particulier des enfants. Autant vous le dire toute de suite, les enfants s’en prennent pleine la gueule puisqu’on les laisse littéralement crever de faim, sans réconfort d’avoir perdu leur mère et leur maison. L’exemple qu’on a tous en tête est la tante qui est heureuse de revoir les enfants de son frère, surtout avec plein de nourriture mais quand il n’y a plus rien, on les traites de piques-assiettes et on les isoles, pour ne pas dire les ignorés et on les laisse se démerdés parce que ce ne sont pas nos gosses etc.…   Vous l’aurez compris, c’est ce qu’on appelle une salope.   Ces séquences Poétiques permettent de respirer un peu.... mais uniquement un petit peu.   Excusez-moi de cette vulgarité mais il faut dire que le film vous prennent littéralement aux tripes, je veux dire par là que je me suis senti mal durant presque tout le film, j’ai l’impression d’avoir été pris en otage et d’être impuissant face à ce que je vois. Cette émotion a été souhaité par le réalisateur, il dira même :   « Je suis persuadé que le dessin animé est le mode d'expression artistique idéal pour représenter une histoire d'un réalisme aussi brutal. Quand le film sera terminé, les spectateurs seront de cet avis. »   Je n’ai jamais vu une affirmation aussi vrais et je comprend vraiment pourquoi l’auteur original à donner son accord au projet.   Un autre point qui montre que ce film s’éloigne énormément de Ghibli : La rêverie et l’espoir. Deux mots que vous pouvez déjà abandonner dans votre pensée, d’abord, le début du film montre en réalité la fin du film.   « Qu’est-ce que tu me chante là ? » et bien la rêverie se limite aux lucioles qui brillent dans la nuit et apporte d’une certaine manière de la chaleur, du moins quand ils sont vivants. Parce que les lucioles sont symboliques de leurs vies éphémères : c’est beau mais ils meurent vite.   Une réplique me vient à l’esprit : « Pourquoi les lucioles meurent toute de suite ? » C’est Setsuko, la petite sœur de Seita qui prononce ces mots au moment où elle enterre les lucioles….     Voyez où je veux en venir ? Les lucioles symbolise les victimes de la guerre, ils vivent à peine plus longtemps qu’une luciole.   Du coup, vous comprenez que derrière la poésie des lucioles, se cache une élégie funèbre qui montre l’absurdité de la guerre et l’importance de la vie. Là où le film frappe fort, c’est qu’on est jamais dans l’élégiaque, c’est à dire que les personnages ne se plaignent jamais, pleurent très peu…..le film ne parle pas, il montre et fait ressentir aux spectateurs l’horreur.   Cependant, il existe bien quelques séquences de douceurs, un souvenir chaleureux et simple des enfants mais mélancolique aussi car on comprend que ce souvenir est du passé et que maintenant, plus rien ne sera plus comme avant. Un simple jeu sur une plage pour oublier un court instant les drames de leurs vies, un bonheur simple….on est loin du chat-Bus, hein ? Bref, le film possède une écriture simple mais horriblement efficace.   Pas de créatures fantastiques pour venir en aide, pas d’alliés ou de fille à sauver, seule une poésie mortuaire et la survie dans un monde cruelle où les adultes ont perdu le contrôle dans leurs folies. C’est ce que j’appelle, l’anti Ghibli.   Mort, Désespoir, Impuissance, Rejet, Violence....Ces mots résume bien le film !   Je crois que j’ai besoin, comme vous, de respirez un petit peu. Le film est tellement cruel qu’on supporte les drames qui s’enchaînent. Il faut dire que le réalisateur est plutôt connu pour ses histoires tristes et ses engagements politiques qui rejoignent ceux de Miyazaki, c’est à dire la volonté de vivre dans un monde en paix. Ce n’est pas uniquement tout ce que j’ai dit auparavant qui me font dire ça, c’est que le film aime beaucoup jouer sur ce que l’on voit et ce que l’on entend.   Revenons à notre chère tante, elle reproche à Seita de ne pas contribué à l’effort de guerre et lors de mon visionnage, je me suis dit : « Pourquoi il ne fait rien ? » Le film ne le dira jamais d’une certaine manière parce qu’on peut le deviner.   Il ne veut pas, tout simplement ! Il s’est fait avoir par ses illusions (comme nous tous), croyant pouvoir revivre une vie normale mais la tante va tout faire pour les dégager, allant même jusqu’à reprocher le moindre fait et geste (comme le fait que Setsuko pleure les nuits).   Mais c’est surtout une scène qui attira particulièrement mon intention. Au moment où les enfants sont dans leurs nouvelle habitation (un abris), ils capturent plein de lucioles pour éclairer leur nuit, c’est une scène très connue. Alors qu’il rêvasse, Seita voit littéralement un défilé militaire, des navires qui partent en guerre et à on sont bord : son père. En effet, le père des enfants est un militaire haut gradé et à plusieurs moment dans le film, on peut voir Seita fière de son père, souhaitant même,un jour,être militaire.   Je pense que le film dénonce la propagande car à chaque fois, les militaires sont fière et triomphant….et il y a le retour à la réalité, si vous êtes nul en Histoire, sachez que le Japon n’a pas gagné la guerre. Dans le film, le retour à la réalité est plutôt brutal et ce qui est douloureux n’est pas vraiment le fait qu’on découvre la vérité (on l’avais deviné depuis bien longtemps) mais plutôt de voir que Seita y croyait.   La structure du film est vraiment bien pensée, le fait de suivre des fantômes qui revoit leurs vies revient d’une façon à une forme d’introspection et insiste bien sur des non-dits du film comme la culpabilité de Seita de ne pas réussir à protéger sa sœur. Je pense à la scène où il se bouche les oreilles et ferme les yeux pour ne plus entendre sa sœur qui pleure. Cela montre son incapacité à faire quoi que ce soit….au fond, nous somme à la même place que lui et c’est dur de ressentir ce genre de sentiment.   Un des rares moments de joie de ce film, autant vous le dire qu'on le savoure au vu de ce qui nous attend !                 Alors on leur dira de suivre la ligne des maisons en feu, de se faire une raison....   Parlons de ce qui entoure le film. D’un point de vue technique, Isao Takahata voulait se démarquer des autres films en s’éloignant du rendu habituel en cellulo. Malheureusement, le studio ne lui a pas laissé le temps et l’argent, il a dû se résoudre à utiliser la méthode traditionnel mais il est intéressant de voir qu’il avait ce désir de faire quelque chose de nouveau quitte à se vautrer.   Le problème de ce réalisateur est qu’il prend trop son temps et le film prend énormément de retard, ce qui lui a valu de finir le film avec une scène inachevée. Ajouté à cela des problèmes techniques et logistiques à cause de la production de deux films simultanée et d’un manque de personnel….Les joies de l’animation.   C’est l’arrivée de Yoshifumi Kondô qui donna au film tout le charme technique. Qui est donc cet homme ? C’est le Character designer du film mais il est plus connu pour son travaille d’animateur. Il était vu comme le fils spirituel de Miyazaki mais il mourra en 1998 d’Anévrisme. C’est grâce à lui si le film gagne en réalisme au point que c’était impressionnant pour l’époque (et même de nos jours). Et que dire de la puissance du studio à maîtriser le cadre de vie quotidien dans le moindre de ces détails dans les décors !   Le Saviez-Vous ? Quand c’est pas des gros robots….   C’est peut-être un peu hors sujet mais on reste dans la technique. Vous le saviez peut-être pas mais Hideaki Anno à travaillé sur ce film en tant qu’animateur. Pour ceux qui ne le savent pas (à force….) Hideaki Anno est le créateur d’Evangelion et de Nadia mais il est très connu pour son travail d’animateur sur plein de film dont Les Ailes d'Honnéamise (1987), Macross : Do You Remember Love ? (1984), Lamu (série et film), Gundam : Char contre-attaque (1988) , Appleseed (1988) ou encore Sailor Moon : Les Fleurs maléfiques (1993).   Nous devons l’OST de ce film à Michio Mamiya, un compositeur de musique classique et folklorique qui travaille rarement pour le cinéma. Que dire de l’OST, si ce n’est qu’elle est magnifique et qu’elle fait parti de mes OST préférées.   écoutons donc un extrait !   Et pour les plus courageux :  https://www.youtube.com/watch?v=Xi8Tpe58Fhc&list=PLRFknjRnUVoBsU1ghrZQsmk71tZ7qlM6h    Le doublage est remarquable aussi puisqu’il y a très peu de doubleurs sur ce film et que surtout la voix de Setsuko a été fait par Ayano Shiraishi, une petite fille de 6 ans ! Ce fut d’ailleurs son seul travail en tant que doubleuse. La VF quand à elle n’est pas mauvaise mais….j’adhère pas. En général, la VF des films Ghibli est incritiquable et je le met au même niveau que la VO mais celui-ci est vraiment en dessous de la VO. Le problème est que la VO mise sur l’authenticité alors que la VF voit ça comme un simple film, rien que la voix de Setsuko montre le soin apporté au film.   Un simple souvenir pour se rappeler que le passé était plus simple                    Home! Sweet, sweet home! There's no place like home….       Il faut savoir que le film….a fait un bide monumental à l’époque ! Oui, vous avez bien lu, ce film à bidé au Japon à sa sortie ! En France, j’avais expliqué dans mon billet sur les films Sailor Moon que c’était dus à la vague anti manga si le film avait bidé (alors qu'il est sorti 7 ans plus tard  chez nous !) mais au Japon, comment cela fait-il qu’il n’a pas marché ?   Il faut savoir que le studio travaillait sur deux projet en même temps : ce film et Mon voisin Totoro. En vérité, une bonne partie du studio n’y croyait pas au projet mais ils ont eut une bonne idée. Ils ce sont dit qu’ils vont sortir les deux films en même temps en couplant les productions. Ils avaient miser sur les classes scolaires qui irait voir Le Tombeau Des Lucioles et ainsi garantir un minimum de succès. Ils ont dus d’ailleurs trouver un producteur car ils ne pouvaient pas financer deux films en mêmes temps, ce fût l’éditeur Shinchôsha qui s’occupa de les financer car ils étaient spécialisés dans les adaptations en film de leurs livres.   Du coup, on pouvait voir les deux films en une seule séance (Comme Street Fighter II et Fatal Fury, vous vous en souvenez ?) et alors qu’ils pensaient que les écoles iraient voir ce film….et bien, euh….Le Tombeau Des Lucioles n’a fait que 800 000 entrées….c’est plutôt mauvais comme résultat, très mauvais ! (soit à peine le double du Film Sailor Moon….en France!)   Mais alors, pourquoi ça a fait un bide ? La réponse est simple, vous avez le choix de voir un film très joyeux et un film très déprimant et triste du début jusqu’à la fin, lequel irait-vous voir ? De nos jours, on dirais les deux vu le prix des séances de Cinéma mais à l’époque c’était pas si cher, alors ne voir qu’un des deux n’était pas un drame.   Et bien les gens ont choisit le film joyeux avec des gros chats et non la triste réalité de la guerre, en faite, c’est très compréhensible ! Vous vous rappelez de ma réticence à voir ce film ? Ce fût pour la même raison que celui des japonnais de l’époque, je me suis dit : « Est-je vraiment envie de voir un film qui a une réputation d’être un film déprimant ? »   L’énorme force de ce film en fait sa plus grande faiblesse, le film est tellement réaliste et triste qu’on n’en n’a pas le courage d’aller le regarder. Imaginez que vous êtes de bonne humeur, aller voir ce film reviens à finir tristement sa journée et si vous êtes triste à la base, vous n’allez pas vous infligés encore plus cette tristesse…. Du coup, ce film est fait pour qui ?   Même les écoles ont été réticents car le film à une réputation qui n’est vraiment pas exagéré, par conséquence, seule une poignée de courageux (ou de dépressif ?) ont été voir ce film. En faite, le film a tellement bidé qu’il a faillit faire couler Ghibli, alors que c’était leur troisième film !   Ce qui a sauvé le studio fût Mon Voisin Totoro qui a été un succès monumental, c’est pas pour rien que c’est la mascotte du studio ! Et oui, tout le monde avait choisit le film joyeux !   Au fil du temps, Le Tombeau Des Lucioles pris sa revanche grâce notamment à sa remastérisation en DVD et à l’exportation des films Ghibli au début des années 2000 (je rappelle qu’on connaît Miyazaki que depuis le succès du film Le Voyage De Chihiro en 2002).   Le Saviez-Vous ? Polémique ? Vous avez dit Polémique ?   A ma grande surprise, j’ai découvert que ce film avait subit une polémique provoqué par Mamoru Oshii en disant ces mots :   « C'est un monde immoral comme c'est une histoire d'inceste. Et l'image de la mort est alignée juste derrière. Dans ce sens, c'est un film érotique et il m'a donné des sueurs froides. »   Le problème de cette citation est qu’il a été dit lors d’un interview en 1995, au moment de la sortie d’un certain Ghost In The Shell. Les gens ont pris cette phrase mot pour mot et il y a eu des accusations à propos que le film prône l’inceste, la scatologie et le masochisme. Je vous rassure, il n’y a rien de tout ça et je ne vous cache pas que c’était vraiment perché de penser cela. On t’aime bien Mamoru Oshii mais parfois tu ferait mieux de fermer ta grande gueule  😅   Évidemment, on ne pouvait pas ignoré la fameuse question : «Tu as pleuré devant le film ? ». Je n’ai pas proprement pleuré mais je reconnais que des larmes sont tombé et qu’il m’arrive de ressentir une grande tristesse quand je pense à la scène qui m’a fait craqué et comme je suis un petit enfoiré, on va la regarder !       La chanson qu’on entend parle du bien de revenir chez soi, l’image contraste avec les paroles quand on sais que le chez soi de certains sont un pauvre abri. c’est dur de voir un enfant qui essaye de vivre un quotidien comme celui-ci….enfin bref, c’est à ce moment que j’ai pleuré.   Il n’empêche que même si on connaît la fin dès le début du film, le plan final du film est magnifique et m’a laissé sans voix….                Il est Tard, Dodo ! (Conclusion)   Je pense avoir tout dit et j’ai presque envie de dire enfin ! Je vais citer un commentaire que j’ai lu sur Youtube à propos de ce film :   «  C’est le meilleur film que je ne veux plus jamais revoir »   Cela n’a jamais été aussi vrai. Ce film est cruellement magnifique et c’est ce qui en fait sa force mais aussi sa faiblesse. Il y a tout un débat sur la question qu’un enfant pourrait regarder ce film. Autant vous dire que cela va dépendre de beaucoup de chose. Faut-il regarder ce film ? Certainement mais auriez-vous le courage ? C’est ce qui rend ce film difficile d’accès et je ne vous en voudrai pas si vous en n’avez pas le courage. Ce qui est sûr c’est que si mon billet vous à motiver à aller le voir, après le visionnage, vous ne serez plus la même personne. J’en fait trop, je vous l’accord mais il m’a fallut 3 jours pour encaisser le film.   Pour conclure, je dirais simplement que ce film fait parti de ces films qui montre à quel point que les animés ne sont pas que pour les enfants alors si jamais, un jour, quelqu’un vous dit que les animés ou les mangas sont pour les gamins, faite-moi plaisir montrez ce film à cette personne, ça devrait calmer sa connerie 😉   Je me suis beaucoup basé sur le site Buta Connection pour faire ce billet, je vous invite à y jeter un coup d’œil si vous êtes fan de Ghibli :  http://www.buta-connection.net/   J’espère que vous n’avez pas trop le moral dans les chaussettes mais j’ai trouver une blague, certes un peu délicate…..(Attention Spoiler)  

Sailor Moon : Les Films

Elle combat les démons sous la pleine lune et elle gagne le cœur des Hommes en plein jour. Toujours partante pour une bataille, elle est celle qu’on nomme Sailor Moon.   Je dois bien vous l’admettre, la série Sailor Moon fait parti de mes plaisirs coupables, j’avais apprécié la première saison malgré ses défauts. Je n’ai, cependant, pas encore eu le courage de continuer cette série, ne sachant pas si j’allais en parler ou non. C’est quand j’ai appris l’existence d’une trilogie de films que j’ai remis les pieds dans cette univers. Vous avez compris, nous allons parler des films Sailor Moon et terminer ce que j’avais commencé car je n’avais pas tout dit lors de mon premier billet. J’en suis sûr que vous êtes tout aussi heureux que moi de revoir notre héroïne et ses copines…. vu le nombre de vues la première fois, sois j’ai un public féminin insoupçonné, sois je ne suis pas le seul à avoir des plaisirs coupables….petits coquins !   Les Affiches des Films dans l'ordre de parution   Petite Annonce avant de commencer, je viens de lancer un petit blog à côté qui va reprendre tout ce que j'ai écrit sur Romstation. J'ai utilisé tout mon espace pour les images et comme j'avais envie d'en garder une trace, j'ai fait ce blog mais je continuerai à en faire ici ne vous en faite pas ! N'hésitez pas à y jeter un coup d'oeil de temps en temps car certains articles y seront retravailler et ils aura probablement des "inédits" (parce que je ne peux pas en parler ici) Il y a uniquement mon billet sur le film Ghost In The Shell (légèrement retravaillé) pour l'instant. Voici l'adresse: https://japanimania.home.blog/  voila tout, bonne lecture à tous ^^               J’ai demandé à la lune, si tu voulais encore de moi...   Rafraîchissons-nous la mémoire : Sailor Moon est un Shōjo de Naoko Takeuchi et son adaptation en animé est l’un des plus gros succès planétaire. Véritable figure emblématique au Japon encore présente de nos jours, c’est une série qui a révolutionné les Magicals Girls et est toujours aussi rentable.   On y suit Usagi (Bunny en Fr), une ado maladroite et un peu naïve qui s’avère être l’incarnation de Sailor Moon, une princesse guerrière du royaume de la Lune. Aidée par d’autres Sailor et deux chats, elle devra affronter les forces maléfiques qui tente de nous asservir, pauvres humains que nous sommes. Son succès n’est plus à démontrer, cependant quelques rectifications sont à faire par rapport à mon premier billet car oui, il m’arrive d’être un gros marsouin et de dire un peu n’importe quoi.   Le premier point que je voulais revenir concerne la traduction de Bunny en Français, j’avais dit que c’était probablement dus à ces cheveux….pas vraiment en faite. Cette traduction est en faite une traduction littérale d’ « Usagi » qui veut dire Lapin en Japonnais, mais la vrai raison viens d’un mythe qui raconterai qu’un lapin vivrait sur la lune à cause des Paréidolies sur la lune qui forme un lapin (Merci Pax, tu avais raison!)   Cependant, on peut encore aller plus loin, le motif du lapin est très très très présent dans la série. Le premier plan de la série, dans le tout premier épisode est le motif des draps d’Usagi qui est sont la lune et un lapin ; Certains vêtements qu’elle porte ont un motif de lapin ; ses cheveux et même les gâteaux qu’elle prépare sont en forme de lapin. C’est quand même dingue que je n’avais remarqué cela, comme quoi plus c’est gros, mieux ça passe.   Je me suis moqué un peu aussi des prénoms Français des Sailors (Surtout Malthida, j’en rie encore aujourd’hui) mais il n’empêche que ces changements ne sont pas si foireux que ça. En faite, ils ont pris pour base les prénoms Japonnais et l’ont remanié pour faire plus Français : Amy/Molly, Rei/Raya, Makoto/Marcy ou encore Minako/Malthida....   Petite anecdotes, La doubleuse française de Molly est la fille du doubleur qui fessait L’homme masqué ….vous ne verrai plus ces deux personnages de la même manière.   Molly est aussi le nom d’une drogue, bravo la censure 😂   Le Saviez-Vous ? La série Live annulée….   Non, je ne parle de la série Live Japonnais que le joueur du grenier avait parlé mais de la série live américaine ! Il aurait dû avoir une série live où le quotidien de Bunny et de ses copines était jouées par des actrices et des scènes de combat qui était cependant en animé par les américains. Le projet fût (heureusement) annulée pour éviter un nouveau "Street Fighter la série Américaine mal foutu". D’ailleurs, pour l’anecdote, chaques Sailors appartenaient à une ethnique différentes et même l’une d’entre elle était sur un fauteuil roulant (je parie sur Ami, ça ferait un bon cliché)   J’apprends à cette instant qu’une autre série aurait dû voir le jour aussi, elle devait s’appelait "Team Angel" et ça n’a plus rien à voir avec Sailor Moon. Apparemment, ça serait l’auteur du manga qui aurait fait en sorte que les projets soit annulées, quand on voit les images, je comprends tout à fait !   Voici l’intro de la série annulée qui viens récemment de refaire surface :    voici l’autre série, si vous êtes curieux :https://www.youtube.com/watch?v=gGLGYyWJAKI&feature=youtu.be   Il y a une galerie d’images qui détaille beaucoup  la série : https://lostmediaarchive.fandom.com/wiki/Sailor_Moon_(1993_Animated/Live-Action_Pilot)   Un autre point à éclaircir était la raison des costumes marinières dans la série (appelée Sailor fuku), il faut savoir que ce costume est vraiment une question de culture général au Japon, il y a 3 explications :   - D’abord, la marinière est un uniforme emblématique du Japon et symbolise la beauté de la jeunesse insouciante, Sailor Moon en serait sa représentante par rapport à son caractère, de plus, beaucoup de filles au Japon la porte, ce qui créer un rapprochement avec son public.   - Une autre explication viendrait du fait que la marinière correspond aux conformistes (Égalité Vestimentaire), étant un groupe de guerrière, cela voudrait dire qu’elles sont tous égaux entre-elles.   - La dernière explication….est un peu sale, le Sailor-Fuku est un fétichiste très connu au Japon, ça fait fantasmer des mecs et quand on sait que c’était une idée de l’éditeur de Naoko Takeuchi, je pense fortement qu’il avait tenté d’attirer un public masculin (en plus, il y a tout un trafic au Japon) et je dirais qu’il a réussie son coup 😆   Un groupe qui forme une sacrée équipe et il y aura d'autres membres à venir !                 Ambiguë jusqu'au fond des yeux, Le retour de Jupiter (Sailor Moon Les Fleurs Maléfiques)   Nous voila enfin au premier film, sorti en 1993 au Japon par la Toei Animation, le même studio que la série. Le réalisateur est Kunihiko Ikuhara, un réalisateur plutôt connu dans le domaine puisqu’il est le réalisateur d’ Utena, la fillette révolutionnaire (1996) et Mawaru-Penguindrum (2011) dont il en est le co-créateur.   Bien avant tout ça, il avait réalisé plusieurs épisodes de Sailor Moon (A partir de la 2ième saison jusqu’au début de la 5ième), pour faire simple, c’est le réalisateur qui est resté le plus longtemps dans la série.   Notre film se déroule pendant la deuxième saison mais reste hors canonique comme cela sera le cas pour les deux autres films, du coup vous pouvez regarder même si vous n’avez pas vu la série.   Le synopsie du film est simple, alors qu’ Usagi, Mamoru et leurs copines visite le Jardin botanique de Jindai , oui c'est précis ! Ils rencontre un étrange garçon nommé fioré, un ami extraterrestre de Mamoru qui l’avais rencontré dans sa jeunesse….. étonnamment, tout est normal 🤔 Malheureusement, Fioré est un peu vénère et veut transformer la Terre en un jardin mortel, c’est un boulot pour Sailor Moon !   Je ne vais pas tergiverser, je suis conscient que parmi vous,certains sont nostalgique de ce film et qu’il a contribué à votre enfance mais il faut que je vous dise que ce film….n’est pas mon préféré. Attention, il n’est pas mauvais mais il est décevant, je vais vous expliquer pourquoi.   La technique du film ne met pas tout le monde d’accord, étrangement d’ailleurs. Le film est identique à la série d’un point de vue technique, c’est à dire qu’il est moyen. En vérité, il est très légèrement supérieur mais c’est très timide, il faut comparer la série avec le film pour s’en rendre compte.   Je crois ne pas en avoir parlé mais la série n’a pas bénéficiez d’un gros budget, beaucoup de séries de la Toei ne bénéficient pas d’un budget équitable, c’est pourquoi il arrive qu’au moins une fois par an, il y a un petit scandale à cause de l’animation qui est particulièrement dégueulasse (coucou Dragon Ball Super)   ça touche surtout les Shonnen Nekketsu à cause du rythme effréné de la production, cette année c’est Seven Deadly Sins du studio A-1 Production qui à le droit à son scandale (et on n’est qu’en Février).   Dans le cas de notre film, l’animation est pareil que la série et c’est ça qui me perturbe. Quand je vois que le film s’appelle Sailor Moon Le Film, on a le droit de s’attendre à une animation de qualité supérieur digne d’un film et non d’une série, on a payé pour le voir ce film mais ce n’est pas le pire !   De mémoire, je dirais qu’un bon gros quart d’heure est issue de la série, c’est à dire qu’il y a du recyclage et tout le monde voit de quoi je parle : Les transformations !   On y a droit à toutes les transformations dans leurs intégralités et quasiment tous suivie à la chaîne, les super attaques sont les mêmes que la série sauf une, et je dit bien une seule attaque, c’est un Fire Soul légèrement différent. On dirais pas comme ça mais reprendre des petits séquences de la série, ça fait des économie et c’est ce que je lui reproche.   J’aurai aimé avoir des transformations et des super attaques différentes, je veux dire par là qu’on les présenterais visuellement différemment, qu’on se dit que ça se détache de la série.   Je vois d’avance que certains d’entre vous vont dire que les transformations sont des moments clés de la série et je suis tout a fait d’accord mais il me reste une carte dans mon jeu, la preuve ultime que le film n’a pas eu de budget.   À un moment dans le film, Sailor Moon est inconsciente dans un restaurant et un personnage tente de la réveiller en l’étouffant (….logique) . On pourrait s’attendre que ça dure 5 seconde sauf que ça dure presque 1 minute, ça ne vous rappelle pas une autre série ?     Et dire que je croyais qu’Evangelion avait inventé cette technique pour gagner du temps !   Il faut savoir que le film est sorti le 5 décembre 1993 au Japon et que pendant ce temps, la série continue d’être produite. On était en plein milieu de la seconde saison, l’épisode 76 était diffusé à la télé la veille de la sortie du film ! Tout ça pour dire que la série n’a pas eu de pause et que la production du film s’est fait au même moment que la série, d’où le manque de budget qui limite les prises de risques.   Quand à l’histoire, beaucoup la critique pour sa simplicité et c’est plutôt vrai mais je trouve qu’il est plus intéressant qu’on ne le crois, pour être plus précis c’est dans ses thématiques que je trouve que le film s’en sort vraiment. Finalement, je lui reproche que l’intrigue se rapproche plus de deux épisodes fillers qu’on enchaîne plutôt qu’un film mais si vous êtes fan de Sailor Moon, vous apprécierez l’intrigue.   Il faut que je vous présente un nouveau personnage qui a fait son apparition dans la 2ième saison : Chibi Moon (Camille en fr). Elle est dans le film mais son rôle reste limité à cause qu’on était en plein dans son développement dans la série. Pour expliquer le personnage sans spoiler, je dirais qu’elle a le même rôle que Trunks du futur dans Dragon Ball Z et je crois en avoir déjà trop dit. Évidemment, elle est lié à Sailor Moon mais je ne dirai pas en quoi.   Les thématiques de ce film sont plutôt intéressant, quoi que un peu clichés. A partir de maintenant, cela va dépendre si vous l’avez vu en VF ou en VO, parce qu’il y a une grande différence entre ces deux versions. Pour ma part, j’avais vu ce film en Français et je pense que ma déception viens de ça.   Si vous avez vu ce film en Français, vous pensez probablement que je vais parler de l’amitié entre Fioré et Mamoru, le problème c’est qu’il ne s’agit pas vraiment d’amitié, et oui, c’est un peu plus que ça.   Du coup, cela va me permettre de présenter un thème que je n’avais pas pu parler lors de mon premier billet : les relations Homosexuelles dans la série. Quand on pense à des relations du même sexe, on pense surtout à Sailor Uranus et Sailor Neptune parce qu’à l’époque cela avait fait scandale aux Etats-Unis (et chez nous aussi du coup) mais ça ne date pas de la troisième saisons.   Dans la première saison, c’était les démons Kunzite et Zoisite qui entretenais une relation amoureuse, d’ailleurs, en France, Zoisite est le petit frère de Kunzite et dans d’autres pays, c’est même devenu une femme ! On peut ajouter aussi que très souvent, un des personnage du couple se travestie (Zoisite en femme et Sailor Uranus en Homme). Imaginer de voir ça en 1992, l’animé était vraiment en avance sur son temps mais la censure était très fort et n’a pas laissez passer.   Dans le film, Fioré est amoureux de Mamoru et c’est pour ça qu’il s’en prend à Sailor Moon puisque elle est sa concurrente, je précise ceci parce que c’était censuré chez nous.   L’autre thème que j’avais apprécié était la solitude, alors oui c’était très clichés mais cela n’empêche pas que c’est bien amené. On remarque qu’il y a plusieurs points qui rapproche les Sailors et Fioré, les raisons de leurs comportements sont liés à une même blessure. Paradoxalement, je considère ce film comme le moins bien des trois mais il possède le meilleur antagoniste ! C’est le seul qui a vraiment un lien avec Usagi avec cette rivalité amoureuse. Bref, cliché mais bien fait.   Le gros point fort du film réside aussi dans son ambiance beaucoup plus mature que d’habitude. Cela ne m’avais pas frappé la première fois mais les combats sont plutôt violents. les Sailors sont projetées dans des vitres en verre et les chocs sont plus rude, on peut le dire elles s’en prennent plein la gueule….ce qui amène à la partie sensible de mon sujet : La censure.   Le film a été charcuté lors de sa sortie au cinéma chez nous et aux États-Unis, beaucoup de scènes ont été coupées pour éviter de choqué nos ‘pauvres’ enfants, voici une petite liste non exhaustif.   D’abord, tout vulgarité (Sailor Jupiter, je te regarde) et acte violent sont coupés….adieu la scène où la moitié du groupe passe à travers du verre. Puis, tout sous-entendus sexuelles et références à l’homosexualité sont mise en sourdine, Fioré deviens plus un ami qu’un homme amoureux de Mamoru mais ma scène préférée reste lors de la réunion où Amy sous entend que Mamoru attire aussi bien les hommes que les femmes. En VF, Molly (Amy) critique Raya (Rei) d’être trop curieuse. Dernière exemple de censure, toute représentation de Chibi Moon avec un pistolet est coupé.   Le Saviez- Vous ? L’anecdote Coquine !   À la base, je devais vous dire que Sailor Moon à eu droit à son adaptation Live pornographique récemment et que le terme Sailor Moon était encore très recherché dans les sites Hentai mais j’ai trouvé plus drôle ! Il y a des gens qui se posent beaucoup de questions comme pourquoi Sailor Mercury est la Sailor la plus populaire (et la plus fantasmé) alors qu’il y a de vrais questions à se poser comme qui à la paire de poitrine la plus généreuse !   Messieurs, j’ai la réponse ! Un fan nommé Tuxedo Unmasked à publier un petit article où il se demande si les poitrines des sailors sont réalistes, mais bon, ce qui nous intéresse c’est l’heureuse élue et c’est….Sailor Jupiter suivi de Sailor Mars et de Sailor Mercury. Les deux perdantes sont Sailor Venus et Sailor Moon qui est la dernière.   Si ça vous intéresse, je vous donne le lien du site où il y a les détails sur comment il a pût répondre à la question (et les chiffres !) et il y a même un article sur "que porte les Sailors sous leurs Jupe ? ". Voilà, j’ai détruit l’enfance de beaucoup de monde et je vais probablement avoir des plaintes de la part des féministes….mais avouez que ça valait le coup 😆   Voici le lien pour les curieux : https://www.tuxedounmasked.com/are-the-sailor-soldiers-bust-sizes-unrealistic/    Comme Dirait Sakura dans Fate/Stay Night, Amy est une « Vilaine » Fille 😏   Le mieux reste de voir la censure en image (attention spoil si vous compter le regarder) :    Je vous déconseille de le regarder en VF pour la censure mais aussi parce les doubleuses ont tendance à dédramatisé des scènes fortes, c’était la mentalité de l’époque mais si vous êtes nostalgique de la VF, elle est comme dans la série. Fait Rigolo, vers la fin du film, une doubleuse se trompe de prénom entre Malthida et Marcy, preuve que la VF n’était pas soigné à l’époque.   Une dernière chose, le film est sorti chez nous au cinéma….en 1996 ! Soit 3 ans de retard et a été un bide monumental, non mérité selon moi. En effet, le film est très connu chez nous pour avoir été un bide monumental au cinéma, non pas à cause de ces défauts mais à cause de la vague anti-manga généré par des politiciens qui passent leurs temps à raconter de la merde, et je suis encore polie. C’était tellement virulent que le mois après la sortie du film, un autre film à lui aussi bidé alors qu’il est considéré comme un classique : Le Tombeau Des Lucioles ! Ce film montre surtout la fin de la période du Club Dorothée, au moment où Sailor Moon devenais vraiment gainant pour le CSA, qui d’ailleurs, avait évincé Dragon Ball Z auparavant.                Je suis comme un chat sur Mars qui ne reviendra jamais sur Terre (Sailor Moon S Le Film)   Sortie en 1994 au Japon et très tardivement en France, en 2015, c’est Hiroki Shibata qui est cette fois-ci au commande. Il est connu pour son travaille sur Digimon et Sailor Moon.   Je vais être très directe, ce film est mon préféré de la trilogie ! Cette fois-ci, Usagi et ses copines profite pleinement des vacances d’Hivers jusqu’à l’arrivé d’une mystérieuse météorite qui n’est rien d’autre qu’un cristal. Cela annonce l’arrivé de la reine des glaces qui veut contrer un peu trop le réchauffement climatique en glaçant la terre entière….et avoir accessoirement la planète pour elle toute seule.

Ce scénario qui est classique en somme n’est en réalité qu’une partie de l’intrigue car il y a tout un triangle amoureux comme sous-intrigue avec Luna (Le chat noir) qui tombe amoureuse d’un Scientifique en crise avec sa fiancée astronaute….non je n’ai pas de blague qui me viens à l’esprit.   Les deux intrigues se rejoignent bien et a au moins le mérite de faire quelque chose de différent de la série en mettant Luna en avant….mais je ne vais pas vous mentir, j’ai beaucoup rigolé devant ce film. Non, ce n’était pas par moquerie mais il y a des situations dans ce film où je me suis dit :   « Est-ce que dans la réalité, cette scène aurait le même effet que dans le film ? »   On pourrais dire ça avec beaucoup d’autres films mais se poser la question de temps en temps ça donne des bonnes tranches de rigolade (comme par exemple Luna qui emprunt des livres de médecine à Ami ou Luna qui se parfume pour séduire)   Je t'aime bien Venus mais quand il y a une putain d'armée avec une reine qui veut geler la Terre, je ne me pose pas vraiment ce genre de question.   Le film possède un meilleur rythme, il y a plus de combat, certes moins violent que le premier film mais on gagne en mise en scène et en nervosité, par contre, l’antagoniste est oubliable dans le sens où c’est juste une simple antagoniste parce qu’il en fallait une, elle n’a pas de lien avec les héroïnes finalement (même pas avec Luna). D’ailleurs, le film manque cruellement de propos comparé au précédant parce qu’à part le triangle amoureux, il n’y a pas vraiment de thématique, ça manque de connexion entre les thèmes et c’est vraiment le gros défaut du film   C’est aussi l’apparition de trois nouveau Sailors, que j’appelle les « Sailors Renfort » parce que c’est leurs rôle dans le film. Évidemment, elles ont à la base un développement dans l’animé mais elles servent plus de Fan-Service par leurs simple présence dans ce film, cependant, elles ne sont pas inutiles et je les trouve assez classe !   D’abord, Sailor Pluton ou Setsuna (Sylvana en Fr) est la gardienne du temps et elle se bat avec un sceptre en forme de clé (Sora ?). J’ai pas grand-chose à dire parce que je n’ai pas encore vu la 2ième saison. Puis le célèbre duo/couple Sailor Neptune (Mylène en Fr) et Sailor Uranus (Frédérique en Fr) que je vous est un peu présenté plus tôt, une fois de plus, comme je n’ai pas vu la 3ième saison, je ne peut pas en dire grand-chose. Par contre, le truc qui me fait rigolé avec ces trois personnage c’est qu’elles passent leur temps à traîner dans un café….genre, tout le temps, vous me direz ça a bien réussi à Kaneki.   Le Saviez-Vous ? Sailor Moon et…..Indochine ?!   Après avoir combiné Sailor Moon et Syphilis, vous pensez avoir tout vu ? C’est une anecdote connu si vous êtes fan (comme moi) du groupe Indochine. Il faut savoir que la chanson Astroboy sorti sur l’album Dancetaria (1999) parle des mangas et fût joué sur 2 tournée : Le Dancetaria Tour et la tournée 3.6.3 (2003). Lorsqu’elle est joué en concert, des images d’héroines d’animés sont diffusé (la plupart issu d’Eroge au passage) dont Sailor Moon ! On retrouve aussi Ranma 1/2 et j’ai cru voir Asuka dans Evangelion.     Si les photos ne convint pas, je vous laisse directement la vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=RZh5A8D3FXU      L’animation est bien mieux réussie que le film précédant sans pour autant être incroyable mais je le trouve visuellement plus appréciable.   Il y a aussi un petit délire vers la fin dont le seule indice est sur l’affiche du film, disons un personnage mystérieux qu’on ne connaît pas et qui ressemble à Rin Tohsaka selon moi…..vous ne trouvez pas, non ?   Le film a bénéficiez d’une VF très tardivement, je n’ai vu qu’un court extrait et ça avait l’aire de tenir la route avec notamment Usagi qui a une voix très gamine qui colle bien je trouve. D’ailleurs, heureusement que la VF s’est fait tardivement parce qu’il y a une histoire entre Luna et Artémis et je vous rappelle qu’à l’époque, Artémis était une Femelle chez nous alors que c’est un Mâle dans la version Original ! Du coup, la censure fût évitée et on a évités des non-sens qui était déjà trop présent dans la série. Ah oui, j’ai aussi compris pourquoi Artémis est devenue une femelle chez nous, la série fessait parfois allusion qu’il mate Venus quand elle se change….sacrée Artémis !              Faites monter l'arsenic, Faites monter le mercure (Sailor Moon Super S Le Film)   Dernier film de notre billet qui commence à durer mine de rien, c’est la même équipe au commande que le précédant film et il est sorti en 1995. Voici son intrigue : Un étranger est arrivé un beau soir, De son pipeau il tirait des sons bizarres,Ses cheveux longs lui donnaient l'air d'un vagabond. Tout le village dormait paisiblement lorsque soudain on entendit dans le vent, un doux refrain que les enfants connaissait bien. Les p'tits enfants, en chemise de nuit, cherchaient le vent et le pipeau dans la nuit, ils arrivèrent à la rivière et se….. Ah ! Excusez-moi ce n’est pas l’intrigue du film mais le concept est là. L’intrigue reprend l’histoire du Joueur de flûte de Hamelin sauf qu’au lieu de noyer les enfants, il les kidnappe pour aller faire dodo dans le château de Queen Badiane (encore une reine). Leurs rêves alimente un trou noir qui va englober la Terre si on ne fait rien !   Je pourrai résumé le film encore plus simplement : Chibi Moon est capturée et Sailor Moon va aller la sauver.   Le film possède les qualités des deux premier films fessant de lui ‘’Techniquement’’ le meilleur des trois, cependant, je trouve le film très spécial. Les fans trouve généralement le scénario banal et c’est vrai mais je trouve que c’est dans son atmosphère qu’il est….étrange. Je ressens comme un goût amer peut-être à cause que l’intrigue est plutôt brouillon alors que paradoxalement basique.   Je pense à une scène précis, Sailor Moon et les autres sont dans un château dans les air, invisible et ayant pour seul condition pour y accéder de jouer du pipeau. Lors d’un combat, les ‘’Sailors Renfort’’ arrive au bon moment et Ami demande comment ont-elles fait pour arriver ici et voici leurs réponses :   « Une énergie démoniaque grandit dans ce château, Sailor Moon, la vie de la petite fille est elle en danger ? »   Je me rappelle exactement ce que j’avais pensé lors de mon premier visionnage : « Ne changez pas de sujet, comment vous avez fait ? » et on ne le saura jamais ! (le scénariste non plus d’ailleurs)   J’ai ma petite théorie, je pense qu’elles espionnent en secret Sailor Moon et qu’elles ce sont cachées sur le dirigeable qui mène au château. J’imagine bien Sailor Pluton dire : « J’imagine la tête des autres quand elles vont nous voir arrivées ! » 😂😂   Bref tout ça pour dire :  J'adore ce mec   Je rigole mais l’ambiance du film est très étrange comme je l’ai dit plus tôt, après avoir revu quelques passages j’ai finalement compris pourquoi ce film m’avais fait un drôle d’effet. Il faut savoir que le film repose sur la thématique de l’enfance, l’intro du film montre les Sailors toutes petites et toutes mimis (surtout Venus qui se bat en duel avec Clint Eastwood), les méchants piège les Sailors par rapport à l’enfance (scène drôle au passage), les méchants parlent comme des enfants ou encore le conte d’Hammelin repris comme intrigue.   Malgré qu’on voit des chose lié à l’enfance, le film se veut sombre, déjà parce qu’il fait tout le temps nuit et qu’il y a comme une déformation de l’enfance avec par exemple, les projectiles gonflable avec des têtes d’enfants. Ce n’est pas tout, même la mort de certains méchants donne un aspect malaisant au film, quand ils sont tués, ils se transforme en oiseau.   « Bouah ! t’es une chochotte PenPen » dit comme ça, oui mais quand on lie le monde enfantin à la mort, ça fait quelques chose. Il y a aussi un étrange lien entre les mots Rêves et Cercueil dans ce film comme si dormir = Mort. Le film confronte une vision adulte (Neptune par exemple avec une blague salace) et une vision enfantine de la vie (Les méchants tout simplement). Sailor Moon est entre les deux, c’est une fille de 14 ans, insouciante mais qui a des responsabilités….     Le Saviez-Vous ? Sailor Moon à L’Evo !   Connaissez-vous Bishoujo Senshi Sailor Moon S: Jougai Rantou!? Shuyaku Soudatsusen ? Il s’agit d’un jeu de Versus Fighting sorti sur Super Nintendo en 1996 et uniquement au Japon. Il est loin d’égaler Street Fighter II mais il a sa propre communauté ! En faite, le jeu est encore très joué aujourd’hui au point même qu’il est joué dans différent tournoi dont l’Evo en 2018 ! Oui, le plus gros tournoi de Versus Fighting à accueillit ce jeu ! Cerise sur le gâteau, les développeurs ne sont rien d’autres qu’ Arc System Works, le studio qui fera plus tard Guilty Gear, Blazblue et Dragon Ball FighterZ ! Les jeux Sailor Moon….ça mériterai un Hors-Sujet.   Le Match que l'on attendais tous !   Je trouve que le film à un concept et qu’il a été jusqu’au bout, ce qui à la fois est une force mais à condition d’être sensible au sujet, ce qui apparemment n’a pas été le cas pour les fans. Je pense que ce film n’a pas vraiment eu le mérite qu’il devait et qu’objectivement, je dirais que c’est le meilleur des trois.   Sans pour autant tomber dans le « Evangelion Style », je trouve que le film parle de la difficulté à devenir un adulte sans éprouver la souffrance de vouloir rester un enfant où il n’y a pas de soucis, pas d’impôt à payer, pas de responsabilité, comme le chantait si bien Michel Polnareff.   Dernier point, les transformations sont de plus en plus rapide à travers les films au point qu’on assiste littéralement à 4 transformation en même temps et en accélérés ! Preuve de plus que le film ne veux pas s’éterniser (et qu’il y a un peu plus de budget).   L'ambiance de ce film est plus sombre que les deux autres ! Dit Sailor Neptune, tu pourrais développer ton propos en donnant un exemple 😏             Guidé par une étoile, Peut-être celle-là, Première à éclairer la nuit,Vénus (Conclusion)   Que dire de ces trois films ? Que ce sont des films bien sympathiques si vous voulez découvrir Sailor Moon sans passer par la série. Le 1er et le 3ième film sont les plus intéressant pour leurs thématiques mais au détriment d’une intrigue un peu trop simple et un peu bancale (il faut le faire quand même). Le second film est plutôt axé sur les affrontements mais reste finalement oubliable malgré que c’est mon préféré. Dans tout les cas, vous passerez un bon moment, d’autant qu’ils font à peine une heure chacun, je vous conseille de regarder les trois d’affilés pour voir l’évolution entre les films. Il y a aussi des épisodes spéciaux qui étaient liées au films mais j'ai dus les ignorés parce vous devait probablement en avoir marre de lire ce pavé (et je m'en excuse)   C’était sympa d’avoir pu parler de ces films et ça m’a donné envie de regarder les autres saisons mais si j’en parle, ça ne sera pas pour tout de suite, on va éviter l’overdose ^^ J’espère aussi que vous avez bien rigolé parce que le prochain sujet, sera beaucoup moins drôle…. Mais on se quitte sur une private joke, pour la comprendre regarder d'abord ceci https://www.youtube.com/watch?v=Eod-_R799Ug     Une petite heure pour faire ce petit "trucage"....il faut vraiment que j'arrête avec mes délires 😅
DrunkenPenPen

