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Top 100 des projets de remasterisation/ graphismes actualiser pour la Nintendo Switch.

Date de sorties calendaires - Noms - Améliorations - 1Améliorations 2Améliorations 3Améliorations 4   01) 2022Amazonia - PC Puzzle match gamesmode de contrôle au choix - Tactile et+ boutondébuggerralentisement corrigéstraduits en 25 langues   02) 2024Pokémon Let's Go - Jotho Cristal édition   03) 2026 - pour les 30 ans de la sériePokémon Let's Go - Hoenn Emeraude édition   04) 2028Pokémon Let's Go - Sinn'oh Platine édition   05) 2030Pokémon Let's Go - Unys Gris édition   06) 2023Pokémon Stadium édition 2006 - compilation NGC + NGBA   07) 2022Pokémon Stadium édition 2002 - COMPILATION N64 + NGB + NGBC   08) 2024Pokémon Stadium édition 2012 - COMPILATION WII + NDS   09) 2025Pokémon Stadium édition 2017 - compilation NWIIU + N3DS   10) 2026Pokémon Stadium island édition 2002 - ile de stadium arène +et capture de pokémon en arène pendant des étapes de story mode+ boutique d'achat de CT avec la monnaie gagner après les combats+ ile de stadium arène par programmation 1996 - 1998 - 1999 - 2000 - 2001 NGB+NGBC+N64   11) 2027Pokémon Stadium island édition 2006 - ile de stadium arène +et capture de pokémon en arène + story mode par programmation 2002 - 2003 - 2004 - 2005 - 2006 NGBA+NGC   12) 2028Pokémon Stadium island édition 2012 - ile de stadium arène +et capture de pokémon en arène + story mode par programmation 2006 - 2007 - 2008 - 2009 - 2010 - 2011 - 2012 NDS + NWII   13) 2029Pokémon Stadium island édition 2017 - ile de stadium arène +et capture de pokémon en arène + story mode par programmation 2011 - 2012 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 - 2017 N3DS + NWIIU   14) 2026Pokémon 2D plateforme games adventures   15) 2026Pokémon Mini games and Party games   16) 2025 - 35 ans de la sérieFire Emblem Compilation et Traduction - 1 Path of Radiance GC + 2 Radiant Dawn Wii + 3 The Sacred Stones GBA + 4 Fire Emblem GBA + 5 Sword of Seals GBA + 6 Seisen no Keifu + 7 Thracia 776 + 8 Shin Monsho No Nazo DS + 9 Shadow Dragon DS + 10 BS Senki original translated + 11 Mystery of the Emblem + 12 Shadow Dragon and the Blade of Light + 13 Gaiden + 14 3DS Awakening + 14 3DS Fates les 3 voies + 15 3DS Echoes Shadows of Valentia   17) 2022Super Mario Land complète édition COMPILATION - SML 1 + SML2 + SML 3 Wario Land 1 + WL2 GB + WL2 GBC + WL3 GB + WL3 GBC + WL4   18) 2029 - 40 ans de la série Super Mario Land complète Remastered édition - SML 1 + SML2 + SML 3 Wario Land 1 + WL2 + WL3 + WL5   19) 2023Fire Emblem Tellius Story Remastered - original gameplay + traduction + level class base de 1 à 40 + level class advanced de 41 à 80 + level class master de 81 à 120 + les 80 chapitres des 2 jeux NGC et Wii réunis à la suite   20) 2026Fire Emblem Grandbell Story Remastered - original gameplay + traduction + level class base de 1 à 40 + level class advanced de 41 à 80 + level class master de 81 à 120 + tous les chapitres des 2 jeux SUPER FAMICOM réunis à la suite   21) 2029Fire Emblem Elibe Story Remastered - original gameplay + traduction + level class base de 1 à 40 + level class advanced de 41 à 80 + level class master de 81 à 120 + tous les chapitres des 2 jeux GBA réunis à la suite   22) 2024Fire Emblem Akanea Story Remastered - original gameplay + traduction + level class base de 1 à 40 + level class advanced de 41 à 80 + level class master de 81 à 120 + tous les chapitres des 