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BlazBlue Alter Memory

Nous avons tous connus ces longs moments d’attentes avant de pouvoir mettre la main sur un objet tant désiré : Un jeu, un livre, un film, une série, un spectacle et j’en passe largement. Et enfin, ce jour arrive ! Vous êtes de bonne humeur, vous souriez à tout le monde, si ce n’est même à la vie ! À l’instant où vous mettez tout en place, que vos doigts trembles, que votre œil se dilate, vous découvrez ou redécouvrez ce que l’on appelle, le plaisir ! Hélas, ça ne se passe pas toujours comme ça et votre plaisir deviens plutôt un calvaire, ce goût amer que vous ressentez en vous à ce moment s’appelle la déception….quelle chute, quel affront, quelle indignité ! (j’en fait un peu trop, non ?) Pour ma part, c’était le jeu Blazblue Chronophantasma pour son mode histoire totalement bancale mais heureusement sauvé par son gameplay, d'ailleurs, je me rappelle que cette déception n’était pas nouvelle, j’ai connu l’adversité avec non pas un jeu mais une adaptation animé de cette même franchise : Blazblue Alter Memory. Je sens que j’ai capté votre attention, permettez-moi de vous présenter encore à ce jour comme ma plus grande déception en matière d’animé….   L' affiche de la série animé             The Weel Of Fate Is Turning, Rebel 1 Action !   Peut-être que parmi vous, la franchise nommée Blazblue ne vous dit rien. Sachez qu’il s’agit d’une série de jeu de baston, crées par le même studio que la série des Guilty Gear nommée Arc System Works qui avait fait la joie des joueurs de versus dans le passé. Son créateur Toshimichi Mori avait prévu qu’il n’aurait que deux jeu à la base mais finalement, la série connaîtra 4 jeu dont deux version améliorés du deuxième et troisième jeu. Il y a eu aussi un Spin-Off, Blazblue Cross Tag Battle mais qui fit un bide monumental à cause d’un projet trop ambitieux, d’un abus de DLC et surtout de beaucoup de promesses non tenues (mon crossover avec d’autres licences animés, je l’attend encore !).   Sachez aussi que je suis ou plutôt j’étais un très grand fan de la série à l’époque mais j’ai été dégoûté de la série suite à de nombreuses déceptions (Central Fiction je te regarde !) mais ce dégoût de la série avait commencé bien avant la second moitié de la saga et du manque d’inspiration/Motivation des développeurs.   Oui, c’est bien l’animé du jour que je parle, sorti en 2013 par le studio Hoods Entertainement inexpérimenté à l’époque.... et même encore de nos jours d’ailleurs. Le studio n’est pas très connu ou si c’est le cas, c’est pas pour de bonne raison, en faite, le studio est spécialisé dans le Harem mais surtout dans le Ecchie, un genre réservé à un type de public précis : Les jeunes mâles en chaleur...je suis méchant, c'est vrai, mais je ne suis pas friand de ce genre d'animé. On leur doit The Qwaser of Stigmata et Manyū Hiken-chō qui sont d’après plusieurs avis, très mauvais.   Pourtant, on retrouve des gens expérimentés comme Seiji Mizushima (Réalisateur de Fullmetal Alchemist !) ou Tomoyuki Shitaya (Food War et Bakuman !) mais malgré ce fait, on retrouve pas leurs pattes et leurs savoir-faire ! C’est surtout le réalisateur Hideki Tachibana qui est inexpérimenté et comme c’est censé être le chef de cette production, on a beau être entourés de gens de talents mais s'ils ne sont pas bien guidés, ça deviens du gâchis.   En faite, le vrai problème est qu’on n’a pas donné le bon animé aux bonnes personnes, Ils font du Ecchie et on ne regarde pas un Ecchie pour son scénario ! Mais heureusement que Blazblue n’a pas un scénario compliqué, hein ? Hein ?…..On est dans la merde. Ah oui ! Il y a aussi le studio Team KG qui a participé et pour la première fois, je n’ai rien trouvé sur eux, Des fantômes ! C’est pas bon signe.   Il n’y a qu’à voir aussi le temps qu’ils ont mis pour faire cette animé, ils ont annoncés l’animé en Mai 2013 et il est sorti en Octobre de la même année, soit 5 mois. Si on ajoute qu’il se finit le 24 décembre toujours de la même année, ça fait un total de 7 mois….je ne sais pas pour vous mais je trouve que c’est court pour la production d’un animé.   Il est évident pour moi que si j’avais eu ces infos à l’époque, je n’aurais pas été aussi enthousiaste qu’à l’époque de voir cette adaptation. Mais la grande question est pourquoi le créateur de Blazblue qui est pourtant un fan d’animé à la base a pris un studio aussi peu expérimenté au lieu d’un autre ? La réponse est très simple, c’était les moins cher.   Le désir de Toshimichi Mori de voir Blazblue en animé date du tout 1er jeu ainsi que de la surprise des joueurs de voir des scènes animés vers la fin du mode Histoire. Ce projet lui tenez à cœur puisqu'il en parla beaucoup lors des interviews, mais faire un jeu et faire un animé c’est 2 choses différentes.   J’imagine bien Toshimichi Mori rendre visite à son patron pour lui proposer de faire un animé sur son jeu. Son patron a dû faire un peu la grimace car il avait en tête Final Fantasy les créatures de l’esprit.   « Qu’est ce que Final Fantasy a à voir dans tout ça ? » me direz-vous ? Et bien Final Fantasy Les créatures de l’esprit fut une adaptation qui coûta 137 Millions de Dollars et fut l’un des plus gros flop de l’histoire du cinéma, coulant ainsi la firme Squaresoft pour se faire racheter par la concurrence devenant ainsi Square-Enix. Depuis, cette histoire est devenu un cas d’école et les firmes ne donna plus autant d’argent qu’avant sachant que tout de façon, ça ne sera pas rentable (en plus d’être nul).   Vous comprenez alors que ce patron n’ayant pas envie que sa boite s’appelle un jour ‘Arc System Capcom’ donna très peu d’argent à ce bon vieux Toshimichi Mori.   Ce dernier étant satisfait, alla voir des studio d’animations et ce fut, à mon avis, la douche froide, les studios demandaient trop d’argent ! C’est à ce moment qu’il a dû comprendre que faire un animé, ça coûte cher ! Tout ça reste de la supposition je vous l’accorde mais il est fort probable que ça c’est passé comme ça, parce que si Mori était conscient de son choix de studio, ce n’est plus de la naïveté mais de l’idiotie.            Le monde est comme toi, le monde est bleu Comme toi   La réussite globale d’un animé dépend de 4 facteurs majeurs selon moi :              - L’Argent, parce que sans argent c’est dur d’animé des images, la Gainax ne dira pas le contraire !            - Une bonne gestion du temps, parce qu’il faut du temps pour faire un animé sinon on est en retard et par conséquent, on fait des conneries.            - L’expérience, parce qu’un animé fait par des gens qui travaillent depuis plusieurs années dans le milieu ça se voit.            - La chance, quand on sait le nombre d’animé qui sort par trimestre, se faire remarquer demande beaucoup de chance.   Malheureusement pour Blazblue Alter Memory, il ne réunit aucun de ces 4 critères.   Commençons par l’histoire du jeu : « Bien avant les événements de Blazblue, l’humanité fut amenée au bord de la destruction par une créature venue des ténèbres, la «Black Beast». Le monde fut alors sauvé par six héros, détenteurs de magie. Ils aidèrent l’humanité à créer des «Ars Magus», une combinaison entre technologie et magie, pour vaincre la «Black Beast».   Après la guerre, une organisation nommée le «Novus Orbis Librarium» (appelée aussi le NOL) fut créée pour gouverner le monde   En décembre A.D. 2199, plusieurs années après la destruction d’Ikaruga, plusieurs branches du NOL ont été complètement anéanties par un rebelle de classe SS appelé «Ragna the Bloodedge», aussi connu sous le nom du «Faucheur» dont le but est d’anéantir le NOL tout entier. Le NOL, espérant l’arrêter, mit alors la plus grande prime jamais proposée pour sa capture. D’autre part, Ragna a en sa possession un très puissant «Ars Magus» appelé le «Grimoire Azure» aussi connu sous le nom de «Blazblue». Du coup, le monde entier, que ce soit le NOL, l’union d’Ikaruga ou encore d’autres combattants poursuivent Ragna soit pour la prime sur sa tête, soit pour le grimoire qu’il détient. » (Source Wikipédia)   J’ai volontairement choisi de citer le résumé du jeu sur Wikipédia parce que résumé Blazblue est très complexe, j’ai dû sauté un paragraphe pour raccourcir le résumé et le pire c’est que j’ai sauté des éléments importants de l’intrigue !   Cependant, je tiens à rassuré ceux qui n’ont jamais touché le jeu, je vais expliquer au mieux chaque détail. « Pourquoi ne pas avoir pris le résumé de l’animé directement, ça aurait été plus simple, non ? », Certes, oui mais vous n’aurez rien compris vu qu’elle ne fait que 4 lignes maximum ! Vous voyez, même en étant feignant j’ai fait un meilleur boulot que les mecs qui font des résumés.   Bref, laissons de côté le scénario pour l’instant et intéressons-nous plutôt sur le visuel. Je ne vais pas vous mentir c’est moyen, très moyen pour…. 2013 !!! Je sais que c’est un peu stupide de le comparer à d’autres animé ici (par rapport aux budgets) mais sachez que c’est sorti au même moment que Kill La Kill, L’attaque des Titans et Jojo's Bizarre Adventure (Sorti l'année d'avant pour ce dernier).   Alors oui, visuellement il ne fait pas le poids et j’hésite même à dire qu’il est moche mais ça serai exagéré. Les problèmes sont dus à l’éclairage qui fait littéralement n’importe quoi, tantôt c’est trop sombre, tantôt c’est trop clair, tantôt on voit rien à cause du noir, tantôt on est éblouie pour rien. J’en avait presque mal aux yeux quand je passais d’une scène trop sombre à une scène trop claire lors des Screenshots.   Trop Clair, Trop sombre mais dans les deux cas, c'est surtout vide !     On retrouvais ce défaut dans Higurashi mais l’ambiance était bien présent ! Quand est-il de Blazblue ?   Sans surprise, l’ambiance n’y est pas ! L’autre problème viens des choix de couleurs, je trouve que ça manque de vie, que c’est trop terne. Il y a clairement un abus des couleurs froides et même quand ils veulent faire des moments chaleureux avec des couleurs chaudes….c’est terne, c’est trop froid , ça manque de vie ! Combinés aux problèmes d’éclairages, vous comprendrez que je trouve l’animé visuellement très moyen mais ce n’est pas le pire.   Il y a parfois un filtre flou qui reviens systématiquement lors des combats et c’est un comble selon moi. Pourquoi ? Dans les années 90, on aimait tout flouté pour donner la sensation que c’était plus beau, c’est surtout le cas des films comme The End Of Evangelion ou Escaflown qui utilise beaucoup ce filtre. Lorsque ces films ont bénéficié d’une remastérisation, ils ont gagnés énormément en netteté et sont beaucoup plus regardable de nos jours. On a arrêter de mettre du flou à tout va dans les années 2000 car ça sert plus de cache misère qu’autre chose, malheureusement, certains animés récent utilise encore ce procédé dont Blazblue Alter Memory.   Parlons de Chara-design, je ne vais pas vous le cacher mais j’ai un problème avec le chara-design de cette animé. Il faut savoir que j’aime beaucoup le chara-design du jeu mais celui de l’animé me pose problème. Vous aller dire que je chipote mais je trouve que les personnages de blazblue ressemble à celui du jeu, qui ont l’aires d’être pareils mais ce ne sont pas eux ! On les reconnaît mais jamais je me suis dit que c’est vraiment les personnages du jeu….c’est étrange, je sais. En faite, ils ont des petits détails qui font en sorte qu’on se dissent que ce ne sont pas eux, par exemple, Noël, l’héroïne du jeu à une mèche de cheveux en trop dans sa version animé. « Tu Exagère ! » allez vous me dire, je sais mais pour Street Fighter II je n’ pas eu cette sensation.   Et l’animation ? Je dirais que c’est le minimum syndicale sauf pour les combats qui se limite à des étincelles parfois , sans voir les combattant et là, par contre, je n’exagère pas !   Noel est vraiment niais dans cette animé du début jusqu'à la fin, c'est frustrant de voir que c'est la seule chose qu'on retiens d'elle !               Elle est bien coiffée, elle part travailler, C'est vraiment pas Noël !   Revenons donc à l’histoire, est-ce fidèle ? Je ne peux pas nié que les grandes lignes du mode histoire y sont mais par contre il y a beaucoup de problèmes….   Tout d’abord, si vous n’avez jamais fait les 2 premiers jeux, laissez tombez cette animé parce qu’à aucun moment on va vous expliquer quoi que ce soit, même les points fondamentaux de l’intrigue ! Si je vous dit Seithr ou Tsukuyomi, normalement vous ne savez pas ce que c’est, vous pensez alors que l’animé va vous l’expliquer parce que ce sont des termes fondamentaux du jeu….et bien non, fallait faire le jeu ! C’est comme voir la trilogie des Seigneurs Des Anneaux mais qu’on ne vous explique rien et qu’on vous répond : Fallait lire les romans ! Dans ce cas-là, à quoi sert une adaptation alors ?   Parlons ensuite du rythme global de l’animé : la série fait 12 épisodes et reprend les 2 premiers jeux pour ce qui est du scénario. On pourrait s’attendre qu’ils partagent la série en 2 temps, 6 épisodes par jeux. Le deuxième jeu avait déjà fait un résumé du 1er jeu dans sa version « Extend » et il avait mis environs 2 heures en ligne droite. C’est parfait me direz-vous mais le studio à fait un choix incompréhensible.   En effet, ils ont décidé de faire le 1er jeu en 2 épisode seulement puis tout le reste de l’animé pour le second jeu, est-ce que vous voyer la connerie qu’ils ont fait ? Le problème, c’est que pour comprendre le 2ième jeu, il faut bien expliquer le 1er qui en plus, n’est pas si évident, ce que le studio n’a pas fait et ne fera jamais ! Et encore, sur les 2 épisodes du 1er jeu, il n’y a qu’un seul épisode qui explique tout le 1er jeu (l’autre épisode n’est que du combat). En gros, ils ont résumé le jeu en 20 minutes alors que le jeu met initialement 2 heures ! Comment pouvez t-ils se dirent que ça aller passer ? Je pensait à l’époque que le développement viendrait dans les épisodes suivantes mais non ! Rien ! Nada ! Que Dalle ! Si cela avait été le cas, ça aurait été maladroit mais au moins, on aurait eu des explications !   Conséquence ? On a un début qui va beaucoup trop vite, qui rush, qui saute plein d’éléments pour arriver le plus rapidement au second jeu et au moment où on arrive au second jeu….il ne se passe quasiment rien ! Le rythme ralentie tellement qu’on est comme au point mort alors qu’on n’a rien dit de l’univers ! Parce que le jeu de base est très riche mais l’animé ne dit jamais rien ! Le pire, c’est que l’animé passe son temps à meubler alors qu’ils se sont dépêchez au point de massacrer le 1er jeu, Incompréhensible.   Ce que vous voyez est une scène de combat beaucoup trop rapide pour animé les personnages.....la bonne excuse.   J’aurais pu vous parler aussi du cas de la bête noir qui tue la moitié de la population au début du jeu mais dont l’animé n’en parle pas alors que c’est la base de l’intrigue ! Je pourrais continuer avec d’autres séquence comme la guerre civile d’Igaruka qui explique la mise en place des méchants au pouvoirs mais apparemment, c’était pas si important pour le studio. Je suis mauvaise langue, il montre une image dans l’Opening à propos de la bête noir, je suis désolé mais j’ai bien peur que ce ne soit pas suffisant !   D'ailleurs, l’Opening parlons-en ! Ils ont eu la bonne idée de mettre des extraits du 1er épisode pour faire l'opening alors qu'on n'a pas vu l'épisode en question….   Le vrai Opening ne viendra qu’à l’épisode 4, c’est encore un signe qui montre un manque de budget et de temps.   Par conséquent, l’animé est ennuyeux car les combats ne sont pas si nombreux, paradoxale pour une adaptation d’un jeu de combat ! On se retrouve un moment dans l’intrigue avec 5 épisodes sans combat et sans enjeu, c’est long 5 épisodes sans combat ! Que font-ils alors ? Les gentils se reposent et les méchants complotent….whoa, tout ça pour ça !   Ce qui m’amène à un terrible constat, si vous n’avez pas fait les jeux, vous ne comprenez rien ! Je comprend qu’on peut faire des adaptations pour les fans mais le but d’une adaptation n’est pas de réunir les fans et les potentiels nouveaux venus ? Surtout quand on sait qu’à la base, c’était censé être destiné à ceux qui n’ont pas fait les jeux, on peut le dire, c’est raté !   Mais alors si comme moi, vous avez fait les jeux, est-ce que ça passe ? Pas vraiment…. Le problème c’est que l’animé à une fâcheuse tendance à constamment contredire les événements du jeux.   Par exemple, Ragna (le héro) affronte Hakumen, un personnage important et fort. Dans le jeu, Hakumen se fait piéger par un autre personnage (Kokonoe) et Ragna peut avancer, sauf que dans l’animé, Hakumen se fait piéger, mais surprise, en faite non, pour finalement se faire piéger quand même. Ce genre de chose arrive tout le temps dans cette animé et je veux bien comprendre que l’on veut créer du suspense mais pas comme ça, pas en contredisant les événements importants d’un récit pour rien, ça ne créer pas du suspense mais de l’incohérence. Il y a même un moment, ils ont réussis à bloqués l'intrigue en plein milieu de l'animé à cause de ce genre de choix ,au point de bousiller les moments fort du jeu….     L’animé regorge d’incohérence par rapport au jeu comme par exemple les Bolverk (pistolets de Noël) qui motive Noël à se battre contre n’importe qui, même ses amis, alors pourquoi dans l’animé c’est le cas qu'une seule fois ? Bonne question. Ou encore certains personnages qui ne sont même pas fidèle au jeu comme Bang qui est un comique relief (comme Dan dans Street Fighter). C’est un ninja qui passe son temps à gueuler et à suer au détriment des autres mais il a aussi une histoire sérieux car il est victime de la guerre civile d’Ikaruga et tente de reconstruire sa ville. L’animé reprend cette histoire mais pourquoi il ne reprend pas le côté comique du personnage ? Bonne question.   On peut continuer comme ça avec un personnage important comme Noël qui est une fille très introvertie mais qui au combat est très brutal grâce à ses flingues (ils ont des pouvoirs), ce n’est plus la même personne et ça rend le personnage cool. Mais pourquoi l’animé n’a gardé que son côté gourgandine ? Bonne question.   Comprenez bien que je chipote aussi mais les erreurs de l’animé sur des petits détails qui sont quand même important dans l’intrigue contribue à la déception et l’incompréhension de tel ou tel choix, surtout quand ça va à l’encontre du jeu. Par exemple, Noël était un personnage très appréciez des fans à l’époque mais l’animé fait d’elle un personnage casse-couille alors qu’elle est l’héroïne du jeu. Au moment de passage dramatique, là où ont avait de la pitié dans le jeu, on aura de l’indifférence dans l’animé et pour moi, c’est clairement la pire chose pour une adaptation !   Globalement, les moments clés du jeu sont respectés, à défaut que l'animé est très bancal (C'est quoi ces têtes aux passages !?)   Mais ça va plus loin ! Parce que je n’ai fait que de parler d’incohérence vis à vis du jeu mais il y a aussi des incohérences par rapport à la logique Humaine ! On va jouer à un jeu, je vais vous raconter une situation et vous allez deviner quel choix serait le plus logique ! Nous somme dans l’épisode 1, pour être précis à 12 minutes de l’épisode. Vous êtes Noël Vermillion, un soldat du NOL (un fonctionnaire pour faire simple) et vous avez reçu 2 ordres de vos supérieurs : L’un est de chercher Jin, un de vos supérieur qui s’est enfui sans savoir pourquoi. L’autre ordre concerne Ragna, le criminelle recherché et dangereux, si vous le croisez, vous devait « éviter tout contact et vous contentez de le regarder » (c’est Hazama qui le dit pour les connaisseurs)   Vous déambuler dans la ville et à peine 2 minutes plus tard, vous croisez le fameux Ragna qui fait Dodo par terre….en pleine rue….en plein jour….près d’un port militaire qui le recherche…..bref, il est devant vous.   La question du jour est que feriez-vous à la place de Noël ? Sachant que vous êtes quelqu’un qui manque de confiance en vous, voici les réponses possibles :   a) Vous avez trop peur de vous tromper, et si ce n’était pas Ragna ? Vous ne prenez aucun risque et vous passez votre chemin. b) Vous vous êtes rappelée que vous êtes militaire et que vous allez profitez de l’instant pour l’attaquer….c’est un jeu de baston je vous rappelle ! c) Vous êtes timide mais maligne ! Vous appelez des renforts et tous ensemble, vous prendrai un plaisir de ridiculiser le plus grand rebelle du monde. d) Vous allez réveillez Ragna et lui rappeler que dormir dans la rue est considéré comme trouble à l’ordre public, nom de nom ! e) Vous vous approchez de Ragna et sans vraiment de raison, vous mettez sa tête sur vos genoux, dormir sur une surface dur c’est pas la joie.   Bien, maintenant que vous avez fait votre choix, je peux deviner que votre choix était logique, sauf si vous voulez me contredire mais j’ai confiance en vous, vous avez fait le bon choix. Maintenant voyons ce que l’animé à choisit….     Sur tout les choix possibles, qui franchement aurait pris le même choix que l’animé ? C’est pas logique ! Dans le jeu, Ragna et Noël ont une relation assez ambiguë mais c’est beaucoup trop tôt ! Dans la réalité, personne n’aurait agis comme ça ! Est-ce que vous comprenez maintenant quand je parle d’illogique Humaine ?   Ce genre d’erreur arrive très souvent dans des animés avec un faible budget et ce Blazblue ne fait pas exception, hélas, ce n’était qu’un exemple parmi d’autres. Le pire, c’est qu’à la fin de l’épisode (le 1er avec l’exemple que je viens de vous citer), il y a un interlude où Ragna dit que l’animé va écrasé tout les adaptation pourri de jeu de combat…..on nage dans la connerie !           Tu me réanimeras mais tu n'y Arriveras pas !Tu essayeras encore mais tu Abandonneras !   Continuons, après avoir raté le visuel, l’ambiance, la logique du jeu et humaine, il reste les combats. « Ils ont au moins réussit les combats ? » me direz-vous, même ça ils l’ont ratés ! Je l’ai déjà dit auparavant mais raté les combats dans une adaptations de jeu de combat est un comble, c’est probablement le point qu’il ne faut pas raté !   Comment on t-ils fait ? C’est simple, tout les combats se ressemble, il y a peine 2 combats différents ! Je m’explique, dans une scène de combat, il y a une certaine chorégraphie comme dans Street Fighter II qui s’en est sorti comme un prince. Les combats ne se ressemblaient jamais, que ce soit pour Street Fighter et Fatal Fury. Le problème,c’est que dans Blazblue, tout les combats ont le même schéma :   - Le méchant donne constamment les coups et le gentil encaisse - Le gentil en un marre au bout d’un moment et donne littéralement 1 ou 2 coups et le méchant est vaincu.   Ce n’est pas une blague, le héro gagne à chaque fois en donnant littéralement un coup ou deux et tout les combats sont comme ça ! On ne ressent à aucun moment la nervosité, la rapidité, la tension des combats du jeu dans cette adaptation, techniquement, l’animé Kill La Kill est plus proche des combats du jeu et ce n’est pas une adaptation !   Tu n'as pris qu'un seul gros coup ! Dans un jeu de combat tu aurai juste perdu un peu de vie !   Je pourrait continuer avec le doublage Japonnais qui fût étonnamment beaucoup critiqué alors que ce sont les mêmes doubleurs que le jeu ! En faite, les doubleurs manque de motivation, cela s’explique par le fait qu’ils étaient en train de doubler le troisième jeu, qu’ils en avaient probablement marre de redoubler encore une fois le début du jeu et qu’ils ont vu que l’animé n’était pas top. Quand à la VF, ça sera rapide puisque il n’en n’a pas ! L’animé n’est jamais sorti « en boite » chez nous, seulement au Japon et au USA.   Je pourrait encore continuer à dire du mal de cette adaptation mais il y a quand même quelques points positifs : l’OST est un remixe du jeu, voire directement repris de cette dernière, ça fait plaisir ! On retrouve quand même quelques bonne idées de mise en scène....     Certaines scènes sont repris d’illustration du jeu (l’université de Noël en tête) et un combat fait quand même plaisir (Noël et Makoto ensemble !) mais c’est rare. Il y a bien le personnage de Tsubaki qui est probablement la seule personnage comprise par le studio, les autres sont beaucoup trop bancales, pas développée et certains servent même de porte-manteau (il apparaissent que pour apparaître). C’est dommage parce que certains font une brève apparition alors qu’ils sont super important (Nu-13, Platinum The Trinity par exemple).   Je comprend qu’on peut pas tout mettre mais quand on sait que l’animé n’explique rien et fait du meublage….voilà quoi.   Quel moment de calme....Attend, on n'est pas dans une adaptation de jeu de combat, vous-savez, s'entre-tuer, tout ça, tout ça !                 Conclusion   Je ne vais pas vous mentir, cette critique m’a épuisé ! Elle fut longue, compliquée et j’ai toujours la sensation de ne pas avoir vraiment tout expliqué. Cependant, l’essentiel y est et avant que je dit l’inévitable conclusion, il faut comprendre quelque chose.   Faire un animé est difficile, faire une adaptation est encore pire ! On pourrait s’attendre à ce que je défonce le studio en question et pour ne pas vous mentir, ils ne l’auraient pas volés, mais c’est plus compliqué que ça ! Il y a plusieurs fautifs, d’abord, le studio qui n’ont pas su faire un bon animé tout court et encore moins une bonne adaptation. On pourrait l’expliqué par le manque d’argent et d’expérience mais je pense surtout qu’ils ont été mal informés. Les membres d’un studio d’animation japonnais n’ont pas le temps de jouer à un jeu et très souvent, ce sont des membres, voire même le créateur qui donne les informations essentiel à l’univers du jeu. Ici, ce fut le créateur de Blazblue (il est crédité) qui devait s’occuper de bien informé l’équipe mais il a fait n’importe quoi, il n’y a qu’à voir que pas mal de scène de l’animé sont plus issue d’illustration que des vrais scènes du jeu (j'ai l'impression qu'il a donner des images et démerdez-vous !), ce qui explique la maladresse constant de l’animé.   Toshimichi Mori est un créateur auquel je lui accorde de moins en moins de respect parce qu’il a bousillé sa propre licence avec le temps. Je lui reproche plein de choses : l’animé tout d’abord puis le massacre scénaristique de la deuxième moitié de Blazblue (Chronophantasma et Central Fiction) ou encore les multiples retournement de veste et de promesse non tenu par rapport à la série. Cependant, ce que je lui reproche le plus est sa mentalité d’Otaku dans le mauvais sens du terme. Je reconnais avoir été assez virulent envers les Otakus quand j’ai commencé à faire des articles mais avec le temps, j’ai compris que ce genre d’Otaku était minoritaire et j’ai envie de dire heureusement.   Malheureusement, ce sont les Otaku un peu trop extrême qui ternissent l’image de la Japanimation malgré qu’ils sont peu nombreux mais trop médiatisé. Toshimichi Mori fait parti de ce genre d’Otaku, hélas, qui se contente de ne jamais critiqué ce qu’il aime et de toujours caressé les gens dans le sens du poil.   Je pense qu’être créateur ce n’est pas uniquement faire des choses qu’on aime, c’est aussi avoir le regard du média, transmettre un message et être conscient des difficultés et du regard critique d’autrui. Le problème, c’est que certains Otaku n’ont pas ce regard et d’une certaine manière, c’est aussi la faute des fans comme moi à l’époque, qui voulait absolument une adaptation de son jeu préféré.   Pour conclure, que vous soyez fan ou pas de la licence, Blazblue Alter Memory est une catastrophe ! Sans pour autant être le pire animé du monde. Je vais même aller plus loin, je vais reprendre un terme qu’un critique américain avait utilisé à l’époque : Blazblue Alter Memory est un Gâchis monumental ! Tout était sur un plateau d’argent, il n’y avait juste qu’à faire de la mise en scène mais même ça c’était trop. L’animé est Coincé entre deux chaises : être fidèle au jeu et créer quelques chose de nouveau qui a du sens.   Il n’a pas réussi à faire l’un ou l’autre et ce regard méprisant qu’il possède envers d’autres adaptations ne l’a pas aidé à réussir là ou justement ce qu’il critique ont réussit (Street Fighter II et même Fatal Fury) Tu est Teeeeeeeellement loin de pouvoir la ramener   Je ne vous le conseille pas mais le pire reste que cette adaptation à contribué à ce que la franchise à un pied dans la tombe à cause que beaucoup de mauvaises idées scénaristiques des jeux sont issue de cette animé. C’est l’opposé de Street Fighter II qui à su voir le potentiel de son adaptation !   Voilà ce qui conclut ce très long article et cette trilogie des jeux de combat que je voulait traité. Je critiquerais probablement d’autres adaptations de jeux mais pas tout de suite, j’ai besoin de repos 😅   Je vous laisse cependant sur une petite blague de l'animé, qui apparemment, serait un indice sur le prochain sujet ^^      
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Higurashi, Le Village Maudit

Ho! Ho! Ho! Les fêtes de fin d’années sont là ! En cette période de fête où l’on se réunis tous pour rêver, partager et offrir des cadeaux, j’avais envie de partager avec vous un animé….qui n’a aucun rapport avec Noël ! Je suis désolé mais j’en connais trop peu et je n’aime pas trop les films de noël que l’on se coltine chaque années, alors j’ai décidé de prendre à contre-pied cette fête mais tout en gardant ses valeurs estivales. Mon cadeau est un animé très connu, surtout si vous aimez les animés horrifiques puisqu’il s’agit du célèbre Higurashi ou Hinamizawa: Le village maudit, appelé aussi When They Cry ou encore Le Sanglot Des Cigales, ça en fait des titres 😅 Pour ce Noel, vous allez un peu frissonner de plaisir, je vous souhaite donc plutôt un joyeux Halloween avec beaucoup de retard mais comme le dit si bien Ken Le Survivant, vaut mieux tard que jamais ! 😂     à gauche, la couverture de l'intégrale Américaine et à droite, la couverture du jeu original restauré sur PS4   ! Attention ! Ouuiii, un avertissement ! ça fessait longtemps ! Hum, Hum ! Je voulais précisez que l’animé du jour n’est pas à mettre entre toutes les mains. Il y a des scènes de tortures et les morts sont plutôt trash. C’est un animé violent et très cruel, âmes sensibles s’abstenir ! Vous êtes prévenus !               je t'emmènerai dans l'impénétrable forêt où pleurent les cigales et d'où nul ne peut revenir !   Avant toute chose, Higarushi est un jeu de type visual novel qui a connu un immense succès au Japon entre 2002 et 2006. Il sera exporté sur PS2 en 2007, sois en même temps que son adaptation en animé. On doit ce jeu au cercle amateur 07th Expansion formé uniquement de 4 personnes ! Parmi-eux, Ryūkishi07 est le leader du groupe et le créateur d' Higurashi, il sera rejoins par son frère en tant que coscénariste. J’avais entendu dire que Ryūkishi07 était un ancien Hikikomori (personne qui s’enferme dans sa chambre et coupé du monde pendant un certain laps de temps), il aurait sorti de sa dépression en écrivant Higarushi….encore un auteur dépressif dans cette chronique !   Il faut savoir que ce jeu a tellement connu un succès qu’il s’est vendu autant que le jeu Fate/Stay Night avec 100 000 copies, chapeau ! Il a également eu droit à de nombreuse adaptation dont 2 en Live en 2008 et 2009. L’animé contiens 2 saisons : la première sorti en 2006 (26 épisodes) nommé « Higurashi no Naku Koro ni » (Quand Les Cigales Pleurent) et la deuxième saison sorti en 2007 (24 épisodes) nommé « Higurashi no Naku Koro ni Kai » (Quand Les Cigales Pleurent: Réponses/Solution). J’ai appris sur le moment qu’il existe une troisième saisons nommé « Gratitude » et également plusieurs OAV...un beau bordel.   Le réalisateur ou plutôt la réalisatrice est Chiaki Kon, oui c’est réalisé par une femme ! D’ailleurs, ce n’est que la deuxième fois que je mentionne une femme dans mes articles (la 1er était la créatrice de Sailor Moon). Elle est connu pour faire des Yaoi et des histoires d’amours principalement mais Higurashi semble être l’exception de sa carrière. Vous la connaissez probablement aussi pour Sailor Moon Crystal, le remake de la série de 1992.   Ooooh ! Ils sont trop Mimi !   Je tiens à précisez que je traiterai uniquement la 1er saisons car je n’ai pas encore vu la deuxième, cependant, elle est assez importante car comme le souligne le titre, c’est une saison qui donne des réponses à la série. Les 2 saisons sont disponible sur Netflix si vous êtes intéressés.   Le studio en charge de cette adaptation est le studio Deen que je vous avez déjà présenté puisque c’est le studio qui s’est occupé de l’adaptation de Fate/Stay Night.   Cependant, avant d’entrer dans le vif du sujet, j’avais envie de parler du genre Horrifique dans les animés. Contrairement à ce que l’on entend, les animés d’horreurs….ne court pas les rues ! Il y a beaucoup d’animés qui se prétend être de l’horreur mais qui n’en sont pas vraiment et malgré les quelques youtubeurs qui font du pute à clics dans le genre « Cette animé fait trop peur 😱 », je n’ai jamais vu un animé d’horreur qui fasse vraiment peur ! Je tiens à vous rassurer, je suis le genre de personne à flipper pour un rien devant un film d’horreur (et les jeux aussi) mais hélas, je n’ai jamais eu peur devant un animé d’horreur pour la simple raison que très souvent, ils n’en n’ont pas le but.   L’horreur japonais appelé J-Horror est très différent de notre conception : ils n’ont pas de mythologie de monstres iconiques (Jason, Freddy, Alien etc.) et ils jouent très peu sur le jump-scrare. Par contre, tout ce joue sur la tension et l’horreur psychologique (la peur qu’une chose va arriver) mais aussi, il traite les ‘blessures psychologiques’ des personnages (regret, angoisse, culpabilité, rejet etc.…).   Le film qui a vraiment mis en avant le J-Horror est Ring (1998) de Hideo Nakata qui reste l’exemple le plus parfait de l’horreur japonais. Je vous conseille aussi le film Ju-On (2000) de Takashi Shimizu ainsi qu’Audition (1999) de Takashi Miike. Vous remarquerai aussi que la grande majorité de ces films sont basés sur des Yōkai, des mythes folkloriques japonais avec des fantômes (Sadako, Sakayo et Sawako….oups, non pas elle ^^ )   Dans les animés, il faut vraiment chercher dans les moins populaires pour trouver son bonheur, étonnamment, les plus populaire ne sont pas les meilleurs. Le 1er en tête est Another (2012) qui est très souvent cité comme une référence alors qu’il n’est pas terrible (désolé pour les fans), quand à d’autre comme Elfen Lied (2004) ou Mirai Nikki (2011), l’horreur n’est qu’une partie de l’animé, bien qu’elle soit fortement présent ! Dernière chose, ce sont très souvent des figures de psychopathes qu’on trouve dans les animés, généralement des Yanderes ou des Yangires.   à gauche, Sadako que je ne vous présente plus et à droite, Sakayo sa concurrente !             Les amis sont juste des gens avec qui on passe du bon temps mais quand ça ne vas pas, ils ne nous aident pas….   L’intrigue paraît très simple mais se complique rapidement : Nous somme en Juin 1983, Keiichi Maebara, un jeune garçon viens d’emménager dans un petit village tranquille nommé Hinamizawa. Il va rapidement se sociabiliser avec un groupe de fille constitué de Mion, Rena, Rika et Satoko. Si jusque-là tout se passe bien, cela ne va pas durer à cause d’une fête qui à lieu chaque année dans le village. Cette fête célèbre la divinité Oyashiro, véritable culte dans le village et à chaque fois, une personne disparaît et un autre est retrouvé morte au même moment, on parle alors de la « malédiction d’Oyashiro ». Étonnamment, ces morts sont liés à un projet de barrage dont les habitants du village s’oppose fermement, Keiichi se retrouve au milieu de tout ça pour son plus grand malheur !   Il faut savoir que cette animé à une construction assez original, nous ne suivons pas une histoire mais plutôt 6 histoires ! Chaque Histoires seront liés à la malédiction d’Oyashiro mais seront liés aussi entre-elles, que ce soit par rapport à un point de vue ou un élément de l’intrigue. Les histoires ne se passe pas forcément au même moments, voire dans des mondes alternatifs, il est très dur de tout cerner au début mais petit à petit, des éléments de réponse vont être donnés.   Ce choix de faire plusieurs histoires à la fois indépendant et reliés entre-elles constitue une énorme force pour l’animé. On se retrouve à chaque fois avec les mêmes personnages mais avec des rôles différents, un personnage pourrait être « gentil » dans une histoire mais pas forcément dans la suivante. Vous comprenez alors que l’intérêt pour l’animé est constamment relancé et c’est très fort ! Tout en ayant des points communs, les histoires sont tous différents mais se répondent mutuellement pour répondre aux questionnements de l’intrigue.   Cependant, ce n’est pas le premier animé que j’ai vu avec ce principe, pour moi, c’était Yosuga no Sora (2010)….une adaptation d’Eroge très connu pour son histoire d’inceste entre Frère et Sœur ainsi que ses scènes très érotiques….vous n’imaginez pas combien de bain à l’eau de javel il m’a fallut pour me purifié 😂 (j’en garde un bon souvenir mais ne le mettez pas entre toutes les mains !)   Si Yosuga no Sora est plus basé sur le sexe, Higurashi joue sur un tout autre registre. Il y a de forte chance que même si vous n’avez jamais vu un seul épisode de cette série, vous connaissez la réputation de cette dernière car c’est une série plutôt connu pour ses morts et ces scènes de tortures. Pourtant, tous laisse à croire que ça va être un animé mignon avec son style très Kawai, voire enfantin mais l’ambiance change très rapidement, surtout quand on comprend que la malédiction rend fou de rage les personnes possédés.   Oui quand on voit les filles, on se dit : « Oooh ! Elles sont mimi ! » jusqu’au moment où l’une d’entre-elle pète littéralement les plombs et se met à tuer tout le monde….Ah ! Ça l’est moins d’un coup !   Ooooh ! Elles sont.....Flippantes !   Là où l’animé gère, c’est dans le changement de design des personnages, il n’y a qu’à voir les têtes que font les personnages pour vous rendre compte de leurs instabilités, mention spéciale au psychopathe de la 5ième histoire qui tire une de ses tronches, j’en était presque mort de rire. Bien sûr, au début on ne rigole pas et on est plutôt mal à l’aise et c’est toute la force de cette animé.   Cette instabilité que possède cette animé (intrigue, personnage) pourrait être un défaut mais ici, c’est une qualité car elle reflète l’ambiance, oui, il y a une ambiance ! Si j’insiste autant c’est parce que plusieurs animés horrifiques n’arrivent pas à créer une ambiance malsaine mais Higurashi est celui qui s’en tire le mieux.   L’intrigue en elle-même est très intéressante et on est scotché devant chaque histoire mais la psychologie des personnages fait vraiment tout le charme de la série. C’est très simple, on ne connais jamais vraiment les personnages et quand on découvre leurs passés, leurs problèmes et leurs envies, on se rend compte que le terme psychopathe est à remettre en question, notamment en fonction de l’histoire où on ne sais jamais vraiment si c’est la malédiction qui s’abat ou au contraire, l’œuvre d’un personnage.   La grande différence avec par exemple Gassai Yuno dans Mirai Nikki est qu’elle est très rapidement vu comme une psychopathe et on l’apprécie pour cela mais dans Higurashi, c’est différent ! On se rend compte que les personnages ne sont pas forcément des psychopathes à la base, surtout en fonction de l’histoire, en faite, ils sont humains, malheureusement, un évènement lié au personnage ou non, va faire en sorte qu’il va littéralement péter un câble. Ce qui amène le spectateur à avoir de la pitié pour le « psychopathe » car le vécu du personnage peut être lié au notre, contrairement à Gassai Yuno qui souffre aussi mais l’animé part tellement dans le fantastique, qu’il est dur de se sentir proche d’elle….du moins, c’est comme ça que je le ressens.   L’importance de la psychologie est une chose (surtout dans l’horreur) mais l’ambiance y joue beaucoup aussi ! Comme je l’ai dit plus tôt, l’animé oscille entre l’ambiance Kawai et enfantin des personnages (écriture et visuel) et l’ambiance macabre et lourd de l’intrigue. Ce choix esthétique est très fréquent de nos jours, surtout dans le genre Magical Girl.   L’intrigue en lui-même reste floue et je trouve que c’est pas plus mal, alors oui, je sais que je critique beaucoup ce côté flou dans les animés mais dans le cadre de l’horreur, c’est différent car cela s’ajoute à l’ambiance, des films comme The Thing n’aurait plus le même charmes sans ce mystère autour de la chose.   Le mieux est de voir en image ce changement de design pour vraiment vous faire une idée, je vous rassure, il n'y a pas de spoile et c'est sous-titré en anglais : Mais lâche cette échelle voyons !                Vous qui lisez ces mots, veuillez découvrir la vérité. C’est tout ce que je demande….   Jusqu’à maintenant je n’ai fait que de dire du bien de cette animé mais il a des défauts.   D’abord, d’un point de vue technique l’animé n’est pas très beau, pour être plus précis, je dirais qu’on est au minimum syndicale. Cette faiblesse technique est dus au fait que l’animé n’a pas bénéficié d’un gros budget et malheureusement ça se voit.   Même si l’animé réussi à créer une ambiance avec peu, c’est dans l’éclairage en plein jour que c’est pas top, on a l’impression d’avoir une lampe qui nous agresse la vue. Il manque une certaine affinité dans le dessin et parfois, on a l’impression que c’est grossier, signe révélateur d’un manque de budget.   L’animation est correcte mais là où je serai moins indulgent, c’est dans la physique. Pour expliquer ce que j’entends par le mot « physique », je vais l’illustrer par un exemple. Dans un épisode, Satoko qui est une petite fille de 11 ans (je trouve qu’elle en fait 5 mais bon…) repousse physiquement Keiichi, un garçon qui a 15 ans. Quand je dis ‘repousser’ c’est plutôt projeté à l’autre bout de la pièce alors qu’il est juste poussé, au point d’en être sonné ! À moins que Satoko sois Super-Girl, c’est techniquement impossible.     Et je ne parlerai pas de la fois où Keiichi (décidément) est projeté comme un sac à patate.   Un dernier point sur le visuel, le character design  ne plaira pas à tout le monde, j’en suis pas fan mais c’est qu’une question de goût et ça n’empêche en rien le plaisir que procure l’intrigue.   Un autre défaut réside dans l’écriture, oui je sais, j’ai dit du bien de l’intrigue pendant toute une partie de l’article mais il y a des failles. En faite, malgré que c’est bien écrit et qu’il y a volontairement des blancs scénaristiques, il n’en n’est pas moins que beaucoup de chose ne seront pas éclaircis dans l’intrigue.     Autant vous dire que je me pose beaucoup de question et ayant conscient qu’une deuxième saison existe pour résoudre ces mystères, ça n’empêche pas de se sentir frustré devant autant d’interrogations. Certaines questions mériterais de rester sans réponse mais je ne dit pas non pour en avoir !   Voila deux personnages qui cachent bien des mystères !   Tiens, comme on est encore dans l’écriture, je voulais précisez que les histoires sont plutôt inégaux en terme d’intensité. Pour ma part, la 1er histoire est chiant à mourir, je le trouve très mou, au point d’avoir décroché à l’époque. Il a fallut que je regarde directement la 2ième histoire pour être convaincu de l’animé et c’est pourquoi si vous décidez de regarder cette animé, d’au moins aller jusqu’à la 2ième histoire pour vous faire une idée, vous verrez qu’elle est bien meilleur que la première.   Et puis, il y a la dernière histoire que j’ai trouvé….décevant, disons que c’est dur d’expliquer sans spoiler.     Pour faire vite, les pétages de plomb sont très minimes (surtout comparé à l’histoire précédente). Je dirais même que la série se conclut sur une note étrange puis  c’est peut-être mon côté sanguinaire qui ressort mais je trouve l’histoire trop soft.   Cependant, si cette histoire m’a déçu, elle en reste la plus intéressant à analyser. Par contre, j’ai pas trop aimé la grosse révélation de l’animé.     Je dirais un petit mot sur la VF qui n’est pas mémorable et plutôt inégale. je dirais même qu’elle en fait trop parfois pendant les scènes violentes, mention spécial à Geneviève Doang qui se donne à 200 % et qui à la fin, ne devait probablement plus avoir de voix, mais en même temps, ça renforce aussi le malaise de l’animé. D’autres voix sont plutôt horrible comme celui des petites filles dont on entend clairement que ce sont des doubleuses adultes qui tentent d’avoir des voix enfantines mais qui y n’arrivent pas, au point que s’en est presque parodique….bref, une VF en demi- teint, on a du bon et du mauvais en même temps. Je vous conseille la VO rien que pour les fou rires des personnages (la VF s’en sort aussi de ce côté là !)   Une dernière chose qui concerne le Fan-Service, je vous rassure ça ne sort pas de nulle part comme dans Another, elle est très rare mais il y a un petit point qui m’a perturbé. L’humour de ce fan service repose…..euh…..c’est une sensation, j’ai des doutes mais j’ai l’impression qu’on n’a pas vraiment choisi les bon personnages pour le fan-service, si vous voyez ce que je veux dire.   C’est pas trop choquant visuellement non plus et ça arrive qu’une seule fois (faut dire que l’animation japonaise m’a perverti 😂) mais par contre quand tu as un personnage, vers la trentaine qui te balance qu’il apprécie Satoko et qu’il voudrais se marié avec elle…..en plus, il est médecin, bon j’ai peut-être mal compris…..j’espère. D’ailleurs, il y a aussi un plan où Keiichi est en transe quand il voit Rika en serveuse….sans commentaire.   Comme dirais Zambla, J'suis pas rassuré ! (Non, franchement je vais appeler la police Monsieur !)             On y reviendra à Hinamizawa l'année prochaine ? (Conclusion)   Qu’est-ce que j’ai pensé de cette animé ? Je vous dirais simplement que je l’ai adoré et que je regrette de ne pas l’avoir vu plus tôt ! C’est le genre d’animé qu’on ressort différent, il ne joue pas sur la peur mais plutôt sur le malsain et le morbide. L’intrigue est très prenant et le système des mondes parallèles redonne constamment un intérêt aux spectateurs, on ne se lasse pas malgré ces défauts.   Pour ma part, c’est le meilleur animé d’horreur que j’ai vu, oui je sais, vous aurez aimés que je traite le 3ième animé sur les jeux de baston mais je n’avais pas envie de finir cette année sur une mauvaise note et puis ça fera un beau cadeau aux fan du genre. Sur ce, remplissez vous bien la panse et passez surtout de bonne fête ! Je laisse un des personnages d' Higurashi conclure cette article.   Euh.... On se retrouve en 2020 !
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Street Fighter II The Animated Movie

Je ne sais pas comment commencer mon intro, si ce n’est que j’adore les jeux de Versus Fighting ! C’est un genre qui m’a toujours fasciné, surtout les Versus 2D. Le premier que j’avais vu était Marvel Vs Capcom, imaginez un jeu où Spider-man et Ryu se tape dessus, pour moi c’était énorme à l’époque ! Naturellement, je me suis plus tard penché sur la licence Street Fighter, maître incontesté en tant que jeux de baston mais en vérité je connaissais Street Fighter bien avant d’avoir joué aux jeux. Un des premiers animé que j’avais vu et que je suivais étant petit n’était rien d’autre que Street Fighter II V que je ne parlerai pas pour l’instant. Alors quand j’ai appris qu’un film Street Fighter était sorti en 1994, il était naturel pour moi d’aller le voir mais détrompez vous, ce n’est pas le film avec Jean Claude Van Damm que je parle mais l’autre film sorti quelques mois plus tôt : Street Fighter II The Animated Movie. A t-il une aussi bonne réputation que le jeu d’origine ? Va t-il faire mieux que Fatal Fury ? DrunkenPenpen va t-il enfin arrêter de dire n’importe quoi lorsqu’il s’en-mêle dans des débats ? La réponse toute de suite….sauf pour la dernière question parce qu’il y a encore beaucoup de travail 😅   à gauche, l'affiche Japonaise du film et à droite, la pochette DVD de la version Américaine                         There's Just No Place For A Street Fighting Man !   Avant de parler de ce film, parlons de la franchise Street Fighter : Qui ne connais pas Street Fighter ? Si c’est votre cas, il va falloir vous y mettre rapidement si vous ne voulais pas être la risée des autres et je sais de quoi je parle ^^   Soyons plus sérieux, Street Fighter est un jeu de combat de Capcom qui a modernisé ce que l’on appelle le Versus Fighting mais pas avec son premier opus. Il faudra attendre plutôt le second opus sorti en 1991 en arcade et en 1992 sur Super Nintendo pour connaitre le succès de la franchise. Street Fighter II fut pendant très longtemps le jeu de combat le plus vendu avec 15,5 millions d’unités vendues, record battu récemment par Super Smash Bros Ultimate (après ces deux jeux sont-ils de la même catégorie ? A vous de voir…). D’ailleurs, Street Fighter II coûtait à l’époque 650 Francs, soit 99 euros de nos jours et 149 euros en 1992 avec le pouvoir d’achat de l’époque….et dire que l’on se plaint des DLC ou des rééditions.   Si on met de côté les ventes, la franchise Street Fighter possède plusieurs versions de ces jeux, des spin-off et autres apparitions de notre champion en costume blanc. Selon mes recherches, il y a 44 jeux différents Street Fighter (en dehors des portages) si on prend en compte tout ce qui a été fait et je ne vais pas vous mentir que j’en est oublié, tout ça pour dire qu’il y en a beaucoup !   Le Saviez-Vous ? La première adaptation de Street Fighter II !   Et non ! Ce n’est pas le film du jour qui est la première adaptation de Street Fighter. La tout première adaptation date de 1991, quelques mois après la sortie du jeu ! C’est un film obscure coréen et introuvable dans le marché et on comprend très vite pourquoi. Les très peu de personnes qui l’ont vu disent que c’est de la soupe à cause que ce film est très What The Fuck, tout le monde fait des grimaces et sont bêtes comme leurs pieds. voici un   extrait vidéo et estimez vous heureux car apparemment c’est le meilleur passage ! C'était pas si nul….non j'ai rien dit.   Le studio qui s’occupe de cette adaptation s’appelle group TAC, un studio qui travaillait dans la sous traitance du son auparavant et qui s’était mis à l’animation en 1975. On leur dois des séries comme Théo ou la Batte de la victoire (1987) ou encore Baki (2001) mais il ont aussi aider d’autres studio comme la Gainax avec Nadia et le secret de l’eau bleu, par contre, j’espère pour eux qu’ils ne sont pas responsable de l’arc 'l’île mystérieux' (le dernier quart), ceux qui ont vu cette série savent très bien pourquoi. Une dernière chose, c’est eux qui feront la série Street Fighter II V et les OAV Street Fighter Alpha (appelé chez nous Street Fighter Alpha Le Film). Le studio a fermé ses portes en 2010.   Le réalisateur du film est Gisaburō Sugii, il n’est pas très connu mais il a travaillé en tant qu’animateur sur le film Le serpent Blanc (1958) qui fût le tout premier animé sorti dans nos salle de cinéma à l’époque (et non Akira contrairement à la croyance populaire). C’est un auteur qui a surtout travaillé pour Osamu Tezuka  notamment sur Astro le petit robot ou encore Kureopatora (1er animé érotique et ‘précurseur’ des animés Hentai) j’avoue que c’est un peu effrayant de voir un vieux auteur des années 1960-1970 comme lui faire un film typique des années 1990, c’est quand même 2 périodes très différentes.                       We Are Scanning The Scene In The City Tonight, We Are Looking For You To Start Up A Fight !   L’histoire du film est très simple : Le grand Dictateur Bison est à la recherche des meilleurs combattants du monde pour leurs proposés un CDI en tant que membre de l’organisation Shadaloo et conquérir le monde..   Ce que Bison n’a pas trop dit c’est que s’ils refusent son offre, soit il les tues, soit il leurs lavent le cerveaux, le droit de travaille c’est pas trop ça. Suite à l’assassinat du ministre de la justice, Interpol envoi son meilleur agent, Chun-Li pour faire tomber Bison avec l’aide de l’armée américaine et surtout de Guile qui rêve de fracasser la tête de Bison, responsable de la mort de son meilleur copain. Pendant ce temps, Bison s’intéresse de plus en plus à un certain Ryu….   L’intrigue en lui même n’est pas fou mais à au moins l’avantage d’être correcte et de tenir la route, surtout quand à la base, Street Fighter se limite au mot ‘tournoi’ comme intrigue.   Mais avant de parler en profondeur de l’intrigue, parlons d’animation car c’est incontestablement un des points forts de ce film. Le constat est claire en plus d’être simple, c’est Impeccable ! Le film et beau et même de nos jours, l’animation tient sacrément la route. D’ailleurs, le film a été remastérisé en 2013 et autant vous dire que c’est bluffant, il est plus beau que certains animés sorti en 2013 alors qu’il a plus de 10 ans, c’est dingue ! Quand on sais que ce film était diffusé au cinéma après Fatal Fury Le film (les 2 films était dans la même séance !), autant vous dire que ça a dus faire un choc ! J’ai vu cette version et je vous le recommande si vous voulez voir ou revoir ce film et en plus, il n’est plus censuré !   Autant vous dire que les combats ont de la gueule mais ce n’est pas uniquement grâce à l’animation, il y a aussi la mise en scène et là aussi c’est du bon travail ! Chaque combat est unique et possède sa propre ambiance et on n’a pas la sensation de suivre un enchaînement banal de combat, loin de là….   Les combats sont très bien rythmés, possède une chorégraphie différente et surtout on voyage ! On passe d’une nuit orageux au milieux de nulle part à une ruelle en plein jour en Inde, en passant par les montagnes, les quais et même dans un appartement mais je ne vous ai pas encore parler du meilleur !   Oui faire des combats nerveux, variés et bien animés est une chose mais faire dans le spectaculaire c’est mieux et c’est ce que fait le film ! C’est un peu difficile d’expliquer mais on est entre des combats réalistes et surréaliste à la fois, c’est contradictoire ? Tout à fait mais je ne sais pas comment le dire autrement. Par exemple, Le Ha-do-ken de Ryu est très surréaliste mais il l’utilise très rarement et sert plus d’attaque ultime. Sinon, les coups de Ryu sont des technique de combat classique qui existe dans le monde, donnant ce côté réaliste. Un autre exemple serait le Spinning Bird Kick de Chun-Li qui dans le jeu, vole littéralement alors que dans le film, elle utilise ses bras sur le sol pour tourner, c’est peut-être con comme détail mais j’adore ça ! Le top c’est que malgré tout c’est impressionnant, surtout quand on pète des murs avec des lighning kick.   On retrouve bien les coups des personnages du jeu !   Le dernier point qu’il faut comprendre et qui, selon moi, surpasse Fatal Fury est que pour faire des bonnes scènes de combats, il faut un contexte ! C’est bête mais dans Fatal Fury, la moitié des combats n’avaient pas de contexte, qu’est-ce que j’entends par contexte ? C’est le fait que le combat ne sort pas de nulle part et que les combattants se battent pour une raison ou un enjeu.   Certains combats de Fatal Fury n’avaient pas de contexte et encore moins d’enjeux, je pense au second OAV avec Terry et Kim qui se batte près du quais comme ça, sans raison, non, parce que dire « je veux te battre parce que t’es fort » c’est limité. On a la sensation qu’il fallait faire plaisir aux fans, quitte à aller envoyer balader le contexte. Oui, c’était bien animé et bien rythmé mais ça sort de nulle part !   Mais ici, Chaque combat s’explique ! Certes, ils n’ont pas tous les mêmes enjeux mais ils ont tous au moins un contexte. Pour les combats importants, c’est simple, c’est lié à l’intrigue mais pour les petits combats ? Ils ont trouvé une solution toutes bêtes, tellement bête que même Fatal Fury n’y a pas pensé : Les paris sportifs ! Oui, les petits combats sont expliqués par des combats de rue mais qui ont à la clé une somme d’argent, qui explique en plus que c’est le salaire des combattants (je pense à la scène avec Honda en Inde). Il y a aussi les combats underground ou même un spectacle entre riche mafieux...c’était tellement con que personne n’y a pensé !   C’est sur ce point que Street Fighter domine Fatal Fury, Le contexte des combats, chacun d’entre eux, même s’ils sont pas important, ont droit à leurs moments de gloires sans pour autant justifié quoi que ce sois vu que ce sont des paris. En plus, cette idée ne sort pas de nulle part, rappelez-vous dans le jeu, comment se passe les combats ? Très souvent avec un public et c’est là le génie de l’adaptation ! En plus de justifié chaque combat, on respecte l’aspect spectaculaire du jeu, c’est un élément qu’on retrouve dans le jeu et contribue à l’aspect impressionnant des combats. C’est une fois de plus un point positif du film : La fidélité du jeu, que ce soit dans les combats, dans l’ambiance etc.… je dirai même que c’est l’esprit du jeu qui est respecté et c’est très très fort de la part d’une adaptation car on voit ça très rarement.   Le Saviez-Vous ? Oh My Car !   La voiture du bonus stage est une Lexus LS 400 dont le logo est inversé pour éviter un bon gros procès par le constructeur. Alors si un jour vous voyait cette voiture, éviter de la défoncé à coups de poing😉 Par contre, Il n'aurait pas gagner de points sur ce coup là !   Pour aller plus vite dans les bonnes qualités, c’est que ce film à contribué à l’évolution du jeu et c’est encore plus énorme ! Je pense surtout à la série des Alpha, qui ont été influencés par ce film (le combat final est le même que celui de Street Fighter Alpha 3). Il y aussi cette aspect Animé 1990 qui est là : on retrouve la violence des combats, le charme de cette époque avec un character dessign fidèle au jeu et aussi….un peu de nudité avec la scène de la douche où beaucoup de personne ont compris le sens de la vie, si ce n’est même trouvé l’illumination 😂   Et que dire de la VF ? Elle est bonne, très bonne même ! Malheureusement elle est limité en doubleurs (9 acteurs en VF au lieu de 23 en VO !) comme par exemple, une seule doubleuse pour toute les voix de femmes ! Cependant, beaucoup ont retenu la voix de Bison qui est vraiment excellente mais ils le sont tous !                           Don't Be Naive, Even Heroes Have The Right To Bleed   Comme tout film, rien n’est parfait et Street Fighter The Animated Movie ne fait pas exception à la règle.   Le 1er problème du film est d’abord, certains combats qui sont très….étranges. En faite, j’en est deux en tête : Ken vs T-Hawk qui a lieu dans un entrepôt la nuit, un combat qui sort de nulle part, avec le personnage de T-Hawk qui est montré comme un gros méchant bourrin. « Attend, tu ne te contredit pas avec la partie précédant ? », sur ce coup là oui mais ce combat est le seul qui sort de nulle part et en plus ne respecte pas le personnage de T-Hawk (à la base, il veut se venger de Bison car il a lavé le cerveau de sa sœur).   Puis il y a un autre combat très étrange, celui de Zanglief et de Blanka. Dans ce cas-là, c’est pas une question de contexte ou de non respect de quoi que ce soit, c’est plutôt le dénouement…..qui n’existe pas ! Oui, le combat se coupe d’un coup, au beau milieu d’une attaque de Blanka, sans savoir comment le combat se termine, c’est très étrange car c’est le seul combat qui ne montre pas son dénouement. Le pire reste la coupure de cette scène parce qu’on passe d’une scène de combat rythmé à une scène très calme (la très célèbre scène de la douche) et le tout en un claquement de doigt.   Jusque-là c’était des petits défauts car ça reste des exceptions des qualités précédents, maintenant, parlons de vrai défaut : Le choix de certains personnage pour l’intrigue. Vous vous doutez bien que tout les personnages n’ont pas le même rôle, ni la même importance, par exemple Ryu qu’on voit finalement peu et qui a un rôle très minime mais ce n’est pas dérangeant car c’est un personnage qui est finalement peu développé dans le jeu, ‘découvrir le sens du combat’ c’est vague pour en faire le personnage principal du film.   C’est pour ça que c’est plutôt Chun-li et Guile qui sont les personnages principaux, ils ont le même objectif et puis ils sont très apprécié des fans….alors pourquoi avoir mis de côté Chun-Li en plein milieu du film ? Oui, Chun-Li sera littéralement éjectée de l’intrigue alors qu’elle était le personnage la plus impliquée dans l’intrigue, c’est quand même elle qui fait pratiquement tout pour faire échoué Bison ! Le pire, c’est qu’elle est remplacée par….Honda, un personnage qui n’a absolument rien à voir dans l’intrigue, qui n’a pas de développement et dont on en a (excusez moi les fans) Rien à Foutre !   Chun-Li est un personnage particulièrement appréciable mais qu'on a finit par éjecter sans raison.   Pourquoi ce choix ? Pourquoi lui ? Surtout quand on sais qu’il a d’autres personnages qui apparaissent moins de 2 minutes comme Cammy, ça n’aurait pas été plus intéressant de la remplacée par elle ? Cammy aurait pus se venger de Bison, elle est quand même plus impliquée que Honda ! Pour ce qui est des personnages pas vraiment impliqués, il y a aussi Ken, même si je trouve que son rôle est correct, il est peut-être trop simpliste dans son rôle (je veux revoir Ryu, c'est limité).   Il y a aussi quelques blanc scénaristique comme Sagat qui est renvoyé du film parce qu’il doit chercher Vega et Cammy mais on n’en saura rien. S’est-il perdu en chemin ? A t-il  fondé un syndicat ? A t-il tout simplement oublié ce qu’il devait faire ? Vous aurez compris, on peut dire tout et n’importe quoi.   Et puis il y a aussi Ryu qui se balade dans les montagnes durant tout le film même si c’est expliqué par l’idée que personne ne sait vraiment ce qu’il cherche. Pour faire simple c’est comme si Chun-Li nous disait :« Ne vous en faite pas spectateur, nous non plus on sait pas ce qu’il cherche », après si on est fan de Street Fighter, c’est pas choquant car c’est comme ça dans le jeu.   Et justement, durant la petite ballade de Ryu dans les montagnes, il finit par retrouver Honda mais sans savoir pourquoi il est chez lui. En faite, pourquoi Honda vit dans les montagnes d’abord ? Il a invité Ryu ? A moins que c’est la maison de Ryu et non de Honda….vous aurez compris la chose une fois de plus.   Un autre point étrange du film est la censure. En général quand je parle de censure, je fait référence à un contenu trop explicite (violence, sexuelle ou encore vulgaire) et j’ai envie de dire : "des choses classiques en somme" sauf que ce n’est pas le cas ici ! Oui, si on met de côté la scène ou l’on voit la poitrine de Chun-Li, rien d’un point de vue visuelle est censuré. Apparemment, ça dépendrait des versions d’époques, si vous avez la VHS, je serai curieux de savoir si vous avez cette merveille 😂 (décidément cette scène m’aura marqué)   Alors c’est quoi qui a été censuré ? La musique….j’en suis presque déçu comparé à d’habitude. La B.O du film est différent selon la version Japonaise et toute les autres sotie en dehors de la frontière. La version de notre enfance est beaucoup plus rock/Grunge, on y retrouve des chansons connus comme Blind (Korn) ou Them Bones (Alice In Chains), des classiques si on aime ce genre de musique.   Bison a constamment la classe dans ce film !   La version Japonaise n’a pas un son rock mais plutôt Pop Japonaise. Je devine que vous ne voyez pas trop en quoi je veux venir, parlons du combat entre Chun-Li et Vega, une des meilleurs scènes du film selon moi. Dans cette scène, Chun-Li écoute de la musique tranquillement ( Hallucinations (Dream World Mix) du groupe In The Nursery que j’ai bien apprécié), c’est une scène qui possède une certaine tension car on devine que qu’un est dans l’appartement aussi (on a son point de vue).Pendant ce temps, Guile écoute les infos dans sa voiture et tentera d’aller chez Chun-Li.   Dans notre version, la musique du combat est purement rock mais si vous avez vu la version japonaise, la musique est étonnamment très douce. De plus, Guile écoute aussi cette chanson dans la voiture et c’est là que j’ai réalisé qu’il y avait un effet qu’on ne retrouve pas dans notre version, la chanson sonne comme un avertissement sur une mort imminent, renforçant la tension du combat malgré que c’est une chanson douce.   C’est étrange d’avoir modifié cette musique par des information et non par la même musique comme la version Japonaise. Cependant, ça peut s’expliquer par l’idée d’attiré le public américain avec le genre rock qui cartonnais dans les années 90, notre version a juste repris la version américaine.   Le Saviez-Vous ? Le hit de 1994 !   La chanson de fin du film "itoshisato setsunasato kokoro tsuyosato » s’est vendu à plus de 2 millions d’exemplaire fessant encore à ce jour le single tiré d’une adaptation animé le plus vendu. Pour vous faire une idée, l’opening d’Evangelion s’est vendu à presque 3 Millions, on pourrait le mettre au même niveau de popularité !   Par contre, un autre point sur la censure est le nom des attaques qui est tiré du jeu US et non Japonaise. Au lieu d’avoir « Shoryuken », on a « Dragon Punch » par exemple mais ce n’est pas si grave parce que c’est tiré des noms américain du jeu (et donc de la notre aussi). Sachez aussi que certaines attaques sont identiques aussi comme le « Spinning Bird Kick » ou le « Sonic Boom ».   Pour finir, le dernier problème du film est finalement sont propos. J’ai l’impression que le film veut dire un message important mais ne le dit pas ! Je ne sais pas si c’est moi qui voit dans ce film une volonté de dire quelque chose ou si au contraire, il n’y avait pas de propos, c’est pas claire. Je pense surtout à Ken qui est plus montré comme un homme blasé qui n’arrive pas à s’y faire dans une vie de luxe. J’ai cru voir en lui, un homme frustré de n’avoir jamais pus battre Ryu et bien qu’il se retiens, il a comme un sentiment d’amertume et de colère….     Mais comme c’est pas vraiment au centre du film et que ce n’est pas vraiment développé, peut-être que sur ce coup là, je me suis planté mais j’aurais bien aimé un petit propos sur ce point.   On retrouve quelques affrontement classiques tiré du jeu !                          Conclusion   Je ne pensais pas dire autant de bien de ce film, je partais du principe qu’il était vraiment sympathique mais qu’on pouvait faire mieux….je me suis trompé. Ce film, en plus d’être un bon film et est une bonne adaptation du jeu est c’est vraiment rare de voir ça ! Fatal Fury était sympa mais Street Fighter à su reprendre l’esprit du jeu et le transposer dans ce film. On retrouve tous ce qu’on aime d’un animé 90 et d’une adaptation d’un jeu de combat ! Le succès de ce film s’explique aussi qu’à l’époque, il y avait d’autres adaptations de jeu de combat qui était mauvais. Aimé des fans et considéré comme un classique pour les fans d’animation japonaise, ce Street Fighter II The Animated Movie est un film à voir et à revoir si vous adoré le jeu ou les bons films d’art martiaux. D'ailleurs, ce film aurait dus avoir une suite mais qui fut annulé à cause que la mode Street Fighter était passé.   C’est sur un K.O que Street Fighter II s’en sort, dommage que le prochain animé que je vais traiter n’a pas réussi à en faire autant…      Alors Bison, ton avis ?  
DrunkenPenPen

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Fatal Fury

Transposer un jeu en adaptation animé est une tâche loin d’être facile, il faut faire plaisir autant aux amateurs du jeu qu’aux amateurs d’animation. Le jeux vidéo n’a pas eu beaucoup de chance lorsqu’il s’agit d’adaptation au cinéma : Street Fighter L'ultime combat, Ouch ! Doom, c’était pas ça ! Far Cry, pitiez ! La saga Resident Evil, 1000 ans de malheurs au réalisateur et à ses descendants ! Je ne parlerai pas des adaptations d’Uwe Boll car je suis persuadé que Satan (et pas Satan Petit-Cœur) s’en sert pour vouloir conquérir notre monde ! 😨 Cependant, on parle très peu des adaptations en animés qui ne sont pas tous de grandes qualités, certes, mais au moins ne pue pas autant que ceux d’Hollywood. Pour intronisé les futurs critiques d’animé basé sur un jeu-vidéo, j’avais envie de parler de Street….Fatal Fury ! Oui, j’ai envie d’aller chez la concurrence et plus précisément chez SNK. Ne sortez pas toute de suite vos stick d’arcade et vos combo de la mort car je vais vous présenter non pas un, ni deux mais trois animés, quel gentillesse n’est-ce pas ? 😉   Here comes Daredevil….oups je me suis trompé de jeu !                                    The Battle Of Destiny, Fatal Fury !   Fatal Fury ou Garou Densetsu est un jeu de Versus Fighting sorti en 1991 par la firme SNK. Il faut savoir qu’il est sorti quelques mois après Street Fighter II mais son gameplay est plus proche du tout 1er Street Fighter (je vous conseil le très bon Test du ChatNoirRetro). En faite, le créateur de Fatal Fury, Takashi Nishiyama est aussi le créateur de Street Fighter ! Fatal Fury est comme une suite de ce Street Fighter mais en mieux.   La particularité de Fatal Fury est que les combats se déroule sur 2 plans et même sur 3 plan dans le 3ième opus, donnant un côté stratégique des combats. La série s’est décliné en 8 épisodes principaux et 5 jeux annexes, je vous conseille l’excellent Real Bout Fatal Fury Special, l’immense Garou Mark Of The Wolves ou encore le 1er Fatal Fury qui n’est pas au niveau des deux précédents mais très sympathique. Sachez que la franchise n’a pas vraiment connu de mauvais épisode, sauf  Fatal Fury 3 plutôt boudé par les fans mais pas mauvais en soi.   La saga connu un très grand succès et se prétend même être LE concurrent de Street Fighter jusqu’à l’apparition des King Of Fighter. Il est donc normal qu’un jeu qui marche du tonnerre possède sa propre adaptation en animé, ce qui nous donne notre 1er OAV, Fatal Fury: Legend of the Hungry Wolf en 1992.   Le Saviez-Vous ? Arrête de mentionner Evangelion !   Avez-vous déjà vu la couverture de Fatal Fury 2 sur Megadrive ? La jaquette de la version japonaise et américaine a été dessiné par Yoshiyuki Sadamoto, le dessinateur d'Evangelion….la classe ! Il a fait aussi la couverture de Fatal Fury Special sur Game Gear dont la version Pal !   On va pas se mentir, ça donne envie d'y jouer !     On doit cette adaptation à Hiroshi Fukutomi qui avait fait l’adaptation de Gunnm (1993) que j’avais déjà traité. Il fera d’ailleurs aussi l’adaptation d’ Art Of Fighting, un autre jeu de SNK.   Dernier point, l’animé avait été diffusé à la Télé au Japon le 23 Décembre 1992 puis commercialisé en VHS en 1994.   L’intrigue a lieu à Southtown, une station balnéaire située sur la côte américaine où se déroule le King Of Fighter, un tournoi organisé par Geese Howard, un parrain de la mafia. Cette homme a tué le père des frères Bogard, Terry et Andy, les héros du jeu et ils sont venus le venger en pétant la tronche de ce vieux renard de Geese. En effet, ce dernier à voler un parchemin qui contient une technique puissante pour éviter que le successeur de cette technique l’utilise contre lui, et évidemment, le successeur n’était rien d’autre que le père d’Andy et de Terry. Dans leur vendetta, Terry et Andy seront aidé de Joe Higashi, leur meilleur copain et expert aussi en art martiaux.   Que dire de cette OAV ? D’abord, sachez que je ne suis pas un expert de la franchise Fatal Fury mais de ce que j’ai vu, c’est plutôt fidèle. L’intrigue est le même que celui du jeu et on retrouve tout les personnage du 1er jeu….Ah en faite, non !   En effet, on ne retrouve pas tout les personnages du jeu, il manque quelques personnages secondaires qu’on affronte dans le jeu comme Michael Max ou certains font une apparition tellement brève qu’on ne fait même pas attention comme Duck King…..et on s’en fous !   Pourquoi ? Parce que ce ne sont pas des personnages important dans l’intrigue et qu’on n’a pas le temps de faire des déviations car cette OAV ne dure que 45 minutes. Par conséquent, le fait que le casting soit réduit est paradoxalement une qualité car on va à l’essentiel et on ne perd pas de temps avec des personnages qui n’auraient pas d’importance dans l’intrigue, contrairement à d’autre adaptation qui font cette erreur, malheureusement, trop souvent.   D’ailleurs, cette animé se paye un nouveau personnage qui n’est pas présent dans les jeux : Lily McGuire. Sachez que je ne suis pas un fan de ce genre de pratique dans les adaptations mais ici c’est intelligent parce que Lily est la seule personnage féminin de tout l’OAV (Mai n’existait pas à l’époque). Malheureusement pour elle, contrairement à Harley Quinn dans la série Batman de 1992, SNK ne la retiendra pas pour ses jeux, ni les fans d'ailleurs !   Les combats sont trop expéditifs à mon goût mais sont sympa malgré tout !   Le Saviez-Vous ? On la trouvait plutôt jolie, Lily !   SNK n’a pas vraiment délaissé le personnage de Lily puisqu’on peux la voir en second plan dans le stage de Mexico dans KOF 94’ et qu’elle est aussi mentionné dans le jeu Days of Memories, un Visual Novel avec les héroïnes de SNK.   Cependant, cette OAV montre très vite des failles et le 1er d’entre eux est son scénario très cliché. Pour faire simple, tout y est ! Le héro solitaire, le meilleur copain impulsif, le plaisir/Sens du combat, le méchant qui rie à chaque crime, le sbire qui retourne sa veste parce qu’il a bon fond ou encore le vieux maître moustachu qui apprend la technique ultime au héro etc....   Je n’ai rien contre ce genre de cliché mais j’ai vu sur le net que ça dérange du monde, pour ma part, ce n’est pas parce qu’il a des clichés qu’un film/OAV est mauvais, tout est une question d’application. Alors oui, on voit les retournements de situations venir comme des camions, on devine facilement qui va faire tel action parce qu’il a tel caractère, mais est-ce qu’au fond ça dérange vraiment ? Pour moi, la réponse est non.   Il ne faut pas oublié qu’il s’agit d’une adaptation d’un jeux vidéo qui n’a que pour base un tournoi et une histoire de vengeance, ça reste limité est c’est la plus grosse difficulté des adaptations de jeux de combat car en général, il n’y a pas vraiment de scénario.   Ha Ha Ha ! Je suis le méchant et je fais Bobo !   Là où je serait moins clément c’est l’animation qui n’est pas top, surtout dans les combats et s’il y a un point qu’il ne faut pas rater c’est bien les combats ! C’est pas toujours moche mais il faut dire ce qu’il y a à dire, c’est pas non plus extraordinaire pour l’époque, surtout que ces combats sont très rapidement expéditifs. Il y a aussi eu des critiques par rapport au character design des personnages, pour ne pas vous mentir, on aime ou on n’aime pas, tout est une question de goût mais si vous avez vu l’OAV Gunnm, vous ne serez pas trop dépaysés. Après je comprend les réactions, il n'y a qu'a voir la tête d'Andy.   Un dernier point concerne le doublage Français qui, une fois de plus, est plutôt mauvaise : Mauvaise intonation (trop mou), voix en eux même pas convaincantes (début de carrière pour certains doubleur)….tout sonne un peu faux, dommage. Je précise aussi que ça sera le cas pour les 3 animés, cependant je ne sais pas si c'était les doublage d'époques mais ça m'a l'aire d'être le cas.   Malgré tout, Fatal Fury est un petit OAV bien sympathique, on se laisse entraîner dans cette histoire sans prétention. On pourrait presque le voir comme un film de JCVD (comme Bloodsport) et finalement on s’amuse et au fond n’est-ce pas l’essentiel ?           Fatal Fury 2 : The New Battle ou La légende du loup affamé   Pour ce second OAV, c’est Kazuhiro Furuhashi au commande (déjà présent dans l’équipe pour le 1er OAV), réputé pour son travail sur l’animé Ranma 1/2. Cette OAV est lui aussi passé à la télé mais cette fois-ci diffusé le 31 juillet 1993.   Si je vois d’un bon œil le 1er OAV autant être direct pour celui-ci, je l’ai pas trop apprécié.   Je vais commencer par les défauts et le pire défaut selon moi est son scénario. On retrouve toujours les clichés d’un film d’arts martiaux mais c’est pas vraiment son scénario en lui-même qui me dérange mais plutôt l’application de celui-ci.   Terry, le héro du 1er Fatal Fury se retrouve face à Krausser, le demi-frère de Geese. Krausser veut se battre contre Terry parce qu'il….euh.... s’ennuie et il le bat sans difficulté. Commence alors une longue descente au enfer pour Terry.   Quand on lit mon résumé, on se dit que ça a l’air classique, voire intéressant mais ce que je ne vous ai pas dit c’est que durant 3 quart d’heure grosso modo, Terry devient un bon gros alcoolique et ne carbure qu’au Jack Daniels.   Bon sang Terry mais qu'est-ce qu'on t'as fait !?   Le problème que j’ai avec l’alcoolémie de Terry, c’est justement qu’on parle d’alcoolémie. Pour être plus claire, les scénaristes ce sont dit que ça serait bien que Terry vit une épreuve « psychologique » en lui fessant vivre une défaite, jusque là, tout est normal. Par contre, avoir choisi l’alcoolémie n’était pas une bonne idée selon moi car….c’est un sujet grave ! On ne peut pas mettre un sujet grave comme prétexte scénaristique pour son héro, sauf si c’est lié de base à son héro ou si c’est développé…. Malheureusement, ce Fatal Fury 2 ne fait ni l’un, ni l’autre.   Si vous avez vu l’épisode du JDG qui parlait de l’animé de Capitaine Planète et de la drooooogue, c’est le même problème. Du coup, on se retrouve avec un Terry qui deviens alcoolique en 2 seconde sans trop vraiment comprendre pourquoi ou pour faire plus simple, l’animé ne maîtrise pas son sujet.   On ne deviens pas un gros alcoolique si rapidement et pour finalement peu de chose, non parce que perdre un combat quand tu est un combattant/Sportif, la défaite est envisageable à chaque combat, imaginez qu’on applique la logique de Terry dans la vrai vie, il n’y aurait plus grand monde dans le monde du sport !   Et puis, ça sort de nulle part cette alcoolémie, Terry boit un peu dans le 1er animé mais bon est-ce que tout ceux qui boivent un verre de whisky de temps en temps sont des alcoolique ? La réponse est non ! Je comprend que les scénaristes voulait imposer une épreuve à Terry mais sans pour autant avoir la prétention d’en être un, j’aurai choisi autre chose, qui en plus, était évident….     l faut bien comprend une chose, je ne reproche pas à cette OAV de ne pas traiter le sujet de l’alcoolémie mais plutôt d’avoir utilisé un sujet grave comme prétexte scénaristique et qui par conséquent, traite le sujet de l’alcoolémie sans le vouloir, c’est peut-être la pire idée qu’on peut faire en tant que scénaristique…..et être illogique.   Fatal Fury 2 est un petit peu illogique par moment, surtout en ce qui concerne le combat. Terry se coltine un gamin dans les basque (d’ailleurs je croyais que c’était Rock dans Garou Mark Of The Volves mais c’est pas lui) et Terry tente d’expliquer à ce gamin que se battre, c’est pas bien ! Je suis le seul à avoir trouver ça illogique ? Pour moi, c’est comme si Light Yagami disait que tuer n’est pas bien...vous voyez la connerie.     Enfin, je vais un peu me répéter mais la crédibilité des personnages en prend un coup, surtout Krausser qui est vu comme un mec balèze mais qui bat Terry alors qu’il a mal au pied et avait fait un combat avant contre Kim (combat inutile d’ailleurs, juste pour plaire aux fans), c’est pas vraiment glorieux tout ça Krausser ! Il y a aussi un passage à l’aéroport où Andy et Joe se demande où chercher Terry et une femme sort de nulle part et donne un papier qui dit où se cache Terry….elle n'était pas là pour dire à Shinji qu'il ne fallait surtout pas monter dans un Eva mais quand c'est Terry….   Hum, excusez-moi, après avoir défoncé cette OAV, il est temps de dire les qualités, et oui il y en a, heureusement d’ailleurs….   Le 1er point sont les combats qui ont de la gueule, beaucoup mieux animé que dans le 1er OAV et même une meilleur chorégraphie, de ce côté là, l’animé est incritiquable.   Un autre point fort sont les nouveaux personnages qu’on s’attache rapidement dont Mai qui fait sa première apparition (et non par rapport à ses qualités si vous voyez ce que je veux dire) J’ai d’ailleurs une petite remarque sur cette dernière par rapport à son statut d’héroïne. Maintenant vous savez que je suis quelqu’un qui aime l’égalité des sexes mais cette animé se veut plutôt macho et ça m’a….bien fait rire. On est en 1992, l’égalité des sexes c’est pas ça (comme de nos jours d’ailleurs) mais interpellé Mai par « Femme » j’étais mort de rire, on parle quand même d’une Kunoichi, une femme ninja qui pourrait te tuer en 2 seconde et les hommes de cette animé (sauf Terry et Andy) l’interpelle par « Femme », c’est juste hilarant ! Tout ça pour dire que ça existe mais qu’il ne faut pas en faire un plat.   Et oui ! Vous les femmes vous ne savez pas ce que signifie le plaisir du combat….heureusement que Sailor Moon n'était pas dans le coin ! 😁   J’ai beaucoup insisté sur les défauts mais cette OAV reste sympathique malgré tout, personnellement il est moins bien que le 1er OAV (pas fidèle au jeu pour ce qui est du scénario) mais les combats sont tellement mieux qu’on y prend plaisir à le voir.                   Fatal Fury Le film   D’abord, il s’agit bien d’un film qui fut sorti dans les salles de cinéma au Japon le 16 juillet 1994, moins d’un mois avant un certain Street Fighter II Le film….pur coïncidence ? Je ne cois pas ! Contrairement à ce dernier, Fatal Fury Le Film n’a pas ce statut de film culte, cependant, comme pour Street Fighter II, ils ce sont fait démontés par les critiques à l’époque.   Le Saviez-Vous? Qui veut prendre une douche ?   Si vous avez-vous Fatal Fury Le Film et Street Fighter II Le Film, vous aurez remarqués qu'ils ont un point commun: leurs Héroïnes prennent une douche à un moment dans le film. Alors oui, c'est con mais le plus intéressant c'est qu'on voit la poitrine de Mai comme ce fut le cas pour Chun-Li. C'est à partir de ces scènes que je me suis dit qu'il y a une concurrence entre SNK et Capcom pour leurs adaptations.   Avouez que c'est de la provocation à Capcom….ou un hommage     L’intrigue de ce film est dans la continuité des OAV, Laocorn Gaudeamus (que j’appellerais le Méchant à partir de maintenant à cause de son nom à la con) est un riche qui cherche les 6 pièces de l’armure légendaire des dieux de la guerre. Sulia, la sœur jumelle du Méchant va chercher de l’aide auprès de Terry pour aller sauver son frère fou et avant qu’il se met à détruire le monde….ouais c’est pas original une fois de plus.   Que dire de ce film ? D’abord, que le premier gros quart d’heure du film est une catastrophe ! C’est simple, ce sont les défauts des 2 premiers OAV combiné ensemble, c’est à dire les combats sont moches et beaucoup d’illogisme.   Commençons par le problème qu’on trouve dans tout les adaptations de jeux de combats : Chaque personnage est un personnage fonction qui n’a aucun putain de rapport avec l’univers qu’il adapte. Ce que je veux dire, c’est que pour placer chaque personnage du jeu, le film tente de placer tel personnage dans tel rôle, quitte à ce que ça ne sois pas logique.   Exemple pour Street Fighter, Balrog est un informaticien alors qu’il est boxeur (dans la série américaine dégueulasse). Maintenant, pour Fatal Fury, Chen Sinzai dans l’OAV précédant était le manager de Joe, maintenant il est architecte ! Et le pire, c’est que dans le jeu, c’est juste un riche/Patron de casino ! Vous allez me dire: « C’est pas pire que Street Fighter parce que Chen, on en a rien à faire ! » et vous avez raison !   Cependant, Fatal Fury contredit les précédant OAV et c’est très embêtant…. Les méchants des animés d’avant deviennent des gentils et même plus, des copains de Terry et de sa bande ! Oui, on a des changements de rôle sans raison et comme ils ne sont pas développés on est plus confus qu’autre chose.   Je passerai sur d’autres idioties comme Sulia qui demande à Terry où se trouve Terry alors qu’il est très connu, on parle d’un champion qui fait la une des magazines pour ses exploit en compétions et elle ne la jamais vu en photo ?! Il y a aussi les Méchant qui savent que tel pièce n’est pas dans tel pays alors qu’on les vois jamais espionnés les gentils.   C'est Mooooooche !   Pour ce qui est des combats, les premiers combats sont moche ! Surtout la scène dans la salle d’arcade qui est juste horrible pour ce qui de l’animation mais ils sont plus violent (présence de sang).   Bien que je défonce le film, tout ce que je dis est dans le premier quart d’heure, après ça s’améliore en général. Malheureusement, ça n’empêche pas le film d’être incohérent avec les précédents OAV comme le fameux plan de Geese pour se venger de Terry qui ne sera jamais appliqué alors qu’on le tease depuis le second OAV….tout ça pour rien, bravo ! 👏👏   Un dernier défaut est c’était celui de l’époque….on s’ennuie un peu quand même! Le film n’a pas beaucoup de combat et on passe plus de temps à savoir si Terry va enfin Planter le javelot dans la moquette de Sulia ou si Mai réussira à motiver Andy d’ Exploser le terrier….vous m’avez compris quoi !   Ma mauvaise foi étant passé, le film possède des qualités comme son intrigue qui se laisse regarder et est quand même mieux que de suivre un ivrogne. Le personnage de Sulia est probablement le personnage créer en dehors du jeu la plus développée….et aussi la seule, vous allez quand même pas me dire que Lily était développée….
    Les combats ont quand même de la gueule (dans la 2ième partie du film) mais pas autant que le second OAV, je trouve et puis il y a pas mal de référence à l’univers de SNK plutôt sympa !   Le Saviez-Vous ? Qu’est-ce que tu fais là ?   Le film joue beaucoup sur le fan-Service du jeu d’origine comme le fait que Terry joue sur une borne Neo-Geo mais ma référence préféré et inattendue est le personnage de Nakoruru dans la série des Samuraï Shodown qui s’incruste dans une conversation entre Andy et son maître. Pour être précis, c’est une double référence puisqu’il ne s’agit pas de la vrai Nakoruru mais de reiko chiba, une actrice/seiyu qui se déguise en Nakoruru dans le film, c’est un double caméo. Nakoruru est le personnage préféré de Reiko parce qu’elle est « mignonne et cool ». Enfin, c’est le personnage que je prend tout le temps quand je joue à la série des Samurai Shodown, c’est peut-être pour ça que j’ai aimé la référence.   Coucou Reiko déguisé en Nakoruru !   Certes, tout cela est très classique dans l’ensemble mais on prend plaisir à regarder ce film malgré qu’il est inégal dans l’animation. En faite, le problème de ce film est qu’il n’a pas la même prétention que les OAV et c’est là que ça fait mal ! Comme c’est un film, le budget est plus conséquent que la Télévision, l’objectif à mon avis des OAV était de préparer ce film pourtant je trouve les OAV plus réussie que ce film. C’est toute de même dommage de s’être autant embrouillé dans les personnages/Scénario et autres maladresse alors que les OAV était censé préparer le terrain.   Sulia est beaucoup plus développée et par conséquent on l'apprécie bien plus que Lily !                Conclusion   Que dire de cette trilogie Fatal Fury dans son ensemble ? C’est Moyen et plutôt inégal dans l’animation entre les épisodes et même dans l'épisode lui-même (le premier combat du film….mon dieu que c’est moche !). L’écriture aussi est bancale entre les bonnes idées et l’application de ces idées mais on sens une volonté de faire plaisir au fans du jeu. Alors oui, c’est un échec mais pas total, je les ai beaucoup défoncés mais ils sont très sympa à regarder si on les prends comme des films divertissants qui ne vont pas bouleversés le monde de l’animation. Ça se laisse regarder et on y prend un minimum de plaisir et c’est déjà beaucoup comparé aux navets hollywoodienne. J’ai eu cette intégral en DVD pour 5 euros et je ne me sens pas arnaqué mais sachez qu’ils sont disponibles sur Youtube (en VF par contre) et que vous en avez pour 3h30 en tout !   Je vais conclure sur une note positif en vous disant d’aller les regarder si l’ennuie vous guette et que le nom de Fatal Fury vous dit quelque chose. Je me suis même mis à faire les jeux en visionnant ces films, preuve que les films m’ont quand même motivé a mieux connaître la licence.   Sulia ! Je n'avais pas fini de construire la rambarde, Suliaaaaa !  
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Evangelion 3.33 You Can (Not) Redo

Courage ! C'est la dernière ligne droite de ma rétrospectif Evangelion ! 17 Novembre 2012, une date importante pour les fans d’Evangelion car c’était la sortie du troisième film Evangelion dans les salles de cinéma japonnais. Cette suite a pour nom Evangelion 3.33 You Can (Not) Redo . Après le succès des précédents films, on ne pouvait que s’attendre à une suite des plus grandioses, malheureusement, ce ne fût pas le cas pour tout le monde...je dirais même, pour peu de personne. Ne passons pas par quatre chemins, ce fût la déception pour quasiment tout le monde, les critiques saluèrent quelques points techniques mais restent muets quand à « l’esprit » de ce film. Pour les fans, c’est plutôt l’incompréhension, certains cries haut et fort que ce film est du "Caca" pour rester polie, mais est-ce vraiment le cas ? Ce film est-il mauvais ou est-ce qu’il s’agit d’un mauvais film Evangelion ? Il est temps de décortiquer tout ça !   Affiche du film qui est la même pour tout le monde !                                 Seriez-vous prêts…ou pas ?   Je dois vous avouer quelque chose, j’ai vu ce film que deux fois dans ma vie, la première fois il y a des années et la seconde fois pour écrire cette article. Si je dit ça c’est parce que j’ai pour habitude de regarder les précédents films plusieurs fois mais ce 3ième opus….me bloque.   J’avais plusieurs occasions pour le regarder mais à chaque fois, je le remettais à plus tard. Vous comprenez alors qu’il y a un problème : Comment se fait-il qu’un homme comme moi, qui vous bassine depuis un an sur Evangelion, se sent aussi bloqué face à ce film ? Je pense que quelques chose m’a gêné dans ce film malgré que j’en garde un bon souvenir lors de mon 1er visionnage. Je voulais probablement garder un bon souvenir car si je devais le revoir, peut-être que je serai déçu comme tant d’autres fans.   Aujourd’hui, je ne me défile plus et je compte bien voir la réalité de la chose ! Je suis quelqu’un qui aime bien faire les choses et j’ai eu une idée avant de revoir le film, je me suis dit : « Regardons l’épisode 24 de la série dont le film reprend l’intrigue », j'en ai des idées, hein ?   J’ai lu dans le Wiki d’Evangelion que cette épisode fût élu le meilleur épisode de toute série confondu en 1996. Pour certains, c’était l’épisode 18 (épisode du Dummy System), pour d’autres c’était l’épisode 19 (dernier combat du 2ième film). Pour moi, c’est l’épisode 16 (l’épisode où Shinji est coincé dans un ange) il y a aussi l’épisode 20 (Shinji est encore coincé mais dans un Eva et où on découvre ces fantasmes pour Rei, Asuka et Misato) et puis enfin l’épisode 22 (le passé d’Asuka). Globalement, l’épisode 24 est encore le préféré de beaucoup de monde, il faut dire que c’est une claque pour une raison : Kaworu ! C’était fort de la part de la série de faire apparaître un nouveau personnage presque à la fin de la série et qui plus est très charismatique. L’épisode est très bien construit, plusieurs signes montre en avance la révélation de l’épisode….     Je pourrai parler longtemps de cette épisode mais je vois que je n’ai quasiment rien dit du film, alors commençons par l’intrigue. Shinji est bloqué dans la base du Geonfront après le combat final du second film. Misato et toute l’équipe de la Nerv tente de creuser pour récupérer Shinji, Rei et Gendo. Pendant ce temps, Kaji continue son enquête et Shinji se retrouve dans un huit clôt où il devra affronter les vérités que son père lui cache….. Du moins, c'est ce que ça aurait pus être comme intrigue.   Comment ça ? Et bien, je dois vous dire quelque chose…. c’est mon scénario ou du moins ce que le teaser de l’époque semblait affirmer. Vous vous rappeler de la vidéo que j’ai mis à la fin de mon article sur Evangelion 2.22 ? C’est le Teaser que je vous parle et je peux vous dire toute de suite que vous pouvez oublier tout ce que vous avez vus car le vrai film n’a aucun rapport avec le teaser.   Pourquoi l’avoir montré alors ? Pour que vous soyez déçu parce que je pense que ce teaser à contribué à la déception du film à l’époque, imaginez de voir un trailer qui vous hype et quand vous allez voir le film, plus rien n’a aucun rapport avec le trailer de base….il y a de quoi être déçu, non ?   D’après mes recherches, le projet semblait avoir été repris à zéro au beau milieux de la production du film parce que ça ne plaisait pas à Hideaki Anno mais ça reste une rumeur. Une autre explication viendrait d’un tremblement de terre qui aurait détruit la production du film et que Hideaki Anno aurait été dégoûté de le refaire tel quel mais c’est une rumeur aussi. La dernier explication est peut-être simplement un troll de la part de l’auteur pour piéger les fans et ainsi être mieux dans l’ambiance du film….tout à fait plausible mais ce n’est qu’une théorie. Le studio n’en n’a jamais voulu rien dire, c’est étrange.   Le vrai intrigue se passe 14 ans après Evangelion 2.22, Shinji se réveille dans un nouveau monde et ne reconnaît plus rien car….tout est détruit. Son retour parmi les vivants n’est pas des plus chaleureux et je dirais même que tout le monde à envie de lui péter la gueule. Au fil de l’intrigue, il va être amené à revoir son père et Rei mais surtout un nouveau personnage, Kaworu Nagissa.   je préfère quand même la première intrigue mais bon, quand il y faut aller, faut y aller ! Un dernier mot avant de parler du film est qu’on retrouve 4 réalisateur pour ce film ! Les mêmes que les précédant dont Hideaki Anno mais il y a aussi Mahiro Maeda, un des ancien de la Gainax qui a travailler sur Vandread (Mecha-desing), Vision d'Escaflowne et le segment la seconde renaissance part 1 et 2 d’Animatrix. On retrouve aussi Shuichi Iseki pour le design des personnages (bien que c’est Sadamoto à la base, on retrouve plus le style d’Iseki dans le film) et Hibiki Yoshizaki , tout deux travaillant sur Kill La Kill mais aussi Me!Me!Me! que j’avais traité !   " Mais qu'est-ce qui s'est passé ?" C'est ce que beaucoup de fan ont dû se dire la première fois qu'ils ont vu le film.                   Qu’est-ce qui va (ou pas) dans ce film ?   Pour une fois parlons de chose qui fâche dès le début, oui je suis comme ça ^^   Le 1er problème majeur du film est le film en lui-même, trop flou je vous l’accorde. Je devrai plutôt dire que le changement de cap du remake a probablement été trop violent pour les fans. Je pense que les fans ont eu cette sensation de s’être fait avoir mais je pense surtout que le fait de changer de base en plein milieu d’une série de film (et surtout d'un remake) n’est pas la meilleur idée du monde….   Pour mon cas, ce qui m’avais dérangé lors de mon 1er visionnage est plus la structure du film qu’autre chose. D’abord, qu’est-ce qui s’est passé entre 2.22 et 3.33 ? Comment les gens ont survécu ? Ces quoi ces gros vaisseaux ? Le Wunden ? Fullerène ? La malédiction des Eva ? Le Near Third Impact ? C’est quoi ce bin’s ? Pour la plupart des questions, soit quasiment toutes les questions, vous n’aurez jamais aucunes réponses….quand on refait une base d'un univers et qu’on amène des nouvelles règles, c’est bien d’expliquer un minimum !   De plus, le rythme global du film est….étrange. Le film contraste énormément avec le second film qui été bien nerveux. Là où le second film tente de dire un maximum de chose mais avec peu de temps, ici, le film ne dit pas grand-chose pour ne pas dire grand-chose. Je sais que cette phrase est dur mais c’est la sensation que le film laisse lorsqu’on le voit la première fois, à force de cacher des choses, on finit pas ne rien dire. Le film est à la fois bien rythmé et lent comme pas possible, oui je sais, c'est contradictoire !   Cela se ressens aussi dans le peu de combat du film : 2 Combat, l’un au début et l’autre à la fin du film, en plus, il n’y a pas un seul ange vu que les bases ont changés !  Rien à en dire des combats si ce n’est qu’on cherche le spectaculaire et qu’ils sont très long. Ah si ! Un défaut dans les combats, c’est le bordel ! Oui, les combats sont bordéliques et ont a tendance à ne rien comprendre à cause des termes trop techniques (à moins d’avoir une connaissance de malade en Aérospatiale) et de l’obscurité ambiante du film. Et comme on ne vous explique rien, même certaines actions des personnages sont incompréhensible au premiers abords, au point même qu’on ne sais pas trop comment ils ont gagnés !   Il y a un problème dans ma façon de faire ?   La question qui doit vous venir à l’esprit est : « entre les combats, il se passe quoi ? » J’ai envie de dire tout mais surtout rien. J’exagère un peu mais comme le film révèle peu de chose, ben on ne sait rien. Le problème viens du fait aussi que le film doit résumé qu’un seul épisode ! Par conséquent, le rythme en prend un coup, malgré les nouveautés de l'univers mais ils ne sont pas assez exploité je trouve. Je ne parlerai pas de meublage mais d’un long temps mort qui contraste énormément avec le début et la fin qui partent dans tout les sens et qui plus est, manquait d’explication. On pourra noter aussi quelques incohérences entre le 2ième et le 3ième film….     Pour ce qui est de la VF…..comme d'habitude, inégale dans les voix mais pas de grossière erreur, sauf pour le doubleur de Kaworu qui a du mal avec la prononciation Anglaise de certains termes (au lieu de dire Third Impact, il dit Sir Impact). J'ai noté aussi quelques ajouts inutiles dans la VF comme par exemple, Sakura, un nouveau personnage qui demande à Shinji au début du film s'il veux, je cite "Faire Pipi", comprenez-le, 14 ans dans l'espace sans faire pipi, ça doit être dur, par contre personne ne lui demande comment il a survécu ?                        Il y a de l'espoir, il y a toujours de l'espoir !   Si jusque là, je pouvais paraître de mauvaise foi, ce n’est que pour montrer que le film est en réalité bien plus intéressant qu’il n’y paraît. Les défauts énumérés précédemment sont les défauts que l’on trouve régulièrement cités par les gens (et c’est pas faux) mais le film possède des qualités indéniables.   La première qualité de ce film est clairement son ambiance. C’est simple, tout pue la mort ! C’est une ambiance macabre qui vous attend aussi bien dans la forme que dans le fond. Des exemples ? J’ai envie de dire : regarder autour de vous ! Il n’y a plus rien qui tient debout, le sol est rouge rappelant le sang et des corps d’Eva qui traînent partout. Et que dire du décor qui est à la fois macabre et beau, qu’on a le temps d’apprécier avec des scènes contemplative : Tout est détruit, vide et sans-vie mais c’est beau ! On doit cette beauté au choix intelligent des couleurs Rouge et Bleu très claire qui se contraste et se complémente à la fois….un peu comme le personnage de Shinji. Lorsque je parle de ces scènes contemplatif de ce film, je dit souvent que c’est du Miyazaki Macabre, histoire d'avoir une idée de la chose.                                Quelques petits exemples de décor assez jolie mais surtout macabres !     Il n’y a que très peu de personnage mais on comprend très vite pourquoi ! le cerise sur le gâteau est avec Rei dont on se demande si Shinji a réussie à la sauver durant la 1er partie du film. Rei est très absente et très en retraite dans le film, on ne la voie que très occasionnellement, son regarde est vide et perdue. Elle a perdu son humanité ainsi que sa liberté de parole, c’est presque un Zombie mais sans l’envie de manger les autres. De plus, les révélations sur Rei vont encore plus intensifié ce côté macabre du film.     Quand aux autres personnages, je pense surtout à Misato, Asuka et Mari, ont les voit très peu aussi, sans spoiler, disons que c'est justifié dans l'intrigue (sauf comment se fait-il qu'Asuka est encore en vie et que Mari ne soit toujours pas encore dévellopée….je ne lâcherai rien, Anno, je ne lâcherai rien 😂)   Un autre point fort du film est son retour aux sources à la Gainax. J’en avais déjà parler un petit peu dans le second film mais ici, c’est amplifié. Je suis étonné que personne n’a fait de lien avec tout les précédents travaux d’Hideaki Anno :                 - L’équipage de Misato ainsi que le fait qu’ils sont dans des vaisseaux ne vous rappelle rien ? Et oui, Nadia et le secret de l’eau bleu, qui à la base, c’était inspiré des Space Opera de Matsumoto, surtout Spaceship Yamato. Encore un détail rigolo, à un moment un des personnages dit que « c’est excitant d’être sur le pont lors d’une attaque », phrase déjà prononcé dans Nadia. On retrouve également l’OST de Nadia pour la simple raison que c’est le même compositeur.                - C’est un peu du spoile et je m’en excuse par avance mais la notion du temps où un personnage se retrouve plusieurs années plus tard alors qu’il n’a pas changé d’une traite….. non, rien ? Gunbuster avec Noriko et Kazumi qui doivent payées le prix de leurs combats par l’accélération du temps dans l’espace. D’ailleurs, on pourrait faire le lien avec l’idée qu’il n’y a que deux pilotes qui gère tout (Asuka et Marie) et le 1er combat dans l’espace….c’est un peu pareil dans Gunbuster (même si il y a 3 pilotes mais chuuuut!)                - Et puis enfin, c’est un hommage à la série de 1995 vu que l’intrigue reprend toujours la série malgré toutes les changements, sans oublier que certaines font échos à l’épisode 24...normal d’un côté.   Un dernier point et tout bête, le film a la volonté de prendre des risques et on ne pourra jamais lui reproché le contraire contrairement à d’autres séries qui reste sur des acquis ! D’autant plus que le film se construit comme l’opposé du film précédent : Peu de combat, peu de contact avec d’autres personnages pour Shinji, univers très différents, quasiment pas de Fan-Service etc.…     Capitaine Némo, euh je voulais Misato, il semblerait qu'une partie sur les thématiques du film est en approche !                           C'est chouette ! Je comprend maintenant que je suis né pour te rencontrer ! 😉   Un dernier point fort serai tout simplement les thématiques du film et ça mérite qu’on s’y intéresse ! Tout d’abord, toute cette histoire sur l’espoir, oui, vous n’avez jamais remarquez que ce mot reviens très souvent ? Que ce soit dans des termes ou même dans les dialogues, le mot espoir reviens très souvent. C’est bien mais l’espoir de quoi ? D’un point de vue de l’intrigue, l’espoir qu’on puisse revivre et reconstruire ce monde, et comme dirais Dr Ian Malcom « La vie trouve toujours un chemin », la grande question est de savoir si l’Homme en fait partie.   Il y a aussi cette espoir d’un retour à la normal avec Shinji qui au fil du film, se fait submergé par le désespoir et aussi la culpabilité….     Mais tant qu’il y a de la vie, il y a de l’espoir….sauf si tu agis comme Shinji. Et qui dit Espoir, dit changement ! (Ah bon ?🤔) Je me suis souvenu d’une citation de Hideaki Anno qui disait dans la prélude de la série :   « On m'a dit un jour « vivre, c'est changer ». C'est en voulant faire un récit où, la fin se rapprochant, le monde comme les personnages exprimeraient ce désir de changement que j'ai commencé cette œuvre. Parce que c'était là mon véritable souhait »   Et si c’était toujours son souhait ? Et s’il avait volontairement changer la base d’Evangelion pour apprendre une leçon de vie à ses fans ? La vie est fait de changement, heureuse et pénible…..tiens ça me fait penser encore au Dr Ian Malcom qui disais :    « S'il y a une chose que l'histoire de l'évolution nous a enseignée, c'est que la vie ne peut pas être retenue. La vie se libère, elle s'étend à de nouveaux territoires et brise les barrières, douloureusement, peut-être même dangereusement, mais, hum... enfin, c’est comme ça. »   « C’est comme ça », je rigole avec mes citations de Jurrasic Park mais c’est peut-être ce que veux nous dire Anno. La vie est faite de changement et Evangelion aussi.   J'avoue que j'ai un doute maintenant !   Ce qui m’amène à Shinji qui a peur de ce changement, de voir que le monde qu’il a connu n’est plus le même, que les personnes qui l’aimait le déteste, que la Rei qu’il connaît n’existe plus, qu’Asuka a envie de lui péter sa gueule….tout ça sont les changements que Shinji refuse de voir…..mais nous aussi !   J’entends souvent que les gens défonce le film parce que tout les personnages traite Shinji comme de la merde ou parce que ça n’a plus rien à voir avec la série….oui, c’est le but du film ! Je viens de m’en rendre compte mais on s’est voilés la face pendant tout ce temps, je m’explique.   L’énorme force du film est qu’il traite le changement dans la vie et quoi de mieux que de faire subir ce changement aux spectateurs, aux fans surtout qui sont habitués à la base de la série de 1995 et qui a duré jusqu’à Evangelion 2.22. On a jamais reprochés à The End Of Evangelion qu’il avait changé les bases vu que c’était la suite de la série, on a juste reproché la manière que ça c’est passé et c’est là la différence avec 3.33, il coupe tout ! La vérité sur le pourquoi on a défoncés le film, parce que oui les fans l’ont défoncés, c’est parce qu’il ne reprend pas les bases de la série, on a reprochés au film son concept qui dérangent les fans parce qu’ils ne s’y retrouvent plus…..c’est juste débile !   On ne peux pas défoncé un film pour son concept, sinon tout les films sont mauvais. On ne peux pas défoncé un film pour son identité et quand je vois des gens qui dissent que le prochain film donnera les raisons de ce changement, j’ai envie de dire « Ouvrez les yeux ! On a toujours eu la réponse mais comme shinji, on a refusé de la voir ».   Ce qui est dingue, c’est que l’auteur avait prévu la réaction des fans vu que la majorité réagissent comme Shinji dans le film. Si vous ne le savez-pas, Hideaki Anno a faillit prendre sa retraite et laisser Evangelion comme tel. Pourquoi ? Parce qu’apparemment le film aurait été dur pour lui car trop introspectif. Je veux dire par dessus tout que c’est un homme qui affronte sa vie, contre son passé ou contre les fans peut-être mais il a eu les couilles de le faire !     Bon, tu as fini ton article ou non ?                        Ce n'est qu'un au revoir, mes frères, Ce n'est qu'un au revoooooir ! (Conclusion)   Je ne pensais pas que je conclurai comme ça ! Au début de ma critique, je croyais que je parlerai de la souffrance de la Solitude et du Rejet mais finalement, à force de penser au film et à son message, j’ai fini par trouver autre chose. Pour comprendre Evangelion 3.33 , il faut accepter de renier les bases de tout ce qui a été fait sur la licence Evangelion, accepter le changement, tel est le message et l’intrigue du film. Vous pouvez ne pas être d’accord avec moi et je ne suis sûr de rien mais je pense avoir enfin trouver un sens à ce film et une raison de le revoir plus souvent. Si vous avez déjà vu ce film, regarder le encore mais en prenant compte de tout ce que je viens de dire et peut-être que votre jugement changera. Après oui, le film à des défauts et il demande un certain courage pour le regarder à nouveau mais c’est ce qui définit ce film. Je pourrait même dire, qu'il s'agit d'un mauvais Evangelion (volontairement) pour être un bon film.   Je vais conclure par cette citation : «  On ne se baigne jamais deux fois dans le même fleuve » Héraclite    
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Fate/Stay Night [Dossier]