2 jeux DS + Awakening 3DS réunis à la suite   23) 2028Fire Emblem Seima no Kouseki Story / The Sacred Stones Remastered - original gameplay + traduction + level class base de 1 à 40 + level class advanced de 41 à 80 + level class master de 81 à 120   24) 2030Fire Emblem Gaiden Story - original gameplay + traduction + level class base de 1 à 40 + level class advanced de 41 à 80 + level class master de 81 à 120 + les 30 chapitres du jeu d'origine à la suite   25) 2022F-zero compilation - 1 X Expansion Kit + 2 AX + 3 GX + 4 Maximum Velocity + 5 GP Legend + 6 Climax + 7 F-Zero GP 2 + 8 F-Zero X NTSC + 9 F-Zero   26) 2022StarFox compilation - 1 Adventures - 2 Assault - 3 StarFox 64 NTSC - 4 StarFox - 5 StarFox 2 - 6 StarFox Super Weekend - 7 StarFox Command - 8 StarFox Zero   27) 2023 - pour les 25 ans du jeu F-Zero X : F-Zero X ultimate édition - 60 best characters + 100 best track - voir 90 best characters + 90 best track + X Story mode pour chacun des personnages + mode Time Attack avec record pour chacun des personnages   28) 2022 - pour les 30 ans de la sérieMario Kart ultimate édition - 60 best characters + 100 best track + mode Time Attack avec record pour chacun des personnages + Story mode "personnage + kart + roues + ailes" imposés et différents par étape de "carrière / Pilots Carrières"   29) 2024 - pour les 25 ans de la série Super Smash Bros compilation édition - N64 + NGC + NWII + NWIIU + N3DS   30) 2029Super Smash Bros compilation ultimate édition - 100 best characters + 200 best stages + avec record pour chacun des personnages   31) Logiciels et Services inclus dans la prochaine CONSOLE NINTENDO SWITCH 2023 Nintendo Game Boy Online 2023 Nintendo Game Boy Color Online 2023 Nintendo Game Boy Advance Online 2024 Nintendo Dual Screen Online 2024 Nintendo 3D Dual Screen Online 2026   32) Logiciels et Services inclus dans la prochaine CONSOLE NINTENDO SWITCH 2025 Nintendo N64 + Game Cube Online 2025 Nintendo Wii Online 2026   33) Mario Kart compilation édition - SM1 + MK64 2 + MKSC 3 + MKDD 4 + MKDS 5 + MKWii 6 + MK7 + MK Arcade GP + MK Arcade GP 2 + MK Arcade GP 3 + MK8 Deluxe - 11 jeux vidéo Mario Kart   34) 2023The Legend of Zelda : Oracle of Ages and Oracle of Seasons Remastered édition -   35) 2024The Legend of Zelda : The Minish Cap Remastered édition -   36) 2026The Legend of Zelda : Collector édition 20th Anniversary -Volume 1: Skyward Sword + The Minish Cap + Four Swords + Ocarina of Time   37) 2026The Legend of Zelda : Collector édition 20th Anniversary -Volume 2: Ocarina of Time + A Link to The Past + Oracle of Seasons + Oracle of Ages + Link's Awakening + A Link Between Worlds + Tri Force Heroes + The Legend of Zelda + The Adventure of Link   38) 2026The Legend of Zelda : Collector édition 20th Anniversary -Volume 3: Ocarina of Time + Majora's Mask + Twilight Princess + Four Swords Adventures   39) 2026The Legend of Zelda : Collector édition 20th Anniversary -Volume 4: Ocarina of Time + The Wind Waker + Phantom Hourglass + Spirit Tracks   40) 2026The Legend of Zelda : Collector édition 20th Anniversary -Volume 5: Salon TV GamesThe Legend of Zelda + The Aventure of Link + A Link to the Past + Ocarina of Time + Majora's Mask + The Wind Waker NGC + Ocarina of Time Master Quest + Four Swords Adventures + Twilight Princess + Skyward Sword   41) 2026The Legend of Zelda : Collector édition 20th Anniversary -Volume 6: Portable GamesLink's Awakening GB + Link's Awakening DX GBC + Oracle of Seasons + Oracle of Ages + Four Swords + The Minish Cap + Phantom Hourglass + Spirit Tracks + A Link Between Worlds + Tri Force Heroes   42) 2025The Legend of Zelda : Remastered édition -Four Swords