Certains animés sont plus dur à traiter que d’autres parce que ce ne sont pas que de simples animés mais tout un univers entier à traiter ! Constitués des séries principaux, d’univers alternatifs, de spin-Off, d’adaptations, de parodies etc.…. c’est un peu comme résumé tout l’univers de DC Comics en un seul article….Bonne chance ! Dans le monde des mangas, bien que ce n’est pas si fréquent, il existe des séries avec des univers vastes où on peut vite se perdre, voire même, ne pas savoir par où commencer ! De tête, il me viens à l’esprit l’univers de Gundam ou les œuvres de Leji Matsumoto avec des personnages qui se croisent. Cependant, j’avais envie de vous parler de l’univers de Type-Moon et même précisément de Fate/Stay Night ! Si vous êtes un amateur d’animé, vous connaissez très certainement la série des Fate/Stay Night et si ce n’est pas le cas, laissez moi vous le présenter.     1er Opening des nombreuses séries Fate/Stay Night !         Type-Moon....Oui, bien sûr…..C'est quoi Type-Moon ?   Commençons par le commencement : c’est quoi Type-Moon ? Type-Moon est un studio de jeux-vidéo amateur à la base. Ils ce sont fortifiés une réputation avec leurs Dōjin, des œuvres amateurs dans différents domaines comme la musique, les mangas etc.… et plus particulièrement les Visuals Novels, un type de jeux vidéo qui se présente plus comme un livre car ce n’est que du texte mais avec des voix et de la musique. Je précise que c’est un type de jeu très répandu au Japon qui est mis à toutes les sauces : Aventure, Romance, Drague, Eroge ou encore Hentai.   c’est avec Tsukihime (2000) que le studio va marquer les esprits et commencer à prendre une place plus importante dans le milieu, pour finir par devenir des professionnels. Pendant ce temps, French Breed, un sous studio qui c’était associé avec le studio Type-Moon va sortir une suite à Tsukihime mais en tant que jeux de combat 2D nommé Melty-Blood. Une fois de plus, c’est le succès au point même qu’ils font plusieurs versions de ce jeu et finira par sortir en salle d’arcade, preuve ultime que le jeu est très bon (personnellement, j’en suis assez fan !). French Breed sortira un autre jeu que vous connaissez probablement : Under Night In-Birth mais il reste en dehors de l’univers Type-Moon.   à Gauche, Tsukihime en animé et à droite, Melty Blood dans sa avant-dernière version !   C’est en 2004 que le studio va créer leur premier gros succès commerciale : Fate/Stay Night ! Et d’ailleurs, quand je dit que ce sont des Visuals Novels, je devrais plutôt dire Eroge. Un Eroge est un jeu érotique mais je ne vais pas vous mentir, on peut parler d’Hentai. Attention ! Un Eroge n’est pas un jeu Hentai, c’est juste un jeu qui contient des scènes Hentai et qui se mélange avec d’autres genres : Aventure, Drame, Comédie etc.… Pour expliquer plus clairement c’est comme un film « normal » dont l’intrigue est coupé par des scènes Pornographiques (où on voit tout). C’est très récent chez nous et c’est très discret mais au Japon, ça existe depuis un bon petit moment et j’ai même envie de dire qu’il n’y a qu’eux qui trouve ce genre d’idée.   Le Saviez-Vous ? Les Scènes Coquines !   ça sera le seul "Saviez-vous" de l'article mais il est intéressant. Ces fameuses scènes Hentai que l'on trouve dans le jeu original on été ajoutés à la dernière minutes par peur que le joueur….s'ennuie ! Oui, ils ont juste fait ces scènes parce qu'ils pensait que le joueur décrocherai le jeu au vue de la longueur du scénario (30H rien que pour le 1er scénario). Il me semble que l'auteur original n'était pas trop d'accord pour ajouter ces scènes dans son "roman" mais il l'a fait quand même, d'où pourquoi ces scènes sortent de nul part et n'ont pas vraiment de sens.   Fate/Stay Night est belle et bien un Eroge mais si vous avez vu au moins une des adaptations en animés, vous vous êtes peut-être dit : « Mais j’ai jamais vu de scènes Hentai lors de mon visionnage ! », normal, il n’y sont pas ! (déception parmi les lecteurs) En effet, au vu du succès de la série Fate/Stay Night, Type-Moon a fait le choix d’exclure les scènes Hentai pour toucher un plus grand public. Ils ont même refait le jeu, sans ces scènes mais c’est compensé par un approfondissement de l’intrigue, nommé [Réalta Nua] (et aussi pour pouvoir sortir le jeu sur la Playstation 2, s'assurant du succès du jeu)   T'inquiète Saber, ce que tu as fait avec Shiro restera un secret !        There's A New Game We Like To Play You See...We Call It Master And Servant !   Maintenant qu’on a fait le tour, je vais pouvoir enfin parler de quoi retourne Fate/Stay Night. Tout les 60 ans (en moyenne) à lieu la guerre du Saint Graal qui oppose 7 mages à s’entre-tuer dans un Battle Royal pour obtenir le précieux sésame : Le Saint Graal ! Pourquoi obtenir le Saint Graal ? Cette objet permet de réalisé le vœux du vainqueur de cette guerre. Pour l’obtenir, les mages possède un « Servant », une âmes héroïques qu’on classe en 7 catégories : Berzerker, Assassin, Caster, Rider, Lancer, Archer et enfin Saber.   Le mage qui est associé au Servant ce fait appeler « Master » et possède 3 sort de commandement qui permet au Servant d’obéir de force à un ordre donné par le Master. À eux deux, ils doivent tuer les autres….et c’est là que ça se complique. Le Servant désigné pour le Master est choisit un peu au hasard. Si un Master meurt mais pas le Servant, ce dernier peut choisir un nouveau Master mais si le Servant meurt mais pas le Master, il peut choisir un autre Servant à la condition qu’il n’appartient pas déjà à un Master (et qu’il accepte d’être le Servant du nouveau Master). Techniquement, la guerre peut se finir sans qu’aucun Master meurt mais vous vous doutez bien que ce scénario n’existe pas !   Vous êtes peut-être en train de vous dire que le terme « Guerre » est un peu exagéré parce qu’une dizaine de personnes qui s’entres-tues, c’est pas vraiment une guerre. Oui mais il y a les dommages collatéraux et beaucoup de victimes civiles car pour gagner, il faut que le Servant soit matérialisé physiquement pour combattre, uniquement possible qu’avec de la magie et cette dernière se trouve chez les âmes innocents.   Chaque Servant à donc des compétences précise mais tous ont un « Noble Phantasme », une super attaque de la mort qui tue mais révèle leurs identités et ainsi leur points faibles. Par exemple, si un Servant utilise son « Noble Phantasme » et qu’il s’appelle « Excalibur », il vaudrait mieux que son adversaire meurt car s’il s’en sort, il n’a qu’à faire une recherche sur Wikipédia pour savoir qui à eu l’épée Excalibur.   J’espère que vous avez tout compris car maintenant je vais vous parler des séries. Si on compte tout ce qui à été fait, c’est à dire, jeux, manga, animé, Sound Drama et Parodie, il y a  eu 59 séries….pour l’instant ! Je vous rassure, je vais pas tout traiter. Je vais parler uniquement des adaptations en Animés du jeu de base. Le jeu possède 3 scénario différents : Fate ; Unlimited Blade Works et enfin Heaven’s Feel.   Unlimited Blade Works, Heaven's Feel, Fate/Apocrypha, Fate/zero…..Je suis paumé !         Fate/Stay Night (2006)   Première adaptation de la série par le studio Deen. Créé en 1975 par des membre du studio Sunrise, on leur doit Ranma ½ , Kenshin le vagabond ou encore Vampire Knight en tant que séries télévisées. Ils ont également beaucoup travaillés avec Mamoru Oshii que je ne vous présente plus.   C’est une série en 24 épisode qui raconte : « l’histoire d’Emiya, un jeune homme capable d’analyser la structure des objets grâce à la magie. Jeune homme solitaire doté de pouvoirs limités, au cours d’une nuit tragique où il se retrouve confronté à la guerre pour le Saint Graal, Emiya invoque Saber, l’ultime serviteur, et devra affronter les 6 autres magiciens malgré ses limites. »  (Sens Critique)   La grande question est de savoir si cette animé est une réussite, la réponse est…. Non !   « Alors tu t’es embêté à tout nous expliqué pour finalement dire que ton 1er animé hyper connu c’est de la merde ? » Non, pas de la merde, qu’il n’est pas réussie et qu’en tant qu’adaptation, c’est une bonne grosse déception ! Où que ça a merdé ? Disons que je lui reproche 3 gros défauts, ah oui ! Je précise que je n’ai fait que le premier quart d’heure du jeu donc je ne vais pas le critiquer du point de vue de la fidélité.                                 - 1er défaut et le pire selon moi : Le Rythme !   Il n’y a rien de pire qu’un animé trop lent où on nous raconte rien, si ce n’est qu’un quotidien où le héro fait son linge pendant 6 épisodes alors qu’il est censé taper sur du monde….vous savez, la guerre, tout ça ! Il est possible pour un animé ‘lent’ d’être rythmé par des révélations, des conflits internes etc. tant que ça à lien avec l’intrigue ou l’univers, ce qui n’est malheureusement pas le cas ici. 3 quart de l’animé est beaucoup trop lent et le dernier quart se termine trop rapidement, comme dirais un membre de Sens critique « Mouais ».                                -  Le 2ième défaut majeur est l’Animation   C'est pas top et il souffre d’un retard comparé à d’autres animés de 2006 comme Death Note ou Code Geass. C’est très moyen et même parfois c’est moche et avec le temps, l’animé a mal vieillit. C’est très inégale donc ne vous attendez pas à en prend plein la figure.                               -  3ième et dernier gros défaut est la cohérence de l’univers.   Beaucoup de gens ce sont plains d’un manque de cohérence chez les personnages comme par exemple la motivation très flou des personnages, pourquoi veulent-il vraiment le Saint Graal ? Pour beaucoup, on ne le saura jamais.Même pour le héro c’est flou de savoir ce qu’il veux, tantôt être un justicier, tantôt avoir Saber dans son lit. Il y a aussi des éléments scénaristique qui sont amenés pour finalement ne rien faire, je pense au Flash-back de Rin lorsqu’elle croise Sakura, c’est très flou et on n'en parle plus du tout après….à moins d’avoir fait le jeu à l’époque, on comprend rien à ce qui viens de ce passer.   D’ailleurs, je n’aime pas le dire mais Emiya Shiro est un personnage très énervant car trop gentils, trop naïf….trop con, quoi ! Je dirais même qu’il manque cruellement de charisme, surtout par le fait qu’il refuse de se battre durant presque tout l’animé ! Et même certaines personnes ce sont plains qu’il est sexiste, obsédé et macho, cependant, je n’en n’est pas le souvenir (sauf pour l’obsédé) donc je n’en dirais rien.   Et là je vous vois venir : « Tu as quand même un sacré culot de dire qu’Emiya est un coincé alors que quand c’est Shinji dans Evangelion, ton discours change ! » et je vous répondrez que ces deux personnages n’ont pas pour vocation de plaire aux spectateurs mais que cela a été souhaités par leurs auteurs, après ça ne veux pas dire que ça rend l’expérience agréable mais c’est l’expérience souhaités.   Sinon, l’animé possède 2 grosses qualités : L’OST (dont l’opening) et que malgré tout les défauts, c’est un animé qui se laisse regarder pour le peu que l’on apprécie (Plusieurs personnages sont stylés) .   Tout ça pour dire que c’est un animé très moyen et décevant mais qui se laisse regarder. Le gros problème viens du fait que cette série constitue la base de l’ensemble de l’univers Fate/Stay Night et c’est ça qui le rend décevant.   "Shiro ! C'est ta faute si on est ridiculisés, Baka !". Ce n'est pas que de sa faute, tu sais ?                Fate/Zero (2011)   D’où tu sort ce Fate/Zero ? Me direz-vous, et bien il s’agit d’une série en 2 saison qui sert de préquel à la série de 2006 et autant vous le dire que c’est le jour et la nuit ! On doit cette série au studio ufotable, réputé pour leur séquence animé dans les jeux-vidéo Tales Of ou God Eater. On doit le scénario à Gen Urobuchi, très célèbre pour être le scénariste de Puella Magi Madoka Magica et de Psycho-Pass….que du lourd ! D’ailleurs, c’est lui le romancier du Light Novel original.   L’intrigue se passe 10 ans avant celui de la série de 2006 et reprend le même concept de guerre du Saint Graal, à la différence qu’on a affaire à plusieurs psychopathes prêt à tout pour gagner. On suit Kiritsugu Emiya, le père adoptif du héro de la série de 2006 mais en vérité, on suit un peu tout le monde. Il sera accompagné de Irisviel von Einzbern et de Saber mais on retrouve le père de Rin, de Sakura et même quelques personnages de la série de 2006.   Je vais être direct, c’est une tuerie ! Cette série est beaucoup plus sombre et mature que l’original, on suit littéralement des psychopathes qui se moquent royalement de tuer des civiles….c’est comme une désacralisation de la série originale :          - Emiya Shiro était Naif ? Kiritsugu est son opposé : Froid, Calculateur, traite Saber comme une sous-merde, trompe sa femme avec une autre et est prêt à exploser un immeuble pour tuer un gars alors qu’il y a du monde dedans !           - L’animation était pas top ? Il est magnifique dans cette série et est même une claque graphique !           - L’intrigue était pas trop claire ? En plus de faire une intrigue haletant avec des trahisons et des retournement de situation, d’expliquer les motivations de chaque personnages, il se paie le luxe d’expliquer les trous scénaristiques de la série de 2006 !             - L’animé de 2006 était mou ? Lui ne l’est clairement pas, c’est captivant !   Son seul défaut serait un épisode un peu fan-service avec l’épisode qui explique comment Rin est devenu une Tsundere...c’était nécessaire ? On notera aussi quelques lenteurs scénaristiques mais franchement, c’est rien comparé à d’autres séries.   Fate/Zero est pour moi, celui qui a sauvé la licence Fate/Stay Night en animé !          Unlimited Blade Works (2010/2014)   2ième route du jeu qui a bénéficié d’une double adaptations : Un film en 2010 et une série de 2 saisons en 2014. Le studio Deen s’est occupé du film tandis que le studio ufotable s’est occupé de la série, dans les 2 cas, c’est du bon !   L’intrigue reprend celui de Fate/Stay Night mais on y suit plus Rin et Archer qui sont très développés. Le scénario est très différent et Shiro apprend vraiment à se battre et à s’affirmer, ce n’est plus le mec énervant de la 1er série.   J’ai beaucoup apprécié le film, le studio Deen s’est amélioré dans l’écriture malgré qu’il va très vite (normal pour un film) et qu’il ont toujours un petit retard pour ce qui est de l’animation mais à part ça, c’est du bon ! Pour ce qui est de la série….je n’ai vu que les premiers épisodes mais je peux vous dire qu’il reprend les qualités de Fate/Zero, si ce n’est qu’il est un peu plus lent que ce dernier et que l’intrigue prend son temps pour démarré et rabâché encore et encore les règles de la Guerre du Saint Graal. Cette ‘arc’ est un peu plus violent et mature que la 1er série.       Faut-il voir le film ou la série ? Ça dépend de comment vous voulez approfondir l’univers. Personnellement, vous pouvez vous contenter du film qui résume bien l’arc mais si vous voulez approfondir la chose, la série est faite pour vous, tout ça pour dire que vous avez le choix.   Rin est l'héroïne de Cette arc et permet d'en apprendre plus sur Archer !             Heaven’s Feel (2019)   On arrive enfin à la dernier route du jeu, qui plus est mon préféré car il est vraiment mature ! Si vous n’avez pas vu toutes les séries précédentes, il est impossible de regarder cette trilogie de film dont le 3ième opus sort au Printemps 2020 car il spoile méchamment Fate/Zero.   Les films sont fait par le studio ufotable. Oui il s’agit d’une trilogie de film qui va reprend l’intrigue de la série originale mais cette fois-ci, on va suivre Sakura et connaître son lourd passé.   Le 1er film s’appelle presage flower et est plutôt classique dans la tradition des Fate/Stay Night, si ce n’est que tout repose sur une sorte d’enquête pour savoir : Qu’est-ce que cette chose qui bouffe les gens et massacre les antagonistes en 2 secondes ! Le personnage d’Assassin est aussi au centre de l’intrigue vu qu’il semble être l’allié de cette chose.   Parmi ce merdier (excusez-moi du mot) Shiro va avoir pour but de protéger Sakura et de finir rapidement cette guerre pour qu’elle puisse vivre sa routine à nouveau….mais ça risque d’être plus compliqué que prévu. Le 1er film explique surtout la relation entre Sakura et Shiro. Autant vous dire que ça fessait longtemps que j’avais envie de savoir pourquoi elle passe son temps à faire le ménage chez lui plutôt que de vivre chez elle. On comprend très vite qu’il y a une histoire d’amour entre ces deux là, surtout de la part de Sakura parce que lui...euh….j’ai l’impression qui dit oui par opportunisme, si vous voyez ce que je veux dire.   C’est rigolo que je fasse ce sous-entendu car ça m’amène au second film lost butterfly  qui traite….du sexe. Je vois sur internet que ce film à choqué pas mal de monde mais quand on connaît son origine, ça devrai pas trop l’être, pourtant ça l’est !   Pourquoi ? Disons que le thème du sexe est un des sujets principaux du film, peut-être même plus que la guerre du Saint Graal. Cependant, c’est surtout que la scène de l’échange de mana en aura marqué plus d’un. Ah oui ! Je ne vous ai pas parler de l’échange de mana entre un Master et un Servant, qui, dans le jeu original consiste à « exciter » le Servant pour retrouver du mana ou pour être plus direct : couchez avec le Servant (d’où les scènes Hentai dans le jeu). Dans les séries précédents, ils ont trouvés des moyens de contourné cela, même si, avouons-le, c’était ridicule :            -  Pour Saber, Shiro était torse nu et au dessus d'elle mais avec beaucoup de distance             - Pour Rin, il était torse nu et il devait affronter son esprit intérieur pendant que Rin lance un sort.     Et pour Sakura alors ? Ils couchent ensemble, oui, le film reprend le jeu sans pour autant être du Hentai mais ça a suffit pour choqué quelques-uns.     Ce qui est intéressant, c’est qu’ils ont joué sur l’image de Sakura à travers les séries. On la voit toujours humble, droite et pure alors que le film révèle plutôt qu’elle est « une vilaine fille ». Le film à très peu de combat mais ils sont violents et magnifiques (de même pour la mise en scène), sans oublier que le film a un petit côté morbide.     À part ça, les films sont géniaux : Le film est très très beau, possède un bon rythme, ne perd plus son temps à expliqué ce que tout le monde sait….une trilogie de film plutôt pour les fans que pour les petits nouveaux qui risque de ne rien comprendre. Je dirais que le 2ième film (lost butterfly) est mon préféré car il s’éloigne vraiment de ce que la série fait habituellement et que je suis très impatient de voir le dernier film.   Sakura, ca va ? Parce que je te trouve….différente.           Conclusion   Que ce fût éreintant mais passionnant de vous parler de Fate Stay/Night ! Je n’ai finalement fait que de parler de la série principale sans mentionner les spin-off ou le très drôle Carnaval Phantasme, mais ça aurait pris trop de temps. Alors faut-il voir tout ce que j’ai mentionné ? Si on met de côté la série de 2006, ce n’est que du bon ! Je vous conseillerai de regarder les séries dans l’ordre de parution de l’article mais si la série de 2006 vous fait peur, sachez que le manga de Dat Nishiwaki est un très bon compromis pour apprécié l’arc « Fate » et tout savoir sur Saber (attention, tout les séries mentionnés y sont aussi adaptés en manga, ne vous mélangez pas les pinceaux 😉 )   Pour ma Part, je suis assez fan de Fate/Stay Night et le plus drôle c'est grâce à l'animé de 2006 ! J'ai vu un potentiel dans cette animé et quand on voit l'évolution de la série, je ne peut que m'en rendre compte que je n'avais pas tort. Si ça vous a donner envie de vous y mettre, sachez que c'est un voyage que vous ne regretterai pas !  
DrunkenPenPen

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Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance

Alors qu’Evangelion: Final commence à pointer le bout de son nez avec des trailers et sortira en 2020, je reprend ma petite rétrospective sur Rebuild Of Evangelion avec le 2ième film de la quadrilogie : Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance sortie en 2009, soit 2 ans après le 1er film. Comme le précédant film, il a gagné pas mal de prix mais il fût un des plus gros succès au box office de l’année, rapportant 40 millions de dollars de bénéfice, soit le triple du 1er film ! Mais est-ce que le film à mis tout le monde d’accord ? Vous allez voir que ce n’est pas évident…   Affiche Française du film dans sa version 2.22     Avant de commencer cette article, j’ai une pensée pour le studio Kyoto Animation (KyoAni) qui a pris feu le 18 Juillet dernier, provoquant 35 morts dont Yasuhiro Takemoto, le réalisateur de La Mélancolie de Haruhi Suzumiya. Cette incendie fût provoqué par un homme déséquilibré pour une histoire de plagiat d’un de ces romans. Ce sont avant tout des vies humaines détruits et brisées, des familles endeuillées, des projets dont on aura perdu le travaille et des projets qui n’aboutirons jamais. C’est un accident rare dans le monde de l’animation Japonaise et il était important pour moi d’en dire un petit mot. Cela ne changera en rien mon avis sur le film et je vous souhaite une bonne lecture malgré tout !             Evangelion épisode 2 : Asuka Contre-Attaque !   c’est toujours le studio Khara qui s’occupe de ce remake et on retrouve la même équipe que le précédant, à savoir Masayuki et Kazuya Tsutumaki en tant que réalisateurs et Hideaki Anno qui supervise le tout. ce film est celui qui a le plus de succès et il est également le plus long des trois films. Le synopsie du film est la suivante : Shinji continue de se battre contre les anges avec Rei Ayanami mais une nouvelle pilote arrive pour leur donner un coup de main et il s’agit d’Asuka Langley Shikinami. Pendant ce temps, le Plan de Complémentarité continue de se préparer dans l’ombre.   C’est un résumé flou mais il faut comprendre qu’il se passe beaucoup de chose dans ce film est que le spoiler arrive vite et que contrairement au dos du DVD, je ne balance pas les 20 dernières minutes ! Ne lisez surtout pas le dos du boîtier du DVD avant d'avoir vu le film !   Pour une fois, je vais vous épargner les détails techniques car ce sont les mêmes que le précédant film, c’est à dire qu’il est beau mais qu’il a un peu mal vieillit. Je vais plutôt m’attarder sur les points du film.   Le Saviez-Vous ? Toi jeune homme, tu deviendras une légende !   C'est quand même dingue que j'arrive à vous bassiné avec Evangelion sans que je n'ai jamais mentionné une seule fois l'Opening ! "A Cruel Angel's Thesis" est l'opening le plus chanté dans les karaokés au Japon….en 2019 ! Depuis 1995, les japonais l'a chantent et la connaissent par cœur, c'est un peu l'équivalent de "Nuit de folie" de Début de soirée ou "L'aventurier" d'Indochine (ou tout autre titre de ce style) à la différence que c'est un générique d'une série. Mais la vrai anecdote, c'est qu'en réalité, si on met pause à chaque image dans l'opening lors du refrain, on se rend compte qu'on se fait spoiler sur plein de chose ! Par exemple, on voit Kaworu sur un fond rouge mais ça va tellement vite qu'on le voit pas à l'œil nu (sauf si vous faite très très attention)   Je ne peux pas vous laisser sans mettre l'opening !     D’abord, contrairement au 1er film, il ne s’agit pas d’un film qui prend pour base la série pour ce qui est des plans. On a donc droit à une nouvelle mise en scène mais aussi de nouvelles scènes vraiment inédit à la série. On assiste littéralement à une relecture de la série et on ressent bien une prise de risque sur la série, ce qui en fait un très bon point car le film a bien plus d’intérêt que de simplement revoir l’univers de la série en plus beau.   Cependant, le film n’oublie pas ses racines et même si les évènements de ce film sont très différents, il y reste encore quelques scènes pris directement de la série mais dans un contexte différent mais surtout dans un dénouement différent. L’exemple pour illustrer mon propos est la très célèbre scène de l’ascenseur. Rei et Asuka, les protagonistes de la série se retrouve dans un ascenseur et finissent par se disputer. Contrairement à la série où Asuka finit par gifler Rei et part en pleurant, cette fois-ci, Rei se défend en prenant la main d’Asuka qui allait la gifler. J’ai toujours interprété cette scène comme une manière de dire au spectateurs : « Vous ne vous y attendait pas, Hein ? » Cette esprit se retrouve durant tout le film et en fait le point fort du film.   La vengeance est un repas qui se mange froid, Rei a attendu 14 ans pour ce moment !   Parmi les changements, on notera une psychologie différent des personnages : Shinji est beaucoup plus à l’aise malgré qu’il trouve difficilement sa place, Asuka est moins marquée par ses blessures psychologiques et Rei est plus sociale qu’avant mais je reviendrai sur ces points un peu plus tard. On notera aussi que malgré la présence de nouveaux personnages dans l’intrigue (Kaji par exemple), ils restent très en arrière et font plus figure de Fan-Service qu’autre chose.   D’ailleurs, en parlant de Fan-Service, ceci est vraiment de retour dans l’univers d’Hideaki Anno qui était une véritable marque de fabrique de l’ère Gainax. J’ai toujours considéré qu’Evangelion n’avait quasiment aucun fan-service ou du moins très peu, contrairement à ce que l’on entend beaucoup. Oui, le fait par exemple que Rei soit nue dans certaines scènes montre une volonté de fan-service mais si vous vous rappeler de la scène où Shinji est dans l’appartement de Rei dans le 1er film, il est beaucoup plus question de la relation entre ces deux personnages, surtout quand on a vu la série. S’il y a un propos, il n’y a pas de Fan-Servie selon moi !   Par contre, dans ce film, le Fan-Service est là, il s’est permis d’entrer sans frapper, de se servir une bonne bière bien fraîche et de vous rappeler que ça faisait longtemps que vous ne l’avez pas invité chez vous. Il est sans gêne mais c’est un bon copain, à condition qu’il n’abuse pas de votre hospitalité. Ici, c’est pas trop abusé et puis quelques blagues un peu fripon, ça ne peut pas faire de mal.   L’exemple parfait est la scène où Asuka est prise au dépourvue par PenPen (le pingouin, pas moi) en allant prendre son bain et qu’on nous ressert la même blague que le 1er film, sauf qu’ici, il a Shinji qui est aussi présent !   Pourquoi ce retour au Fan-Service alors que la série originale en possède très peu ? Je pense qu’il faut voir ça comme un hommage de l’ère Gainax avec des animés comme Nadia ou Gunbuster qui possède ce même type d' humour….normal de la part du même auteur !   D’ailleurs, cette hommage ne se limite pas à de la Gainax Bounce car on retrouve l’ost de Nadia dans le film et même apparemment l’ost de Kare Kano (Entre Elle Et Lui) mais cette série reprenait déjà l’ost d’Evangelion. Sans compter encore les fameuses annonces à la fin des films qui rappelle les annonces des fins d’épisodes des animes de la Gainax dont  la fameuse fausse promesse de Misato de se mettre à nu.   Un dernier point fort du film est son rythme frénétique comparé au 1er film . Il y a le double des combats du 1er film sans pour autant négliger les scènes quotidiennes et les petits soucis de la vie qui gagnerons aussi en rythme. Le film à vraiment été conçu pour que le spectateur ne s’ennuie pas une seule seconde.   Le Fan-Service est beaucoup plus présent qu'avant mais ça reste bonne enfant !                  Le Third Impact, Le Jugement dernier   Malheureusement, si tout semble aller dans le meilleurs des mondes, le film possède des défauts….. et pas des petits.   Le premier gros problème du film est qu'il va vite, beaucoup trop vite ! Là où le 1er film était plutôt juste dans son rythme, celui- ci a tendance à dire : « On n’a pas le temps ! » (à dire avec un air de panique)   Pourquoi avoir fait un tel rythme ? La réponse se trouve dans la position du film par rapport à la série. Si le 1er film résume les 6 premiers épisodes tranquillement, le second doit se farcir le résumé de l’épisode 8 à 19, soit deux bon gros quart de la série à lui tout seul ! Par conséquence, on ne peut pas tout montrer et on rate beaucoup de chose, non pas dans l’intrigue car il tente de s’en éloigner mais plutôt dans les thématiques et plus particulièrement dans l’approfondissement de ces thématiques, mais il y a pire !   J’avais toujours tendance à contextualisé les films par rapport au relation de Shinji avec d’autres personnages : le 1er film concerne la relation Shinji/ Misato et Rei, le second film avec Asuka et le 3ième concernera Kaworu. En faite, il ne faut pas penser comme ça, parce qu’en réalité le 1er film traite de la relation Shinji/Rei, le second film traite  dela relation Shinji/Rei (malgré Asuka), quand au dernier, on traite la relation de Shinji et de Kaoworu… non je déconne, c’est encore et toujours la petite Rei !   Hideaki Anno a vraiment misé sur Rei, au grand détriment d’Asuka et de tout les autres, probablement parce que dans la série original, on voit plus Asuka que Rei. Je pense que l'auteur a voulu rééquilibré les choses.   Vous avez bien lu, Asuka est très peu mise en avant et est même très peu développée, au point qu’elle est éjectée à la moitié du film alors qu’elle est l’une des protagoniste de la série ! Si vous n’avez pas vu la série, vous n’allez pas comprendre grand chose au personnage d’Asuka, voire la trouver énervante car trop prétentieuse. Le film se contente uniquement de quelques clins d’œils sur le personnage (la poupée présent au second plan par exemple) et d’un petit dialogue avec Misato, là où justement Rei dans le 1er film est beaucoup plus développée mais je reviendrais sur notre chouchoute.   Désolé Asuka mais tu n'est pas la star du film !   Si Asuka n’a pas eu droit à son développement, ce n’est pas le plus gros problème du personnage. Le vrai problème est la volonté d’en dire un maximum mais avec très peu de temps, donnant l’étrange sensation pour un novice de passer à côté de l’essence même du personnage et par conséquent, il comprendra a moitié, comme le film a tendance à expliquer à moitié.   L’exemple le plus frappant est le personnage d’Asuka qui n’existe qu’à travers Shinji (relation Amour/Haine) et à travers Rei (Rivale) mais pour ce qui est du personnage, de son histoire et de sa psychologie...il n’y a pas grand-chose, pour ne pas dire rien !   Du coup, on se retrouve avec un personnage « forte » et qui au bout de 10 minutes, se retrouve à déprimer au point d’être dans le lit de Shinji pour ne pas dormir seule la nuit. Le pire, c’est qu’ils se partagent très peu de mot et que le tout est plié en 10 minutes….c’est un peu rapide, non ?   Il aurait fallut plus de temps pour exploiter cette relation et surtout le personnage d’Asuka plutôt que de dire : « Regarder la Série pour comprendre le personnage ». Pourquoi s’être embêté d’approfondir les autres personnages comme Misato ou Rei et ne rien faire avec Asuka ? C’est un choix que je ne comprend pas.   Vous savez qu’est-ce qui est pire qu’un protagoniste qui est peu développé ? Une nouvelle protagoniste qui n’est absolument pas développée ! Mesdames et Messieurs, je vous présente Mari ! Si vous êtes novice à l’univers d’Evangelion, Mari est un personnage qui a été créée pour le remake et ne figure pas dans la série originale.   « C’est une bonne chose ! » me direz-vous mais le problème du personnage est qu’elle n’a pas d’Histoire, de passé, de développement, de relation avec un autre personnage ! Et le pire, c’est qu’on la voit assez souvent, peut-être même plus qu’Asuka.   On aura la sensation d’un personnage qui fait sa petite scène et qui partira sans prévenir jusqu’à sa prochaine apparition. En faite, Mari est vraiment à part dans l’intrigue vu que les autres personnages ne la croise même pas...étrange.   Par conséquent, on se retrouve avec un personnage qui ne sert à rien, qui n’a pas de développement, qui n’apporte rien à l’univers du manga et fait plus office de remplaçante d’Asuka. Je n’ai rien contre ce personnage mais pourquoi créer un personnage qui va rester un certain temps à l’écran, pour ne rien en faire ? Encore un choix incompréhensible parce qu’Asuka aurait bien pût faire ce que Mari fait !     Je pense que le but de ce personnage est le Fan-Service (c’est sa seule utilité) et qu’il y a un but commercial pour attirer du monde, cependant, je trouve que c'était inutile parce que c’est Evangelion ! les gens aurait été quand même voir le film ! Ils ont voulu aussi en faire un personnage Cool, ce qui n’est pas tout à fait raté mais s’il y avait eu un développement du personnage, il y aurait eu un rapprochement avec le spectateur et elle aurait pût être vraiment cool, plutôt que d'en donner l'illusion.   En espérant qu’Hideaki Anno en fasse quelque chose avec ce personnage, je garde l’avis que Mari sert à rien….espérant qu'un jour je me trompe.    Mari a tout ce qu'il faut….sauf une histoire !   Ce qui m’amène aussi au problème de l’écriture du film qui n’est pas raté mais manque de puissance dans certaines de ces scènes. Pour faire simple, certaines scènes ne touche pas autant que la série, déjà à cause d’une rapidité du développement de certains personnages (ou de l'absence de développement) mais surtout à cause d’une mise en scène...un peu trop "Too Much".   « Oh la la ! Ça y est Drunken PenPen se prend pour Scorsese » Je vous rassure, je n’en n'ai pas les qualités ! Ce que je veux dire, c’est que le film a tendance à trop en faire alors qu’on a compris qu’il va se passer tels ou tels choses.   L’exemple en tête est le test d’un Eva qui arrive au mauvais moment et aboutira au passage du Dummy System. Beaucoup on critiqué la scène du massacre mais c’est plutôt les deux petites scènes qui ont lieu plus tôt. On vois l’Eva Test transportée vers Neo Tokyo 3, pendant qu’il y a de gros nuages et des éclaires, pas besoin d’être un génie pour comprendre qu’il va y avoir un drame. Cependant, il faut croire que c’était pas assez puisse qu’après, on y voit Mari qui regarde avec un air inquiet les oiseaux qui sont en train de fuir, j’ai toujours envie de dire :« Oui Hideaki Anno, j’avais compris ! ».   Le Saviez-Vous ? Être dominé par moi n'est pas aussi mauvais pour l'orgueil humain que d'être dominé par un autre de votre espèces !   Quand le Dummy System s’active, on entend des choses étranges. En réalité, il s’agit d’une phrase prononcé à l’envers : « To be dominated by me is not as bad for human pride as to be dominated by others of your species » En français : « Être dominé par moi n'est pas aussi mauvais pour l'orgueil humain que d'être dominé par un autre de votre espèces », il s’agit d’une phrase prononcé dans le film Le Cerveau D’Acier (1970) Sacré Référence !   Enfin, le dernier défaut du film est la VF. Cette fois-ci, on a repris le casting de 1995 qui n’était pas top mais depuis le temps, ils ce sont amélioré, non ? Certains acteurs s’en sortent mieux comme Shinji (Donald Reignoux) ou Misato (Laurence Bréheret), on sent qu'ils adorent leurs personnages mais globalement, c’est toujours les mêmes défauts dont la voix monocorde des acteurs.   Mais si je parle de la VF cette fois-ci, c’est parce qu’on a franchit une nouvelle étape dans la connerie puisque maintenant, les acteurs français prononce les suffixes de politesse Japonais (San, Sama, Kun et autre). Vous ne rêver pas, ils dissent tous, sans exceptions, les suffixes de politesse Japonais et avec un accent français bien dégueulasse…. qui est l’imbécile qui à dit que ça serait une bonne idée ?   Je ne sais pas si c’est à cause du doublage du 1er film ou bien s’ils ce sont dit que ça va faire plaisir au fans (qui n'arrête jamais de critiquer le travaille des traducteurs) mais dans tout les cas, c’était une très mauvaise idée. Pourquoi ? Pour la simple raison qu’on ne traduit jamais les suffixes de politesse Japonais ! Ils n'étaient pas au courant ? C'est pourtant leurs métiers !   On ne peut pas traduire les suffixes de politesse Japonais car il n’y a pas d’équivalent en Français, c’est la première fois que j’entends ça dans un animé ! Je pense que c’est prendre les fans d’animés pour des imbéciles et ça montre un cruelle manque de respect à la culture Japonaise, aux gens qui aiment cette culture et à Evangelion (je précise que c’est bien la faute du traducteur et non des doubleurs en soi).   Si vous trouver que c'est deux plan sont trop "Too Much", vous n'avez pas vraiment tort !                        Devine qui vient dîner ce soir !   Il y a quelque chose que j’entends très souvent lorsqu’on parle de ce film est que beaucoup de monde n'ont pas apprécié: Rei. Beaucoup l’on trouvée trop expressive et trop sociale. Oui, c’est vrai, elle est beaucoup plus sociale qu’avant et j’ai envie de dire, c’est quoi le problème ?   Il s’agit d’un remake, bien sûr qu’il va y avoir des changements et si vous dite que ça ne respecte pas l’œuvre originale, c’est que vous n’avez pas compris l’intérêt d’un remake.   La Rei du remake n’a aucun rapport avec la Rei de 1995 et encore moins avec celle du manga de Sadamoto. C’est en réalité le cas de tout les personnages ! Asuka par exemple, n’aime pas Kaji (du coup plus de complexe d’Œdipe) et personne n’en n’a fait un plat mais alors Rei fait de la cuisine pour Shinji, c’est un scandale !     C’est pas pour critiquer les fans d’Evangelion, j’en suis moi-même un fan mais il faut savoir accepter les changements car c’est l’intérêt d’un remake, sinon on regarde la série. Tout ça pour dire, que le remake à beaucoup de changement intéressant !     Un seul exemple pour illustrer mon propos : Le rapport à la nourriture et la notion du repas ! Si vous avez vu le film, vous avez probablement remarqué qu’il y a beaucoup de scène de repas et que la nourriture est mise en avant.   Ce n'est pas une blague, il doit y avoir autant de scène de repas que de scène de combat ! (J'adore l'image de droite !)   Il faut savoir qu’Hideaki Anno voit le repas comme un moment de convivialité entre les gens, c’est le moment où ont deviens social, voire qu’on se dévoile. C’était déjà présent dans la série avec Misato qui dit que c’est mieux de prendre un repas à 2 ou encore l’épisode où Misato promet aux pilotes d’aller au resto si ils s’en sortent et finalement, ils vont manger des ramens.   L’aspect social tourne autour du repas dans le film : Shinji qui fait à manger pour Asuka et Rei, Kajin qui drague Misato lors d’une pause déjeuner, Asuka qui tente de faire mieux que Rei en fessant la cuisine, Rei qui cherche à réunir tout le monde autour d’un repas, Gendo qui mange avec Rei à la base ou encore Shinji et ses copains qui mangent une glace.   Ce n’est pas que le fait qu’ils mangent qui les réunis, c’est aussi les dialogues qui en découle comme le fait qu’un homme puisse faire à manger (l’évolution de la société), la place du véganisme (l'auteur étant lui-même végan) ou la tentative de réconcilié Shinji et son père, etc.…   Pour conclure le sujet, il y a cette scène où Rei apprend qu’il s’est passé quelque chose lors du test d’un Eva et que par conséquent son repas est annulée. C’est une scène qui m’avais marqué car tout ce fait sans dialogue mais surtout il y a ce plan où on voit le repas qui crame sur le fourneau et la table qui était préparée, symbolisant l’incapacité de se sociabilisé, je trouve ce moment très fort….dommage qu’ils n’y en n’a pas d’autres scène de cette trempe.   J’aurais voulu parler de plus de chose comme d’habitude mais ça ne serait plus un article mais un livre !   J'ai toujours trouvé cette scène forte, on montre en réalité une succession de drame.            Et si tu fessait une conclusion ? Parce que j'ai mon repas qui attend dans le four   Alors oui, Evangelion 2,02 divise les fans ! Certains le trouve trop en décalage avec la série, d’autres dirons qu’il ne respecte rien. Le principal problème du film selon moi viens avant tout de son rythme trop frénétique et d’un problème autour des thèmes qui sont trop nombreux et pas assez développés, Il y a aussi le problème de Mari mais malgré tout, est-ce qu’on a passé un mauvais moment ? Non !   Le film est accrocheur malgré ces défauts, il est intéressant et on sent une volonté de revenir aux origines de la Gainax pour le plaisir des fans. Malheureusement, il y a eu de la maladresse mais on sent que le film a été fait avec le cœur.   Alors arrêtons de critiquer Rei parce qu’elle est trop sociale ou qu’Asuka n’aurait pas agit de tel façon parce que c’est un remake mais surtout un super film dont je m’en lasse pas de le revoir.   Je donne la sensation de l’avoir descendu mais il reste mon film préféré de la quadrilogie et je vous le recommande mais il est préférable de regarder la série avant (et le 1er film, ça va de soi) pour vraiment apprécier ce film.     je vous laisse avec le trailer du 3ième film dont j’ai tellement hâte de vous en parler.      
DrunkenPenPen

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Perfect Blue

Je m’en souviens comme si c’était hier, à une époque où internet n’était pas à la porté de tous, Je lisais des magazines de jeux-vidéo comme tout les garçons de mon âge. C’était un magazine sur la PS2 (alors que je n’avais pas de PS2), et c’était le jeu Resident Evil Outbreak qui fessait la couverture du PSM2 numéro 25. J’aimais beaucoup le lire à l’époque et comme très souvent dans ce genre de magazine, il y avait une rubrique cinéma et sortie DVD, et c’est là que j’en ai entendu parler pour la première fois. La couverture de ce DVD m’attirais, je ne savais pas trop pourquoi, l’image qui accompagnée le petit article sur ce film restera gravé dans ma mémoire : On y voyais l’héroïne, le visage en sang. La seule chose que je me souviens de l’article était qu’il fallait voir ce film ainsi que son nom : Perfect Blue. Malheureusement, je ne l’ai jamais vu à l’époque pour la simple et bonne raison que je n’étais pas très cinéphile étant enfant. Je ne suis jamais tomber sur ce DVD non plus et j’ai fini par l’oublier. Bien des années plus tard, quand internet c’est démocratisé, je suis tombé par hasard sur ce film sur Dailymotion et j’ai enfin pu le regarder, puis très récemment, je me suis pris le DVD. L’attente Valait le coût ? C’est ce qu’on va voir….   à gauche, l'affiche du DVD que je parle dans l'intro et à gauche l'affiche du film remasterisé                   ...Car Une Occasion Se Présentera, Et L’Ange De L’Amour Te Sourira   Perfect Blue est un film sorti en 1997 par le réalisateur Satoshi Kon dont c’était son premier film. Il est connu pour d’autre films comme Millennium Actress (2001) ou encore Paprika (2006). Il était l’Assistant de Katsuhiro Ōtomo sur le manga Akira puis travaillera dans l’animation avec Mamoru Oshii sur le film Patlabor 2 . Cependant, Satoshi Kon voulait faire des films à lui tout seul et on lui donna sa chance en 1997 pour le film Perfect Blue, tiré d'un roman de Yoshikazu Takeuchi.   Le projet de base était que Perfect Blue soit un OVA de 30 minutes et soit une adaptation fidèle du roman mais finalement cela sera un film de 1H10 diffusé dans les salles de cinéma. Le problème du projet était le scénario du roman qui ne plaisait pas à Satoshi Kon et qui, d’après plusieurs critiques sur internet, le roman serait une purge. Satoshi Kon a alors réécrit le scénario pour son film avec Sadayuki Murai (Steamboy) mais à la condition qu’il doit y avoir les thèmes de l’Idole, de L’horreur et du Stalker, choses qui sera respectés et il ajoutera même sa marque de fabrique. Il faut savoir aussi que Satoshi Kon a supervisé le film mais il en est aussi le character-Desing et scénariste, c’est pour dire à quel point il s’était impliqué dans ce film.   Le studio en charge de l’animation est le studio Madhouse, studio très connu pour ses films comme Ninja Scroll ou Summer Wars, mais aussi pour ces séries comme Trigun, Death Note ou le remake de HunterXHunter.   Le Film connu un immense succès et est considéré aujourd’hui encore comme culte. Le film s’exporta chez nous en 1999 et à contribué à la place de l’animation Japonaise dans le cinéma Occidental, au même titre qu’Akira ou Ghost In The Shell.   Satoshi Kon en photo avec un bout de l'affiche Japonaise de Perfect Blue                Elle Se Métamorphose Devant La Caméra !   L’intrigue du film raconte l’histoire de Mima, une chanteuse et Idole de J-Pop, qui quitte son groupe pour se reconvertir dans le cinéma et la Télévision en tant qu’actrice. Alors que ses managers lui ont trouvés un petit rôle dans la série Double Bind, un thriller policier, Mima se sent de plus en plus observée et reçoit plusieurs menaces qui vont s’avérer être dangereuses, le tout en subissant des critiques de ces anciens fans. Commence alors une longue descente aux enfers.   Je suis très content de pouvoir enfin parler de ce film pour tout d’abord, le vécu que j’ai eu par rapport au visionnage tardif mais aussi parce qu’il a beaucoup de chose à dire.   D’abord, il faut absolument que je vous parle du style de Satoshi Kon. Dans tout ses films, il est question de la frontière entre la réalité et l'irréel, frontière qui est systématiquement brouillée pour ses personnages. Cela ne date pas de Perfect Blue, il avait déjà testé ce thème dans Magnetic Rose, un segment du film Memories. Pour expliquer en profondeur ce concept, il faut imaginer que le personnage principale ne sait plus si ce qu’il vit est réel ou si c’est un rôle qu’il joue dans un film par exemple. Ce genre de délire est la marque de fabrique de Satoshi Kon. Dans le cas de Perfect Blue, Mima ne sais plus si ce qu’elle vit est l’intrigue du film (Perfect Blue) ou si c’est son rôle dans Double Bind, la série dans le film Perfect Blue.     Mima, notre héroïne qui ne sais rien encore de ce qui va lui arriver !     Le génie de Satoshi Kon ne se limite pas à cette frontière entre le réel et l’irréel constamment brouillée mais aussi à la mise en abîme du cinéma dans son cinéma. Cela renforce encore plus cette frontière du réel/Irréel mais plus uniquement envers son personnage, mais aussi envers le spectateurs ! On ne sais jamais si on parle de l’intrigue de Pefect Blue ou de l’intrigue de la série dans le film parce que Satoshi Kon s’amuse à tout mélanger.   Vous pouvez vous dire : « Mais comment regarder et apprécier un film si on est toujours perdu dans l’intrigue ? » et c’est là la différence entre un bon et un mauvais film dans ce style, les deux intrigues du film (la série et l’intrigue du film) ont des similarités qui fait qu’on est perdus mais jamais abandonnés par le film. Il y a toujours un lien entre les deux intrigues qui fait que le spectateur ne décroche pas et Satoshi Kon le fait très bien dans ces films ! Millénium Actress, le second film du réalisateur reprend ce même concept sauf que c’est une autobiographie fictif.   Pour en revenir à la mise en abyme du cinéma dans le cinéma, Satoshi Kon est un fou de cinéma et il s’amuse beaucoup à montrer les derrières d’un film dans un film...marrant, non ? Dans Perfect Blue, on montre très souvent que les personnages de la série, sont avant tout des acteurs et les acteurs sont avant tout des personnes avec leurs caractères. Par exemple, Eri Ochiai, l’actrice principale de la série se métamorphose devant la caméra, puis redeviens elle-même quand la scène est finie. La frontière entre l’acteur et la personne renforce le thème de la réalité subjectif dans le film, et si pour vous, cela semble un peu compliqué à comprendre, lors du visionnage, tout va paraître plus claire.   Le Saviez-Vous ? Les scènes supprimées.   Des scènes ont été enlevés du film car elles avaient pour vocation de mieux expliquer au spectateurs si c’était la vraie Mima ou son double, mais le réalisateur à préféré de ne pas les mettres. En faite, le réalisateur pense qu’il a été « trop gentil » avec le spectateur et aurait voulu encore plus les « gênés » ....ça change de Mamoru Oshii 😆  Les scènes en question n'apportaient pas grand chose à l'intrigue, c'était surtout une question de détail.      Après avoir vu que Satoshi Kon maîtrise la réalité subjectif, il est temps de voir l’ambiance du film. Autant vous le dire tout de suite, il n’est pas à mettre entre dans tout les mains car le film est mature, et pas qu’un peu… Le film bénéficie d’une ambiance Horrifique mais pas dans le sens d’un film d’horreur traditionnel, bien qu’il en a un petit côté, il est surtout question d’Horreur Psychologique qui va poser  la question de la schizophrénie (un peu comme le jeu Heavy Rain).   Un autre point fort du film et qui contribue à l’ambiance horrifique est son OST, Mon dieu, mais quelle OST ! C’est l’une des meilleurs OST que j’ai écouté ! Il en est aussi très étrange car on passe un peu du coq à l’âne. Je m’explique, les premières pistes sont des musiques d' Idoles mais les pistes suivantes sont dans l’horrifique qui aurait eu sa place dans un jeu Silent Hill. Il y a très peu de thème malgré des variantes, mais ce sont des thèmes qu’il faut écouter dans le contexte du film et finalement, les musiques d'idoles deviennent horrifiques à certains moments du film.   Je vous conseille les thèmes « Nightmare » et « Virtual Mima » qui sont excellentes et flippantes, dont voici un extrait :     L’autre aspect du film qui le rend mature est sa nudité. Vous allez rire mais je n’avais que très peu de souvenir de la nudité dans le film alors qu’elle est très présente. Attention ! Il n’est pas question de Fan-Service et de Hentai dans ce film, mais la nudité dans ce film est quand même….directe on va dire. Je ne vais pas vous mentir, on voit toute les parties et j’ai bien dit TOUTES les parties de Mima….Non mais attendez, j’ai pas fini mon article ! Ce qui est choquant dans ces scènes, c’est le réalisme du film parce que ce que je n’ai pas dit, c’est qu’il y a des scènes de Viols en plus des scènes de nudités mais j’y reviendrai car elles méritent qu’on s’y attardent, Bande de Pervers !   On y retrouve des thèmes comme le Harcèlement, le Cyberharcèlement, le rapport entre les individus et la notion de célébrité mais aussi l’usurpation de l’identité. Alors oui, vous allez bien rigoler quand l’héroïne galère à utiliser son Macintosh et qu’elle ne sais pas ce qu’est Internet mais je vous rappelle qu’on est en 1997, Tout le monde n’avais pas Internet. Cependant, le Cyberharcèlement était bien là, le réalisateur avais vu juste !   La douleur de Mima vis à vis de sa carrière d'actrice est monter visuellement  plutôt qu'exprimer par son personnage !                  Tu Ne Pourra Plus Jamais Revenir Dans La Lumière     La grande question qu’on peut se poser est qu’elle est le véritable sujet du film ? Je pense que le film traite plusieurs sujets.   D’abord, Le grand message du film concerne la quête de l’identité et l’affirmation de soi. Mima est une fille qui n’a pas confiance en elle. Dès le début du film, quand ces managers se disputent pour la carrière de Mima et qu’elle est là, plantée entre les deux, sans avoir son mot à dire. On peut se demander, si cette reconversion en tant qu’actrice est-elle vraiment son propre choix, ou si un de ses managers l’a un peu (beaucoup) poussé. Après tout, l'un d'entre eux pense que la carrière de Mima en tant qu’Idole, ne rapporte pas assez d’argent.   D’ailleurs, Mima à deux manager : Tadokoro, un Homme qui veut qu’elle deviennent actrice et Rumi, une ancienne Idole qui se fait beaucoup de soucis pour Mima et est pessimiste dans ce nouveaux choix de carrière. Cette ‘rivalité’ entre ces deux personnages montre très bien le conflit qui règne chez Mima car elle est en réalité partagée entre le fait de restée une idole et de devenir une actrice. la véritable raison de ce changement de carrière est probablement une volonté de s’affirmer dans ce monde, de ne plus être une gamine.   Pour expliquer tout ça, il faut que je vous parle des Idoles au Japon. Pour faire rapide, ce sont très souvent des Girls-Band ou des Boys-Band qui chantent des chansons d’amour et d’espoir, le tout en étant costumées et en dansant. Ce sont des adolescentes, voire des enfants, sélectionnée selon leurs âge, poids etc.... Elles doivent respectées un certain code comme le fait de ne pas avoir de petit copain, donc pas de relation sexuelle ; D’être souriante et d’être... parfaite, en faite. Elles attirent un certain public mais leurs musiques ne sont pas toujours considérées comme de la vrai musique et l’idée qu’elles sont parfaites, donne un côté dérangeant, voire malsain. Il y a déjà eu des scandales sexuelles entre les managers et leurs ‘Clientes’ et je crois même avoir déjà entendu des histoires de pédophilies dans ce milieu...c’est pas un univers si joyeux.     Exemple de l'idole J-Pop, pris directement dans le film     Pour Mima, quitter ce milieu serait un moyen d’être enfin un adulte mais le problème, c’est que son image d’idole ne va pas l’aider. Ce qui m’amène à la nudité et surtout à la fausse scène de viol. Je vais m’attarder sur cette scène car il montre tout le génie du réalisateur.   D’abord, remettons-nous dans le contexte. Mima se retrouve dans un rôle qui ne lui porte que très peu d’importance et qui, pour gagner en popularité, doit jouer une scène de viol. Elle finit par accepter ce rôle mais dès la scène suivante, Mima se fait surprendre par son reflet dans le train, qui ne veux pas jouer cette scène. Arrive donc cette scène, qui comme je vous rappelle, ne sort pas de nul part. La scène est coupé 2 fois, une fois pour changer de plan et une autre fois pour une erreur d’un acteur avec sa braguette (Clap, Clap 😅). Il y a même un moment où un des acteurs s’excuse auprès de Mima entre deux prises de scènes. On pourrait se dire : « Bah ! Ta scène n’est pas si choquante » sauf que si... elle est choquante malgré qu’on nous montre sans cesse que c’est du cinéma !   Pourquoi ? Le fait qu’aucun club n’a voulu ouvrir leurs portes pour faire cette scène ; qu’il y a la présence d’un public qui ont tous un grand sourire ; que le réalisateur dit sans gêne que Mima « n’était pas une popstar pour rien » ; Le regard inquiet de Mima avant de jouer cette scène; L’ambiance claustrophobe avec tout ses hommes autour de Mima et surtout que ses managers regarde  sans pouvoir rien faire, que l’un d’entre eux fond en larme et part sur le champs…..etc   Mima avant sa scène, donnant l'impression d'une mise à mort pour elle. Elle réalise qu'il n'y aura pas de marche arrière !     Mais le plus important, c’est qu’en faite cette scène de viol est en réalité une vrai scène de viol, mais pas comme on le crois. C’est l’esprit de Mima qui en est affectée et non son corps. Le fait qu’elle doit « vendre son corps » pour être accepté en tant qu’actrice mais surtout en tant qu’adulte montre un passage de l'enfance à l'adulte très brutal, ainsi que les mauvais côtés du cinéma. On pourrait donc dire que le cinéma reflète le monde des adultes qui est un monde sans pitié. Mima à jouer cette scène alors qu’elle ne voulait pas mais comme elle ne sait pas manifestée, elle n’a pas eu le choix de faire cette scène, et dans ce sens, c’est un viol !   Le Saviez-Vous ? Faite entrer les accusées !   J’ai fait une recherche sur la carrière de Jodie Foster parce qu’un des managers à mentionné à moitié son nom dans le film. Il s’avère qu’elle a effectivement jouée une scène de viol dans le film Les Accusés (1988). D’autant qu’il est encore plus intriguant que la scène du viol dans les deux films sont assez similaires dans la mise en scène, c’est probablement une source d’inspiration pour Perfect Blue.   Affiche du film Les Accusés                      Qui êtes-Vous ?   Je voudrai bien prolonger mon analyse sur le film mais ça prendrai beaucoup trop de temps et je serai obligé de spoiler et Perfect Blue est le genre de film qu’on ne spoile pas, on perdrai en intérêt. Si vous voulez-bien, on va parler des défauts de Perfect Blue, la bonne nouvelle, c’est qu’il y en a pas beaucoup.   Commençons avec la VF….qui est très bonne ! On y retrouve beaucoup de doubleur connus comme Marie-Eugénie Maréchal (la voix de Tails dans Sonic X et de Aerith dans FF7 Advent Children), Gérard Rinaldi (membres fondateurs des Charlots et connu pour être Dingo, le professeur Ratigan ou encore Clayton dans les films Disney) ou encore Éric Missoffe (la voix de Sammy dans Scooby-Doo). Vous aurez probablement remarqué qu’aucun des doubleurs ne sont des habitués des Animés et ils s’en sortent bien parce qu’ils ont pris Perfect Blue comme ce qui doit être : Un Film.   « Alors c’est quoi le problème ? », c’est pas le doublage à proprement parlé qui me gêne mais plutôt la traduction. Je trouve que la traduction Française est approximatif comparé à la traduction Vostfr. Par exemple, lors de la scène dans le train, avant que Mima joue la scène de viol, son reflet lui dit en VO : « Moi, Je n’en n’est pas du tout envie », montrant la véritable pensée de Mima. Alors qu’en VF, ça devient « Il n’en n’est pas question ! », qui veux dire la même chose mais c’est plus flou.   Un autre exemple, à un moment dans le film, Mima commence à perdre raison à cause qu’elle est harcelé par des visions de Me-Mania (ou Me-Maniac en VF). Il y a deux scènes similaire qui se suivent , donnant la sensation d’une journée sans fin qui se répète. Ces deux scènes correspond à un 16H chez Mima avec un de ses agents et lors de cette deuxième scène, Mima dit « Rumi, ça fessait longtemps » et son agent lui répond « Qu’est ce que tu racontes ? On s’est vues hier ». Son agent fait référence à la scène précédente où elle est venu chez Mima pour 16H dans la VO. Cependant, dans la VF, son agent lui dit « Tu plaisante ? J’ai passée tout l’après midi hier avec toi sur le plateau ». Ici, il s’agit clairement d’une erreur car son agent fait référence à la scène où Mima joue une scène, qui entrecoupe les deux scènes du 16H, Or dans la VO, ce n’est pas une référence à cette scène !   Me-Mania est un personnage qui fait froid dans le dos et qui apparait un peu comme Jason !   Tout ça pour dire que l’approximation de la VF créer des erreurs d’interprétations, en plus d’être flou. J’ai noté aussi que la VF a tendance à adoucir le film en enlevant la vulgarité ou en limitant certain aspect malsains de certains personnages. Par exemple, Mima est seule dans son bain et au lieu de dire « Salaud ! » en VO, elle dit « Assez ! » en VF. Les deux versions se valent mais je vous conseille quand même de le regarder en VO pour mieux comprendre le propos du film.       Le Saviez-Vous ? Requiem For Mima.   Savez vous qu’elle est le point commun entre les films Perfect Blue et Requiem For A Dream ? Ils ont tout les deux une scène identique, celui où un personnage féminin est dans son bain. Il faut savoir que le réalisateur de Requiem For A Dream, Darren Aronofsky, est plutôt fan de Perfect Blue, au point qu’il a acheter les droits d'exploitation américains du film pour recréer cette scène dans son film, scène qui dure…. 12 secondes !   Ah oui ! Si vous n'avez jamais vu Requiem For A Dream, il n'est jamais trop tard car c'est un must see ! D'ailleurs, le film Black Swan du même réalisateur reprend un peu le même concept que Perfect Blue.   Voici la vidéo qui confirme bien cette référence :         L’autre défaut majeur du film est qu’il est un peu trop court, c’est très subjectif je le conçois. Le film ne fait que 1H10 et malgré que le rythme est très bien gérer et qu’on n’a pas cette sensation du « Il faut se dépêcher de raconter l’histoire car on n’a plus le temps », j’aurai aimé qu’il dure un peu plus longtemps. Cependant, je comprend ce choix, si c’est pour avoir 10 minutes de plus et que ça n’apporte rien à la vision du réalisateur, autant resté sur 1H10.   Un dernier défaut concerne la technique, alors non, le film est très bien animé et est toujours regardable mais mon problème c’est qu’il a peut-être un peu vieillit. Je ne sais pas si c’est la remastérisation du DVD mais au début du film, quand les fans de Mima parlent entre eux, on voit les changements de pellicules. Trop flou ? Ce que je veux dire, c’est quand un des personnage parle et qu’il arrête de parler, on voit que le personnage ‘tremble’, typique des vieux films d’animations qu’on remastérise. Bon, ça ne concerne que cette scène car je ne l’ai pas vu dans d’autres scènes et je vous rassure, le film est techniquement beau pour l’époque et n’a pas trop vieillit...c’était juste histoire de chipoter.       Le Saviez-Vous ? Perfect Red ?   Lors de mes recherches sur le film, je suis tombé sur une vidéo concernant l’utilisation de la couleur rouge dans le film. Je n'avais jamais remarqué que la couleur Rouge est autant utilisé dans le film (Objets, Murs, Sang, Couleur d’ambiance etc.). La couleur rouge signifie l’état d’esprit de Mima et tout ce que j’ai un peu près dit dans ma première partie, mais le plus drôle c’est que le film s’appelle Perfect Blue alors que la couleur dominante du film est la couleur rouge, coïncidence ?   Mima, on n'attendait plus que toi !                   Non, je suis la vrai Mima ! (conclusion)   Parfois, je me demande pourquoi je fait des conclusions alors que ça paraît évident : aller voir Perfect Blue ! Si vous êtes amateur d’animation, de Thriller ou même si vous êtes cinéphile et que vous appréciez le 7ième Art….Foncer, il est fait pour vous ! Je pense même que ce film doit être vu au moins une fois pour votre culture générale et ainsi briller en société ! Alors, si vous avez rien prévu comme film pour ce soir, Perfect Blue est un très bon choix. J’aurai pu parler aussi des théories comme la conversation de Mima avec sa mère au téléphone qui serait purement inventée par Mima, mais ce sont des théories. Une dernière petite chose, Satoshi Kon est un réalisateur qui n'est malheureusement plus de ce monde, emporté par un cancer du pancréas en 2010.   Voilà, après avoir dit tout mon amour pour ce film, on reprendra ma petite rétrospective sur Evangelion.    Pour finir, voici l'image que j'avais vu dans le magazine et qui m'avais donné envie d'aller regarder le film.            
DrunkenPenPen