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Mes idées pour des améliorations de services Nintendo Switch

SNES Online:   NSO - Les jeux BS NSO - Les Fire Emblem   Nintendo64 Online:   NSO - Super Smash Bros 64 NSO - Wave Race 64 NSO - 1080° Snowboarding NSO - Pokémon Stadium PAL EUR NSO - Pokémon Stadium 2 PAL EUR NSO - Pokémon Snap NSO - Pokemon Pikachu Dengenki NSO - Donkey Kong 64 NSO - Diddy Kong Racing NSO - F-Zero X NSO - Mario Tennis NSO - Mario Golf NSO - Kirby 64 NSO - Rayman 2 NSO - GoldenEye 007 NSO - Perfect Dark 64 NSO - StarWars Episode 1 Racer NSO - Castlevania NSO - F-Zero X Expansion Kit NSO - The Legend of Zelda Ocarina of Time : Master Quest   NSO - F-Zero X Climax NSO - F-Zero DXP   NSO - Mario Kart 64 Version SP => 32 PERSONNAGES "préférer/demander" + 32 TRACKS CIRCUITS "un circuit par personnage "Staff Ghost" + indicateur de gain de coupe sur l'écran de séléction des Coupes du mode GP afin de savoir ou ont en ai pour débloquer le mode mirroir +  le second écran titre   NSO - Mario Kart 64 Version SP 2 => 64 PERSONNAGES "préférer/demander" + 64 TRACKS CIRCUITS "un circuit par personnage "Staff Ghost" + indicateur de gain de coupe sur l'écran de séléction des Coupes du mode GP afin de savoir ou ont en ai pour débloquer le mode mirroir et le second écran titre + un menu d'écoute des musiques like Super Smash Bros + mode multi-joueurs pouvant choisirs les objets séléctionner dans le jeu like Super Smash Bros + Time Attack avec l'enregistrement de chaque meilleurs temps par circuit par personnage like Super Smash Bros   NSO - Version SP - Super Smash Bros N64 édition => 64 Personnages + 64 Niveaux de jeux issus des 64 Meilleurs jeux de la Nintendo 64   NSO - Version SP - Super Smash Bros 64 Original Dream édition => Personnages + Stages-Niveaux + GamePlay prévus par l'équipe de travail à l'époque (Miaouss/Mewoth + Peach + King Dedede + Mewtwo + Wario + Marth + Bowser) + Balle Smash + Home Run Contest + MultiMan 64 + Story Mode   NSO - Version SP - Super Smash Bros 64 Nintendo édition => 64 personnages + 64 Niveaux issus des 64 Meilleurs jeux de Nintendo avant l'an 2000   NSO - Version SP - Super Smash Bros 64 Popular Games édition => 64 Meilleurs personnages issus des 64 Meilleurs jeux avant l'an 2000   NSO - Version SP - Pokémon Stadium 1 => Story mode permettant au joueur de capturer les 150 Pokémon + capture de Pokémon Sauvages pour les "Battles Stadium" + Boutique de CT + Monter de Niveau via victoire de combat afin de permettre au joueur de choisir ses attaques par Pokémon sauvage capturer et le hasard des statistiques + aventures cachée permettant au joueur de capturer les 150 Pokémon en forme Shiny.... + INCLURE LES DIFFERENCES ENTRE LES FORMES MALES ET FEMELLE  ............................................... NSO - Metroid 64 NSO - Super Mario 64 -V2 NSO - Azure Dreams 64 NSO - Luigi's Mansion 64  NSO - Mother 64 NSO - Fire Emblem 64 NSO - Super Mario World ou Super Mario Bros 2D N64 édition   .................................................... NSO - Nintendo Game Boy NSO - Nintendo Game Boy Color NSO - Nintendo Game Boy Advance NSO - Nintendo Dual Screen NSO - Nintendo 3DS NSO - Game Gear NSO - Lynx NSO - PSP ....

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Doki Doki Littérature Club !