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Evangelion 1.01 You Are (Not) Alone

Il est revenu pour notre plus grand plaisir ! Non, je ne parle pas de moi mais de Neon Genesis Evangelion !  Non, je n’ai pas pété les plombs mais si vous suivez l' actualité manga depuis Novembre dernier, vous savez probablement que la série Evangelion est diffusé pour la première fois en VOD et sur Netflix s’il vous plaît ! (alors plus d’excuses pour ne pas la regarder 😉 )  Pour fêter cette évènement, j’avais hésitez à refaire mon article sur la série car c’était mon 1er article et que comme toute première fois, c'est pas toujours celui qu'on aime le plus.  Cependant, je me suis dit qu’Evangelion possède un univers assez large et qu’en vérité, je n’ai fait que d’érafler le sujet. Après avoir parler de la série et de The End Of Evangelion (je vous conseille d’aller les lire ou relire mais je vous préviens, ça spoil à mort) il était donc normal que je parle du Remake, le fameux Rebuild Of Evangelion. Il s’agit d’une quadrilogie de film dont trois d’entre eux sont déjà sorti et chacun aura droit à son article, parce que je suis un homme généreux et surtout un grand fan !  Cependant, ce remake mérite t-il les éloges que la presse spécialisé lui attribue, disons le mot, trop facilement ? Les fans seront pour une fois d’accord ? Il est temps pour vous de savoir ce que j’en pense.   à gauche, l'affiche cinéma américaine et à droite, l'affiche française (et couverture du DVD)                 Your Own (Not) Personal Jesus !      Attaquons enfin le vif du sujet avec le tout premier film de ce Rebuild Of Evangelion nommé sobrement Evangelion : 1.01 You Are (Not) Alone, sorti le 1er Septembre 2007 dans les salles obscures japonaises. Avant toute chose, il est bon de savoir pourquoi Evangelion a eu droit à son remake ou plutôt pourquoi Hideaki Anno, le créateur original de la série en a t-il décidé ainsi….parce que The End Of Evangelion n’était pas vraiment une lettre d’amour pour ses fans. Selon Wikipédia, Anno aurait regarder la série original en entier l’année d’avant et aurait eu la soudaine envie de vouloir en faire un remake. En vérité, j’avais lu dans un interview (que je ne retrouve plus hélas) que c’est son mariage avec la dessinatrice Moyoko Anno qui l’aurait motivé à refaire un remake, sa situation sociale ayant changé, il voulait refaire la série avec ce regard nouveau sur sa vie. Il y a aussi une seconde raison, toujours dans un interview, Anno a avoué qu’il avait regretté d’avoir fait The End Of Evangelion ou plutôt d’avoir conclue Evangelion de cette manière, personnellement, il ne devrait pas dire ça, c’est un super film ! Pour son auteur, le but du remake est d’inclure des idées de ce qu’il n’avait pas pu faire à cause des contraintes techniques de l'époque.   Rebuild Of Evangelion a été fait par le studio Khara. À ce moment, vous vous êtes peut-être dit :   « Mais ce n’est pas le studio qui a fait la série de base ! »   Et vous avez raison puisque c’était la Gainax qui s’en était occupé. Pourquoi avoir changé de studio ? C’est pas si simple parce qu’il faut revenir en 1998, la Gainax avait à l’époque chargé Anno de s’occuper de l’adaptation de Entre Elle Et Lui de Masami Tsuda. Cette dernière n’avait vraiment pas aimée l’adaptation car il l’avait fait trop psychologique, dénaturant le manga original. Elle a été se plaindre à la Gainax et le studio à soutenue la Mangaka et non Hideaki Anno. À cause ça, il claqua la porte de la Gainax pendant Entre Elle Et Lui, ce qui a été selon moi la plus grosse erreur de la Gainax et marque la fin de « l'âge d’Or » du Studio. Dans le domaine du jeux-vidéo, c’est un peu comme Kojima avec Konami mais à la différence de Kojima, Hideaki Anno est partit avec les droits d’Evangelion, la Gainax doit payé les droits pour vendre leurs marchandises….je m’arrête là car c’est une longue histoire pour ce qui est des droits d’Evangelion.   à droite, Hideaki Anno et à gauche, le très célèbre Hayao Miyazaki, deux très bon copain !   Suite à cela, Anno fonda le studio Khara (qui signifie « Joie » en Grec) et récupéra l’équipe de l’époque pour faire le remake d’Evangelion, toujours en froid avec la Gainax (mais pas forcément avec les auteurs qui travaille pour eux) Un autre point sur Hideaki Anno est que ce film marque son grand retour dans l’animation Japonaise depuis Entre Elle Et Lui, d’où un grand engouement, surtout avec la licence d’Evangelion.   Le Saviez-Vous ? La deuxième série ?   Le projet de base du remake était de faire non pas des films mais une nouvelle série ! La Gainax à cependant refusé que cela se réalise car ils les droits de la série et ils ont très vite compris que si Anno avait fait une nouvelle série, tout le monde aurait abandonné la série originale (pleins de défauts, je vous rappelle) pour la nouvelle, perdant ainsi énormément d’argent. Les droits d’Evangelion, c’est un vrai casse tête !   On y retrouve donc l’équipe originale derrière ce projet : Kazuya Tsurumaki en co-réalisateur du film (FLCL, DieBuster) avec Masayuki (character designer sur Macross Plus), Hideaki Anno n’a fait que de Supervisé le film et en a écrit le scénario. Il y a également Shinji Higuchi au story-board (le film live L'Attaque des Titans...c’était lui), Ikuto Yamashita, Mecha designer des Eva et enfin Yoshiyuki Sadamoto, character Designer de la série original. Bien qu’on retrouve l’équipe original de l’époque, il y a aussi de nombreux jeunes talents qui ont commencés par ce film mais ça sera vraiment sur les deux autres films qu’ils seront plus présent.   Comme dans la série, les combats seront sauvages et sans pitiés        Shinji, monte (ou pas) dans ce putain de robot !   L’intrigue du film reprend les 6 premières épisodes de la série originale : en 2015, des monstres géants descend sur Terre pour vouloir la détruire et seul les Evangelions, des robots géants sont capable de les anéantir pour éviter le Third Impact….La fin du monde, quoi. On suit Shinji, qui viens d’être appelé par son père pour pouvoir piloté les Eva mais il ne sais pas encore ce qu’il lui attend.   Le premier point que je voudrai aborder est l’aspect technique du film. Le film reprend quasiment Plan pour Plan, les plans de la série, vous suivez ? Non ? Pour faire simple, ils ont repris les plans originaux de la série pour les remettre au goût de l’époque. On pourrait croire qu’ils ne ce sont pas embêter d’un point de vue technique pour faire ce film, sauf qu’en faite, reprendre les plans d’une série pour en faire un film, c’est déjà beaucoup de boulot. Imaginez alors si en plus, ils modernisent ces plans….c’est pas évident. Le pire, c’est qu’ils ont dû refaire les plans parce que normalement, on prend les pellicules de la série pour les agrandir au format cinéma….sauf qu’ils n’ont pas pu pour Evangelion à cause de la résolution et du grain. Du coup, ils ont pris les plan-clés (dessin fixe qu’on assemble pour créer le mouvement), ils les ont redessinés pour qu’ils soient adapter pour le cinéma, c’est beaucoup de boulot !   Par contre, ce problème technique a permit de mieux inclure les nouveaux effets du film qui pour l’époque, déglingue la rétine tant c’était beau (surtout si vous avez achetez le Blu-Ray à l’époque). Ces effets ont était fait par ordinateur, contrairement à la série originale qui a été fait entièrement à la main.   Le Saviez-Vous ? Ce n’est pas Rebuild !?   Le terme Rebuild Of Evangelion n’est pas en réalité le terme officiel du remake. Le vrai Terme est Evangelion Shin Gekijōban, qu’on peut traduire par La Nouvelle Version Cinématographique d’Evangelion. Le terme Rebuild of Evangelion a été inventé par les fans mais elle est celui dont tout le monde reprend pour parler du remake….et puis elle est classe, non ? J'ajouterai aussi que ce film est sous titré  Prologue, tout l'histoire des chiffres dans les titres des films viens en faite des américains.   Bien sûr, je vous rassure sur un point, tout le film n’a pas été fait à partir des plans de la série, il y a de nouvelles scènes et des variations plus ou moins intéressante selon la scène. Cependant, il y a un point très important à éclaircir avant d’analyser le film, vous ne le savez peut-être pas mais il existe 2 version du film !   Il m’a fallut un certain temps avant de m’en rendre compte qu’il existait 2 version du film, il y a donc Evangelion 1.01 qui est la version diffusé au cinéma comme tel et il y a Evangelion 1.11 qui est la version amélioré du film. Quelles sont les modifications de cette version amélioré ? D’abord, l’image est plus claire et des effets visuels ont été rajoutés, puis, il y a aussi des petites modifications qui, je ne vais pas vous mentir, n’est pas visible au 1er visionnage, ne sont pas intéressants et n’apporte rien à l’intrigue...après, si ça vous amuse de mettre pause tout les 2 secondes pour voir tel détail, ma foi, cette version vous fera plaisir. De plus, cette version contient des scènes supplémentaires mais ici encore, pas intéressante et n'ajoute que 2 minutes au film. Par exemple, la scène où Misato et Shinji sont perdu dans la base n’est disponible que dans 1.11 mais n’apporte rien à l’intrigue (et je crois que c'est la seul scène supplémentaire)   Saurez-vous trouver la différence entre ces deux images ?   La réponse pour la 1ière image était le logo de la Nerv qui est différent, quand à la seconde image, c'était la carte qui est placé devant Misato, ajouté dans 1.11, c'est ce genre de différence que je parle entre les deux films, rien de folichon mais ça montre un soucis du détail.    Cependant, je vous conseille de regarder la version 1.11 car il reste la version la plus agréable à regarder (beaucoup plus claire que la version 1.01) et comporte l’intégralité du film mais si vous avez vu la version 1.01, je vous rassure c’est pas grave.   Attention ! La version 1.11 est disponible uniquement en Blu-ray, le DVD n’est rien d’autre que le 1.01   Par conséquent, si on n’a pas aimé le début de la série, est-ce qu’on peut aimé le film ? Oui et Non, en faite. L’avantage, c’est que le film condense bien le début de la série, donnant un bon rythme pour le film qui oscille bien entre les scènes de combats et les scènes du 'quotidien'.   Vous remarquerai l'insistance de la couleur des yeux des personnages dans cette scène, montrant l'opposition des deux personnages à ce moment           Non, ce film est (ou pas) parfait !      Personnellement, je trouve que le film à très peu de défaut mais il faut en parler ! Le 1er point négatif du film est...qu’il n’apporte pas grand-chose, comprenez par là qu’il s’agit des 6 premiers épisodes de la série en plus beau, j’aurais pu dire cette phrase et finir l’article mais ça aurait très court. J’ai envie de dire : « Bordel, c’est un remake, faite de la nouveauté ! » parce qu’à part l’aspect technique, il n’y a que ça qu’on peut parler de remake. Alors oui, il y a des nouvelles scènes mais comme je l’ai dit, ce sont des scènes inintéressantes, ça n’apporte pas une nouvelle vision de l’univers et je trouve cela dommage. Tout ça pour dire que si vous avez vu la série, bah vous raté rien (sauf peut-être la dernière scène). Vous me trouver peut-être virulent mais je vais défendre quand même un point, les variations de certaines scènes, mineur soit-ils, restent intéressant dans l’analyse, et puis, le dernier combat du film est différent de l’original, créant quand même de la tension.   Un contre argument possible est que ça permet à des gens de découvrir Evangelion par ce film s’ils sont découragés par l’aspect technique de la série originale, j’ai envie de dire oui mais non. Le remake va prendre une tout autre tournure dès le 2ième film et va beaucoup s’éloigné de la série originale mais j’en parlerai en profondeur dans le prochain article consacré au 2ième film. D’un point de vue technique, le film a pas mal pris un coup de vieux pour ces effets 3D, c’est pas moche mais on voit que ça date.     Comment ça, le film n'apporte rien !?   Le deuxième gros défaut du film est la VF. Vous savez, pour écrire cette article j’ai eu la 'brillante' idée de le regarder en VF parce que je l’avais vu plein de fois en VO. J’ai donc vu le film en intégralité en VF et je suis venu à la conclusion que c’est une catastrophe mais la moins pire des catastrophes. C’est comme si votre médecin vous annonce que vous n’avais pas le Cancer mais que vous avez le choléra, c’est pas top malgré tout !   Commençons par ce qui va dans le doublage, certains personnages sont bien doublés, sans être incroyable comme Gendo ou Misato mais on sens qu’il y a des efforts de fait. « Alors qu’est ce qui ne va pas ? » Tout les doubleurs sont monocordes, donnant la sensation qu’ils lissent plus un texte que jouer un rôle et ça fout tout en l’air. Par exemple, la doubleuse de Misato en VF joue bien le côté « gamine » et « sérieuse » du personnage mais comme elle a une voix monocorde, ça fout tout en l’air.   Malheureusement, l’aspect monocorde des voix n’est pas le pire défaut du doublage...il faut savoir que le casting du film ne reprend pas le casting original, du coup, ils vont mieux faire, non ? Certains oui mais d’autres non, et c’est le cas pour Shijin et Rei en VF. On peut parler dans leurs cas d’une erreur de casting, j’aime pas dire ça parce que ça donne l’impression qu’ils ne sont pas fait pour le métier, alors que ce que j’essaye de dire, c’est qu’ils ne sont pas fait, mais vraiment pas fait pour le rôle. Commençons par Shinji qui a une voix grave et mature, peut-être même une voix Rocque, qui évidemment ne correspond absolument pas au personnage qui est censé manquer de confiance en lui et surtout qu’il est censé avoir 14 ans et non 30 ans ! Ajouter à cela, un ton monocorde et vous comprenez que c’est un massacre et que j’ai eu un bon gros fou rire.   Vous vous rappeler quand j’ai insisté sur le ton monocorde des personnages ? En vérité, il y a un personnage qui est plus expressif que les autres….c’est Rei, faut-il que je vais plus loin dans mon argumentation ? S’il y avait bien un personnage qui devait être monocorde, c’était bien Rei ! La voix ne correspond pas au personnage mais pire encore, il y a une scène où elle rate sa réplique , c’est la scène où Shinji refuse de monter dans l’Eva et qu’on envoie Rei à la place mais elle souffre le martyre, bon c’est pas une réplique mais pourquoi le personnage souffre à l’écran et qu’il n’y pas de son ? Mais la cerise sur le gâteau, c’est qu’après, elle finit par enfin faire ce qu’elle doit faire mais elle surjoue à mort, je répète elle surjoue à mort ! J’aurai jamais crû écrit ça un jour ! Sinon, il y a aussi Toji qui a le même syndrome que Shijin et Ritsuko qui est le personnage la plus monocorde, à la limite de ne même pas avoir d’émotion (elle croyais peut-être que c’était Rei 😅)   Il y aussi les noms déformé comme « Marduck » qui devient « Mardocque » , « Pen-Pen » qui devient « Pin-Pin » ou encore des expression très étranges des jeunes personnages comme « Mega », « Coolos » ou encore « Trop ... », c’est pas vraiment approprié dans ce film. Il faut savoir qu’aucun doubleur du casting n’a été gardé pour les films suivants, ça veux tout dire. Tout ça pour dire qu’il faut le regarder en VO car ce sont les seiyus d’époques et ils sont mythiques !   C'est pas parce que le film parle de dépression qu'il n'est pas marrant de temps en temps !             Et si tu me fessait (ou pas) un Grand Sourire !       Pour une fois, je vais vous invité à sauter cette partie et à aller directement à la conclusion si vous n’avez jamais vu Evangelion de votre vie, car c’est la partie analyse du film. Cependant, si vous avez vu les six premiers épisodes de la série originale ou vu le film, je vous invite à lire cette partie   Vous savez, il y a quelques années quand je fessais mes études, j’avais un cour où on devait faire des analyses de Comics. J’avais comme devoir de faire une analyse sur un Manga ou un Comics avec pour thème la famille...immédiatement, j’ai pensé à Evangelion. Quand j’ai annoncé à mon prof que j’allais traiter Evangelion, il m’a regardé et il m’a dit : « Bonne Chance ! ». Ce qu’il ne savait pas, c’est que j’étais un grand fan d’Evangelion et je fût le premier de ma classe avec la note incroyable de 19/20. Je ne dis pas tout ça pour me venter mais pour expliquer qu’Evangelion est probablement l’un des manga le plus dur à analyser. La difficulté principale viens du fait que chaque scène  peut faire référence à une autre scène plus tôt ou plus tard dans la série, ajouter que c’est une série de 26 épisodes et vous comprenez très vite le casse tête. Le film reprend ce système avec les autres films entre eux et avec la série originale.   La première chose à dire sur le film est le tout premier plan où l’on voit les vagues du rivage rouge, plan qui rappelle la fin de The End Of Evangelion, sûrement une volonté de montrer une forme de continuité, de rappeler que depuis 1997, Evangelion n’a pas trop bouger (il y a le manga à côté).   Il y a aussi la première rencontre entre Shinji et Rei qui dure à peine une seconde au début du film. C’est une scène très mystérieuse et très furtive. Dans la série originale, beaucoup ont conclus que cela « ouvre » l’animé car on retrouve cette vision furtive de Rei à la fin de The End Of Evangelion qui conclue le film et la série. Dans le cas du remake, il faudra attendre le prochain film en 2020 pour en avoir une idée.       Le film présente surtout les personnages et les thèmes : Shinji, un garçon abandonné par son père à la mort de sa mère et qui lui en veux mais cherche aussi son affection. C’est la lettre déchirée puis recollée que Shinji donne à Misato au début qui montre déjà le conflit familiale et interne du personnage.   Misato, une femme commandante qui est aussi partagée entre deux caractères, d’une part une femme responsable qui deviens le tuteur légal de Shinji et qui doit sauver le monde, puis d’autre part, la femme immature qui est plus proche d’une gamine que d’une femme. Le fait qu’elle a un énorme problème avec l’alcool ou qu’elle envoie une photo plutôt sexy à un garçon de 14 ans alors qu’ils ne se connaissent pas confirme bien un problème d’engagement et la présence d’un conflit intérieur …. mais qu’on soit d’accord, ça reste un sacré personnage !     La lettre déchirée puis recollée et la photo sexy de Misato qui n'a rien heureusement !   Pour Rei, c’est très compliqué, c’est une fille qui exprime très peu d’émotion et seulement à Gendo, ce qui rend Shinji Jaloux dans le film. Quand à savoir si elle cache ses émotions ou qu’elle n’en n’a pas, c’est tout un débat mais le film prend plutôt le parti qu’elle cache ses émotions, choix qui ne plaira pas à tout le monde dans le prochain film.   Rei à très peu d’estime d’elle (comme les autres personnages me direz vous) : elle ne gifle pas Shinji pour l’avoir vu accidentellement toute nue et en ayant touché son sein mais elle le gifle pour avoir dit du mal de son père. Elle se voit comme un objet, une poupée qu’on peut manipulée pour éviter toute forme de conflits. Sa relation avec Shinji va se développé durant la deuxième partie du film, une relation plutôt spéciale pour ne pas trop en dire.     Il est intéressant de noter quelques changements du film par rapport à la série qui montre une volonté d’une nouvelle interprétation :                      - Le passage où Shinji est viré pour la première fois n’est pas présent dans le film (incohérence scénaristique de l’époque)                    - Shinji est vu comme indispensable malgré ce que dit Misato contrairement à la série, c’est surtout à travers Gendo qu’on le voit lorsqu’il parle du plan de complémentarité.                    - Shinji est plus vu comme un rebelle, vu qu’il comprend qu’il est indispensable pour la survie du monde, je ne dirais pas qu’il en profite mais un petit peu ! D’ailleurs, c’est la vision de Sadamoto sur le personnage.     Ça serait très long de tout expliquer mais je pense avoir fait le tour pour ce film, mon analyse est très léger car elle se limite au film et comme c’est pas la partie la plus complète de la série, mon analyse est ce qu’il est, mais les prochains films seront une autre histoire !   Shinji est plus un rebelle qu'un lâche dans cette version, ce qui donne une vision différent de la licence !             Ceci est (ou pas) la conclusion !      Alors, ce premier film, c’était comment ? Il était très bien mais il faut garder en tête qu’il s’agit d’un remake plus Technique qu’autre chose, si vous avez déjà vu la série, c’est pas le film le plus intéressant du remake selon moi. Cependant, il est fidèle à la série et peut-être même trop fidèle, j’ai l’impression qu’il n’y a pas eu trop de prise de risque contrairement aux prochains films mais est-ce que ça sera pour le meilleur ? Vous verra ça très bientôt….   Attention de ne pas trop boire avec cette canicule 🙂    Petit Bonus : Une vidéo parodique de Gotohwan sur le doublage français d'Evangelion qui m'a bien fait rigoler !    
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Akira

Certains films font l’objet d’une adoration immense et intemporelle auprès d’un public, Films qu’on peut qualifier de « Cultes » . Ces films n’ont pas nécessairement connus le succès ou, du moins, très tardivement pour certain mais ils ont su marquer les spectateurs qui l’ont vu à l’époque. Le film du jour fait parti de ces films « Cultes » dans le domaine de l’animation Japonaise avec Ghost In The Shell (1995) de Mamoru Oshii, Le Tombeau des lucioles (1988) d’ Isao Takahata, Le Voyage de Chihiro (2001) ou Princesse Mononoké (1997) d’ Hayao Miyazaki ou encore Paprika (2006) de Satoshi Kon. Le film du jour fût une énorme révolution dans l’animation japonaise et est aimé autant des fans d’animés que des cinéphiles. Il s’agit ni plus ni moins d’Akira (1988) de Katsuhiro Ōtomo. Le but de cette article est de comprendre en quoi Akira est un film culte qui sort du lot pour beaucoup de fan, préparer vos motos car ça va être un voyage mouvementé 😉   L'Affiche du film de l'époque             Quand On Arrive En Ville….   Parlons du réalisateur du film qui est aussi le créateur du manga : Katsuhiro Ōtomo. Il est principalement connu pour Akira mais il a créé aussi Steamboy (2004) et Roujin Z (1991). Il a le mérite d’avoir su s’émanciper d’Osamu Tezuka, souvent désigné comme le papa du manga moderne et référence majeur depuis les années 50 ! C’est donc un auteur qui à créé de nouvelle Base ! Parmi ces travaux, je vous conseille Memories (1995) composé de trois récits courtes dont il en est l’auteur, j’ai d’ailleurs une petite préférence pour les segments Magnetic Rose (avec Satoshi Kon) et Stink Bomb qui vaut le détour ! Akira c’est un manga avant tout ! Publié entre 1982 et 1990 en 14 Tomes, Akira est un seinen (manga pour jeune adulte) qui a eu un gros succès, surtout chez nous puisqu’il est le manga qui a permit l’émergence des manga en France, rien que ça ! Cependant, on a plus tendance à citer le film que le manga.   D’ailleurs, Katsuhiro Ōtomo n’était pas emballé par l’idée d’adapter Akira, non par manque de motivation mais parce qu’il ne s’y connaissais pas en Animation. C’est seulement lorsqu’il fera ces premiers pas dans l’animation avec Akira Toriyama (Dragon Ball) et Rumiko Takahashi (Ranma ½) qu’il envisagea d’adapter Akira en film. Il travaillera sur Crusher Joe (1983) de Yasuhiko Yoshikazu (Le Character Design de Gundam), puis plus tard, enchaînera quelques OAV dont Violence Jack (entre 1986 et 1990) de Gō Nagai (Goldorak). Pour ce qui est d’Akira, il s’entourera de Rintarō, connu pour avoir adapter les œuvres de Leji Matsumoto ; Yoshiaki Kawajiri, connu pour Ninja Scroll (1993) et Animatrix (2003) ; Kōji Morimoto qui avait travaillé sur Cobra (1982-1983), Space Battleship Yamato (1974-1975); Enfin, Shōji Kawamori qui n’est rien d’autre que le co-créateur de Vision d'Escaflowne (1996), mecha-dessigner sur les séries et films Macross et Eureka Seven, ou encore Coscénariste sur Cowboy Bebop (1998)…..on peut dire que c’est une équipe extraordinaire ! Cerise sur le gâteau, Katsuhiro Ōtomo à un contrôle totale sur le film Akira, un luxe pour tout réalisateur.   C’est le studio Tokyo Movie Shinsha (ou TMS Entertainment) qui s’est occupé de l’animation. C’est un studio plutôt spécial quand on sait qu’il s’agit d’une filiale de Sega et qu’il sont à la fois une chaîne de salle d'arcade. Ils ont participés à des films comme Le Château de Cagliostro (1979), Cobra Le Film (1982) ou encore Little Nemo: les Aventures au pays de Slumberland (1989) qui est un film de mon enfance. Ils ont également fait des séries comme D Gray-Man (2006), Détective Conan (depuis 1996) ou encore Sonic X (2003), pourquoi le dernier ne me surprend pas ? 😅   Ah ! Oui, dernier petit détail, Akira a bénéficié un budget de 1 100 000 000 ¥, soit 11 000 000 $ qui ont permit de faire plus de 160 000 celluloïds, soit 1000 fois plus qu’un animé de l’époque, le tout financé par plusieurs studio ! Katsuhiro Ōtomo sur la très célèbre moto de Kaneda !                   KANEDA ! Monsieur Kaneda, andouille au front dégarnie !   L’intrigue du film se passe 31 ans après la destruction de Tokyo et la troisième guerre mondiale, soit en 2019 😐 Neo-Tokyo, la nouvelle mégalopole reconstruite après ces évènements tragiques est devenue un lieu de violence, de vice et de corruption. Les jeunes passent leurs temps à se battre sur des motos et à se drogués. On y suit Kaneda, le chef d’une bande de jeune et son meilleur copain, Tetsuo, ce dernier se retrouve dans un accident de moto, provoqué par un étrange petit garçon et fini par se faire capturer pour de mystérieuse raison par l’armée.   La première chose à dire est qu’Akira n’a pas pris une ride, il est toujours aussi beau et fluide. Le film a bénéficié d’un soin incroyable ainsi que d’un choix de couleur énorme pour l’époque. Pour ce qui est de l’animation, la technique est traditionnelle avec des celluloïds qu’on peut superposer aux décors (peint à la main!). On notera aussi la présence de quelques effets 3D comme l’appareil du docteur Onishi par exemple. Le film contient beaucoup de détails, par exemple, Kaneda sort du lycée avec ses copains et sont rejoins par leurs copines, au moment où l’un d’entre eux explique pourquoi Tetsuo n’est pas avec eux, il se passe au moins quatre chose en même temps : L’un tente de remettre une de ses dents, un autre fait l’imbécile en vomissant du sang (il faudra qu’on m’explique comment il fait ça), Kaneda recrache une cigarette et j’en passe….Le tout en quelque secondes et il faut vous dire que ce genre de petit détail est constant dans le film !   Voici la célèbre scène de course poursuite du début du film pour confirmer ce que je dit !   Ce que vous devez vous dire, c’est qu’à l’époque, atteindre ce niveau de détail était incroyable et qu’il faut plusieurs visionnages pour tout voir. Ce résultat est surtout dû à la volonté de son réalisateur à faire un film réaliste, cette phrase vous semble peut-être bête mais le réalisme dans l’animation était loin d’être courant à l’époque. Il faut surtout chercher du côté de la Science-Fiction avec des séries comme Gundam et Macross, bien que le terme « réaliste » est un grand mot pour ces séries, faire un film ou une série réaliste était un Graal à l’époque (et probablement un gouffre financier pour les producteurs). J’ai oublier de dire que le doublage en VO a été faite avant les dessins pour créer une cohérence au niveau des lèvres et ainsi gagner en réalisme.   Un autre point qui a marqué Akira est son monde cruel avec l’omniprésence de la violence : les combats en moto où les jeunes se tapent à coup de barre de fer, les manifestations sociales qui sont montrés à la TV, les bavures policières lors des manifestations et lors d’interrogatoire, les barjots qui s’amuse à jouer les Kamikazes, l’éducation national avec les profs qui en profitent pour mettre des sacrées paires de claques aux jeunes, les fanatiques religieux qui attendent l’arrivé d’Akira pour purifié la ville, les ministres qui se tapent dessus lors des réunions, les terroristes qui profite des rumeurs de la venue d’Akira et enfin les scientifiques qui s’amusent avec des enfants pour des expériences. Ajouter à cela, la présence de viol, les tripotages des couples sur la voie publiques, les jeunes qui explosent des voitures/gens et enfin les complots/Magouilles politiques….excusez mon langage mais c’est le bordel !   Le droit de manifester ? Je ne connais pas !   C’est la violence qui à donner ses lettres de noblesse à Akira créant un véritable onde de choc chez les spectateurs, pas habitués à tout ça ! « Quelle est la différence avec d’autres films violent que tu as traité ? », c’est très simple, c’est le premier film d'animation Japonais violent qu’on a vu en France... au cinéma en plus ! Le petit plus d’Akira est qu’il comporte pas mal de scènes malaisantes et qu’il le sont encore de nos jours. La première en tête est la scène où Kaori est sur le point d’être violée en pleine rue ou la scène de la transformation de Tetsuo. Beaucoup d’enfant ont été initiés à l’atmosphère mature des animés japonais avec ce film et ça a été peut-être votre cas ! Bref, Akira est littéralement une claque.   Et que dire de l’OST si ce n’est qu’elle est mythique et mystique, allant même jusqu’au chant religieux. On dois cette OST au groupe Geinoh Yamashirogumi qui est en faite un collectif musical, composé de personnes qui ne sont pas des chanteurs de base. Ils ont fait une vrai carrière musical avec des tournées et des albums. Ils ont pratiqués plus de quatre-vingt styles différents de musique traditionnelle et Akira a grandement contribués à leurs renommés.   Je suis le seul qui n'avais jamais fait attention à celui qui vomit du sang lors d'un premier visionnage ?                     Purifiez vos corps dans les flammes, maintenant qu'Akira est venu (mais sérieusement ne le faite pas !)   Parlons un peu des thèmes du film. Le film s’ouvre sur une explosion mystérieuse qui détruit Tokyo, ce qui fait penser indubitablement aux Bombardements atomiques d'Hiroshima et de Nagasaki en 1945 qui signe la défaite du Japon lors de la Seconde Guerre Mondiale. Je crois que j’en est jamais parler mais Hiroshima et Nagasaki sont des véritables traumatismes pour beaucoup de cinéaste et de mangaka : Keiji Nagazawa, Hayao Miyazaki, Hideaki Anno, Osamu Tezuka ou encore Masamune Shirow sont des auteurs qui montre la peur d’un nouveau Ground-Zéro (La peur d’être pile à l’endroit où il y a une bombe atomique qui explose), d’autant plus que cette peur sera visible à travers tout le film.   Le Saviez-Vous ? Le 16 Juillet 1988 !   D’abord, c’est la date de sorti du film au Japon mais cette date ne vous dit rien ? C’est la date de l’explosion de Tokyo dans le film ! Imaginez la tête des spectateurs quand ils ont vu ça ! Encore plus fou, cette date renvoi au 16 Juillet 1945...le jour où la première bombe atomique est lancé dans le désert du Nouveau-Mexique ! Quand on sait qu’Akira veux dire « Lumière/Brillant », tout prend sens ! Il y a un article bien écrit sur le sujet dont j’ai appris ces informations : https://akira-explication.tumblr.com/   Imaginez de voir cette scène le jour J où cela se produit dans le film !   On peut ajouter aussi les problèmes économiques du Japon dans les années 70/80 et quelques scandales politiques avec des arrangements illégaux du 1er ministres...problèmes qu’on voit dans le film. Il y a un autre thème pas aussi évident à voir dans le film mais présent dans plusieurs œuvres de Katsuhiro Ōtomo : la critique d’un Japon vieillissant.   Vous le savez probablement mais le Japon est un pays vieillissant, c’est à dire qu’une grande partie de la population sont des personnes âgées, c’est un problème qui a été visible à partir des années 70, on fait moins d’enfant et les gens vivent plus longtemps. Cette évènement est dû principalement à l’éducation, pour faire simple, la majorité des japonais se disent que faire des gosses...ça coûte cher (éducation, besoin, appartement, permis etc), ajouter à cela aussi une volonté d’être parent le plus tard possible et le problème d’aménagement des familles (les grand parents vivent chez toi et dorment dans la même pièce que toi et ta femme, pour faire des enfants c’est pas top). Katsuhiro Ōtomo avait dit qu’il avait été choqué d’apprendre les chiffres sur les vieillissement de la population, ce qu’il l’avait poussé à écrit Roujin Z (1991) mais en vérité, on le voit déjà dans Akira.   Il y a dans le film, une frontière qui est flou entre la jeunesse et la vieillesse, si on met à l’écart l’opposition entre l’état et les jeunes révolutionnaires, les personnages sont toujours entre ces deux extrémités. L’exemple le plus flagrant reste les enfants Kiyoko, Takashi et Masaru, Ils ressemblent à des enfants (corps et voix) mais ils ont des visages de personnes âgés et possède un discours plutôt mature. Chose très intéressante aussi, ils forment un trio comme Kaneda, Tetsuo et Kei.   La frontière entre la jeunesse et le vieillissement en image !    Kaneda, le protagoniste du film est le leader d’un groupe de motard, groupe sans nom précis d’ailleurs si on compare à leur rivaux le gang des clowns. Kaneda est un personnage fort, sans peur et mature mais qui cache en faite son vrai caractère, celui d’un lycéen un peu naïf et qui ne s’est pas s'y prendre avec la fille qu’il aime. Je trouve que ça lui donne un bon fond et on finit par aimer ce personnage. Cependant, le personnage le plus intéressant reste Tetsuo car il reste le plus développé, contrairement à Kaneda. C’est lors de mon deuxième visionnage que je me suis rendu compte de l’importance de Tetsuo. La première fois que j’ai vu le film, Tetsuo était un personnage qui voulait juste se venger de Kaneda par rapport à son statut de leader mais en vérité, c’est beaucoup plus complexe que ça….   Tetsuo est selon moi, un enfant qui n’arrive pas à devenir un adulte. Qu’est ce qui permet d’affirmer cela ? Sa relation avec Kaneda et sa ‘petite copine’ Kaori, pour faire simple, Tetsuo voit  en Kaneda plus un père qu’un copain, de même qu’avec Kaori, il la voit plus comme une mère que sa ‘petite copine’. Le fait que les parents de Tetsuo l’ont abandonnés dès son plus jeune âge (scène qui me fait penser au manga Evangelion) l’a profondément marqué. Kaneda est comme un père dur mais juste, un moment dans le film, alors que Kai est ‘emmener’ par les enfants pour affronter Tetsuo, il dit en s’énervant que c’est à lui de punir Tetsuo pour les meurtres de ses copains. De plus, les flash-backs à la fin du film montre bien le côté paternisant de Kaneda lorsqu’il lui apprend à rouler en moto. Pour Kaori, elle est vu comme une mère aimante, voire étouffante.     Lorsque Tetsuo s’échappe de l’armée, il va voir directement Kaori qui lui offre un petit repas ou encore vers la fin où elle est la seule à aller voir Tetsuo dans le stade pour vouloir l’aider. Tetsuo est confus dans ces relations avec Kaori et Kaneda, il est partagé entre l’amour parental qu’il recherche tant et la volonté de vouloir s’émanciper de ces personnages, d’être mature.   La scène la plus flagrante selon moi est la scène où Tetsuo se fait agresser dans sa chambre par les 3 enfants qui se cachent sous la forme d’un teddybear, d’un lapin en peluche et d’une mini voiture. Dans cette scène, ces jouets tente de le tuer, les murs sont des Lego et il se noie dans du lait...on est d’accord, c’est censé représenter l’enfance. C’est à la vu du sang, preuve du monde des adultes que les monstres se dissipent, criant qu’ils ont peurs mais peur de quoi ? d’être adulte.   Voici la scène en vidéo pour vous faire une idée de ce que j’avance :   Pour ce qui est de Kei, c’est une fille révolutionnaire qui tente de faire tomber le gouvernement en place. Elle symbolise la révolte des jeunes qui ont subit l’après guerre (l’auteur est anarchiste dans mes souvenirs) mais possède à la fois une certaine maturité. Ces idées politiques sont claires et est le personnage féminin forte du film, sans être pour autant schwarzenegger, ni une femme constamment en détresse. Si les enfants l’ont choisit pour se battre contre Tetsuo, ce n’est pas pour rien. Il est intéressante de faire le lien entre Kei et le chef des rebelles, qui se rapproche d’un lien entre père et Fille...mais comme je n’ai pas lu le manga, c’est très flou pour moi.   Le film prend le temps pour parler de philosophie entre deux scènes d'action !                    Je Suis Tetsuo   L’article commençant à trop durer, je vais aller à l’essentiel sur les défauts d’Akira. Le premier point concerne la VF, non sur le doublage en soi qui est très bon et qui a bénéficié d’un grand soi pour l’époque mais plutôt sur la traduction. La version Française a une mauvaise tendance à être dans le hors- sujet, ce qui fait perdre le sens d’un passage. Par exemple, lorsque Kaneda et ses copains se font gifler par le prof de sport, il crie « Discipline » et les élèves répondent « Merci pour cette enseignement » en VO, ce qui montre l’éducation ultra répressif de cette société. Cependant, en VF, le prof crie « La Ferme » et les élèves l’insulte directement sans le « Merci », ce qui fait sauter tout le propos sur l’éducation. Ce genre d’erreur est très présent dans la VF, un autre exemple est lorsque Kei recherche le chef des rebelles et que Kaneda lui dit qu’elle devrait ce livrer à la police en VO mais dans la VF, Kaneda lui parle de leurs relations...c’est une VF plutôt incohérente.   Un autre défaut propre à la VF est le fameux « Kénéda » au lieu de « Kaneda » ou encore Lady Miyako qui à la voix...d’un homme alors que c’est une femme mais j’ai cru aussi sur le coup que c’était un homme. La Dybex (distributeur du film) ont changés tout cela dans la réédition du DVD mais le mixage est dégueulasse, je vous conseille la vidéo de MisterFox qui à consacré un « Parlons VF » sur Akira au même moment où j’écris ces lignes et qui approfondit les exemples.   Le Saviez-Vous ? Quand Akira rencontre Kanye West !   Vous le savez probablement mais le clip « Stronger » de Kanye West, en collaboration avec les Daft Punk font de nombreuses références à Akira. Plusieurs plans du film sont repris à l’identique dans le clip. Il n'est pas étonnant que les Daft Punk y soient mêlés car ce sont des gros fans de Japanimation !   Le clip est un véritable hommage à Akira !   Le deuxième défaut concerne sa fin, pour éviter de spoiler, disons simplement que pas grand nombre à compris la fin...dont moi. Les fans hardcore du manga reproche que la fin n’a pas vraiment de sens.     Certain dirons même qu’il conclut trop rapidement les choses, c’est peut-être un peu vrai mais à l’époque le manga n’était pas fini, du coup pas évident pour son auteur de conclure le film, mais personnellement il conclut magnifiquement le film.   Le Saviez-Vous ? Merci Jodorowsky !   Alejandro Jodorowsky, réalisateur du film El Topo (1970) à donner la fin du film Akira à Katsuhiro Ōtomo qui ne savait pas comment conclure le film. Jodorowsky, apparemment saoul lui invente une histoire sur le tas, dessine le tout sur une nappe et la donne à Ōtomo, il oublie tout le lendemain (les joies de la gueule de bois). Un jour, il reçoit une lettre d Ōtomo à sa grande surprise, qui le remercie d’avoir donner la fin d’Akira. Maintenant je comprend pourquoi on ne comprend pas la fin 😆   Le dernier point concerne le fait que le film reprend très peu d’élément du manga : un tiers des personnages ont étés conservés, le développement personnel pour certains personnages sont mis de côté et l’intrigue est simplifié. Il y a d’autre éléments qui n’a pas été mis en avant comme la drogue ou tout simplement qui ont été enlevé comme les esclaves sexuelles de Tetsuo. Pour ma part, tout est question de goût, il faut pas oublier qu’il s’agit d’une adaptation et que 2 heures c’est court par rapport au manga. Certains puristes préfère le manga pour son développement quitte à défoncer le film alors que l’ambiance et les thématiques sont là !   Tetsuo qui profite des soldes pour s'habiller comme un dieu !             Conclusion   Vous l’aurez compris, Akira est un film qu’il faut voir au moins une fois dans sa vie ! Malgré tout ces qualités et son équipe de choc, le film a été un échec commercial au Japon car il est sorti un jour qui est l’équivalent d’un dimanche soir à 22H chez nous. Cependant, il a eu son petit succès chez nous au cinéma et a été un carton au USA. Il m’est impossible de tout dire sur Akira tellement c’est un film vaste et complexe, de même que c’est un film qui nécessite plusieurs visionnages pour vraiment l’apprécié à sa juste valeur. Akira aura droit à son adaptation live pour le 21 mai 2021, réaliser par Taika Waititi (Thor Ragnarok) et produit par Leonardo DiCaprio, mais d’ici là, on aura le temps de revoir pleins de fois Akira.     N'empêche, cette moto est vraiment classe !  
DrunkenPenPen

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Sailor Moon

Aujourd’hui, je vais vous parler d’un temps, que les moins de vingts temps, ne peuvent pas connaître ! L’époque où les animés étaient diffusés sur des chaînes publiques en France ! Imaginez que la dernière saison de l’Attaque des Titans ou My Hero Academia soient diffusées le matin ou à 16H sur France 3 par exemple…. il y a 20 ans, cela se fessait ! Censurée à mort, certes, mais ça se fessait ! Et puis, un jour, le CSA (Conseil supérieur de l'audiovisuel) s’en est mêlé, jugeant les animés trop violents, il les effaça petit à petit de nos programmes...jusqu’à pourrir son audience, puis sauvé de nouveau par...Pokémon (vous pouvez rigoler un bon coup). Tout ça pour dire que les années 90 était très différent ! Pas forcément meilleur ou plus pourrie, juste différent, comme par exemple, la différence des sexes. Dans le cas des animés diffusé en France, il y avait des animés pour garçons et des animés pour filles. 2 série se battaient le monopole chez nous : Pour les garçons, c’était Dragon Ball Z et pour les filles, c’était Sailor Moon...deviner lequel on va parler aujourd’hui ! Qui ne connaît pas Sailor Moon ? C’est probablement l’un des animé les plus populaires qui à connu un engouement sans limite dans les années 90, c'est une série ancrée dans la culture générale ! Qui n’a jamais vu une parodie, une référence dans n’importe quel autre média ? Qui n’a jamais vu les personnages au moins une fois ? Par contre, qui a vraiment regarder la série ? Beaucoup moins de gens et principalement des filles, vu que c’était vendue comme une série pour fille à l’époque chez nous, mais est-ce vraiment le cas ? Pour une fois, nous allons sortir des sentiers battus et faire plaisir aux lectrices, parce que des animés où il y a du sang et du sexe, ça va 2 secondes ! Une dernière précision, je ne traiterai que la première saison, parce que j’ai beaucoup de chose à dire….         Voici le générique Américain de la série, histoire que vous avez la chanson dans la tête ^^                Take Me To The Moon….   Avant d’être une série, Sailor Moon est un manga de Naoko Takeuchi, sorti entre 1992 et 1997 et pour la première fois, je vous présente une dessinatrice ! Si on met de côté Saillor Moon, elle n’a pas fait d’autres séries très connues,pour la simple raison qu’il est difficile de faire une série encore plus populaire que la série précédant qui a connu un succès mondiale ! Les rares cas sont Rumiko Takahashi avec Ranma ½ puis Inu-Yasha ou Hideaki Anno avec Nadia et le secret de l’eau bleu puis Evangelion par exemple. La création de Sailor Moon s’est fait entre son auteure et son éditeur : elle voulait une guerrière avec des pouvoirs magiques ainsi qu’une équipe constituées uniquement de filles, il faut savoir qu’elle est fan de Super Sentai, que j’expliquerai plus tard. Son éditeur à ajouter que serait cool si les héroïnes étaient en costumes d’écolières traditionnelles, qu’on nomme les Sailor fuku, par contre, je ne veux pas savoir comment il a eu cette idée 😅 Elle a écrit un mini feuilleton, Codename Sailor V en 1991 et face au succès de la série, elle fera Sailor Moon sur papier et la série sera diffusée en même temps à la télé ! En matière de dessin, elle s’inspire énormément de Leiji Matsumoto (Albator) et de Kimiko Uehara, une dessinatrice de Shojo des années 60. Une dernière chose à ajouter sur son auteure est qu’elle est mariée à Yoshihiro Togashi, l’auteur de Yū Yū Hakusho (1990) mais surtout de Hunter × Hunter (1998), si je précise cela c’est parce qu’elle à aidée son mari sur Hunter × Hunter, d’une certaine manière, on peut l’ajouter sur son CV.   Le studio en charge de Saillor Moon à la télé est le studio Toei Animation. Pour ceux qui ne s’y connaissent rien en studio, la Toei est probablement le studio d’animation le plus connu puisqu’il a comme effectif des séries comme One Piece, Les chevaliers du Zodiac, Dragon Ball Z, Goldorak ou encore Albator...et j'ai à peine éraflé tout ce qu’ils ont fait. Le réalisateur est Jun'ichi Satō, il avait réalisé Les Petits Malins, une série pour enfants très connue dans les années 80 et dont le générique français vous reste dans le crâne : Gaby Gaby Gaby l'ami l'ami l'ami des tout-petits...ok j’arrête ! 😅 Plus tard, Jun'ichi Satō se spécialisera dans les Magicals Girls, après tout, il a quand même participé au projet de Saillor Moon.   Une équipe de choc mais pas encore au complet !     Mais une Magical Girl, c’est quoi ? Il s’agit d’un sous genre où des petites filles reçoivent des super pouvoirs, généralement par une petite bestiole toute kawai et elles peuvent faire ce qu’elles veulent. Mais, des grand pouvoirs implique de grandes responsabilités, non ? Oui Spider, mais pas toute de suite ! Il faut comprendre que les Magicals Girls, du moins, les premières générations, n’ont pour unique but que de rendre la vie quotidienne des autres plus facile...et de réaliser leurs propres rêves aussi en chemin, on n’est mieux servi que par soi-même, non ? « Attend Bloodegde, tu parle de génération, c’est quoi ce bin’s ? » Oui, les Magicals Girls ont plusieurs générations, définit par ce qu’ils apportent de plus au genre, laissez moi les énumérés :   - 1er Génération, Les classiques : C’est la base du genre tout simplement, la première Magical Girl est Sally la petite sorcière (1966) créer par la Toei. On peut ajouter Cutey Honey (1973) créer par Go Nagai (Goldorak)   - 2ième Génération, Les solitaires : Pareil que la première génération mais elle apporte les notion de « croire à ses rêves » et « d’avoir de l’espoir » avec Gigi (1982), c’est aussi la première Magical Girl qui meurt (et elle reste morte car il y a plusieurs Gigi, c’est comme les gremlins en faite lol). C’est aussi la génération des petites filles qui réalisent leurs rêves avec Emi magique (1985).   -3ième Génération, Les Guerrières : C’est les Magicals Girls qui se battent contre le mal pour sauver le monde. C’est aussi la génération la plus révolutionnaire mais vous verrez tout ça au fil de l’article. C’est là qu’on situe Sailor Moon (1992), créatrice de ce mouvement.   -4ième Génération, Les Militaires : appeler « magical guntai », ce sont les Magicals Girls qui sont militarisées, c’est à dire, qu'elles reçoivent des ordres d’un supérieur. Soient elles utilisent des armes à feu, soit des hallebarde par exemples comme dans Strike Witches (2005) ou dans Magical Girl Lyrical Nanoha (2004)   -5ième Génération, les Horrifiques/Anti-Magicals Girl : C’est la génération où l’horreur est présente, c’est à dire avec des monstres, du gore et des psychopathes. C’est aussi une génération très marquée par la psychologie et joue beaucoup sur les codes pour créer une ambiance malaisant. Celui qu’on pense en premier est Puella Magi Madoka Magica (2011), jusqu’ici c’était le seul Magical Girl que j’ai vu, il est souvent considéré comme le "Evangelion" du Magical Girl, du moins, on mets souvent ces deux animés dans le même sac. Cependant, Madoka n’est pas le premier anime dans ce style, c’est Alien 9 (1998) qui intronise ce mouvement, que je vous conseille en matière d’anti-Magicals Girls/Horreur. On pourrait mettre aussi Magical Girl Boy (2012) qui casse beaucoup les codes aussi.   On parle de génération mais garder en tête qu’un style de Magical Girl peut sortir pendant une autre génération de Magical Girl. À l’époque de Sailor Moon est sorti Sakura, chasseuse de cartes (1996) qu’on peut mettre dans la 2ième génération.   Evolution des Magicals Girls de la 1er à la 5ième Génération !                                    Sailors Fighting In The Dance Hall, Is There Life On Mars ?       Désolé pour la longue aparté et revenons à Sailor Moon. L’intrigue est très simple : Usagi (ou Bunny en Fr) est une fille de 14 ans « maladroite et pleurnicheuse » qui un jour sauve Luna, un chat qui doit chercher les réincarnations des Sailors guerrières et Usagi s’avère être la réincarnation de Sailor Moon. Luna doit contrer la menace qu’est La reine Beryl du monde du Dark Kingdom (ou Beryl-Sama comme j’aime l’appeler) qui cherche à faire revivre le mal absolu sur terre et d’asservir les humains. Au fil de l’intrigue, les autres guerrières seront trouvées : Sailor Mercury, l’intello du groupe et stratège (et plus grand fantasme des mec) ; Sailor Mars, la feu follet du groupe et prêtresse Shinto, si elle était dans le film l’Exorciste, le démon aurait pas fait long feu (Blague pourrie, c'est fait !) ; Sailor Jupiter, c’est la bourrine du groupe avec sa force, c’est un peu John Cena en fille ; La dernière et non des moindres, Sailor Venus, l’expérimentée du groupe, accompagnée d'Artémis, l’autre chat qui aide Luna.   Le Saviez-Vous ? Sailor Venus est la première Sailor Moon !   Je vous l’avez dit plus tôt mais Naoko Takeuchi avait écrit un mini feuilleton qui servira de base à Sailor Moon : Codename Sailor V. Ce que je ne vous avait pas dit, c’est que Sailor V est en faite Sailor Venus qui se déroule dans la même ville et sert de préquel à Sailor Moon. C’est pour ça qu’elle ressemble beaucoup à Usagi (blonde, chat, histoire d’amour etc.)   1er version de Sailor Venus et de Sailor Moon aussi du coup !   Si j’insiste autant sur les personnages, c’est qu’il s’agit d’un groupe et peut-être que ça ne vous viens pas à l’esprit mais c’était une révolution à l’époque ! Les Magicals Girls étaient solitaires jusqu’ici, il n’y en avait qu’une, et ce n’est pas la seul révolution. Cela implique tout ce qui est lié à un groupe : Leader, gestion de groupe, morale, etc... Un autre aspect aussi à mettre en avant sont les combats, là aussi, peut-être que ça ne vous parle pas mais Sailor Moon est la première série de Magical Girl où il y a des combats et même plus, des super attaques ! Durant mon visionnage, j’ai retenu toute les attaques des Sailors : Moon Tiara Action, Fire Soul, Sabão Spray, Supreme Thunder, Crescent Beam ou encore Moon Healing Escalation (il faut imaginer que je hurle comme un débile), autant vous dire que ça change des final flash et autre ! Ce qui est rigolo, c’est que très souvent, on compare Dragon Ball Z avec Sailor Moon, déjà par leur popularité mais surtout leurs structures : Notion de Groupe, Combat, Noms des Attaques etc.   S'il y a des notion de combat et de groupe dans Sailor Moon, c’est surtout due au fait que son auteure est fan de Super Sentai. Le Super Sentai n’est rien d’autre qu’une série Live comme Bioman (1984) ou Power Rangers (1993). Je n’ai jamais été friand de ce genre de série, j’ai jamais accroché et puis j’ai toujours eu du mal avec les série Live étant gamin. Sailor Moon est donc d’une certaine manière un super sentai mais en animé et avec uniquement des personnages féminins. « Mais je croyais que c’était des Magicals Girls ? » Oui aussi, c’est un mélange entre les deux genres ! Les éléments typiques des Sentai sont de prime abord les transformations, Sailor Moon est très connue pour ses transformations et comme je suis quelqu’un de très gentil, voici une vidéo qui vous montre ces transformations et puis les images ça parle mieux que les mots, non ?     Pendant le visionnage de cette vidéo, vous aurez probablement remarqués les poses des sailors, ça fait aussi parti de l’héritage des Sentai, mais il y a plus ! Les costumes qu’on reconnaît par la couleur à l’effigie de tel personnage, surtout quand on sait que la couleur Bleu, Rouge et Jaune sont quasiment constant dans ces séries, il n’y a pas la couleur jaune dans Sailor Moon mais il y a l’orange qui s’en rapproche. La présence de nouveaux personnages mais cela sera plus flagrant dans les autres saisons et la composition de base du groupe est de 5 membre, comme dans Sailor Moon. On peut ajouter les catch phrase comme « Au nom de la Lune, je vais te punir » et il y a aussi la structure des épisodes qui est similaire mais j’y reviendrai plus tard.            I'm Your Venus, I'm Your Fire, At Your desire      Maintenant attardons nous un peu sur le pourquoi j’ai décidé de traiter Sailor Moon. En vérité, je voulais traiter les Magicals Girls avec Puella Magi Madoka Magica mais le choix de Sailor Moon était plus pertinent pour deux raison : D’abord, Sailor Moon est une série qui à été un sacré virage pour le genre comme je l’ai expliqué plus tôt mais la deuxième raison de mon choix réside dans son aspect Féministe. L’idée de reprendre des codes et des genres typiquement masculins comme le Sentai ou le Shonen et de le retranscrire avec des personnages féminins, c’est déjà quelque chose mais ça va plus loin ! C’est à ce moment que j’ai l’impression d’avoir oublier quelqu’un, ah oui ! Je parle du mystérieux Tuxedo Mask (qu’on prononce Takishīdo Kamen) ou l'Homme Masqué chez nous. Il s’agit plus ou moins d’un allié de Sailor Moon qui intervient alors qu’elle est en danger...et je vous vois venir : “En faite, c’est une série où les filles ne savent rien faire puisque Zorro viens les aidés” (il ressemble à Zorro L’homme masqué, non?) Je vous rassure, il aide Sailor Moon en la sauvant ou en lançant une rose pour faire diversion, du moins la première partie de cette saison. Usagi va prendre de plus en plus confiance en elle et du coup sera de moins en moins sauvée par l’homme masqué. Ajoutons aussi qu’elle craque pour ce dernier parce que...parce que...euh...il est beau, je vous rassure, ça va se compliquer entre les deux là. En vérité, l’homme masqué a très peu d'influence puisqu’à chaque fois, c’est  Sailor Moon qui botte les fesse des monstres. Bon, il soutient les filles en disant qu’elles sont les plus fortes mais niveau combat….en faite, il se bat très peu, laissant les filles faire le boulot (sympa pour elles).   Il est sympa et attirant mais méfiez-vous, il cache des choses !   Alors, non, ce n’est pas féministe parce que le seul homme gentil du groupe n’interviens pas trop (dans un premier temps), c’est plutôt dans les thématiques de la série qu’on voit cela ! Vous savez, regarder une série pour filles alors qu’on est un garçon, demande toujours un petit effort, on s’attend toujours à des thèmes "cul-cul" mais je vous rassure les gars, ça l’est pas trop ! Je ne parle pas forcément des émotions, dans le style : “ je suis capable de déplacer des montagnes mais pas d’avouer mes sentiments au garçon que j’aime”. Déjà je trouve pas ça "cul-cul", c’est plutôt dans le style où les monstres vont créer un nouveau salon de coiffure pour attirer les filles et espérer trouver Sailor Moon parmi elles, à ce que je sache, ça ne se fait pas de jouer avec les plaisirs des filles. Il y a aussi tout le délire de déchirer des vêtements des filles et que ça ne se fait pas ! Pareil avec le sport, les sentiments des filles etc... Sauf qu’en vérité, ce n’est pas si bête parce que pour la première fois, on leurs demandent leurs avis. Je vous rappelle qu’on est en 1992, l’égalité des sexes, c’est pas encore développée,alors imaginer une série qui dit: “Les Filles, il est temps d’avoir notre mot à dire !” Peut- être que vous ne le saviez pas mais Sailor Moon est une des figures du mouvement “Girl Power” (égalité des sexes), ce n’est pas pour rien !   Le Saviez-Vous ? Sailor Moon, Jeux Olympiques et Syphilis ?   Ce n’est pas une blague ! Sailor Moon à été choisi pour être une des ambassadrice des J.O des jeux d’été en 2020 qui aura lieu à Tokyo aux cotés de Son Goku et d’Astroboy... je suis en train de négocier pour avoir Rei Ayanami et Asuka Langley 😆 Sinon, Sailor Moon est aussi la mascotte d'une campagne de prévention contre la syphilis (c’est une MST), avec pour slogan : « Si tu ne l’essaye pas, je vais te punir ». C’est très sérieux, je sais, mais je ne peux m’empêcher de rigoler quand on sait qu’ils on fait des préservatifs avec la tête de Sailor Moon dessus, dessiner par Naoko Takeuchi en plus ! Dommage qu’il n’ont pas fait pareil avec Sailor Mercury 😆   Voici le préservatif Sailor Moon...ça a fait ma journée !   Vous n’êtes toujours pas convaincu par la présence de féminisme dans la série ? Et si je vous disait que parfois les Sailors parle directement du pouvoir des femmes à leur ennemies, ça vous parlerai ? J’ai une remarque intéressant sur les ennemies ou plutôt sur les grand méchants, si on met de côté Beryl-Sama et Metallia (le démon qui cherche à revenir sur terre), les méchants sont principalement des hommes : Jadeite, Nephrite, Zoisite et Kunzite, d’autant plus que certains sont machos. Pour revenir vite fait sur les histoires d’amours (j’insiste sur le pluriels), un des grand message de l’animé est : Qu’est-ce que l’Amour ? Si je prend par exemple Usagi qui tombe amoureuse de 3 hommes à la fois...c’est pas vraiment un amour véritable, on est d’accord ! Au fil du temps, il va y avoir une grosse révélation qui amènera Usagi à aimer un homme plus qu’un autre, sans trop spoiler, il y a une cette question de la destiné qui reviens aussi très souvent mais j’en est trop dit !   GIRL POWER !   Une des particularités de l’animé comparé au manga reste son petit côté Fan-Service et son humour. Si il y a bien quelque chose de connue sur cette série, c’est bien la réputation qu’elle a eu sur un public masculin. J’entends souvent dire que les garçons de l’époque regardaient cette série mais ne l’avouaient pas, par peur d’être rejetés par tout le monde. Heureusement, au fil du temps, les mentalités ont changés et de nos jours, ce n’est pas choquant de dire qu’on à vu Sailor Moon, mais en vérité, cette série à un peu été conçu pour les garçons. Pourquoi j’affirme ceci ? C’est très simple car ce sont des hommes qui ont fait la série, pas le manga mais la série. Chez la Toei, il y a bien plus d’ hommes que de femmes et ils se sont fait un peu plaisir ! C’est pas aussi évident que dans n’importe quel autres série mais si on à l’œil, on remarque que, de temps en temps, on voit les culottes des Sailors (Panty-Shot pour les non initiés), ça reste très furtif mais ça reste assez longtemps pour qu’on le voit. C’est très souvent lors des combats qu’on peut le voir. Un autre exemple reste les transformations des Sailors où l’on peut voir leurs silhouettes, on dirait rien comme ça mais à l’époque, il y avait eu des censures en France par rapport à ces transformations. En parlant de censure : les 2 derniers épisodes ont été pas mal été censurés et notamment un épisode où Amy se retrouve nue sous des attaques, il y a aussi l'homosexualité entre deux méchants qui est passé à la trappe chez nous.     Je comprend mieux pourquoi les garçons de l'époque regardait cette série en cachette, petit coquin !   Le studio n’a pas fait que d’amener des jolies plans mais aussi de l’humour. Il faut savoir que le manga de base n’est pas aussi drôle que l’animé, ce qui à d’ailleurs déplut à son auteure, jugeant la série pas assez dramatique, ce qui est plutôt vrai mais j’y reviendrai. En faite, beaucoup de gens aiment Sailor Moon pour son humour et je trouve que c’est vraiment une force de la série car il est toujours bien placé. Par exemple, Les Sailors sont devant un piège qui est évident pour toute, sauf pour Usagi qui tombe dedans, ou encore un épisode où Usagi fait des cauchemars en pleine nuit à cause d’un évènement et qui se lève pour manger plein de truc, tout ça parce que Luna avait dit qu’elle devait bien dormir et bien manger. C’est très dur à décrire comme blague mais pour faire simple, l’humour viens très souvent au moment dramatique, voire même tragique. Les blagues ne concerne pas forcément Usagi, tout le monde à droit à son moment de ‘fail’ comme Sailor Mars qui cherche à draguer un homme et finit par tomber par terre et à se faire marcher dessus. On remarquera aussi le changement d’ambiance en milieu de saison, surtout les deux derniers épisodes mais malgré cela, l’humour reste présent.   L'humour reste très présent dans la série et ce n'est pas un mal !         The Name Is Jupiter, From The Galaxy, I came To Meet You, To Make You Free      Jusque là, je n’ai fait que de dire du bien de la série mais elle est très loin d’être parfaite. Si on met de côté des petits défauts comme le fait que les méchants ne reconnaissent jamais les Sailors (et l’inverse aussi) ou quelques petites incohérences comme le fait que Sailor Moon ne peut pas piloter un bateau tant qu’elle n’est pas transformée en marin, il y a bien pire. Le vrai premier défaut reste sa répétitivité, je crois n’avoir jamais vu une série qui se répète autant ! Elle se répète en tout : Les plans des méchants, les transformations, les histoires etc.…. mais le pire reste les plans qui se répète à chaque épisode comme Beryl-Sama qui est devant sa boule, je m’attendais presque à ce qu’un de ses subalternes dit : « Dis Beryl-Sama, tu veux faire quoi cette nuit ? La même chose que chaque nuit, tenter de conquérir le MONDE ! ». Autant les transformations, ça ne me dérange pas trop mais on y a droit quasiment à chaque épisode dont celui de Sailor Moon en entier, les autres sailors, ça dépend, mais elles sont plus souvent simplifiées. Il faut comprendre que c’est normal car c’est l’instant que tout le monde attend et puis il fallait imaginer les petits filles devant la télé à faire les poses comme les Sailors (je dit ça mais en faite j’en sais rien).   Le deuxième gros défaut sont les Fillers, pour faire vite ce sont des épisodes hors-séries.Je vous rassure, on n’est pas au niveau d’un Naruto, très connu pour ces Fillers très mauvais, en faite, ce sont plutôt de bon épisodes...ceux de Sailor Moon, hein ! Le problème, c’est qu’ils sont trop nombreux, si je vous dit que sur les 46 épisodes de la première saison, il en a seulement 18 épisodes ‘canon’, tout le reste sont des Fillers. Dès le 2ième épisode, c’est déjà un Filler, c’est violent ! Je ne vais pas vous le cacher, j’ai principalement vu les épisodes ‘Canon’, bien que j’ai regarder 5 ou 6 épisodes Fillers, ces épisodes reste agréable mais si on les sautes,on rate rien. Si vous voulez regarder cette série, je vous conseille de vous renseigner sur les épisodes et de vous faire un guide, dans mon cas c’est ce que j’ai fait, surtout quand on sait que la série cumule 200 épisodes ! (ce qui en fait la série de Magical Girl la plus longue au passage)     Exemple de scène qui a été censuré en France (Pauvre Mercury au passage)   On va terminer cette longue article par la VF, j’ai regarder quelques passages en français et je dirais simplement que la VF est…. d’époque. Ce n’est pas une catastrophe mais on y retrouve un gros défaut typique du doublage français : les voix ne correspondent pas au personnages. Ils ont tous une voix trop mature, je rappelle que ce sont des gamines de 14 ans ! Il y a le cas aussi de l’homme masqué qui a une voix d’un homme très mature alors qu’il a 17 ans. Les méchants surjouent à morts,les doubleuses crie à peine alors qu’elles hurlent en version japonaise...je dirais simplement que c’est dommage parce qu’on est entre du sérieux et du surjoué mais pas assez pour être mythique comme dans Nicky Larson ou Ken le Survivant. Par contre, ce qui est impardonnable c’est les changements des prénoms ou des attaques en français ! Du coup, Usagi deviens Bunny (par rapport à ses cheveux je dirais), Amy deviens Molly, Rei deviens Raya, Makoto deviens Marcy, Minako deviens Amélie puis Mathilda et enfin Mamoru deviens Bourdu. Je suis désolé si certains s’appelle Mathilda ou Marcy mais je trouve que ce sont des prénoms de vieilles filles, au moins, ce sont des prénoms parce que Bunny, c’est pas un prénom même si ça colle bien ! Quand à Bourdu...voilà quoi, je me doute bien que si vous l'avez vu pendant votre enfance, ces prénoms vous choque pas trop mais de nos jours, c'est une autre histoire !   Le Saviez-Vous ? Sailor Moon et Evangelion, 2 mondes pas si éloigné !   « Quels bêtise tu nous sort encore Bloodedge ? » c’est peut-être ce que vous avez pensez en lisant ce titre mais peut-être savez vous que Hideaki Anno est un fan de Sailor Moon (et de plein d’autre truc aussi). Il a quand même récupéré la doubleuse Kotono Mitsuishi (la voix d' Usagi) pour faire Misato et aurait même dit que Misato serait une sorte d’Usagi adulte. Il a aussi récupéré Megumi Ogata pour la voix de Shinjin (par contre, c’est Sailor Uranus qui n’est pas présent dans cette saison). Ce n’est pas tout ! Quand on sait que pas mal de personne qui ont bossés sur Sailor Moon ont travailler sur Evangelion (dont un des réalisateurs) et que le prénom de Rei dans Evangelion à été donnée par rapport à Rei Hino (Sailor Mars)….j’ai envie de dire c’est la Gainax !   Si j’ai bien rigolé avec les prénoms, j’ai pleurer avec les attaques : « Moon Tiara Action » deviens « Frisbee lunaire, agis tout-de-suite ! », « Fire Soul » deviens « Âme du feu, agis tout de suite ! » Ou encore « Sabão Spray » deviens «  Paillettes d'argent, agissez tout de suite ! », je ressens pas la jubilation des attaques en français. Vous aurez remarqué qu’il y a toujours des « Agis tout de suite ! », je pense que c’est pour combler les noms d’attaque beaucoup trop court en Français. Dernière chose à dire, il y a une incompréhension total avec Artémis qui est normalement un chat Mâle dans la version Japonaise et qui deviens une femelle chez nous. Il y a aussi l’erreur de la VF de confondre Sailor Venus avec Sailor Moon, d’où ma raison de l’avoir regardé en Japonais. Tout ça pour dire que je ne souhaite pas défoncé la VF (pour une fois me direz-vous) mais qu'elle est représentatif d'une époque où les animés étaient mal vu à l'époque, d'où un doublage et une francisation un peu discutable mais qui à bercer la jeunesse de plusieurs personnes et à mon avis, c'est l'essentiel !   L'ambiance va radicalement changer lors des derniers épisodes               Cause I'm crazy 'bout a Mercury (la conclusion)   Ce fût un long article pour parler de Sailor Moon mais il y avait tellement de chose à dire et je n’ai pas pu parler de tout comme l’homosexualité des méchants ou les jupes courtes qui montre la puissance du ‘Girl Power’ (on ose montrer notre sexualité). Tout ça pour dire que Sailor Moon, c’est une très bonne série à condition de se faire un guide si on veux voir que l’essentiel. Ce fût une claque à l’époque et je crois bien que c’est la première série à vraiment mettre en avant des personnages féminins dans un domaine plutôt réservé à des garçons. C’est aussi la série qui à contribué à la mixité du public et il faut savoir qu'il a un remake de la série : Sailor Moon Crystal (2014) qui reprend les 3 premières saisons, les autres saisons sont malheureusement annulées.Ce remake se rapprocherai plus du manga mais je ne peux pas vous en dire plus, je ne l'ai pas vu (ni lu non plus d'ailleurs). Je ne sais pas si je vais traiter les autres saisons mais si c'est le cas, cela ne sera pas aussi long, promis !   Pour finir :  « Si tu ne l’essaye pas, je vais te punir », il en est de même pour la série 😆   Un petit Bonus, le générique Français de la série chanté par Bernard minet, déguisé en homme masqué, rien que pour ça, cela vaut le détour !        
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Gunnm (2ième Partie)

La science fiction est un genre littéraire qui s’est exporté à travers plusieurs médias comme le cinéma ou la bande dessinée. Les mangas n’ont pas échappés à ce genre tant appréciés des lecteurs, il y a eu Akira (1982-1990) de Katsuhiro Ōtomo qui est considéré comme un classique des années 80. On pourrait aussi citer des auteurs comme Leiji Matsumoto avec Capitaine Albator (1977-1979), Mamoru Oshii avec Ghost In The Shell (Le film de 1995 dont j’ai déjà fait un article) mais aussi tout les auteurs de mecha comme Gō Nagai avec Goldorak (1975-1977), Shōji Kawamori avec Macross (1984 pour le film) ou encore Hideaki Anno avec Neon Genesis Evangelion (1995). Cependant, un manga ressort très souvent et est considéré comme un classique des années 90, il s’agit du manga Gunnm créer par Yukito Kishiro et publié entre 1990 et 1995. J’avais déjà fait un article sur l’OAV et sur l’adaptation au cinéma de James Cameron et de Robert Rodriguez, maintenant, il est tant de conclure Gunnm avec son support original. Je précise que je traiterais uniquement la série principal et non Last Order ou Chronicle Of Mars.     Le 1er Tome de Gunnm dans sa première édition Française                   De retour pour Zalem !   Pour une fois je vais sauter la présentation de Yukito Kishiro car je l’ai déjà fait avec l’OAV mais je vous recommande d’y jeter un œil si vous n’avez pas lu cette article. Il est bon de rappeler que Gunnm est un manga cyberpunk qui s’est inspiré d’autres œuvres de science fiction. La première œuvre est Blade Runner (1982) de Ridley Scott par la présence d’êtres cybernétiques dans une ville très dangereuse . Les yeux de Gally sont aussi une référence à ce film car ses pupilles sont dilatées comme ceux des Réplicants. On remarqueras aussi que Gally est une chasseur de prime comme Rick Deckard. Le look des ennemies de Gally sont très proche d’Alien (1979) de Ridley Scott, la ville de Zalem fait penser à Metropolis (1927) de Fritz Lang ou encore toute la partie du Motorball fait penser à Rollerball (1975) de Norman Jewison. Il y a d’autres référence cinématographique dans le manga mais il serait très long de tout citer. En plus de s’inspirer visuellement des films que je viens de citer, Yukito Kishiro transmet aussi les idées de ces films. Par exemple, la différence de mode de vie entre Zalem et les bas-fond peuvent faire penser à notre géographie: les riches (Nord) sont au dessus et les pauvres sont en dessous (Sud). Hugo représente alors un personnage qui souhaite une égalité des richesses, cela fait penser au film Metropolis.   Voici un des ennemies de Gally qui ressemble au monstre dans Alien.     Le succès de Gunnm fût immédiat et devient un best-seller au Japon, aux États-Unis et en France. C’est Glénat qui s’est occupé de son exportation chez nous, maison d’édition très connue car elle avait exportée Akira, Dragon Ball, Sailor Moon, Ranma ½ ou encore Neon Genesis Evangelion. Vous aurez remarqués que ces séries ont tous eu une adaptation en Animés, Glénat avais eu la bonne idée d’éditer des mangas qui ont eu du succès d’abord à la télé ou au cinéma car c’est ce même public qui achète les mangas. Cette stratégie à permit à l’implantation des mangas chez nous. Malheureusement, Gunnm est un manga qui a une violence graphique très poussée à l’époque et amena les premiers détracteurs des mangas. De nos jours, on a un peu lâchés les mangas en ce qui concerne « l’influence néfaste sur nos enfants » : Trop violent, trop différent, trop pervers...toujours trop quelque chose, quoi ! Akira avait déjà subit ce genre de remarque à l’époque mais il faut comprendre que les mangas était une culture nouvelle pour nous, comme ce fût le cas pour les comics, les films d’horreurs et les jeux vidéo. Heureusement, Gunnm était aussi très défendu pour son aspect philosophique, élément tout aussi nouveau dans les bandes dessinées et à contribuer à être l’un des premiers manga à avoir eu un gros succès chez nous et partout ailleurs.       Le Saviez-Vous ? Les Origines de Gally   Gally est née bien avant Gunnm, je m’explique, Yukito Kishiro devait faire une petite histoire pour un recueil de manga. Il travaillait à l’époque sur un One Shot (Reimeika) qui mettait en scène une cyborg officier de police, qui s’appelait… Gally. Son éditeur lui proposa de reprendre le personnage de Gally pour cette nouvelle histoire qui sera en faite les bases de Gunnm. Il y avait aussi une autre cyborg dans l’histoire mais elle ne fût pas conservée par son auteur.     à gauche, une page du one shot qui servira de base à Gunnm. à droite, une illustration avec un personnage non conservé pour l'œuvre originale.        Violence et Psychologie   L’intrigue du manga est similaire à celui de l’OAV : Gally, une cyborg avec un cerveau humain est retrouvée dans la décharge de Kuzutetsu par Ido. Malheureusement, Gally ne se rappelle de rien et décide de retrouver la mémoire et un sens à sa vie. Le point fort du manga est sans aucun doute le propos de son auteur qui tranche bien avec la violence constant, aussi bien physique que psychologique du manga ! Pour ce qui est de la violence, on peut parler de gore et allant même jusqu’au dérangeant, autant vous dire que ça gicle ! Dès le 1er tome, l’ambiance de Kuzutetsu se veut sombre, c’est la loi du plus fort qui domine et le tout sans présence policière, c’est la loi de la jungle. Cette violence constant fera le charme de la série car elle n’est jamais gratuite, Gunnm est l’un des premiers manga à mettre autant en avant la violence « artistique ». Difficile d’expliquer ce que j’entends par violence « artistique » mais pour faire simple, je dirais qu’il s’agit d’une violence qui sert à exprimer quelque chose de plus profond, voire de faire réfléchir. J’avais employé ce terme dans mon article  The End Of Evangelion (1998) où j’avais expliquer que la violence du film servait à critiquer les Otakus de l’époque envers la fin de la série. Dans Gunnm, je dirais que la violence sert à insister sur la cruauté de la vie car je vous rappelle que Yukito Kishiro avait dit à l’époque que son œuvre était construit sur 2 thèmes : le « mode obscure » qui « fait allusion aux aspects sombres de la vie » et le « mode glorieux » qui « fait allusion à la bonté de la nature humaine », ici, la violence fait partit du « mode obscure ».   Ah oui, c'est très violent quand même !   Pour ce qui est du « mode glorieux » c’est les moments de joie mais aussi le retour des valeurs humaines (gentillesse, bonté, pitié mais surtout l’espoir) chose difficile dans une ambiance apocalyptique, cette élément se voit dans chaque personnage dont les antagonistes ! Je pense à Makaku, le 1er antagoniste de Gally qui scalpe des gens pour manger leurs cerveaux. Il est vu comme un monstre sans cœur qui fait peur à tout le monde. C’est sa rencontre avec Gally qui va tout changer, il reste certes un antagoniste mais on finit par comprendre le personnage et même par avoir de la pitié pour lui. Pour moi, il s’agit clairement de la force de Gunnm : Chacun d’entre nous à du mauvais mais aussi du bon. En faite, cette violence représente une lutte intérieure qui est en chacun de nous, surtout le personnage de Gally ! Cependant, la violence n’est pas que physique mais aussi et surtout psychologique. Beaucoup de personnage sont tourmentés par leurs passés, leurs addictions, leurs choix, leurs actions et même leurs rêves ! Ce sont des personnages qui souffrent constamment comme Zapan dans le Tome 5 ou Jashugan dans le Tome 4. Mais le personnage qui souffre le plus, selon moi est Gally ! Pourquoi ? Elle est amnésique, ne sait pas où aller dans sa vie, elle se ne sente jamais à sa place et quand c’est le cas, ça dure pas longtemps. Elle connaîtra l’injustice, la trahison, le deuil, le rejet, la solitude…. c’est pas toujours une héroïne forte mentalement. Gally est peut-être « borderline » parfois dans son comportement allant de la fille Kawai et gentille au monstre sans cœur et sans remord (même si parfois, c’est pour se protégée) et justement, c’est ce qui rend le personnage très intéressante, c’est ce qui l’a rend humaine paradoxalement. Quand le personnage d’Hugo dit à Gally dans la version live de Cameron : « Tu est la fille la plus humaine que j’ai rencontré » je trouve que cette réplique définit bien l’œuvre.   Ne Bave Gally, ne bave pas !   Un des points fort de ce manga reste sa profondeur psychologique. Je ne veux pas faire mon papy en me répétant mais la psychologie dans Gunnm est très importante, en faite, on peut même dire que c’est tellement important qu’elle en est son intrigue, chose plutôt rare ! Les choses sont dit directement, sans détour mais avec un peu de symbolisme quand même ! On peut citer la quête de sens de Gally, la recherche de maîtriser le Karma pour Desty Nova, Makaku qui cite du Nietzsche (Ainsi parlait Zarathoustra, poème philosophique de 1883 pour être précis) et j’en passe probablement. Bien sûr, il n’y a pas que la philo dans la vie, il y a d’autres thèmes ! Le manga parle de tout : la mort, l’amour, le deuil amoureux ou autre etc. Ce sont des thèmes qui parle à tous et à toute et sont toujours approfondies, pour ne pas dire réfléchies. Je vais prendre l’exemple du Tome 2 avec la relation amoureux de Gally et de Hugo. On le sait tous, Gally est amoureuse de Hugo mais n’ose pas trop l’avouer, déjà par peur d’être rejetée mais surtout parce qu’elle ne maîtrise pas vraiment ses sentiments. Je m’explique, Gally à une force surhumaine, elle pourrait littéralement exploser Hugo, alors imaginez si Hugo refuse ses avances...je ne lui donne pas cher de sa peau (imaginez aussi les disputes conjugales 😆) Je ne peux pas vraiment en dire pour les autres thèmes pour la simple raison que je serai obliger de spoiler et autant vous le dire, ça serait dommage !   Vous avez 4 heures pour traiter le sujet !        Le Saviez-Vous ? Gally ou Alita ?   Je suis obligé de dire un mot sur ce changement de prénom au USA, pourquoi Alita ? C’est très simple, c’est plus vendeur que Gally ! Certes, la vraie question est plutôt pourquoi Gunnm est rester comme tel chez nous ? On est l’un des rares pays, peut-être même le seul, à avoir conservé le vrai prénom de l’héroïne mais aussi le titre du manga, Pourquoi ? C’est une question d’édition et de droit en faite, dans les années 90, quand on voulait les droits sur une licence d’un manga, on allait au USA qui avait déjà modifié le titre ou les prénoms et on reprenait la licence comme tel chez nous, sauf Gunnm ! Glénat, l’éditeur Français est aller directement au Japon pour avoir les droits de publication. Ce qui fût une première me semble t-il. Ce qui explique la fidélité des prénoms et du titre du manga chez nous.   Que dire de l’ambiance du manga qui se veut un mélange de pleins de chose. Au début, Gally est une chasseuse de prime à la Blade Runner, puis elle deviens sportif et le récit devient plus un manga de sport qu’un manga SF. Pour ne pas trop spoiler, l’ambiance va encore changer en une ambiance apocalyptique à la Mad Max, tout ça pour dire que tout les deux tomes, il va y avoir du changement et on ne sait jamais à quoi s’attendre. C’est clairement une énorme force pour moi : surprendre les lecteurs en changeant d’ambiance tout en étant cohérent à l’univers du manga, c’est fort ! Il faut dire aussi que Gally change beaucoup aussi, elle devient plus mature, plus perturbée aussi, mais il y a toujours des changements, des nouveaux pouvoirs, de nouveaux lieux, des nouveaux personnages attachant aussi bien des personnages principaux que secondaires...tout ça permet aux lecteurs d’être captivés, c’est ingénieux et ça demande une certaine maîtrise que l’auteur possède ! Un petit mot sur l’humour de l’œuvre qui est constant et qui permet de souffler un peu aussi. J’ai vraiment aimé cette humour qu’on peut qualifier d’Humour noir mais jamais blessant, sans oublier qu’elle peut sortir de nulle part. L’exemple que j’ai en tête est le Tome 6 où Gally s’en prend à Yorg, un de ses alliée, se dispute avec Forgia, dit qu’elle peut se faire une armée à elle toute seule...mais flippe devant un papillon, voilà un bon exemple de l’humour dans Gunnm. C’est un élément toujours présent mais toujours bien dosé.   Il y a vraiment des bonnes blagues, à condition d'aimer l'humour noir !            Move To the left, Move to the right !   Il est intéressant de constater que Gunnm se rapproche de plusieurs manga dans sa conception. Le premier manga en tête est Ghost In The Shell qui est bourrées d’annotations pour gagner en crédibilité. Gunnm suit le même chemin mais avec largement moins d’annotations que Ghost In The Shell (ceux qui l’ont lu savent de quoi je parle) mais permet de comprendre certaines notions scientifiques ou des techniques de combat comme les Nanomachines ou le Panzer Kunst par exemple. Un autre manga qui à probablement influencé Yukito Kishiro est JoJo's Bizarre Adventure (1986), surtout l’arc du Motorball. Je pense que Jashugan à été inspiré par un des Jojo (le style de dessin) mais aussi le moment où Gally met son cœur en jeu, ça sonne très Jojo, je trouve.   Le Saviez-Vous ? Rock'n Roll !   Comme je parle de JoJo's Bizarre Adventure, je ne peux pas faire l’impasse sur les références musicales (principalement Métal) présent dans Gunnm. Voici une petite liste non exhaustif :   - Le logo sur le front de Zapan est en faite le logo du groupe Blue Oyster Cult (Don’t Fear The Reaper, Godzilla, Black Blade, Veteran Of Psychique War) - Gally chante Big Generator dans le Tome 5, c’est une chanson du groupe YES (Owner Of Lonely Heart, Roundabout) - Les logos de Megadeth et Scorpions sont visible comme sponsor dans les tribunes du motorball - Une drogue que Zapan veux prendre (Tome 5) s’appelle Ram It Down, c’est le nom d’une chanson et de l’album de Judas Priest - Une des section du motorball (ou virage) s’appelle Tubular Bend, c’est très proche de Tubular Belt, le nom du 1er album de Mike Oldfield (et aussi le thème de l’Exorciste) - Le bar que fréquente les chasseur de prime s’appelle Kansas, c’est le nom d’un groupe de rock (Dust In The Wind)     Voici les albums dont l'auteur doit être très probablement fan !   Attention aux Versions !   Il y a 2 version d’édition chez nous, tout les 2 sont édités par Glénat. La différence entre ces deux versions sont des traductions différentes mais surtout que la 1er version n’a pas les références rock que je viens de citées, pour une question de droit à mon humble avis. la nouvelle version contient toutes les références, donc si vous voulez acheter le manga, prenez plutôt la nouvelle édition (vous n’aurez pas trop le choix car la 1er édition est très dur à trouver)   Il n’y a pas que des références rock dans Gunnm ! Il y a dans le manga des termes lié à la mécanique comme avec le personnage de Knuclehead qui est une référence au surnom du moteur de la Harley Davidson, ou encore le terme « Tuned » qui signifie régler, commander, mais aussi Accorder (comme un instrument) et être à l’écoute…. l’auteur joue beaucoup avec les mots. Il faut savoir qu’en plus d’aimer le rock, Yukito Kishiro adore les motos ! Il fait aussi référence à l’univers aquatique avec le personnage de Barjack qui est en réalité un poisson (Carangue franche chez nous)   Venons au point qui tâche un peu le tableau. Malheureusement, Gunnm à souffert d’une coupure abrupte et d’une fin expéditif due à un traumatisme de son auteur qui à dépêcher de finir Gunnm. Apparemment, il serait question d’un accident de moto mais c’est à prendre avec des pincettes car cela n’a jamais été confirmé par l’auteur et il ne veut surtout pas en parler. Quoiqu’il en soit cela à vraiment marqué le manga.   Le Saviez-Vous ? Gunnm dans les Jeux Vidéo   Yukito Kishiro, frustré de ne pas avoir pu faire un épisode précis qu’il voulait mettre dans son manga, avait en tête de faire un RPG qui retrace l’histoire de Gunnm avec ce passage appelé « l’épisode Spatial ». Cela aurait dû être un RPG en 2D mais finalement ce sera un Action-RPG sur Playstation. Le jeu sorti en 1998 par Banpresto, studio spécialisé dans les adaptations de manga/Animé en Jeux-Vidéo. Le jeu s’appelle Gunnm no kioku (Gunnm : Mémoires de Mars) et n’est sorti qu’au Japon, alors si vous êtes fan du manga et que vous savez lire le Japonais….   Pochette du jeu sur PS1       Conclusion   Je pense que l’essentiel du manga est dit et je suis conscient que je n’ai pas tout traité. Gunnm est un manga qu’il faut lire si vous êtes fan de Science Fiction. Gally est une héroïne vraiment remarquable et on finit par aimer tout les personnages, même secondaires. Ce n’est pas pour rien que Gunnm est souvent décris comme un classique et à juste titre car c’est un manga qui nous parle ! On sent la volonté de son auteur de s’exprimer sans être moralisateur. C’est un manga qui n’a pas vieillit et dont on prend toujours du plaisir à lire et à relire.      
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Sleeping With Hinako [Nouvelle Version]

Avez vous déjà vu un OVNI ? Je ne parle de l’Objet Volant Non Identifié mais d’une œuvre considérée comme OVNI. Il faut dire que la Japanimation aime bien tout ce qui est décalée comme par exemple Plastic Nee-San (2011), Doki Doki Littérature Club (2018) pour ce qui est du jeux vidéo ou encore l’arc Endless Eight de La Mélancolie de Haruhi Suzumiya (2009). Cependant, l’animé du jour à atteint un autre niveau en matière du « What The Fuck ?! », il est très spéciale dans son concept mais il n’est étonnamment pas si populaire que ça. Autant vous le dire tout de suite, il n’est pas extraordinaire mais son originalité à eu le mérite de m’intriguer, laissez moi vous (re)présenter Sleeping With Hinako.       Et ben ! ça promet !   ! Important ! Il s’agit d’une nouvelle fois d’une réinterprétation de cette animé, globalement mon avis reste le même mais comme il y a eu un débat sur ce sujet (moi qui croyais que cela serais Evangelion😅) et que beaucoup de chose intéressante ont été dit, il était normal que je revois ma copie en étant plus objectif. Il aurait été vraiment dommage de ne pas mettre en avant ces opinions et je remercie pour vos avis car de certaine manière, vous avez un peu fait l'article à ma place ! Bonne relecture !                    Et 3 nuits par semaines….On avait dit d’arrêter tes bêtises !   Sleeping With Hinako est un OAV sorti en 2010, réalisé par Kimura Shinichirô mais en vérité, il s’agit d’un ensemble d’OAV sortis avec une année d’intervalle et sert de « complément » au deux autres OAV que sont Trainning With Hinako (2009) et Bathtime with Hinako & Hiyoko (2010) Revenons un peu sur le réalisateur, Il est plutôt connu pour son travail de storyboarder sur quelques épisodes de Carnival Phantasm (2011), l’excellente parodie de Type-Moon (Fate stay/Night pour les non initiés) mais c'est surtout son travail sur Les Héros de la Galaxie (1988-1997), un bon gros classique du Space- Opéra ! Malheureusement, Sleeping With Hinako n’est pas l’animé qui va le mettre en valeur. Le studio qui s’en occupe est le Studio Hibari, ils ont participés au film Mobile Suit Gundam - Char Contre-attaque en 1988. Ils ont aussi été intervallistes sur Gunslinger Girl (2003) ou encore Fate/Apocrypha (2017) pour ne citer que les animes les plus connus auxquels ils ont participés et j’insiste sur ce mot ! Techniquement, je pense que c’est une équipe qui à créer Hinako et quand au studio Hibari, il s’agit plus d’un studio qui servent de mains-d’œuvre qu’autre chose. Ce genre de pratique est très fréquent car par exemple la Gainax à déjà fait ce genre de chose sur justement Mobile Suit Gundam - Char Contre-attaque avec la participation du créateur d’Evangelion ! A part cela, en tant que studio d’animation, ils ont rien fait de connue.       Voici les autres OAV en question     J’ai appris qu’apparemment Hinako est une humaine qui s’est réincarnée en héroïne d’animé, ce qui est plutôt étrange comme information mais bon, certain crois bien une fille qui viens du futur, et qu’elle voyage dans le temps pour enquêter sur une faille dans le continuum espace-temps ! Je rigole mais ce petit détail peut cacher quelque chose de beaucoup plus ‘social’ Nous voilà donc au synopsie : Hinako est une jeune fille qui vous invite un soir chez elle pour…. Dormir. Non, non, ce n’est pas une blague ! L’OAV consiste bien à mater une jeune fille douce et innocente à dormir pendant tout le temps de l’OAV, J’avoue que le programme du jour est loin d’être palpitant.                     De vous à elle, en passant par moi !   Vous devez comprendre quelque chose avant que je continue, c'est qu’il s’agit d’un animé interactive ! C’est à dire ? Hinako est un personnage qui va directement vous parler comme si vous étiez là. Pour faire simple, vous êtes l' acteur principal de cette OAV. Malheureusement, on est loin, très loin d’un Black Mirror: Bandersnatch (2018) pour ce qui est de l’interactivité, pour une simple et unique raison : Comment je suis censé avoir de l’interaction avec une fille qui dort ? C’est comme jouer avec votre chien ou votre chat alors qu’il dort, on ne peut pas vraiment dire qu’il va s’amuser ! (et vous non plus)   Tu va arrêter de me mater, j'essaye de dormir, moi !   Après une courte présentation d’ Hinako sur son ‘incroyable’ projet de passer une bonne nuit, elle finit par aller dans son lit, difficilement car elle veut s’amuser avant de dormir. Vous lui faite des chatouilles, tout le monde rigole un bon coup et c’est le dodo…. Ne sortez pas cette phrase hors de son contexte, pas la peine d’appeler la police. Nous y voila enfin ! Au bout de 5 minutes, Hinako s’est endormie. Et maintenant ? Que va t-il se passer ? Euh...elle dort et c’est tout ! Pas de combat, pas de blague, pas de drame, même pas une petite musique, rien, juste le sommeil !   Il se passe bien quelque chose mais c’est pas fou-fou : elle change de position lorsqu’elle dort et étonnamment beaucoup de fois puisqu’elle ne fait que de changer de position, tantôt à droite, tantôt à gauche, parfois sur le dos, dans le domaine de la ronflerie, on appelle cela l’effet toaster, sauf que normalement, on fait ça quand on arrive pas à dormir mais Hinako à vraiment le sommeil profond, je me demande c’est quoi son secret.   Il y a bien à truc à faire mais c’est pas glorieux, c’est de jouer les pervers en prenant plaisir à la mater, surtout que le staff derrière cette OAV vous ont tendu une sacrée perche! Il faut être aveugle pour ne rien remarquer tellement il y a des plans cocasse, d’autant que mère nature (ou le chara designer plutôt) l’a bien gâtée physiquement !         Quelques exemples de variation extraordinaire d'une personne qui dort, et dire qu'ils en ont fait un OAV !    Une de mes erreurs était d’avoir critiqué son physique et son accoutrement mais en réalité c’est plus le parallèle entre Hinako et nous, spectateur. Je crachais sur cela mais je n’ai rien contre les formes et même les petites tenues mais ça donne ici un côté malsa...Dérangeant excusez-moi 😉 Pourquoi ? Déjà, imaginer être à la place d’Hinako mais avec votre personnalité : vous aimerai qu’un homme dont vous avez eu la gentillesse d’avoir invité à dormir chez vous, vous regarde pendant votre sommeil ? Peut-être dans le cas où c’est votre copain mais ici, ce n’est pas le cas, où plutôt pas encore le cas.   Alors, oui, je trouve qu’elle est aguicheur pour des Hommes en manques mais c’est pas comme si c’était nouveau dans le monde des animes et puis ça à l’avantage qu'on puisse jouer les voyeurs sans se prendre une claque dans la gueule…. dit comme ça, c’est plutôt avantageux ! 😉 Dans un premiers temps, je dirai qu’il s’agit de voyeurisme et c’est un fantasme qui est très souvent mis en avant dans certains animes, surtout ceux qu'on appelles les Ecchis.   C’est quoi un Ecchi ? Ecchi veux dire « pervers » et se prononce « Etchie » mais ça renvoi surtout à un genre d’animé où les références/Connotation sexuelles sont quasiment constant sans aucune raison, si ce n’est que pour les yeux ! C’est le genre qui veux cela !   D’ailleurs, ça va me permettre de faire le point sur le genre : Le Ecchi n’est un Hentai ! Beaucoup de gens confondent le Ecchi avec le Hentai (voire même avec le Fan Service) à cause qu’ils traitent du sexe de manière plus ou moins directes, erreur très fréquent et compréhensible car parfois la limite entre les deux genres est très floue.   Pour faire très simple, le Ecchi est à l'érotisme ce que le Hentai est à la Pornographie, dans le sens où on doit voir les organes génitaux en action (en général, en plan rapproché), ce n’est pas parce qu’on voit clairement des seins, par exemple, que c’est forcément du Hentai !                                                                                          2 exemples d'anime Ecchie : high school dxd à gauche et high school of the dead à droite   Je vais illustrer mon propos : Imaginer deux personnages qui pendant un épisode vont à la plage mais c’est le seul épisode où ils s'y vont. Il y a une petite blague sur le sexe, subtile mais rien de méchant, c’est du Fan Service !   Maintenant, imaginer ces mêmes personnages mais où les blagues/Référence/Allusion sexuelles fussent tout les 2 minutes et qui sont inutilement trop directes, voire vulgaires, c’est du Ecchi !   Et enfin, imaginer encore les mêmes personnages, mais là, ils couchent ensemble et vous voyais tout, c’est du Hentai !   Bien sûr ce n’est qu’un exemple, ils ne vont pas nécessairement à la plage tout le temps et puis ça dépend aussi des animes ainsi que des références sexuelles plus ou moins soft, bref c’était pour illustrer les différents genres. Personnellement, je n'aime pas les Ecchis car c'est vraiment des références sexuelles abusés mais au Japon, c’est un genre qui marche bien.   Pour ce qui est d’Hinako, on peut dire que c’est du Ecchi, dans le sens où les illusions sexuelles sont tout le temps présent visuellement et en plus sans dialogue, On peut qualifié de cela d’un exploit !     Le Saviez-Vous ? Ces Animes qui deviennent des Ecchis sans vraiment de raison !   Il arrive aussi que des animes, mangas qui sont à la base classiques dans leurs formes, finissent par devenir des Ecchis, probablement pour captiver encore plus des jeunes mâles en chaleurs et comme chacun le sait, le sexe et la violence ça fait vendre ! L'exemple le plus connus reste Fairy Tail, mais même les jeux vidéo s'y mettent comme la série des Blazblue.         Après avoir perdu définitivement les lectrices, revenons à notre Hinako et à son profond sommeil ! Parlons technique maintenant et c’est pas le top. Pourquoi ? Les séquences où elle dort (soit quasiment tout la durée de l’OAV) sont en faite des plans qui se répètent en boucle, avec peu de mouvement, normalement, je dirai que c’est du feignantise assumé mais dans le cas où il n’y a qu’une fille qui dort comme intrigue, c’est plutôt dur de juger.   La bonne nouvelle est qu’il n’y a pas que des scènes où Hinako dort car on entre aussi dans ses rêves. La mauvaise nouvelle est que ces scènes sont très courts,surtout que ces scènes n’apportent rien : Elle tombe du lit, avoue qu’elle nous aime, nous embrasse, chante une berceuse….Comment ça elle nous embrasse !? Ce fût mon deuxième erreur, j’ai oublié de parler de cette scène parce que je pensais que ça n’avais aucune importance mais en y pensant, c’est plutôt étrange qu’un moment, comme ça, elle veux nous embrasser. Certes, il y avait un de ses rêves qui nous met sur la voie mais je croyais que c’était interactive dans le sens où normalement j’aurais mon mot à dire mais il n’y a aucun choix à faire, ça se fait comme ça ! L’avantage de ces petites 'interruptions', comme quand elle va chercher à manger au frigo, c’est qu’au moins, ça deviens vivant mais pas forcément passionnant malheureusement. Il y a aussi cette histoire de complexe de poids, on voit deux scènes qui se contredit : dans l’une de ces scènes, elle a perdue du poids et elle est heureuse mais dans l’autre scène qui arrive plus tard, elle a pris du poids, j’ai vaguement l’impression d’être passer à côté de quelque chose.     Ah Ah ! La main dans le sac !     Ce que vous devez savoir également, c’est que cette OAV dure initialement 44 minutes environs et qu’ils risque d’être les 44 minutes les plus longues de votre vie ! Voici un peu près la structure de cette OAV :     - 5 minutes où elle va au lit   - 20 minutes où elle dort et change de position de temps en temps   - 26 seconde de rêve où elle avoue qu’elle nous aime (une fantaisie donc)   - 1 minute où elle dort mais se réveille   - 2 minute où elle chante une berceuse et se rendort   - 10 minutes où elle se réveille et se rendort tout les 2 minutes avec à chaque fois, une interruption (vous suivez?)   - 5 minutes où (enfin) elle se réveille car c’est le matin     Vous vous demandez probablement si j’ai effectivement bien regardé cette OAV dans son entier, sans tricher,je vais être sincère avec vous : Tonnerre de Brest, Oui je l'ai maté et j’en suis pas fier. Je me suis jamais autant ennuyé depuis l’arc Endless Eight de La Mélancolie de Haruhi Suzumiya (2009). Le pire c’est qu’il y a 3 fins différentes ! Une fin où elle à bien dormit, une autre fin où elle a mal dormit et enfin celle où c’est vous qui avez mal dormis, pourquoi 3 fins ? C’est une bonne question.     Les plans sont...comment dire….bien choisis                        La nuit porte conseille !   Avant de vraiment expliquer pourquoi j’ai décidé de traiter cette OAV, je vais dire mon petit mot sur les autres OAV.   Commençons avec Trainning With Hinako , ici, il n’est plus question de dormir mais de faire du sport ! c’est une série d’OAV dans une série d’OAV (Inception Hinako ?)   Il y a 3 mini épisodes où elle propose des exercices précis : un épisode de 5 minutes, puis un autre épisode de 3 minutes et pour finir, un épisode de 15 minutes d’exercices pour un total de 23 minutes environs de sport ! Bien sûr, il faut bouger avec elle pour que cela à un sens, c’est toujours mieux que dormir. Malheureusement, on va pas se mentir, c’est une fois de plus un prétexte pour mater Hinako bouger son corps. J'ai appris récemment qu'ils ont sortis une application mobile avec un coussin (vous savez comme pour les coussin Waifu) pour s’entraîner à faire du sport avec Hinako, où il faut se baisser pour l'embraser et qu'elle se déshabille de plus en plus en fonction de notre effort ! Ils ont fait pareil avec la sieste.   Quand à Bathtime With Hinako and Hiyoko, c’est un OAV de 35 minutes où dans un premier temps Hinako et sa copine sont dans un bain et se nettoie, et c’est encore plus dérangeant qu’auparavant. D’abord, j’ai vraiment un doute sur leurs âges, surtout Hiyoko et le fait de ‘participer’ à ce nettoyage (interactive , tout ça) rend plutôt l’expérience...désagréable. J’ai faillit oublier qu’Hinako aime beaucoup, beaucoup, beaucoup compter ! Je vous jure qu'à un moment, elle compte jusqu’à 100 en prenant son temps ! Puis, dans la 2ième moitié de cette OAV, Hinako redeviens votre prof de sport, avec ses étirements et tout le tralala.   Il est grand temps de vous expliquer pourquoi j’ai consacré du temps pour notre chère Hinako, en vérité, j’ai vu ces OAV il y a un petit moments déjà, intrigué par ce qu’ils proposaient, mais ce qui m’a poussé à en faire un article, c’est que j’ai appris récemment que ces OAV sont sorti en DVD chez nous, édité par Kazé et en français intégral ! Mais pire encore ! Ils sont mêmes sorti en Blu-ray au Japon pour la somme de 27 euros environs ! Vous pouvez vous acheter pour moins chère l’intégral d’Evangelion et de Cowboy Bebop en même temps sur le net, ça fait réfléchir.     C'est...euh….   Le Saviez-Vous ? Il va avoir du Sport !   Il existe un autre animé sorti en 2015 qui reprend le concept d’Hinako qui s’appelle Ani Tore! EX. Cette nouvelle Waifu va vous apprendre en moins de 5 minutes à faire quelques exercices ! Il a un nouveau marché ou quoi ?     Il y a de la concurrence maintenant ?!   Pourquoi je m’attarde sur le fait que c’est sorti en DVD ? Pour la simple raison que la cerise sur le gâteau est qu’on peut programmer nos nuits. Le DVD permet en faite de programmer les nuits avec Hinako en réglant sa durée et les évènements qu'on souhaitent. C’est à dire que vous pouvez prévoir de mal dormir avec Hinako ! Ce qui veux dire aussi que la durée de l’OAV est de 44 minutes MINIMUM et qu'on peut aller jusqu’à 10 Heures ! Vous passer littéralement une nuit avec votre lecteur de DVD, d’où les multiples fins. Pourquoi tout ça ? Je voulais juste regarder un animé, pas faire du sport ou la sieste, il existe les club de sport pour ça et certains spectateurs ont une copine/Copain alors pourquoi je….attendez, et si je m’étais trompé depuis le début, et si ce n’était pas un animé, je m’explique.   Ce fût mon plus gros erreur, pendant tout ce temps, j’ai traité ces OAV comme des OAV, c’est à dire avec une intrigue, une ambiance etc... alors qu’en vérité, c’est plus proche d’un « Outil » qu’un animé. J’avoue que je n’y avait pas pensé, comme un peu tout le monde en faite, c’est un peu comme si j’avais dit que le DVD du code de la route était un mauvais film, voyez le niveau de ma connerie ^^   C’est bien beau mais sa répond pas à ma question, pourquoi mais surtout pour qui ? Le public visé est évidemment les Otakus, c’est à dire les passionnés de manga mais c’est même encore plus élitiste car il concerne « les gens trop passionné de manga ». Ce sont des gens qui s’isolent pour leur passion et reflète un mal être en société. Je n’ai pas vraiment d’argument pour l’expliquer car ça serait vraiment trop long de tout expliquer mais je vous conseille le film Otaku No Video (1991) qui est un semi-documentaire sur les Otakus, le film se montre comme un hommage à ces personnes mais il montre aussi tout les travers (Solitude, Jugement, accro à la pornographie etc.), je tiens à rassurer que tout les Otakus ne sont pas comme ça et heureusement d'ailleurs.   L’utilité de cette OAV est justement de se sentir moins seul et permet entre autre d’avoir un lien social et l’interactivité du soft prend ce sens. Le fait qu’Hinako dort constamment est justement parce qu’on est censé dormir avec elle d’où l’inutilité de plan travaillé (même si ces plans le sont pour ce qui est du fantasme sexuel). Il faut un peu le voir comme une veilleuse de nuit mais pour adulte pour ne pas se sentir seul. Il en est de même pour le sport, cela permet de faire une activité avec quelqu’un comme sa copine, voire sa petite copine ou tout simplement une sœur, ce qui explique l’histoire d’Hinako qui était une humaine autrefois     Une bon bain et quelque exercices ! J'ai trouvé ma nouvelle prof !     Cependant, je trouve cette pratique discutable car il s’agit d’une vie illusoire et peut avoir des conséquences énormes. Il faut savoir qu’au Japon, des Otakus qui épousent leurs oreillers à l’effigie de leurs héroïnes est une pratique qui se fait, il y a même eu une personne qui à épousé sa 3DS ! Il peut arriver que ces personnes réalisent que tout est factice, ce qui peut provoquer un choc émotionnel important qui peut conduire au suicide. Bien sûr, tout ça ne concerne qu’une partie des Otakus (probablement minoritaire), on a jamais entendu ce genre d’histoire en France, du moins je n’en n’est jamais entendu par rapport au manga.   De plus, comme je parle de la France, pourquoi ça arrive en France ? J’avoue que je ne sais pas, la seule hypothèse que j’ai reste l’appât du gain, montrant ainsi comment certains éditeurs représentent les Otakus, j’aurais presque envie de dire qu’ils profitent de nous mais je pense que je dit encore une bêtise (on commence à s’y habitué de ma connerie XD)     ça vend du rêve et en Haute Définition en plus !     Parlons du doublage, il y a bien une Seiyū derrière Hinako et c’est Mai Kadowaki qui s’en est occupée. Son rôle la plus connu reste Illyasviel von Einzbern dans Fate Stay Night. Bon, après niveau doublage, je ne peux pas m’en plaindre vu qu’elle dort, même  je dois vous avouer qu’elle a une voix plutôt énervante lorsqu’elle parle mais c’est mon point de vue. Comme je l’ai dit plus tôt, il y a un doublage français mais malheureusement je n’ai pas trouvé le nom de la doubleuse.   Le Saviez-Vous ? Rock’n Roll   Mai Kadowaki à fait une reprise musicale de Pretty Fly (For A White Guy) des Offspring sur la compile Voice Actresses' Legendary Punk Songs Collection (2002). On y retrouve aussi Kaori Shimizu (Serial Experiments Lain) ou encore Rie Tanaka (Mitsuru Kirijo dans la série des Persona)       On est donc à l’opposé total d’un Me!Me!Me ! Ou de The End Of Evangelion qui critiquent très violemment l’image des Otakus, l’avantage de cette OAV est donc de voir d’une certaine manière la vision d’un Otaku mais attention quand même, il faut le prendre avec des pincettes. Une autre réflexion me vienne à l’esprit, à ma connaissance il n’existe pas l’équivalent pour les femmes, il existe des fantasmes pour les femmes dans les mangas comme les romances entre Hommes ou le fait qu’ils ont un corps d’athlète, pourquoi ce mis à l’écart ? Probablement qu’il y a plus d’homme Otakus que de femme Otakus, une fois de plus on entre dans le critère marketing, du moins c'est mon avis. Au fond ce qui m’a le plus choqué est cette présence de vendre cette OAV comme un objet à fantasme car après tout, on ne sais pas ce que font les acheteurs avec Hinako. Je ne les blâment pas, c’est humain mais on peut étendre cette vision sur tout les animés existant car les waifus, il y en partout !         Et Boum ! Elle est encore tomber du lit !            Une Conclusion et au Dodo !   Devrai-je vous conseiller Sleeping With Hinako ? Si vous êtes seul et désespéré, peut-être vous trouverais votre bonheur mais je voudrai quand même bien insister sur la moralité de cette OAV, est ce vraiment une solution ? Est-ce que ça n’encourage pas au contraire la solitude et le phénomène du hikikomori ? (personne qui reste enfermé chez lui et sort très rarement pour des besoins primaires), il y débat (mais vous le saviez déjà XD). Cependant, je ne vais pas vous déconseiller d’essayer cette OAV car il est trouvable sur Youtube ainsi que Training With Hinako, histoire vraiment de se rendre compte de l’expérience. Pour ma part, je ne regarderai plus ce genre d’animé, ce fût ma première et ma dernière fois. Je ne pensais pas que ce genre d’animé puisse autant m’épuisez avec beaucoup de débat mais au moins je pense avoir réussis à présenter cette OAV, à la prochaine tout le monde et d’ici là, faite de beau rêve 😉       Un petit cadeau parce que vous avez été sage ! Un jour, je vais avoir des problèmes avec les femmes ! 😅
DrunkenPenPen