Oh ! Je ne vous ai pas vu, entrez entrez donc, ne soyez pas timide ! Quand j'étais petit (je n'étais pas grand) je lisais beaucoup, certes pas des romans mais je lisais beaucoup, plus tard j'ai lu pas mal de roman mais quelques peu d'entre eux ont su me marquer, cependant je m'y suis remis mais cette fois-ci en sirotant un bon thé. Le rapport avec les jeux-vidéo ? Et bien au Pays du soleil levant on a pousser le concept de lecture avec le Visual Novel, vous savez ces jeux où il faut lire mais à la différence qu'il y a de la musique, des voix et j'en passe. Personnellement le papier reste le meilleur support de lecture mais un jeu m'a piquer mon intérêt il y a trois ans de cela maintenant, son nom ? Doki Doki Littérature Club ! Pourquoi celui-ci ? Disons qu'il est spéciale et puis il avait ce petit "je ne sais quoi", pourquoi résister à la tentation ? D'autant qu'il est gratuit et traduit par les fans, toujours partant ? Parfait ! Vous m'en voyez ravis mais par contre je dois de vous prévenir que vous risquerez bien de le regretter. Toujours là ? Vous ne pourrez pas dire que je ne vous avait pas prévenus.....   Bienvenue dans Anime & Game et je vous souhaite un bon voyage.....en enfer !       ! Avertissement ! Le jeu que je vous présente est très fortement déconseillés aux enfants mais également aux personnes souffrant d'Angoisse, de dépression et de solitude. Le jeu parle aussi de sujet grave et certaines scènes peuvent choqués les plus sensible d'entrevous ! Cette avertissement n'est pas à prendre à la légère croyez-moi, maintenant si vous vous sentez prêt pour ce qui vous attends, ma foi que la force soi avec vous mais dans tout les cas, vous ne pourrez pas dire que je ne vous ai pas prévenu !                  A little bit of Monika in my life !   Parlons du genre du Visual Novel histoire qu'on sais où on met les pieds. Le Visual Novel est un jeu purement textuel qui raconte une histoire accompagné de son et d'image, très populaire au Japon il est quasiment absent chez nous ou plutôt que ce genre a débarqué très tardivement dans nos contrées. La particularité de ce genre de jeu est que la majorité des softs proposent de faire des choix qui influencerons l'histoire et les personnages, un genre de livre dont vous êtes le héro mais plus interactif.   Au Japon, ce genre est considéré comme des jeux d'aventure et le distincte des "Adventure Game" qui est un Visuel Novel mais avec des énigmes ou autre interactivité, je pense à la série des Phoenix Wright: Ace Attorney de Capcom par exemple. Sauf que nous on a tendance à englober le tout parce qu'on a la flemme de distinguer les variations d'un genre absolument pas populaire chez nous, dans le cas de Doki Doki Littérature Club il s'agit d'un Visuel Novel pur et dur.   Vous avez constatés qu'on a très peu de chose à faire si ce n'est lire et faire un choix de temps en temps, c'est pour ça que l'histoire du jeu doit être sacrément bien écrit et soit passionnant si on veut en venir à bout. Certains éditeur on trouvé un moyen de contourner le potentiel ennuie qui pourrait s'abattre sur le joueur : Le Sexe !   Si globalement les Visual Novel sont des histoires de tranche de vie, d'enquête policier ou de science-fiction, certaines histoires sont simplement des jeux de drague qui mène à vous savez quoi, ça c'est qu'on appelle des Eroges mais tout les jeux de drague ne sont pas nécessairement des Eroges. Il serait délicieux de vous parler des choix dans ce genre d'histoire comme le fait de savoir si le héro doit lâcher la purée (ou plutôt où) mais le jeu du jour n'est pas un Eroge donc on va se passer de ce genre de détail 😅   Bon alors c'est quoi Doki Doki Littérature Club ? Comme je l'ai dit plus tôt il s'agit d'un Visuel Novel du studio Team Salvato, sorti le 22 septembre 2017 sur PC dans un premier temps, il viens de connaitre une nouvelle version qui viens de sortir très récemment dans une version plus complète nommé Doki Doki Littérature Club Plus ! le 30 juin 2021 sur PS4,Xbox One, Nintendo Switch et sur PC, j'expliquerai en détail un peu plus tard les différentes versions à la place parlons du studio.   La Team Salvato a fait.....uniquement ce jeu, Ah ! Bon et bien cela a été rapide ! La chose que je peux vous dire est qu'il d'agit d'un tout petit studio créer par un certain Dan Salvato. Qui est Dan Salvato ? Et bien, c'est un gars comme vous et moi, il est speed Runner sur Yoshi's Story, il adore l'Amiga et il fait des compositions musicaux pour ses propres créations, voilà voilà ! Pour faire simple, La Team Salvato pourrait être comparé à un Dōjin, un cercle d'amateur qui créer des jeux ou de la musique, sauf qu'ils sont américains, car oui Doki Doki Littérature Club est un jeu américain !   