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Alita Battle Angel [Nouvelle Version]

Après Ghost In The Shell et Nicky Larson, c’est au tour de Gunnm de passer à la casserole pour être adapté sur grand écran, et autant vous le dire, il a su nous faire languir ! Beaucoup de gens était pessimiste à l’idée de cette adaptation et je les comprend (Dragon Ball Evolution ou Death Note en tête). Je n’ai pas l’adaptation de Ghost In The Shell dans mon cœur mais j’en parlerai en temps et heure. Cependant, d’autre personnes (dont moi) ont aussi eu l’espoir de voir une adaptation fidèle du manga, mais qu’en est-il ? On a tellement pas eu de chance avec les adaptations d'Hollywood, et d'ailleurs aussi ! Cependant, le monde des manga intéresse de plus en plus les cinéastes, on a eu droit au très bon  Illang : The Wolf Brigade (2018) d'Hiroyuki Okiura malgré un échec cuisant au box office. Alita sera t-il à la hauteur ? Je précise qu'il s'agit de mon avis dans cette article, comme les autres d'ailleurs ! Vous pourrait toujours vous exprimez dans les commentaires à propos du film, ça serait avec plaisir de débattre avec vous  🙂      ! Message Important ! Cette article à été modifié car je n'étais pas satisfait du résultat (et vous non plus d'ailleurs). Il est sorti trop tôt et avec un sentiment de travail bâclé.  C'est pourquoi, Alita mérite un meilleur article, surtout que le film est vraiment génial et je ne lui fessais pas honneur ! Mon avis à aussi été modifié sur certain points suite à vos remarques car il n'y a que les idiots qui ne change pas d'avis ^^ L'article sera construit petit à petit avec soin et aura des modifications jusqu'à ma satisfaction personnel. Bonne Lecture cette fois-ci 🙂             Une des affiche du film !               I/ Alors, On pars à Zalem ou Pas ?   Avant tout, sachez que je n’ai lu que les premiers tomes du manga au moment où j’écris ces lignes et que j’ai traité l’OAV ! Il est préférable d’aller voir le film avant de lire mon article ainsi que mon article sur Gunnm, je vais essayer de ne pas trop spoiler. On doit cette adaptation à Robert Rodriguez, cinéaste assez critiqué pour ses films qui vont du très bon au très mauvais. C’est ces collaborations avec Tarantino qui font la qualité de ces films. Personnellement, je vous conseil les très bon Desperados (1995), Planète Terreur (2007), Machete (2010), Sin City (2005) ou encore Groom Service (1995) Cependant, c’est James Cameron et Laeta Kalogridis qui sont au scénario. Pour être précis, c’est une bonne partie de l’équipe qui travaillais sur Avatar qui sont au commande, plutôt rassurant !   L'adaptation de Gunnm à prit un certain temps avant de pouvoir être réalisé. On le doit d'abord à Guillermo Del Toro qui à fait découvert Gunnm à James Cameron, ils ont ensuite commencez à travailler ensemble sur le projet après avoir acheter les droits. De base, c'était Jean-Pierre Dionnet (cofondateur du magazine Métal Hurlant et Les Enfants du Rock) qui voulait acheter les droits et c'était Kirk Wong qui devait le réalisé. Apparemment, James Cameron à fait  "une offre qu'ils ne pouvaient pas refuser" (à dire avec la voix de Vito Corleone) et l'ont finalement laissé les droits à Cameron.   Le Saviez-Vous?   James Cameron et Guillermo Del Toro sont de très bon copain depuis le début des années 90 ! En 1997, le père de Guillermo Del Toro se fait kidnappé par des gens peu scrupuleux à Guadalajara. Ses ravisseurs demandent  un million de dollars pour sa libération. Malheureusement, Guillermo n'a pas cette somme parce qu'il travaillait sur le film Mimic (1997).    C'est James Cameron qui l'aida en embauchant un négociateur pour payer la rançon. Avouez que c'est une histoire de fou !       Une photo des deux copains !   La production d'Alita commence en 2003 mais ne verra le jour qu'en 2019 pour une simple raison : Avatar ! Ce film fût un frein pour Alita mais fût aussi bénéfique car la technologie du film va énormément servir pour Alita, de plus, le scénario est terminé ! Malheureusement pour Cameron, il préféra misé son travail sur les suites d'Avatar car selon lui, le message est plus important alors qu'Alita, c'est une "bonne histoire", mais il reste producteur du projet.                 II/ Alita débarque en force !   Je vais être franc, c’est un très bon film, en plus d’être une bonne adaptation !  Sa principale force viens de ses effets spéciaux qui rend le film sublime, l'équipe technique n'ont pas chaumé tellement le film est beau. Dès la scène d'ouverture, le film nous éblouie par sa mise en lumière et cette ville/Décharge qu'est Iron City. Iron City ? C'est la ville de Kuzutetsu dans le manga mais bon, c'est plus simple à retenir ! Je n'ai malheureusement pas vu ce film en 3D mais d'après Jon Landau "On a voulu une véritable 3D, pas l'arnaque proposée par la plupart des films" (Source : FilmsActu)   Comment on-t-il fait ? Le film à été filmé en 3D pendant son tournage et non en Post Prod comme la majorité des films, c'est donc une volonté des réalisateurs (Cameron et Rodriguez). Ce sont des caméras que Cameron à conçu lui-même mais surtout la motion capture qui a permit de faire le film. Ils l'ont fait comme un jeux vidéo : les acteurs jouent leurs scènes puis sont refait avec la 3D (des capteurs sont posé sur leur combinaison), donnant ce croisement entre réalité et 3D. Par exemple, le visage d'alita est réelle (sauf les yeux ^^) mais son corps est entièrement en 3D avec le corps de l'actrice comme modèle.   Le Saviez-Vous ?   Je suis étonné de ne pas avoir parler une seule fois des yeux d'Alita ! Si vous avez suivi l'actu du film, vous avez entendu parler (et probablement vu) des yeux d'Alita. Beaucoup les ont critiqué et même moi ça m'avais un peu choqué. Le problème des yeux est qu'il n'était pas assez gros. Comment ! Oui, l'iris des yeux ont été agrandis de 30% et personne n'a rien vu !      C'est dingue comme un petit détail peut tout changer !     Puisqu'on est encore dans le domaine de la technologie, E-Penser a fait plusieurs vidéo sur le film (Merci à la personne qui me l'a dit ^^), ça serait bête de ne pas les voir :         Vous l’aurez compris, le film est agréable visuellement mais il est surtout dynamique. Les combats sont plein de dynamisme, électriques et en jette un maximum sur les spectateurs, et que dire du Motorball qui reste encore dans ma mémoire comme l'une des meilleurs scène du film ! C'est bien rythmé autant par les combats que par les moments "émotions", oscillent entre l'humour et des moments bien plus sombre. Je pense à la scène où Alita découvre le chocolat, c'est une scène très touchante et drôle à la fois ! Bref, on ne s’ennuie pas !   Parlons du Casting, c'est du 4 étoiles, on est d'accord ? Les acteurs jouent tous bien ! Ont retrouve Rosa Salazar dans le rôle d'Alita (elle jouait Lucy dans Bird Box, un tout autre rôle !), Christoph Waltz en Ido (Il jouait le colonel SS dans Inglorious Bastard ou le chasseur de primes Dr King Schultz dans Django Unchained  de Tarantino). Ed Skrein  en Zapan (Il joue Deadpool !) ou encore Jennifer Connelly pour Chiren (Elle joue Marion dans Requiem For a Dream ou Deborah dans Il était une fois en Amérique). J'ai juste noté que la voix FR du présentateur du Motorball n'était pas top, mais bon, on s'en fout un peu…. Il a aussi une très bonne surprise quand au choix de Desty Nova, qu’on ne voit qu’à la toute fin du film mais chut…   Un esprit de guerrier dans un corps de guerrier !   Quels sont les autres qualités du film ? Une certaine cohérence avec le manga, tout en ayant sa propre logique ! Le film a fait le choix de plus s'inspirer de l’OAV que du manga. Ça en avait déplu à certain mais personnellement, ça ne me dérange pas car l’OAV était suffisamment fidèle au manga. Je vous rassure, tout ce qui manquait dans l’OAV, l’armure berserker par exemple, est présent. C’est donc un bon compromis entre le manga et l’OAV pour ce qui est de son intrigue. J’ai aussi noté qu’un passage du film comprenait les 2 versions et ça m’a fait plaisir !   Alita (Gally) est assez fidèle à la version manga mais avec quelques différences plutôt agréables : Elle a un comportement d’adolescente, probablement pour toucher un public jeune mais qui l’a rend unique ! Elle devient touchante dans ‘ses conneries d’adolescentes’, on se sent proche ! Elle est aussi beaucoup plus révoltée envers Ido et les adultes, on peut parler de crise d’adolescente ! Tout le propos du film mise sur le passage de l’enfance à l’adulte, classique, certes. Les références auprès du corps sont nombreuses (le goût, le toucher, le berserker etc...), on assiste littéralement à une gamine qui devient une femme. Alita ne perd rien de son charme du manga, on retrouve aussi ses valeurs et ses combats. La Alita du film n’a donc rien à enviée à celui du manga, c’est 2 visions différentes du personnage.   Le corps est un thème très important dans le film !   En plus du thème du passage de l'enfance à l'adulte, on y retrouve une réflexion sur le transhumanisme. Selon Wikipédia, c'est le fait que la science aide à améliorer la condition humaine en augmentant son corps, c'est à dire remplacé des parties de son corps. C'est quelque chose dont beaucoup de monde sont passé à côté (dont moi) mais le transhumanisme est très présent autant dans le film que dans le manga. Il y a deux types de personnages augmentés dans le film: ceux qui l'ont souhaité et ceux qui n'ont rien demandé. Alita est de la 2ième catégorie dans ce film, d'ailleurs, la première fois qu'on la voit en "entier" est justement lorsqu'elle découvre son corps. Zapan est plutôt de la 1er catégorie, c'est quelqu'un qui est quasiment recouvert d'implant partout sur son corps et plus tard, on apprend qu'en faite, c'était partout sur son corps. Zapan est un chasseur de prime qui est dangereux parce qu'il est augmenté finalement ! Si vous avez vu ou lu le manga, un autre personnage important sera aussi augmenté, renforcent vraiment la réflexion du transhumanisme et de l'acceptation de soi.       Alita se découvre à travers le combat, comme dans le manga !   Le film suit sa logique et reste cohérent dans son univers et celui du manga et c'est déjà très bien ! Les chapitres du manga sont bien introduit dans le film, surtout le Motorball qui est essentiel dans le film. On notera de bonnes idées comme Victor qui ne fait plus du trafic mais gère des équipes du Motorball, c'est très cohérent. Le film à sa logique mais il est fidèle globalement au manga, je le répète mais quand on voit les anciens adaptations d'autres manga qui part dans des délires incohérent, Alita fait du bien ! Un autre point aussi concerne le rôle d’Ido envers Alita qui est beaucoup plus direct que le manga (Alita dit clairement ce que Ido représente pour lui) ou encore Hugo que je trouve mieux fait que dans le manga/OAV : beaucoup plus rebelle mais il garde son côté gentil au grand cœur….avec ses petits trafics ! On retrouve une aussi une bande de jeunes qui renforce l'aspect "Adolescent" du film. Ce choix écarte le thème de la solitude pour le personnage d'Hugo mais l'avoir fait comme un leader super sympathique d'une bande, ça lui va bien !  D’ailleurs, un des thèmes du film est le racisme envers les corps bioniques, c’est pas flagrant mais en y réfléchissant bien, le thème est bien présent. C’est surtout la présence d'un des "ami" d'Hugo qui n'hésite pas à se moqué et humilié Alita (à ses dépend ^^). Son rôle est peut-être trop prévisible mais comme il n'a qu'un petit rôle, ça passe crème (j'imagine Alita dire ça)     Alita et Hugo partage de vrais moments de complicité durant tout le film !   Les références au Manga ne sont pas aussi nombreux mais fera vraiment plaisir au fan du manga le champion du Motorball, qu'on reconnait bien malgré son changement de couleur. Le chasseur de prime qui traque ses cibles avec des chiens mécaniques est présent aussi, il n'a qu'un rôle infirme mais fera plaisir aux fans.                 III/ Zalem, c'est pas pour demain apparemment !   Certes, c’est une bonne adaptation avec de bonne idées mais il a ses défauts aussi   D’abord, la première chose qui m'a choqué dans le film est qu'il est très édulcoré, je m’y attendais un peu avant de voir le film mais pas à ce point ! Le film est trop polie, trop soft dirons même certain, non pas par rapport au manga (imaginer les têtes découpé pour un film grand public). Non, c'est plutôt  par rapport aux films standard ! (Chiren n'est même pas toute nue...attendez ! c'est une qualité ça ! je l'avais critiqué dans ma 1er partie sur Gunnm)   Il n’y a pas un seul gros mot, pas de décapitation, il y a bien une scène ou deux un peu hardcore, et en plus, j'ai même rit par rapport à une scène précis (Zapan vers la fin pour ceux qui l'ont vu). Par contre, le sang est bleu j'y arrive pas ! certain personnage, comme Zapan , et son pauvre nez, ont modifié leur corps (ça me rappelle Deus Ex) mais ils restent des êtres humains, non ? En faite, il y a très un peu de sang mais je trouve qu' il y a encore moins que d’habitude ! il ne reste pas sur le sol, sauf la scène mythique où Alita en met sur son visage, après je comprend pourquoi on ne montre pas d'où il viens, j'aime les chiens aussi ! Pourquoi ce choix ? Je pense qu’il faut s’en prendre à Hollywood ! Le film est tout public pour attiré un maximum de spectateurs, Venom avait apparemment le même problème...On ne peut que s’en prendre à la logique d’Hollywood !   C'est à ce moment que Zapan à compris, qu'il a merdé !     Un autre problème du film est son manque de développement pour certains personnages, surtout les personnages secondaires en faite. Bien que Chiren ne sert à rien dans le film (créer un robot et au dodo...mauvais choix de mot) elle reste intelligemment bien utilisé. Le problème est plutôt qu'elle est méchante, pour être méchante, un personnage fonction, quoi ! C’est un peu le problème du film : j’ai trouvé les personnages trop manichéen dans leurs démarche alors que dans le manga, il n’en n’est rien ! Seule Alita semble sortir du lot mais entre faire du mal pour soi et faire des bêtises, on ne peut pas vraiment parler de système manichéens. Pour un film qui se veut de ne pas être un blockbuster, c'est plutôt faux Mr Rodriguez.   Il est de même pour Ido qui est un hunter warrior plus pour payer sa facture de fin de mois plutôt que par plaisir (comme dans le manga, il faut que j'arrête de comparé). J'ai juste l'impression qu'on essaye de rentrer les personnages dans des cases, un gentil ne peut pas avoir un aspect sombre et l'inverse !  Il faut peut-être se dire aussi que le but du film est de présenté les personnages et non de trop les développés, pour une éventuelle suite….  Quand à la relation entre Ido/Chiren, bien que l’idée était vraiment pas bête, elle n’est pas développé et reste classique. Dommage, c'était vraiment une bonne idée.     Le pire reste pour moi le personnage d’Hugo qui est mis en avant durant tout le film mais dont son passé et ses rêves sont passé à la trappe…..c’est un choix incompréhensible car ça enlève une émotion forte à la fin du film et fait perdre une certaine grandeur sur le personnage, surtout que c’est une scène mythique…. Après coup, je pense que c'était un choix volontaire, il y a les amis de Hugo, du coup ça ne pouvait pas être possible   On retrouve Grewcica qui remplace Guryushika, dommage qu'il n'a pas la même profondeur que dans le manga !   On peut classer les personnages en deux catégories : Les Gentils et les Méchants ! Je critique non pas le fait que les personnages ne sont pas à 100 % respecté mais le fait que le message de l’œuvre original à été mis à l’écart….et c’est le gros défaut du film selon moi car ça donne l’impression que Cameron à lu le manga et vu l’OAV sans vraiment l’avoir compris, mais je pense que c’est encore la faute à Hollywood pour que le film entre dans les chartes. Il faut partir du principe aussi que le film se veut se démarqué du manga, au fond, ce n'est pas une mauvaise chose.   Le Saviez-Vous ? Parce que moi, non !   Alita Battle Angel va être adapté en roman par Pat Cadigan, une auteure réputée pour ses œuvres cyberpunk et qui a remporté de nombreux prix, c’est plutôt un bon choix !   Ce livre pourrait être un bon complément au film !   L’aspect philosophique du manga n’est pas non plus mis en avant, je dirais même qu’il est absent, ce n’est pas une petite phrase sur l’importance de nos actions qui fait que le film reprend l’aspect philosophique du manga. D’autant que le film se veut direct dans ses propos sans la magie du symbolisme, c’est dommage, probablement voulu dans le cas d'une suite mais quand même !   Un dernier défaut important pour moi est justement le symbolisme du manga qui est absent aussi ! Qu’est ce que représente Zalem pour Hugo, Chiren, Ido et Alita ? Le film ne répond pas à la question, en faite, ce n’est même pas une question ! Hugo veut aller à Zalem pour aller à Zalem, pareil pour Chiren. Tout le symbolisme du manga est effacé, comme la ville d’Iron City (Kuzutetsu dans le manga) qui est presque un bon lieu pour vivre, perdant son ambiance inquiétant et lugubre, du moins, je ne l’ai pas toujours ressenti, il fait toujours claire par exemple, pour être lugubre c’est un peu raté. Cependant, ça reste une ville dangereuse avec les chasseurs de prime et "les gardiens". Un petit mots sur les Flash-back présent dans le film qui ne sert pas à grand-chose, surtout à ce moment du manga, à moins d’une suite…       La scène du Motorball est inoubliable !             Conclusion….du coup c'est mort pour Zalem ?   Aller le voir, aller le voir et bon sang aller le voir !  Le film est très bien et reste une très bonne adaptation.On peut pardonner certains défaut malgré quelques un. Du coup, je pense que c’est une bonne adaptation, surtout avec les autres adaptations qui ont été souvent un massacre. Alita donne un vrai souffle dans les adaptations cinéma et ça fait du bien ! Malgré tout, je pense que le film ravira les non-initiés autant que les fans, si vous êtes pas trop à cheval sur certain point bien sûr. Quoiqu’il en soit, si Alita aura droit à une suite, je serai au rendez-vous…. Espérons qu’il convaincra Hollywood et les spectateurs.     Et Yukito Kishiro dans tout ça ?   Alors que le film est relativement assez boudé en Amérique et qu'il a un succès moyen au Japon, nous avons enfin eu l'avis de Yukito Kishiro, l'auteur original du manga et Il l'a adoré ! Beaucoup ce sont dit que si il l'avait bien aimé le film c'est parce qu'il n'allait pas enfoncer sa propre série mais il n'en n'est rien. Il a tellement aimé le film qu'il en a fait une affiche exclusive !  Il faut savoir aussi que le film est un carton en Chine   à gauche, l'affiche du film par Yukito Kishiro et à droite, l'affiche du film en Chine qui sont vraiment cool !        
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Gunnm (1er Partie)

Si vous suivez l’actualité cinéma, vous savez probablement qu’un des gros films du mois de février est l’adaptation du manga Gunnm , sortie sous le nom d’ Alita Battle Angel. Suite à l’annonce de cette adaptation, je me suis mis à lire le manga pour patienter avant d’aller voir le film. Le manga Gunnm est un classique des années 90, époque dont vous avez probablement remarqués que je suis assez friand ! Durant ma lecture de Gunnm, j’avais de plus en plus envie d’en parler et exceptionnellement, je vais traiter Gunnm en deux partie ! La 1er partie sera consacrée principalement à l’OAV sorti en 1993, quand à la seconde partie, elle sera consacrée au manga dans son ensemble et aux thématiques qu’il aborde. La seconde partie sortira après le film car je n’ai pas lu tout les tomes de Gunnm ! Quand à son adaptation Live, j’en ferait un paragraphe ou un article à part entière mais pour l’instant, commençons à nous plonger dans l’univers sombre mais optimiste aussi de Gunnm.       Couverture du DVD Gunnm                         Welcome To The Jungle  !   Avant de parler de Gunnm, parlons de son auteur, Yukito Kishiro. Il est connu exclusivement pour Gunnm bien qu’il a écrit des histoires courtes auparavant. Il s’agit d’un auteur très mystérieux et dont on ne sait pas grand-chose sur lui, si ce n’est qu’il a été influencé par la série Armored Trooper Votoms (1983) et par la série Gundam. Yoshikazu Yasuhiko (Character Design du 1er Gundam) et Rumiko Takahashi (auteure de Ranma ½ ) l’ont influencés en tant que dessinateur.   Le Saviez-Vous ?   Yukito Kishiro à embauché son petit frère, Tsutomu Kishiro, en tant qu’assistant manga depuis 1999. Ce métier consiste à vérifier les planches et à aider le mangaka dans le coloriage, encrage etc... . Les assistants manga sont très souvent de la famille car ça revient moins cher d’embaucher de la famille qu’un assistant ! Ils se connaissent bien et ils peuvent s’arranger pour le salaire, mais très souvent c’est du bénévolat ! Si vous avez un petit frère ou une petite sœur et que vous chercher de la main d’œuvre….  😉   Gunnm est publié entre Novembre 1990 et Mars 1995 en 9 tomes et raconte l’histoire de Gally (ou Alita dans sa version US) retrouvée dans une décharge par Daisuke Ido et n’ayant qu’une tête comme corps. Ido est un docteur en cybernétique et remet sur pied Gally dans son atelier situé dans la ville de Kuzutetsu, une ville qui sert de poubelle à la cité suspendu au dessus d’elle : Zalem !     Zalem, la ville qui fait rêver bien des personnages !   Malheureusement, Gally n’a plus aucun souvenir de son passée, mais elle retrouve des sensations de combat et décide de chercher la vérité sur son passé et de trouver un sens à sa vie. Ido va l’adopter et la considérer comme sa fille mais il s’avère qu’il est un Hunter Warrior, un chasseur de prime qui gagne sa vie en tuant des criminelles. Gally veux alors l’assister dans cette ville corrompu et violente.   La Renaissance de Gally dans la décharge !      Ce manga qui connut un grand succès dès sa parution, se voit 3 ans plus tard être adapté en OAV de deux épisode. Mais un OAV, c’est quoi ? OAV veut dire Original Video Animation, c’est un anime sorti directement en VHS, DVD etc.… Contrairement aux nanars, les OAV bénéficie d’un bon budget comme un anime diffusé au cinéma ou à la télévision. Il s’agit tout simplement du support visé et ainsi d’un public très précis. Le 1er OAV de l’histoire est Dallos comme je vous l’avez déjà dit sur mon article de Ghost In The Shell. La particularité des OAV est que très, très souvent, les auteurs ont tendance à se lâchés (Violence, Gore, Sexe et autre truc malsains) car la censure n’existe pas dans ces anime, vu qu’ils sortent directement en vidéo, d’ailleurs, ce fût un bon argument de vente pour l’éditeur Manga Vidéo et sa collection Manga Mania. Les OAV ont connus leurs âge d’or dans les années 80/90 et croyez moi, il y a des perles rares !   Les fascicules Manga Mania vendu avec le Film ou OAV en question !     Le studio en charge de cette adaptation est le Studio Animate Film. Ils sont pas beaucoup connus mais ils ont fait l’OAV Sakura Taisen, Guyver et Plastic Little (l’auteur est très connus pour ses hentai au passage). Le réalisateur est tout aussi inconnu : Hiroshi Fukutomi. La seule série connu qu’il a réalisé est Le Collège fou, fou, fou (1987) une des séries de mon enfance !                                              One Way Ticket To Zalem !   Gunnm (l’OAV) est donc sorti en deux épisodes : Rusty Angel et Tears Sign. Cette OAV fait un total de 55 Minutes, c’est très court pour résumer les 3 premiers tomes de Gunnm ! Yukito Kishiro a collaboré sur ce projet en donnant son avis mais l’équipe derrière l’OAV n’ont pas trop tenue compte de ces remarques. Malgré tout, l’auteur a bien aimé cette adaptation ! La première chose à dire est à propos de Gally, notre héroïne. Je pense que si un jour, je devait faire un classement des meilleurs personnages dans les anime, elle serait dans mon top 10 ! Gally est une femme (ou plutôt une cyborg mais bon) très forte sur le plan guerrier. Elle garde en elle, une forme d’humanité qu’elle souhaite conserver et ces combats sont souvent lié à l’humanité et à la quête de soi !     Derrière son visage d'ange, se cache une combattante badasse !    Elle va découvrir les éléments de la vie : Quête de sens, Amour, Tristesse, Vengeance, Gloire, Défaite etc.… ce qui la rend humaine. On peut faire le parallèle avec ce que j’avais dit sur le major Kusanagi dans mon article sur Ghost In The Shell, à la différence que Gally est beaucoup plus émotionnelle que le major, donnant un côté très Kawai à Gally.   Le Saviez-Vous ?   Si vous avez vus l’OAV ou lu le manga, vous avez certainement remarqués que la bouche de Gally est très spéciale ! En vérité, Yukito Kishiro adore l’univers maritime et son animal préféré est un poisson (je ne sais plus le nom, désolé !). Il trouve les poisson Kawai et c’est pour ça que Gally à une bouche de poisson. Heureusement que ce n’était pas un Blopfish !  😆     Gally est un personnage très marquée par son combat et est « la seule héroïne à réellement dépasser les stéréotypes sexuels » selon Bouthavy Suvilay (une journaliste spécialisé dans le manga). C’est un élément très intéressant car finalement, on retrouve l’image d’une héroïne indépendante qui n’a pas besoin de faire du Fan-service pour plaire à son spectateur, j’avais dit pareil pour le personnage de Nausicaä dans Nausicaä De La Vallée Du Vent.   Dans l’OAV, on ressent un petit peu la quête de soi de Gally mais pas autant que le manga ! En faite, l’OAV paraît bien vide comparé au manga, beaucoup d’éléments sont passé à la trappe ! Par exemple, le corps de Gally est dès le départ ‘invincible’ et elle botte des culs sans trop de problème, sauf que la version manga est très différent. Le premier corps de Gally ne fait pas long feu car il n’est pas conçu pour le combat. Ido va alors chercher un autre corps pour Gally, qu’il avait caché car il l’avait trouvé dans un vaisseau mystérieux il y a des années. C’est le deuxième corps de Gally qui est ‘invincible’ car c’est un corps de guerrier.   Gally en pleine Action !   De plus, un trait de caractère de Gally est passé à la trappe aussi dans l’OAV, c’est son caractère de tête de mule ! Dans l’OAV, Gally rencontre peu de résistance et par conséquent, ce trait de caractère n’est pas vraiment mis en avant. Comprenez bien une chose, ce que je dit n’est pas un défaut, pour être précis, l’OAV n’est pas mauvais mais les puriste de Gunnm (ceux qui l’ont lu) l’apprécierons moins car il manque beaucoup de détails (Intrigue simplifié, méchants, réflexion philosophique etc.)                        Tears Sign   Cependant, l’OAV à de l’intérêt ! Le premier point est son choix d’avoir miser principalement sur le Tome 2 pour son intrigue, c’est à dire, le passage où Gally tombe amoureuse de Yugo (ou Hugo), un petit voyou au grand cœur, un vrai diamant d’innocence ! J’exagère un peu sur Yugo, c’est un voyou mais pas méchant, sauf si on considère qu’enlever des colonnes vertébrales à des androïdes à leurs insu pour les revendre fait de lui un méchant….qui n’a jamais fait de bêtise lorsqu’il était jeune !   Yugo et Gally forment un sacré Duo !   Le gros regret de cette adaptation est que les réflexions sur les sentiments amoureux ne sont pas approfondi comme dans le manga. Gally a du mal à déclarer sa flamme, d’abord par peur d’être rejetée mais surtout par peur de le tuer ! Gally a une force surhumaine, imaginer lorsqu’elle le prend dans ses bras ! L’aspect très réfléchie des choses de la vie est une des forces du manga mais j’en parlerai plus dans ma deuxième partie. Le choix d’avoir miser sur cette ‘arc’ est un très bon choix car il permet de bien cerner tout la magie de Gunnm, bon aussi parce qu’à l’époque, il n’y avait pas beaucoup de tome mais faite comme si vous n’avez rien vu, hein ! L’auteur de Gunnm à dit en parlant de son manga qu’il voulait opposer deux éléments constamment dans son univers : l’obscurité et la gloire de la vie. Pour lui, la vie est fait de haut et de bas ; de bonheur et de malheur … personne ne dira le contraire ! Et justement, le deuxième tome fait cela à merveille !   OOOOH, Ils sont trop Mignons !   Le deuxième avantage de l’OAV est le personnage de Shiren. Si vous n’avez lu que le manga, ce personnage ne vous dira rien et c’est normal parce qu’elle n’existe que dans l’OAV ! Shiren est aussi une doctoresse en cybernétique et ancien partenaire d’Ido (professionnel et sentimentale) . C’est un personnage qu’on peut lié à Yugo car ils ont le même rêve : partir à Zalem ! Shiren s’oppose à Ido parce que ce dernier ne veut pas revenir à Zalem alors qu’elle en a marre de rester dans les taudis. Pour humilier Ido, elle va se servir de Grewcica, un cyborg meurtrier qui n’existe pas dans le manga pour tuer Gally.   Je suis jalouse donc méchante !   Le Saviez-Vous ?   Selon les Bonus du DVD, Shiren a été crée par Rintarō, le superviseur de cette adaptation. Ce nom vous dit peut-être rien mais il a travailler avec Osamu Tezuka sur Astro, Le Petit Robot et Le Roi Léo. C’est surtout sur la série Albator, Le corsaire de L’espace (1978) et les deux films Galaxy Express 999 (1979) et Adieu Galaxy Express 999 (1981) qu’il s’est fait connaître en tant que réalisateur ! Il a aussi réalisé Metropolis (2001), Plutôt célèbre, hein !   Shiren est en faite très classique comme personnage, une femme méchante car jalouse et impuissante sur sa vie. C’est surtout l’évolution de ce personnage qui est très classique, je n’en dit pas plus mais si vous regarder l’OAV vous ne serais pas surpris. Petite anecdote rigolote, toujours sur les bonus du DVD, Shiren est présentée comme « l’innovation la plus intéressante des OAV », Ah Bon !?   Elle apporte un plus à l'intrigue mais de là à dire qu'elle est innovante !                                                         Dans ton rêve, Zalem n’est pas un lieu, mais une façon de vivre !   Parlons maintenant de chose qui fâche, les défauts de cette OAV. J’ai lu quelques critique à propos de cette OAV : beaucoup de gens n’aiment pas cette adaptation et je les comprend. Le premier point est son ambiance, j’aime beaucoup l’ambiance de l’adaptation mais ce que je critique est l’utilisation du Sexe, certes, peu présent. Pourquoi faire une scène où le méchant tripote Shiren ? Et aussi, pourquoi une scène où elle est réveiller dans la nuit et nu ? La réponse est simple, les années 90 !   Dis moi Oui ou je t'arrache les bras ! c'est beau l'amour !   Heureusement, qu’il y a peu de scène de ce genre et je comprend qu’à l’époque c’était à la mode de faire des OAV violent et sexy mais était-ce vraiment nécessaire dans Gunnm ? Le manga est beaucoup plus violent que l’OAV et pas de scène de sexe (juste un peu de nudité dans le tome 4...pour l’instant !), ce que je veux dire c’est qu’on a l’impression qu’on a mis des scènes sexuels pour le quota ! Il aurait fallut miser uniquement sur la violence qui, je rappelle, n’est rien à coté du manga !   Ajouter de la nudité sans raison, fait !      L’équipe derrière l’OAV a fait un drôle de choix : celui de renommé Makaku, le 1er antagoniste du manga, en Guryushika. Il est maintenant le cyborg qui a tué le frère de Yugo et son look n’a plus aucun rapport avec celui du manga. On notera la quasi absence de Zapan dans l’intrigue, pourtant assez présent dans le début du manga mais il apparaît dans la foule dans le bar (1er OAV) mais c’est toujours lui qui fait en sorte que Yugo soit dans le pétrin. De plus, Zapan ne veux pas se venger de Gally contrairement au manga… des choix étranges.   Alors ? On a faillit oublier Zapan !   Ce qui m’amène au deuxième point, le respect de l’œuvre. Pour beaucoup, l’OAV ne respecte rien du manga, ce qui est faux mais aussi un peu vrai ! Les grandes lignes du manga y sont, pour le deuxième tomes du moins. Le 1er tomes est quasiment inexistant mais la question qu’il faut se poser est : c’est quoi le but de cette OAV ? Ceux qui n’aiment pas cette adaptation sont les puristes ! j’insiste sur ce point car l’OAV n’a pas la vocation de plaire à ceux qui ont lu le manga mais à ceux qui ne l’ont pas lu ! Attention ! Ne me faite pas dire ce que je n’ai pas dit ! J’ignore le public visé, je ne fait que de supposer que cette adaptation à été plus conçu pour ceux qui n’ont pas lu le manga plutôt qu’à ceux qui l’ont lu ! D’ailleurs, cette pratique de faire des anime pour un public qui ne connaissent pas l’univers en question se fait toujours ! Tout ça pour dire que ce n’est pas parce qu’une adaptation n’est pas fidèle ou simplifié que c’est nul ! J’ai remarqué que ceux qui ont vu l’OAV sans connaître le manga ont beaucoup plus appréciés cette adaptation et ce fût mon cas car si je n’avais pas vu l’OAV, je n’aurais pas commencé à acheter les tomes du manga !   Cette scène est culte !   Troisième et dernier point reste l’animation. Je ne suis pas un expert en animation et en vérité je considère que l’animation dans Gunnm est correcte sans être fou, mais beaucoup de gens le trouve moche. En terme d’animation, en 1993, il y avait Slam Dunk qui était impressionnant pour l’époque ! Peut-être qu’il faut chercher dans le design des personnage pour se rendre compte que l’OAV a très mal vieillit.   Le Saviez-Vous ?   C’est le studio Animate Film qui proposa d’adapter Gunnm à son auteur. Ce dernier voulait que cela soit une série et non un OAV mais il était tellement occupé à faire le manga qu’il accepta malgré tout l’offre. Il faut savoir qu’à ce jour, il n’y a aucune adaptation en série de Gunnm.   Pour terminer parlons du doublage ! La VF n’est pas fou fou mais reste correcte dans son ensemble. Quand à la VO, elle est aussi correcte, mention à Gally dont sa voix lu colle très bien ! Elle est doublée par Miki Itō (C-18 dans Dragon Ball Z) ; Yugo est doublé par Kappei Yamaguchi (L dans Death Note, Usopp dans One Piece et c’est la voix de Crash Bandicoot au Japon)     Guryushika (à gauche) est censé être Makaku (à droite), le studio c'est compliqué la vie pour rien !                            Conclusion de la 1er Partie !   Je suis assez impressionné d’avoir dit beaucoup de chose sur cette OAV ! Cette adaptation est très légère et simplifié par rapport au manga, mais il est très sympa à regarder si on met de côté le manga. Certains l'aimerons, d'autre beaucoup moins, mais si vous n'avez jamais lu le manga, il est intéressant de commencer par cette adaptation, surtout qu'il est trouvable facilement sur YouTube !  J’ai volontairement pas trop dit sur le manga car je veux le traiter à part ! Malgré tout, j’espère que cette article vous plaira en attendant le film !       On se retrouve pour la deuxième partie !                                                                                  
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Nausicaä De La Vallée Du Vent

S’il existe bien un auteur japonais internationalement célèbre pour son travail dans l’animation, c’est bien Hayao Miyazaki. Considéré comme un dieu vivant de l’animation et souvent comparé à un Walt Disney Japonais, c’est un monstre dans son domaine. Cependant, il y a encore 20 ans de cela, le grand publique ne le connaissait pas trop et son succès en Europe et aux États-Unis s’est fait très tardivement dans sa carrière. C’est surtout Princesse Mononoké (1999) qui l’a fait remarquer chez nous alors qu’il était depuis longtemps une superstar au Japon. Difficile de choisir un film à traiter chez Miyazaki tant ces films sont quasiment tous des monuments de l’animation, pourtant, j’ai choisit mon préféré, Nausicaä De La Vallée Du Vent (1984). Ce fut son premier vrai film avec son propre style. Bien que j’aime beaucoup son précédant film Le Château de Cagliostro (1979), ça reste une adaptation de la série Lupin the Third ou Edgar de la cambriole chez nous. Ce film a beaucoup marquer au Japon à sa sortie en 1984 et il est temps de comprendre pourquoi il a eu tant de succès, prêt pour sauver le monde ?         Affiche Japonaise du film en 1984                        Mizayaki et l'avant Ghibli   Je nous ferait pas l’affront de parler de Miyazaki comme je le ferai d’habitude mais savez-vous ce qu’il fessait avant d’être réalisateur ? Il était intervalliste à la Toei en 1963, ça consiste à dessiner entre les plans importants effectué par l’animateur clé. Être intervalliste consiste à rendre les dessins fluides et beaucoup de réalisateur ont commencés comme ça, comme Hiroyuki Imaishi, créateur de Kill La Kill sur Neon Genesis Evangelion (je deviens barbant de toujours parler de cette série, non?). Le deuxième talent de Miyazaki est son écriture. Sur le première film qu’il a travaillé, il proposa une fin différente car pas satisfait de la première fin et fut accepté par l’équipe, alors qu’il n’était qu’intervalliste ! Il deviens ensuite animateur-clé et travailla sur plusieurs séries comme le Chat Botté. Puis, il travailla avec Isao Takahata (mort en 2018) et fonda le Studio Ghibli en 1985. Nausicaä De La Vallée Du Vent  n’est techniquement pas lié au studio Ghibli car sorti en 1984 mais c’est la même équipe ! Nausicaä De La Vallée Du Vent fut produit par le studio Topcraft qui ferma ses portes en 1986 et une grosse partie du studio travailla pour le studio Ghibli, d’où la raison de sa fermeture à mon avis. Nausicaä De La Vallée Du Vent c’est avant tout un manga, publié entre 1982 et 1994, il a mis beaucoup de temps à terminer le manga car il travailla sur d’autres projets. Ce fut loin d’être simple, Miyazaki a galéré pour réaliser plusieurs projets (dont le château dans le ciel et Mon Voisin Totoro !) due à de nombreux refus de plusieurs studio. C’est Toshio Suzuki (ancien producteur de Ghibli) qui réussit à mettre en avant un des projet de Miyazaki dans le magazine Animage, qui devient par la suite Nausicaä De La Vallée Du Vent.      Hayao Miyazaki et Isao Takahata, les fondateurs du studio Ghibli       L’intrigue de Nausicaä se déroule après l’effondrement de la civilisation industrielle due à une guerre violente, qu’on nomme Les sept jours de feu. Le reste de l’humanité doit survivre dans un monde où des forêts toxiques ne cesse de s’étendre, ce sont les Fukai. Des insectes géants vivent dans les Fukai qu’on appelle des Ômus et consiste eux aussi une menace pour l’Homme, insecte qu’il vaut mieux ne pas énerver. Nausicaä est la princesse de la vallée du vent, région protégé des spores toxiques par le vent (logique) mais pas contre l’armée voisin, l'empire Tolmèque. Ces derniers décident d’envahir la vallée du vents pour récupéré une cargaison qui s’était écrasée un jour plus tôt dans la vallée du vent. Cette invasion est gérée en personne par la princesse guerrière kushana, suivie de son second Kurotawa, un homme ambiguë : il a l’aire d’en avoir un peu rien à faire de cette invasion et en même temps, il rêve de prendre en main l’invasion. Malheureusement, lors de cette invasion, le père et roi de Nausicaä se fait tuer, devenant ainsi prisonnière de kushana. Cependant, le vrai objectif de Kushana est de détruire les Fukai avec une arme puissante : un guerrier millénaire géant qui était la cargaison qui s’était écrasée. Nausicaä refuse de voir cette destruction et décide de se battre.     Kurotawa est un homme très ambiguë   Après ce long résumé, parlons de notre Protagoniste Nausicaä. Pour moi, elle représente ce que sera toute les héroïnes de Miyazaki : des femmes fortes, sensibles et luttant pour le bien de tous. Pour faire simple, Nausicaä est juste une héroïne badasse mais à sa manière. Je pense même qu’on peut dire qu’elle est la mère de tout les héroïnes badasse, en plus d’être LE personnage principal. Je vous rappelle qu’on est en 1984 et les femmes dans les anime/Manga avant ce film c’était….comment dire…. Pas top. Sans passer par un discours féministe trop long, les femmes dans les anime étaient rarement des héroïnes comme dans Cutie Honey, sauf que c’est une androïde et que le fan-service est très mis en avant (du moins d’après ce que j’en ai entendu). À part être prisonnière ou être des objets de désir (Fan service et Hentai), la femme dans les anime n’avaient pas une grande place dans les années 70...sauf les magicals girls mais bon c’est un peu hors catégorie ! D’ailleurs, l’image de la femme est-elle meilleur de nos jours ? À médité...     Elle Traverse une forêt toxique sans masque à gaz et elle dit encore qu'elle va bien : Badasse !      Nausicaä est donc pour moi la première héroïne badasse qui n’a pas besoin d’être peu vêtue pour plaire mais comment fait-elle ? Je dirai que son caractère joue pour beaucoup, c’est une héroïne bien plus complexe qu’on pourrait le croire. Elle est une princesse et les princesses ont la lourde tâche de se préparées à être reine un jour, donc dirigeante d’un royaume, mais encore faut-il espéré qu’elle ne le devienne pas trop tôt. Malheureusement pour Nausicaä, elle devient reine vu l’absence de régent, lourde tâche alors qu’elle n’a pas le temps de pleurer la mort de son papa. Heureusement, qu’elle est débrouillarde, elle a déjà sauvée son peuple dès les premières minutes du film. En plus, elle sait diriger son peuple et était déjà admirée, mais elle reste une personne qui doit surmontée les évènements pas toujours faciles. Pour terminer avec Nausicaä, elle a un côté obscure : la colère et la vengeance, en vérité, tout le film tourne sur ce thème. Elle n’est pas pacifique uniquement pour sauver tout le monde mais aussi pour se sauver elle-même de sa colère/tristesse qu’elle sait cacher, car elle est capable de tuer tout les soldats qu’elle croise mais son amour du prochain est plus fort que la violence. De plus, un épisode de son enfance lui renforce sa conviction de son amour pour la nature (repris dans une série mais j’en parlerai quand je lui consacrerai un article). Quand je vous dit qu’elle est badasse, je ne vous mens pas !     Le souvenir de n'avoir pas pu protéger un ômu est presque vécu comme un traumatisme pour Nausicaa     Qui dit protagoniste, dit antagoniste bien que chez Miyazaki, c’est toujours compliqué ! La princesse Kushana est techniquement l’antagoniste du film mais à la fois c’est faux de l’affirmer. Pourquoi ? Kushana est aussi respecté en tant que princesse et guerrière, c’est ce dernier point qui la sépare de Nausicaä. Kushana représente la violence et ne cherche pas midi à quatorze heure, pour elle tout se règle par la violence, surtout envers la Fukai et les Ômus, la scène dans la forêt montre bien tout ça. C’est une femme qui a une haine immense envers la Fukai. Elle le dit même avec humour, son futur mari va pleurer lorsqu’il va découvrir qu’il manque plusieurs membres. Cependant, Kushana est une ‘‘antagoniste’’ ambiguë aussi ! Elle voit en Nausicaä une forme de solution alternatif au problème de la Fukai mais reste pessimiste quand à l’efficacité de la solution...tout éradiqué ça reste plus simple, non ? Tout ça pour dire qu’il n’est pas question du bien et du mal mais plutôt de moyen face à un problème complexe. Miyazaki est souvent considéré comme un auteur féministe pour mettre en avant des femmes fortes qui finalement perdent toute féminité mais on entre dans une analyse beaucoup trop incertaine et long.     Kushana reste pour moi la meilleur "antagoniste" dans un film de Miyazaki                    Miyazaki et la nature   Il y a beaucoup de chose à dire sur ce film et un des sujets le plus important chez Miyazaki est le respect de la nature. Beaucoup de ces films reprendrons ce sujet : Princesse Mononoké, Mon voisin Totoro, Le château dans le ciel...en faite presque tout les films de Miyazaki mais ça dépend des films vis à vis du sujet. On notera aussi que Isao Takahata parle aussi de la nature dans Pompoko. Dans Nausicaä De La Vallée Du Vent, la nature est une menace et est menacée parce que sans la nature...on meurt si vous êtes pas au courant 😉 Un point important à précisez : le film n’a pas vocation de proposer une solution pour sauver la nature, il s’agit d’une prise de conscience de l’activité humaine sur elle. D’ailleurs, Miyazaki a écrit Nausicaä suite à la pollution de la baie Minamata de 1932 à 1966. Pour écrire tout son propos sur la nature (et les animaux avec les Ömus), il a étudié sur les plantes, l’agriculture et la guerre qu’il déteste. Bien que ces problèmes sont encore d’actualités, le film se passe dans un futur apocalyptique et en réalité amène un autre sujet du film : La bombe nucléaire. Les sept jours de feu est un évènement qui renvoi à une des plus grande peur des japonais, la guerre atomique. Hiroshima, Nagasaki et ajoutons même Fukushima sont des véritables traumatismes au Japon, le guerrier Millénaire pourrait être une métaphore de la bombe nucléaire. Malgré tout, Miyazaki s’est plus inspiré de la nature et de sa force plutôt que des romans de Science-Fiction. Un dernier point sur la nature est qu’elle est différente de la notre mais très similaire à la fois, instaurant ainsi une prise de conscience chez le spectateur. La nature en tant que sujet contribue beaucoup au style de Miyazaki et à influencé pas mal d’auteur dont Hideaki Anno mais j’en parlerai prochainement 😉     Que c'est beau ! On dirais presque un tableau !     En parlant d’Hideaki Anno, savez-vous qu’il a travaillé sur ce film ? Il était animateur sur le passage avec le guerrier Millénaire vers la fin du film. D’ailleurs, il s’en pris plein la poire pour son travail ! Toujours considéré comme jamais assez bien selon Miyazaki à l'époque ! Il s'était fait remarqué avec Macross, Do You Remember Love , un film avec des mécha dans l'espace, tout l'opposé de Miyazaki ! En vérité, il en garde un bon souvenir, surtout qu’ils sont de très bon copain. Ce qui fait une belle transition avec l’aspect technique du film. Il y a eu beaucoup de personne sur ce film et le problème majeur reste le design complexe de la nature, pas conçu pour être animé, surtout les Ômu. Pour créer cette animation, ils ont utilisés plusieurs couches superposés des plans pour animés les Ômu. La couleur a été très important dans ce film car elle met particulièrement en valeur la Fukai (couleur claire) contre la technologie humaine (couleur sombre).                        Nausicaä, la princesse…..des étoiles !?   Difficile de trouver des défauts dans ce film, il faut trouver des points négatifs dans une autre version de ce film. Peut-être vous êtes déjà demandés pourquoi pendant une bonne vingtaines d’années, les films de Miyazaki ne sont jamais sorti chez nous ? La raison est très simple, c’est parce que la première fois, ça c’est mal passé ! Apparemment, les importateurs américain n’en n’avaient pas grand-chose à faire de ce film et ont donc décidé de le massacré. Nausicaä De La Vallée Du Vent à eu droit à une exportation catastrophique aux États-Unis et en Europe. Le film fut charcuté, simplifié et même le propos du film n’a plus rien à voir avec le film original !  Le titre du film à même changé pour Warrior Of Wind aux États-Unis et Le Vaisseau Fantôme (WTF?!) puis La Princesse des étoiles chez nous. Je vous passe les autres pays parce qu’ils ont eu droit à Les guerriers du vents ou encore Les guerriers des étoiles, enfin bref, on a tout mélangés parce qu’on a repris directement la version américaine...tant de bêtise !     Voici la réaction que vous aurez lorsque vous verrait La Princesse des étoiles     Après avoir compris que le titre du film ce fous clairement de vous, non parce que dire que Nausicaä est la guerrière du vent, des étoiles et de tout ce que tu veux, alors qu’elle est pacifique, c’est un peu se moqué du monde ! Il n’y a pas que le titre qui se fous de vous mais aussi la jaquette de la VHS/DVD. Je pourrait faire un article entier rien que sur la jaquette US mais je me contenterai de dire que je me souviens pas qu’il y avait un pégase et l’empereur Palpatine dans ce film. Et le pire, c’est que l’héroïne n’est même pas au centre de l’affiche ! C’est un homme avec une mitrailleuse (Absel?!) et le tout dans un style fantasy bien américain... on voit que le marketing à vu le film !     affiche qui montre bien la philosophie anti manga de l'époque     l’histoire n’a plus rien à voir avec l’original, pour faire simple : La princesse Zandra doit gagner la guerre pour sauver le monde (logique?). Zandra ? Ah oui, j’ai oublié de dire que les prénoms des personnages ont été changés et du coup Nausicaä devient Zandra ou encore Kushana devient Selena mais on prononce Celina, un vrai foutoir. Je ne vais pas trop m’étendre sur cette version mais il faut que je vous parle d’un détail très important sur cette version. Je n’ai pas l’habitude de raconter ma vie, mais sachez que j’ai acheter cette version en DVD dans un Cash pour 50 centime (édition collector apparemment...mouais) . Curieux que je suis, je l’ai regardé et ça fait très mal ! Quoi donc ? L’image ! Elle est dégueulasse ! Pour faire simple, j’ai acheter un DVD, je me suis retrouvé avec une VHS car le film n’a pas été remastérisé et encore moins encodé ! Il y a des bandes blanches qui prennent tout l’écran comme sur une VHS, ce n’est pas une blague, il faut le voir pour le croire !   Non, Non, Non, ce n'est pas une  version VHS mais belle et bien une version DVD du film ! à ce point là, c'est de l'arnaque !   Rien ne sauve donc cette version ? Non, tout est raté ! Même le doublage français est pas top contrairement à la version originale. Tout les films de Miyazaki ont eu droit à un doublage Français exemplaire, si on met de côté la princesse des étoiles. Je lui reproche un manque de cohérence : Zandra (Nausicaä) à une voix d’hystérie et Le roi Zil (Jill) à une voix d’un vieillard exagéré pour ne cité qu’eux. En tout cas, peut- être avait vous la chance (ou plutôt malchance) d’avoir vu cette version étant enfant mais j’espère que depuis, vous avez vu la version originale car il manque plus d'une demi heure de film ! Miyazaki a apprit l'existence de cette version et a décidé de ne plus exporté ces films suite à ce massacre. Pour revenir rapidement sur la version originale, un défaut est souvent revenu : le film est simplifié par rapport au manga. En faite, c’est plutôt que le Manga a été plus complexifié que le film. Miyazaki n’avais écrit que 2 Tomes au moment du film dans le but qu’un de ses projet soit accepter en tant que film mais Nausicaä De La Vallée Du Vent a attiré le studio Topcraft. Évidemment, Miyazaki était incertain de la suite de Nausicaä, du coup, pour éviter de devoir faire des suites en film, ce qui ne l’intéressé pas, il a volontairement créer un univers alternatif qui a pour base le film. Par conséquent, le film n’est pas simplifié mais plutôt qu’il s’agit d’un univers à part.                              Conclusion   C’est un classique de l’animation et de la filmographie de Miyazaki ! Ce film a permit la création du studio Ghibli et d’avoir lancé de futur grand auteur, animateur etc. J’ai été très bref sur ce film et je n’ai pas traité en profondeur tout les sujets/thématiques de Nausicaä. Mes recherches ont été assez laborieux d’autant que pas mal de personne en parle mieux que moi. Je préfère plutôt vous guidez vers le site Buta Connection qui parlera bien plus en détail de ce film mais aussi de tout ce qui est du studio Ghibli. Il faudra attendre 2006, pour que ce film arrive dans sa version originale chez nous grâce à Disney. Pour ma part, je dirai d’aller voir ce film si ce n’est pas fait depuis longtemps, sinon aller le revoir car moi je m’en lasse pas !         Voici le lien du site Buta Connection : http://www.buta-connection.net/pre-ghibli/nausicaa.php                                                                                                                                                                                                                                                    à la prochaine !                                
DrunkenPenPen

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Me! Me! Me!

Connaissez-vous le Nihon Animator Mihonichi  ? Il s’agit d’une série de courts métrages sortie entre le 7 Novembre 2014 et le 9 Octobre 2015 sur internet. Ce projet est une collaboration avec le studio Khara (studio de Hideaki Anno, le créateur d’Evangelion) et Dwango, une entreprise de télécommunication et de média au Japon. Le but de ce projet est de mettre en avant des travaux de jeunes dessinateurs, réalisateurs, animateur etc... Il y a actuellement 35 courts métrages, partagés par plusieurs studio dont Sunrise (Gundam), Trigger (Kill La Kill), Bridge (Fairy Tail) et bien sûr Khara. Il serait intéressant de parler de tout ces courts métrages mais j’en aurait pour des années ! Certains courts métrages sont assez connus comme The Dragon Dentist, Until You come to me  ou encore Evangelion: Another Impact qui se passe dans l’univers d’Evangelion . Il y a, cependant, un court métrage qui est un niveau au dessus : Me ! Me ! Me ! Impossible de passer à côté de celui là ! Il est tellement célèbre qu’il en est devenu un meme sur internet ! Quiconque à vu le Nihon Animator Mihonichi vous dirons que Me ! Me ! Me ! est le meilleur court métrage de ce projet, et c’est pas faux ! Sa popularité est immense : Fan Art, Parodie, vidéo de réaction sur internet et il a même eu droit à son artbook Officiel cette année ! Même moi, je vous direz d’aller le voir au moins une fois (si ce n’est pas déjà fait). Aujourd’hui, c’est à mon tour de vous parler de « Me ! Me ! Me ! » mais surtout de l’analyser et je vous préviens que vous avait intérêt à vous accrochez car ça va être une sacrée expérience !     ! Attention ! Ce court métrage contient des scènes avec du contenus sexuels assez osés ! Il est donc préférable qu’un jeune public ne le regarde pas et si vous compter le regarder, faite-le quand vous êtes seul. D’autres courts métrages de ce projet ne sont pas non plus destinés à tous . Évitez de le montrer à vos relations ou ils vont beaucoup se posés de questions ! L’article restera le plus soft possible et ne montrera pas d’images osés. De toute façon, il est facilement trouvable sur le  net. Vous êtes prévenus !                                           50 millions de Jolies Filles, et moi ! et moi ! et moi !   Pour en revenir très vite sur le Nihon Animator Mihonichi, il faut savoir que pas mal d’auteurs célèbres y ont participés : Yoshikazu Yasuhiko & Ichiro Itano qui ont travailler sur le tout premier Gundam ; Hiroyuki Imaishi, le créateur de Kill La Kill et de Gurren Lagann ; Kazuya Tsurumaki, assistant réalisateur sur Nadia et Evangelion ainsi que réalisateur de FLCL ; Hiroyuki Okiura, le réalisateur de Jin-Roh et animateur sur Ghost In The Shell ou encore Moyoco Anno, créatrice de Chocola et Vanilla (femme de Hideaki Anno au passage). Pas mal de ces artistes ont travailler sur la licence Evangelion que ce soit l’original ou les remakes, gardez cela en tête. Pour finir, Hayao Miyazaki à créer le logo du Nihon Animator Mihonichi , la classe !     Le logo du Nihon Animator Mihonichi   Qui est derrière ce court métrage ? Peut-être que le terme ‘clip musical’ serai mieux approprié, car il s’agit bien d’un clip d’une chanson électro-pop de Teddyloid, un DJ Japonais et est chantée par Daoko. Ces deux personnes sont relativement assez célèbres au Japon bien que j’en n’ai jamais entendu parler. Pour ce qui est de l’image, on le doit au chara design Shuichi Iseki, animateur sur Kill La Kill. Le réalisateur est Hibiki Yoshizaki, il a travailler sur Macross Zero et Gundam Evolved. Ces deux hommes ont déjà travailler ensemble sur le film Evangelion 3.33 et sur le prochain film Evangelion 3.0+1.0 (si le nom change pas en cours de route). C’est le 21 Novembre 2014 que sort ce court métrage qui dure 5 minutes environs et raconte la mésaventure d’un homme, poursuivie et tué sans cesse par des femmes peu vêtues. ça a l’air amusant me direz vous mais ce clip va très vite vous faire déchantés ! Nos artistes ce sont plutôt lâchés sur le Fan service… un peu trop même. Qu’est ce le Fan Service ? Il s’agit : « d’une pratique qui consiste à alimenter la passion des fans et leurs fantasmes avec des contenus superflus par le biais de situations à forte connotation sexuelle ou érotique » (selon Wikipédia) c’est le cas ici ! Difficile de dire qui a crée le fan-service par contre celui qui l’a mis en avant est...Hideaki Anno ainsi que l’équipe derrière Evangelion dans Gunbuster et le célèbre « Gainax-Bounce » : Ce sont les seins qui rebondissent de manières réalistes.   le célèbre plan qui donna la Gainax-Bounce !   En vérité, le fan-service viens d’avant Gunbuster, la première apparition de ce phénomène est dans Daicon III & IV et n’avait que pour seul but de faire des références culturelles comme Superman, Gundam, Alien, Albator etc.... Ce phénomène est très vite passé vers la connotation sexuel et fût la marque de fabrique de la Gainax.   Voici la vidéo en question, Amusez vous à retrouver toute les références !   Revenons à notre court métrage, on y trouve la grande majorité des pratiques du fan service : Gainax Bounce, Panty Shot (plan sur des culottes ou jupe serrer) ou encore un Caméo (les filles d’Evangelion) mais pas que ! En effet, ils ont décidés d’aller plus loin avec la danse des filles, rappelant le booty shake qui donne un aspect érotique, au point d’en être vulgaire, voire malaisante. En faite, on passe du monde Kawai et du fan service sympathique à un monde infernal et presque à la limite du hentai...ça sent le coup de gueule ! Pourtant, au début tout allait bien ! Des filles qui danse sur une musique entraînante et positif, des cœurs et des fesses partout, tout est claire et mignon mais sa va vite tourner au vinaigre. Notre héro est un Otaku et je dirai même un gun Otaku, c’est à dire quelqu’un qui aime les armes et aime jouer à la guerre malgré qu’il est contre cela. Par exemple, Kôta Hirano (pas l’auteur) dans Highschool Of The Dead est un gun Otaku et au passage, Hayao Miyazaki déteste particulièrement les Guns Otaku. Si je précise cela c’est parce que on retrouve une référence au jeux vidéo car il y a une séquence à la 1er personne (FPS pour les intimes). Pour être précis, je dirai même que c’est une référence à Killzone (la visé avec l’arme est très similaire) mais on pourrait même aller jusqu’à Doom (la version de 2016 bien qu’il soit sorti après) lors d’une exécution d’une des filles.   Panty Shot en vue !     Pour rester dans l’univers Otaku, on retrouve les héroïnes d’Evangelion sous formes de figurines. Elles prennent vies par un rire qui glace le sang. Pourquoi je m’attarde sur ce détail ? D’abord, la présence de ces figurines est un clin d’œil au précédant travaux de Shuichi Iseki et Hibiki Yoshizaki (Evangelion 3.33) , voire à son créateur. Cependant, se limiter à cela est léger car la vrai raison de cette référence viens du fait qu’Evangelion est une série qui critique les Otaku comme j’ai pu le dire sur mon article sur Evangelion. Les personnages féminins étant très fantasmées, surtout Rei au Japon. C’est une série encore encrée chez les Otaku ! Ici, ça ma tout l’aire d’être une blague car un Otaku qui se fait agressé par des Figurines d’Evangelion alors que c’est une série qui critique la pratique otaku, ça en devient drôle, non ?   Depuis ce court métrage, pas mal de fan ont dus surveiller leurs figurines (dont moi)                   L’amour éternel, Véritable, n’existe plus   Vous avez compris que l’univers Otaku est très critiqué mais avez vraiment compris de quoi il est réellement question ? Pour résumé très vite l’intrigue notre Otaku à rompu avec une fille nommée Hana (selon internet). On comprend qu’il a rompu avec cette fille pour des waifu. C’est quoi une waifu ? c’est lorsque quelqu’un adore tellement un personnage féminin fictif (très souvent des animes) qu’il la considère comme sa petit copine, voire sa femme. D’où le terme « Wife » dans Waifu mais son équivalent masculin existe et cela s’appelle « Husbando ». On ne sait pas trop si c’est un délire d’otaku ou de vrai sentiments, surtout que sa va parfois très loin comme par exemple un mariage officiel avec son oreiller à l’effigie de son personnage préféré ou avec sa 3DS ! Je n’invente rien !   Je vous présente Lee-Jin-Gyu, il s'est marié avec….Son oreiller !   Du coup, notre otaku rompt sans remord avec sa petit copine réelle pour des filles virtuels. Ces filles se nommes meme-chan (toujours selon internet) et elles sont nombreuses. Je vous vois venir en disant : « oui mais qui serait assez bête pour faire ça ! », la réponse est simple, les otaku vraiment extrêmes ! Le problème, c’est que vivre avec des filles qui n’existe pas, ça rend triste et on se sent très vite seul ! Notre Otaku le réalise au milieu du clip lorsqu’il voit Hana en larmes. D’ailleurs, Hana serait la chanteuse du clip et passe par plusieurs phases : d’abord l’amour fou (1er couplet) puis elle réalise que ces waifu passe avant elle (2ième couplet). Elle se remet en question ainsi que son couple et le quitte en espérant qu’il réagisse, elle le fait par amour (3ième couplet). Elle critique ces waifu et le met en garde mais elle sait très bien qu’il ne la choisira pas (4ième couplet, même si c’est pas trop un couplet). Enfin, elle le quitte définitivement, exaspérée d’avoir été amoureuse de ce type, jalouse d’avoir perdue face à des waifu (dernier couplet). Le « sayonara » prend le sens « d’adieu et bon débarras », personnellement, j’en est toujours des frissons quand je l’entend. Cette chanson se finit sur ce mot et sonne comme une glaçante conclusion : l’amour est morte.   On dirais pas comme ça mais il va passer un sale moment !   Suite à cette analyse très rapide de cette chanson, vous avez devinez que les paroles et l’image concorde ensemble. C’est même très astucieux car l’image montre le point de vue de l’otaku alors que la musique montre le point de vue de Hana. Les auteurs ne ce sont pas contentés de montrer ce que la chanson dit. C’est bien deux points de vues qui s’oppose et se rassemble à la fois. Le seul point commun entre ces deux points de vues est sa conclusion pessimiste : la solitude. J’ai oublier de dire que Teddyloid avait déjà travailler dans le monde de l’animation avec la série Panty & Stocking, une série qui joue sur...le fan service ! De plus, Shuichi Iseki avait travailler sur Kill La Kill, une série qui joue également sur le fan service, la boucle est bouclée ! On pourrait même se dire qu’il s’agirait d’une réflexion sur le fan service en tant qu’artiste. Je ne suis pas dans leurs têtes mais si c’est le cas, ça rend le clip encore plus génial qu’il ne l’ai déjà.   Avouez que ça ressemble à du Doom mais avec des jolies filles !   Revenons un peu sur le point de vue de l’otaku, c’est un homme désespéré, littéralement bouffé par sa passion des waifu et du fan service : le manque de motivation lorsqu’il est sur son lit, la scène où il se fait bouffé ou encore lorsqu’il est décapité par Evil Hana, la méchante dont son nom viens...d’internet et comme le dit si bien Antoine Daniel : tout ce qui est sur internet est vrai !...badibadubadubadibadu Hum excusez-moi, oui, Evil Hana est l’antagoniste de notre histoire, celle qui a absorbée Hana (ou fait en sorte que Hana quitte notre otaku selon les paroles de la chanson). Evil Hana, c’est la patronne, la waifu en question et elle ressemble à Hana mais en plus...diabolique, insistant bien sur la notion du réel et du fictif. On pourrait peut être aller plus loin et dire qu’Evil Hana est le désire fantasmé de notre otaku sur sa petit copine, plus parfaite que la Hana réelle, si vous voyait ce que je veux dire.     Cette image ouvre et conclue à la fois le clip, donnant l'impression d'un cercle infernal   Ce qui m’amène à une scène précis, la scène où Evil Hana vomit dans la bouche de l’otaku. Lorsque vous avez vu ce passage, vous vous êtes pas dit c’est quoi cette substance blanche qu’elle vomit ? Au début, je pensait à de la bave mais la bave c’est translucide, alors c’est quoi ? Ma théorie...comment dire...je pense qu’il s’agit d’un liquide biologique provenant uniquement de notre otaku….dégueulasse, je vous l’accord mais fort probable. J’ai pu lire dans des commentaires, que certaines personnes pense qu’il s’agit d’une critique envers la dépendance de la pornographie, donc aussi du Hentai, c’est pas faux mais je pense qu’il s’agit de la conséquence du mode de vie d’un Otaku avant tout ! On pourrait faire le lien avec les hikikomori, ça serait pas faux mais ça dépend de l’interprétation du spectateur.   Certains effet dans ce clip sont bien fait, jouant sur des illusions optiques                                                     Que faut-il en retenir ? (conclusion)   Avouez que ce clip à fait de l’effet, non ? Mais que dois t-on en retenir ? Faut-il que je brûle ma collection d’Evangelion ? Que j’arrête de regarder des animes ? Que je me trouve une copine ? En faite, c’est pas aussi extrême. Déjà, il n’y a pas vraiment d’otaku en France, je veux dire dans le sens négatif du terme, on ne s’isole pas et je pense que l’amour réel passe avant nos passions. Puis, que les otaku les plus extrêmes sont au Japon parce qu’ils ont un sacrés problème de société : Les japonais ont tendance à fuir comme Shijin dans Evangelion, soit dans leurs passions, soit dans leurs travail. Il n’a qu’a voir les animes où le père est absent ou est une enflure. Chez nous aussi on peut fuir aussi mais pas autant qu’un Japonais, probablement due à une société trop cadré, trop strict et trop droit. Le suicide est important la bas due à la solitude, c’est pas drôle. Par conséquence, le message est plus important au Japon que chez nous mais ça ne veut pas dire qu’il faut l’ignoré !   La danse des meme-chan est connue sur internet   Alors non, ne brûler pas vos mangas, continuer de regarder des animés si vous avez envie, ne jeter pas vos figurines d’Evangelion (mais garder un œil sur eux) mais fait le de manière saine. Tant que votre passion ne vous isole pas, ne fait pas du mal, n’interfère pas dans votre vie, alors il n’y a pas de soucie ! Ça me rappelle une phrase dans l’animé .//Hack Sign (c’est Sword Art Online avant l’heure), un des personnages (Crim ) joue de temps en temps parce qu’il a une vrai vie à part son rôle dans le jeu. Lorsqu’un autre personnage (Subaru) lui demande pourquoi il joue, il répond :« pour m’amuser », les mangas/Animes devrait avoir le même rôle ! Personnellement j’aime beaucoup ce clip car il représente un style artistique propre au manga selon moi, c’est à dire, faire quelque chose de violent, choquant mais pour avoir un propos profond derrière. Bien sûr, ça ne se limite pas qu’à ça mais quand on voit les gens qui critique les mangas parce que c’est trop violents, trop osés etc.. , ils ne voient pas l’aspect artistique du média et je pense fièrement que les Mangas ne sont pas un produit sous-culturelle. C’est pas toujours rose dans le milieu mais quand on voit le monde du cinéma ou de la musique...c’est pas mieux !     C'est un peu ce qu'essaye de dire Me! Me! Me! , le message est bien passé   Je vais conclure par d’autre exemple dans d’autre média qui critique son support. La série des Metal Gear Solid (surtout les deux premiers) joue constamment sur le fait que c’est un jeu. Doki Doki Litterature Club est une réflexion sur le visual novel par l'horreur psychologique. C’est un jeu qui joue sur la notion du réel et du virtuel, surtout que sa popularité a grimpé comme Me ! Me ! Me ! , c’est à dire par des vidéo de réactions de youtubeurs. Deadpool dans le monde des comics qui est conscient d’être dans une bande dessinée. Jurassic Park qui peut être vu comme la critique du monde du cinéma (la vidéo de l’antre du mea en parle très bien !). Je me suis peut être éloigné du sujet mais Me! Me! Me ! s’autocritique aussi en étirant un maximum le fan service.   Doki Doki Littérature Club et Me! Me! Me! , même combat ?   Il existe une sorte de suite à ce court métrage, nommé « Girl » sorti le 11 Septembre 2015 (mal choisi comme date, non?), beaucoup moins choquant que Me ! Me ! Me ! Mais contient une petite scène assez...explicit que je vous laisserai découvrir, dans les mêmes conditions que le précédant, on ne sait jamais ! Il y a également un remix nommé ME!ME!ME! CHRONIC Mais n’apporte rien. Pour conclure, regarder Me! Me! Me ! , regarder les autres courts métrages du Nihon Animator Mihonichi et continuer de vivre votre passion sainement !   Joyeuse Fêtes et à 2019 !                    
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Basilisk

Le Japon Féodal a inspiré plus d’un auteur sous différentes formes: Jeux Vidéo, Roman, Film, Série et anime. Rurōni Kenshin (Kenshin le Vagabond) de Nobuhiro Watsuki, Gintama d’Hideaki Sorachi, Samurai Deeper Kyo d’Akimine Kamijō ou encore Afro Samurai de Takashi Otkazaki sont tous des mangas se déroulant dans le Japon féodal, époque marquée par des guerres civiles pour le pouvoir de territoire par des clans. Malgré tout les animes/Mangas que je viens de citer (et encore il en manque) on cite rarement Basilisk de Masaki Segawa. Pour tout vous dire, je ne connaissais pas le manga et encore moins l’anime il y a trois jours de cela. C’est grâce à Netflix que j’ai découvert cette série par hasard (aucun placement de produit, je ne suis pas encore un vendu 😉 ) J’avais envie de vous faire partager cette trouvaille, ne me remerciez pas !                    Que ceux qui s'aiment se préparent à mourir !   Commençons par le commencement, Masaki Segawa est un mangaka connu au japon mais pas trop au niveau international, à l’exception de Basilisk, tout ses œuvres ont été populaires au Japon. Pour faire simple, tout ses mangas se déroulent pendant le Japon Féodal avec des samouraïs et des ninjas. N’ayant pas lu ces mangas, je ne peux rien dire de plus. Basilisk est en vérité une adaptation d’un classique de la littérature japonaise : Kōga ninpō chō (ou The Kouga Ninja Scrolls en anglais ou encore Shinobi en France). Ce livre a été une grande source d’inspiration pour les mangakas et connu plusieurs adaptations. La plus connue reste Ninja Scroll de Yoshiaki Kawajiri, adaptation très libre mais excellent. Basilisk sortit entre 2003 et 2004 se veut être une adaptation plus fidèle de ce livre et fut un grand succès, remportant même le Prix Manga de Kōdansha (c’est son éditeur) et fut adapté en anime en 2005. C’est le studio Gonzo qui s’occupe de son adaptation animé et c’est Fuminori Kizaki qui en est le réalisateur. Il a travaillé en tant qu’animateur clé sur Macross Plus, Neon Genesis Evangelion (décidément, je ne peux pas faire un article sans le mentionné 😉 ) et en tant que réalisateur, il avait fait Afro Samurai...un bon petit CV tout ça ! Le studio Gonzo est connu pour avoir fait Vandread, Last Exile, Blue Submarine n°6 ou encore Full Metal Panic ! Bref, ils sont plutôt connus.     De gauche à droite, Full Metal Panic ! Vandread, Last Exile et Submarine n°6          Un Mariage et dix-neuf enterrements   L’intrigue de l’anime est simple : le seigneur féodal Ieyasu Tokugawa (qui a vraiment existé d’ailleurs) doit choisir un héritier pour son trône mais ne sachant lequel de ses deux fils il doit choisir, il décide un jour de rompre un traité de paix entre deux clans qui ne s’apprécie pas du tout, mais vraiment pas du tout : le clan des Iga et des Kōga. Dix des meilleurs ninja de chaque clan vont s’affronter dans un ‘ Tournoi ’ à mort  et le vainqueur de ces affrontements décidera qui prendra le pouvoir... Et dire qu’on se plaint de la politique de nos jours 😆 Le problème dans cette histoire, ce n’est pas les clans qui rêvent de s’étriper entre eux depuis 400 ans due à une trahison de l’un d’entre eux, mais un mariage qui aurait due réunir les deux leaders des clans : Gennosuke de Koga et Oboro d’Iga. Un genre de Roméo et Juliette au Japon pour faire simple ! Nos amoureux vont devoir s’entre-tuer alors qu’ils n’ont rien demandés mais encore faut-il qu’ils soient au courant…   Vous vous rappeler quand je parlais de Tournoi ? Oublier ce mot car cette guerre va se régler par des coups bas, des mensonges et par des coups opportunistes. Tout est bon pour tuer des ninjas du clan adverse, des méthodes peu catholique pour une période vraiment trouble. Pour mieux comprendre la chose, alors que le seigneur donne à chacun des messager le parchemin où figure les noms de ceux qu’ils doivent tuer, le clan des Iga ont été les premiers au courants de cette guerre (et les premiers à s’en réjouir au passage) et ont eu l’idée sournoise de tuer le messager du clan adverse pour éviter qu’ils soient au courant. Profitant ainsi d’un avantage car l’autre clan ne les attaquerons pas, ignorant que le traité de paix est rompu. Le point fort de l’anime est sans aucun doute son rythme nerveux en matière de morts et de retournement de situation. On peut dire que la première partie de l’anime est une véritable hécatombe, il y a au moins un mort tout les deux épisodes, voire plus selon les épisodes. Le rythme est frénétique, on ne s’ennuie pas une seule seconde et on se demande toujours qui sera le prochain et comment il va faire pour le ou la tuer !         Parce que je ne vous l’ai pas dit mais les ninja ont tous un pouvoir surhumain (un ninjutsu pour être précis), rendant les combats excitants, du moins, quand il y a des combats. Le vrai terme serai plutôt exécution vu que tout réside sur la surprise des ninjas, leurs adversaire ne sachant pas le pouvoir de l’autre et créant la surprise à tout le monde, dont le spectateur. Résumé tout les pouvoirs prendrait un certain temps mais sachez par exemple, qu’un des ninjas peut se faire passer pour un autre, un autre ninja est capable d’utiliser des cordes mortel (fait avec des cheveux de femme trempés et séchés si ça vous intéresse 😉 ). Un autre ninja peut allonger ses membres, empoisonner en touchant ou encore annuler tout pouvoir rien qu’en regardant dans les yeux. Il reste encore d’autres pouvoirs impressionnants mais que je vous laisserai les découvrir. Le plus ‘drôle’ dans ces combats et qu’un ninja peut mourir sans combattre alors qu’il était puissant, rendant les exécutions inattendues. Malheureusement, le rythme va s’essouffler dans la deuxième partie de l’animé jusqu’à sa fin mais l’intrigue est toujours intéressante, j’expliquerai ce point plus tard.         L’autre point fort de l’anime est sa vision tragique de son univers. On assiste littéralement à une tragédie où règne haine, vengeance, désillusion, tristesse et mort. Tout les personnages vont souffrir et plus on avance dans l’intrigue, moins les choses semble s’arranger. C’est surtout par le couple Gennosuke/Oboro que la tragédie va se représenter : un amour et une paix impossible entre deux clan. Inconsciemment, le spectateur se rend compte de l’atrocité de la guerre, surtout que pour une fois, ce n’est pas avec des gros robots ! Il serait tentant de dire que l’anime va dans le larmoyant, notamment avec Oboro qui pleure tout le temps, mais non ! À aucun moments, on se dit qu’elle en fait trop, comme d’ailleurs de tout les personnages qui pleure, Homme ou Femme. L’ambiance tragique ne se ressent pas que chez le couple Gennosuke/Oboro car il y a d’autres histoires d’amours et d’amour non réciproque, tout aussi tragiques. Dire que Basilisk se résume à « la guerre c’est moche ! » serait faux. Une sorte de poésie se créer dans cette boucherie, toujours via le couple Gennosuke/Oboro, notamment lorsqu’ils jouent de la flûte. Cette poésie se traduit aussi par des moments ‘émotions’ lorsque l’on voit les personnages sous un autre angle par des flash-back, créant de la compassion.       On ne peut pas classer les personnages dans des catégories ‘gentil’ ou ‘méchant’, on est pas dans une vision manichéenne ! Ce n’est pas parce que un clan à était victime de torture ou de meurtre que celui ne fera pas pareil ! La grande majorité des personnages sont aveuglés par la vengeance, d’ailleurs, l’aveuglement est beaucoup plus présent qu’on ne le croit. Pour éviter de trop en dire, les personnages sont aveuglés soit par la haine, soit par l’amour et certains actions de certains personnages seront symboliques mais je commence à trop en dire ! Retenez seulement que lorsque vous regarderez l’animé, dit vous que le thème du regard est très important. Un petit mot rapide sur l’ambiance de l’anime en général. Si on écarte les thèmes, l’anime se veut assez violent. On n’est pas au niveau de Ninja Scroll mais ce n’est pas du Naruto non plus ! Les exécutions sont brutaux, il y a un peu de décapitation, sans oublier qu’il y a des scènes de viols et de tortures mais ce n’est jamais gratuit. L'anime est très beau pour l'époque et reste très agréable à regarder encore aujourd'hui !                Nous somme pareil dans la naissance et la mort   Si vous vous dites que cette anime est génial, vous avez raison mais il y a aussi des défauts. La première remarque que j’aurai à faire est dans son chara design, c’est plus une question de goût que de défaut mais il est important de s’y intéresser. Personnellement, j’aime bien le chara design de chaque personnage mais sur le coup, on pourrait se dire que ça fait très 90’s. En faite, c’est surtout Oboro avec ses grandes yeux qui me font dire cela. D'autant, que certains personnages ont vraiment un look étrange mais ont tous un style qui leurs sont propres. Je trouve aussi que certains personnages sont très archétypales, je pense à Tenzen surtout ! Quand aux femmes, elles ont aussi de gros...arguments , Okoi notamment mais tout les personnages ont un charisme ! Ce ne sont pas des filles sans cervelles !         Le vrai problème viens de son développement...très sélective. Pour faire simple, certains personnages sont plus développés que d’autres. Un personnage va avoir droit à son épisode qui explique sa haine mais d’autres personnages auront droit à rien du tout ! Certaines relations ne sont pas très claire, je pense à Okoi et Saemon: ils sont amoureux ? Frère et Sœur ? Les deux ? Amis proche ? Ont ne le saura jamais. On a juste droit à une image où les deux se repose dans l’herbe (habillés hein !). Quand ce ne sont pas des relations claires, ce sont des relations claires mais pas développées. Dire que tel personnage aime un autre, ça ne suffit pas ! Finalement, il y a très peu de relation claires et développées, je pense à Koshirô envers Oboro qui est claire. Le couple Gennosuke/Oboro n’est pas tellement développés non plus. On les montre beaucoup ensemble (surtout la 1er partie de l’anime) mais c’est tout ! Et lorsqu’on a enfin des explications sur le pourquoi du couple...j’ai plutôt été déçu, mais bon, j’aurai due le deviner. Pour en finir avec les histoires d’amours, ils ont tendance à sortir de nulle part, je pense à Hotarubi/Yashamaru qui se battent ensemble puis tout d’un coup, on t’annonce qu’en faite, ils était amoureux...Ha ! Ce que je veux dire, c’est que ce n’est pas toujours claire, même avec des personnages principaux ! On ne sait pas grand-chose sur Gennosuke et même lorsqu’il a droit à son flash-Back (en plus, c’est même pas son flash Back !) c’est pour dire qu’il est un homme droit et déterminé sauf que le spectateur le sait déjà ! Cependant, le manque de développement est compréhensible, on ne peut pas développer 20 personnages en si peu de temps. Du coup, des choix ont été fait malgré que cela ne dérange pas dans l’appréciation de l’intrigue mais reste gênant.       Le deuxième vrai problème est la deuxième partie de l’animé qui se veut plus lent. Certes, il y a encore des morts et des coups bas mais beaucoup moins que la 1er partie. L’intrigue avance quand même, je vous rassure, mais le tout se fait avec des combats un peu plus réglementaire (des duels en face à face), perdant le mordant de la première partie. Cependant, les personnages restant gagne en développement, tout simplement parce qu’ils sont des survivants ! Je pourrai aussi ajouter la présence d’un épisode ‘filler’, ce qui me choque d’en voir dans un anime avec une durée ‘classique’ (24 épisode). C’est un résumé des évènements précédant alors qu’ont est à l’épisode 10 ! à part la mention d’un personnage qui va être impliqué plus tard (et encore, ça dure 2 minutes !), c’est un épisode inutile. Il y a un autre épisode dont j’hésite à le considérer comme un filler parce qu’il apporte pas grand-chose et montre une fois de plus un passé heureux de certains personnages. Au passage, certains moments sont placés bizarrement, je pense à une blague dans le dernier épisode qui certes montre les personnages sous un autre jour mais dans l’intrigue, c’est plutôt mal placé.                         Conclusion   Je pense que vous avez deviner ce que sera la conclusion, cette animé est vraiment bien ! Malgré ces défauts, il reste agréable du début jusqu’à la fin. Je l’ai littéralement dévoré et c’est rare ! Si vous n’êtes pas fan d’animé  dans un contexte Japon féodal , celui ci pourrait vous faire changer d’avis ! Au moins, essayer de visionner les trois premiers épisodes et vous serez emportés dans l’intrigue. Bien sûr, il y a d’autres animés plus mythiques dans ce style mais Basilisk est plaisant et ça change des ninjas pas discret. L'anime possède une suite : Basilisk: The Ōka Ninja Scrolls qui est actuellement en diffusion !
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Ghost In The Shell

Les années 90 ont été un tournent important dans le domaine de l’animation japonnais, les œuvres sont devenus beaucoup plus matures et plus sombres. Akira de Katsuhiro Ōtomo en 1988 avait déjà lancé ce mouvement mais il faudra attendre 1995 pour que le mouvement prend de l’ampleur avec Ghost In The Shell de Mamoru Oshii. Le film sort dans un contexte plutôt particulier en France, les mangas étaient à l’époque très mal perçu, souvent considérés comme trop violent et sans queux, ni tête. Cependant, le film eu un sacré écho au niveau international, impressionnant Steven Spielberg et James Cameron, ce dernier dira même qu’il s’agit du «  premier film d'animation pour adultes à atteindre ce niveau d'excellence », de la part du mec derrière Terminator 2 et Aliens le Retour, ça en jette ! Ce film inspira des films comme Matrix des Frères (à l’époque) Wachowski ou des jeux vidéo comme Deus Ex. Ghost In The Shell a aussi été décliné en série, jeux etc.…. et continue encore d’être adapté de nos jours.Aujourd’hui, pour les plus grand plaisir des fans de SF, je vous propose de replonger dans Ghost In The Shell.   L'affiche  mythique du film        D'Ailleurs, c'est ce que mon Ghost me murmure   La première chose à dire avant tout est que Mamoru Oshii n’a pas créé Ghost In The Shell mais l’a adapté en film. Par contre, il a créé les Panzer Corps, c’est à dire l’univers de Jin-Roh (il était scénariste sur ce film) et réalisé The Red Spectacles et Stray Dogs qui ont lieux dans le même univers qu’on nomme la Saga Kerberos. The Red Spectacles et Stray Dogs sont des films live, je n’ai vu que The Red Spectatcles qui est un film expérimental et donc très spécial mais pas mauvais. Je vous conseillerai Jin-Roh pour débuter les films sur les Panzer Corps et mériterait un article tellement j’adore ce film ! Du côté Anime, Mamoru Oshii a réalisé Patlabor et Patlabor 2, L’œuf de l’ange ou encore Dallos, le 1er OAV de l’histoire ! Dallos était sympa mais sans plus mais on peut y voir déjà le style des Panzer Corps, sauf que c’est avec des chiens. Mamoru Oshii aborde souvent les thèmes de la condition humaine, la technologie et son influence (sauf Patlabor apparemment) ainsi que la dystopie.     Mais alors qui à créé Ghost In The Shell ? Il s’agit de Masamune Shirow  qui est d'ailleurs un pseudonyme. Il a réalisé Applessed qui est un de ces manga les plus connus et a lui aussi eu droit à ces adaptations. On y trouve beaucoup de similitude avec Mamoru Oshii dans ses thèmes, à la différence que Masamune Shirow explique beaucoup son univers avec des annotations, ce qui montre une volonté de vouloir créer un univers réaliste car ce qu’il dit est basé sur des expériences et des thèses scientifiques plausibles. Pour ce qui est de Ghost In The Shell, la version manga est identique par rapport au film pour ses thèmes mais différent dans le ton. La version de Masamune Shirow est beaucoup plus drôle, pour ne pas dire décalée. Le Major Kusanagi est une héroïne qui aime faire des conneries, boire du saké ou faire de nouvelle pratique sexuel (c’est dans le manga mais supprimé par son auteur dans les éditions de nos jours). Elle s’en prend plein la face aussi avec son équipe qui lui font voir de toute les couleurs, sans oublier les Tachikoma, des robots mobile avec une IA mais qui se comportent plus comme des gamins que des soldats. Tout ça donne un aspect comique à l’œuvre mais qui est absent dans le film, ambiance qui ne correspond pas au style de Mamoru Oshii qui se veut beaucoup plus sérieux. Cependant la série Stand Alone Complexe se veut être un bon compromis entre l’aspect comique du manga et le sérieux du film, même si le manga est un minimum sérieux, il aime beaucoup déconné, Masamune Shirow est un homme qui a beaucoup d'humour dans ses œuvre. On pourrait faire le lien avec Appleseed qui a beaucoup de similitude avec Ghost In The Shell avec son héroïne forte entourée d’être cybernétique et qui se remet en question, le tout dans une ambiance cyberpunk. Je ne parlerai pas de la chronologie de Ghost In The Shell qui est un véritable foutoirs avec tout les déclinaison qui sont sorti. Le film sort donc en 1995 dans les salle de cinéma et comme vous vous en doutez, à eu un énorme succès. Masamune Shirow aimera beaucoup cette adaptation et parlera même d’univers alternatif à son manga.     Le manga est beaucoup plus comique que le film, c'est 2 univers différents             Une Multitude d'ingrédients composent le corps et l'esprit    L’intrigue du film met en scène le major Kusanagi, une cyborg qui travaille à la section 9, une section privée de la police qui ont tout les droits. Elle se retrouve dans une enquête d’espionnage qui va la mener à la traque d’un cybercriminelle nommé le « Pupper-Master » ou le « Marionnettiste » en français. Le cybercriminelle est capable de prend l’esprit d’un humain (appeler Ghost), de le manipulé ou de le faire croire qu’il a une vie différente. Pour ce faire, il utilise un réseau mondial, un réseau équivalent à internet pour pirater le ghost des gens. Ajouter à cela la présence du secteur 6 qui cherche aussi le Puppet-master mais pour des raisons obscures. Tout le film va tourner sur deux questions : Qu’est ce qu’un être humain et qu'est ce qui le définit ? Le major Kusanagi est une cyborg, une invention de l’homme pour les soutenir dans la lutte contre la criminalité. Elle se pose beaucoup de questions durant tout le film. C’est assez typique des héros de Mamoru Oshii, pour parler vulgairement je dit souvent que ce sont des héros ‘blasés’. Ce sont des héros qui n’exprime pas beaucoup d’émotion, qui sont fatigués, perdu, se demandant qu’est ce qu’ils font là. Il serait tentant de faire le lien avec Rei Ayanami dans Evangelion (sorti d’ailleurs avec quelques mois de différence après Ghost In The Shell) mais ce serai faux car Rei à un lien avec le monde, même si plus tard, sera faussé mais elle a lien. Ici, le Major Kusanagi n’a aucun lien avec le monde car elle n’existe que pour faire son boulot et elle prévoit même une mise en arrêt possible par ses supérieurs le jour où elle sera obsolète, signifiant la mort pour elle. A quoi sert-on de vivre si ce n’est que pour suivre des ordres ? Plus l’intrigue va avancer dans le film, plus sa vision pessimiste se confirme. Elle lutte alors pour trouver un sens dans sa vie alors qu’elle n’est pas humaine et c’est ce qui fait la beauté du film, je trouve. Il est difficile de croire qu’il s’agit d’un cyborg mais le Major Kusanagi comporte des sentiments humains, se rapprochant du spectateur qui se pose les même questions existentielles, nous rappelant alors à notre propre condition. De plus, le cyborg étant proche de l’homme visuellement ne fait que de renforcer les mêmes questions du Major Kusanagi: Qui je suis vraiment ? Est ce que je suis différents des humains ou semblable à eux ? Etc…     Le film se veut calme et très philosophique   On peut le dire, la philosophie est le point fort du film et même tout l’intérêt de le regarder. Contrairement à ce que j’ai pu lire sur des critiques professionnels (du moins, prétendu professionnels), l’intrigue n’est pas le point faible du film car il accompagne les propos du film. Cependant, le film est quand même difficile à comprendre une première fois et nécessite plusieurs visionnages mais reste accessible à tous ceux qui vont l’effort de comprendre, à moins bien sûr d’être habitué à regarder ce genre de film pour le comprendre une première fois...Je vous rassure, ce n’était pas mon cas.          Tu utilise toujours ce fichu révolver ?     Après avoir parler philosophie, je vais parler technique. Un autre point fort du film est sa beauté graphique qui en a bouche bée plus d’un, même encore de nos jours, ce film est beau ! La vision pessimiste de Kusanagi se reflète dans une ville qui reflète l’angoisse sublimement. L’intro du film aussi qui montre la naissance du Major Kusanagi est mémorable ou encore les scènes de combats, très peu nombreux mais magnifiques. D’ailleurs, cela m’amène à la question de l’animation : pourquoi ne l’a t-il pas fait en film live ? Tout simplement qu’à l’époque, L’animation permet de rendre Ghost In The Shell plus fluide qu’un film live dont la maîtrise de la 3D reste un exploit à l’époque. Mais c’est surtout les cellulose qui posent problème pour Mamoru Oshii et il voulait dépasser les limites techniques. Pour se faire, il a utilisé l’informatique, il dira même « un film ne peut gagner en réalité que s’il fait référence à du connu », montrant sa détermination à dépasser les limites. Il a utilisé ce qu’on appelle « animation stand », une table spéciale qui permet de faire les travelling et les gros plan, le tout en pouvant faire des mouvement de 360°, bref une technique peu commune. En tout cas, pour Mamoru Oshii, seul l’animation permet de rendre le film graphiquement fluide et beau, est autan le dire, c’est un sacré tour de force à l’époque. Cette même année sortait Toy Story pour la 3D mais en tant que film d’animation Japonais, pas vraiment de concurrent, je dirai même aucun concurrent technique pour les animes.   L'Animation Stand, table qui a beaucoup servit durant le film     Un autre point fort du film est la B.O qui colle superbement au film. On le doit à Kenji Kawai qui a beaucoup collaboré avec Mamoru Oshii auparavant et qui avait fait la B.O de la première série Fate/Stay Night. Il est considéré comme l’un des compositeur les plus connu au monde et son travail sur Ghost In The Shell n’a fait que d’accroire ses talents. Son thème le plus connus reste Making of Cyborg , il s’agit de la musique lors de la ‘naissance’ du Major. Personnellement, on pourrait faire le lien avec Vangelis, le compositeur de Blade Runner dont sa B.O est très reconnaissable.Tout ça pour dire que la B.O est indissociable de l’image dans beaucoup de film est c’est le cas pour Ghost In The Shell. En parlant de Blade Runner, ce film a eu une forte influence pour Ghost In The Shell car les même thèmes sont abordés et l’ambiance cyberpunk y est assez similaire. Quand au doublage Français, il est génial ! Le major est doublée par Tania Torrens, la voix de Seygourney Weaver dans Alien ; Daniel Berreta pour Batou, soit la voix d'Arnold Schwarzenegger; Pour finir Pascal Renwick pour Togusa, qui est la voix de Laurence Fishburne (Morpheus dans Matrix). Le point commun entre ces trois voix ? Ils sont tous connu pour leurs doublages dans des films de Science Fiction, un choix qui ne pouvait que marcher. La V.O est aussi excellent : la voix du major est celle de Caster dans Fate/Stay Night et Batou est celle de Solid Snake.            On a piraté mon Ghost !   Pour faire ce film, il a fallut beaucoup de travail à l’équipe de Mamoru Oshii, ils ce sont impliqués pendant un an sans chaumés, même Mamoru Oshii en était épuisé et ne fera pas de film avant 5 ans ! Le film a malheureusement était mal compris pendant longtemps, les critiques et le spectateur de l’époque n’ont rien compris. Certains ont vu une critique de la technologie (cyborg, internet, etc.…) mais c’est plutôt faux. La technologie a du bon comme du mauvais et le film pèse le pour et le contre par le personnage du major Kusanagi, observatrice de son propre univers. On ne remet à aucun moment la question du cybernétique ou des implants technologique dans ce film, on remet juste en question le sens de la vie, question philosophique que se pose Mamoru Oshii dans chacun de ses films. Ce film à donc aucun défaut ? Et bien, comment dire, très peu de défauts, si on considère ce que je vais dire comme des défauts. Personnellement, je ne lui en trouve pas mais il y a des points qui peuvent tachés ce chef d’œuvre . Premièrement, ce film est court, Je ne suis pas le genre de personne à critiquer la durée d’un film mais ce film ne dure que 1h17, c’est quand même court, non ? Mamoru Oshii aurait pu prolonger son film avec d’autres éléments du manga mais le projet était long et laborieux, je peux comprendre que c’était suffisant pour lui. De plus, il a résumé le manga en allant qu’à l’essentiel est c’est quand même un exploit. Un autre point à dire est l’aspect trompeur du film, on croit qu’on va avoir a faire à un film d’action mais non ! La couverture peut mettre en erreur, c’était pareil avec Jin-Roh mais ça aurait était bête d’en faire un film purement d’action alors qu’on parle de philosophie. Par conséquence, le film est plutôt propice à la poésie futuriste plutôt qu’à de l’action, ça peut déplaire du monde mais ce serait dommage de ne pas faire l’effort d’accepter ce que le film veut être, surtout que les scènes contemplatifs sont magnifique de beauté et de sens. Je pense à la scène où le major voit un autre cyborg avec la même tête qu’elle, elle semble choquée et perdue et je trouve que cette scène résume bien de quoi le film est question.   Le Major Kusanagi viens de voir un autre cyborg qui a la même tête qu'elle, comme si elle se regarde dans un miroir   Enfin, le film pourrait être dur à comprendre une première fois, l’intrigue s’enchaînant assez vite et paraît compliquée alors qu’en faite, ce n’est juste qu’une course poursuite entre le major et le Puppet master. Par contre, il y a la fin qui est une autre histoire parce que il suffit que vous n’être plus concentré pendant le film pour ne pas comprendre la fin. Un conseil, éteignez votre portable, aller faire votre commission au toilette et enfermer vous pendant 1H20 et vous serez en condition pour tout comprendre, sauf si vous vous endormez mais le ne faite pas, je le saurez 🙂 .             Conclusion   On est d’accord, ce film est un classique qu’il faut voir une fois dans sa vie, tout simplement, surtout si vous aimé la Science-Fiction avec une ambiance Cyber Punk. Il s’agit d’un des meilleurs film de Mamoru Oshii. Ce film est en faite l’un des rares adaptations qui a permit à une licence d’être beaucoup plus populaire que son format initial, les nombreux autres adaptations ne dirons pas le contraire. Je pense que ce film à été le fer de lance du renouvellement des mangas/Anime par rapport à son approche beaucoup plus mature. Des séries comme Neon Genesis Evangelion, Cowboy Bebop, Trigun ou encore Serial Experiments Lain ont suivi le mouvement des animes matures. Certains avait commencés à le faire mais Ghost In The Shell est celui qui a marqué au fer rouge le talent de l’animation japonais mature, fermant le bec à tout les détracteurs de manga (oui, Ségolène et Zeymour, c’est à vous que je m’adresse). Le film bénéficie aussi d'une autre version appeler Ghost In The Shell 2.0, une version amélioré du film graphiquement. Quand au film de 2017, je ne l’ai pas vu mais pourquoi pas en faire un comparatif mais je sens que je vais le regretter.    
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