Il faut savoir que Doki Doki Littérature Club est un jeu qui a connu une énorme côte de popularité puisqu'il a beaucoup était joué en Live par des streamer et des youtubeurs. J'ai d'ailleurs connu ce jeu via le Let's Play de Farod comme beaucoup je suppose, il m'avais séduit dès le premier épisode donc je n'ai pas attendu pour le télécharger et y jouer.....j'aurais peut-être dus attendre un peu.....     Voici les quatre protagonistes de l'histoire que vous allez fréquenter tout au long du jeu.            Je t'aime, Oh oui je t'aime......moi non plus.   J'ai essayé ce jeu pour la première fois lors de sa sortie, je me suis pressé de dézipper le fichier et d'installer la fan-trad, pendant ce temps je réfléchis à mon expérience sur le Visuel Novel qui frôle le zéro, j'ai bien tenté trois Eroge (dont Fate Stay/Night et School Days) sans voir ne serait-ce une petite scène coquine car j'ai abandonné très tôt, le seul véritable expérience reste le mode histoire de la franchise Blazblue dont j'en ai vu le bout malgré une seconde moitié vraiment pas terrible.   Je lance enfin le jeu pour découvrir un bien étrange avertissement, similaire à celui pour ce billet je suis intrigué, comment un jeu qui promet d'être aussi mignon peut choquer les âmes sensibles mais surtout des angoissés et des dépressifs ? C'est plutôt précis comme avertissement. On me demande d'accepter ce que je verrai dans le jeu..... pourquoi j'ai l'impression de signer un pacte avec le diable ?   S'affiche alors le nom des développeurs et une fois de plus cette avertissement qu'on rabâche sans cesse alors que je n'ai pas encore accès au menu principal, menu d'accueil très mignon avec du rose partout et quatre filles qui le sont toutes autant. Je lance une nouvelle partie et on me demande mon nom : Penpen fera l'affaire.   Voici l'histoire, nous somme le protagoniste de cette histoire tel un persona où nous vivons à côté de Sayori, une amie d'enfance qui nous accompagne chaque jour depuis des années....ça sent le syndrome Tifa ! Cette dernière veut qu'on rejoint un club de l'école mais on n'est pas trop motivé si ce n'est par celui du club des animés (j'ai de l'expérience dans ce domaine après tout !), cela déplait à Sayori qui ne veut pas qu'on finit comme un Otaku entouré de ces figurines sexy de ces héroïnes préférés (je n'ai qu'Asuka d'Evangelion en petite tenu ne me juger pas !). Sayori propose alors de rejoindre son club de littérature ou plutôt nous y oblige vu qu'elle a fait la promesse à ses autres membres qu'on viendrais faire un petit tour, en plus il y a des cupcakes ! Nous acceptons parce que les cupcakes c'est bon !   Nous entrons alors dans le club pour découvrir trois filles dont je m'empresse de vous présenter :                     - Natsuki, la Tsundere du groupe qui aime tout ce qui est mignon, cuisine des cupcakes en forme de chat, écrit des poésies et possède une grande passion pour les mangas.                     - Yuri, l'introvertie du groupe qui est passionnée par la littérature dont les récits d'horreurs, sa grande timidité la rend très mignonne (ainsi que ces formes) mais c'est son expérience dans l'écriture qui fait d'elle une experte dans le domaine.                       - Sayori, l'amie d'enfance extravertie et maladroite parfois énervante mais qui veille sur nous depuis longtemps. On sait pas trop ce qu'elle fout là pour l'instant si ce n'est qu'elle est la vice présidente de ce club.                       - Monika, la leader et fondatrice de ce club, élève parfaite, belle et intelligente pour ne pas dire inaccessible et est une connaissance lointaine dans une ancienne promotion de l'école.   Un constat frappe au yeux, elles ont tous mignonne et opportuniste que nous somme on compte bien rester dans ce club,  non pas pour la littérature en soi mais plutôt pour draguer ces filles, à la sortie du club nous avons alors qu'un objectif en tête : séduire notre préférée parmi Sayori, Natsuki ou Yuri.....mais pas Monika, pourquoi ? Je suppose  que c'est le boss ultime et qu'on pourra la séduire après avoir fait fondre les trois autres.....   La composition de poème et les choix qu'on nous donne durant l'aventure sont les seules éléments de gameplay.   Mais on fait comment pour les séduire ? C'est plutôt simple, nous devons écrire une poésie en choisissant vingt mots parmi une liste de mots dont certains correspond aux goûts de chacune d'entre-elles. Par exemple, Yuri aime les récits d'horreur donc privilégiés tout ce qui est dans le champs lexical et sémantique de l'horreur. Pour connaître les goûts de chacun, il y a deux façons :   D'abord, les conversations avec elles nous informe de ce qu'elle aime, leurs caractères aide aussi. Puis la lecture de leurs poème permet de trouver des mots ou des sens qui permettrons de mieux choisir lors de nos prochains poèmes. Parce que oui les filles écrivent notamment des poèmes puisque c'est l'exercice que Monika impose à tout le monde, la lecture de ces poèmes nous informe de ce qu'elle ressent et de ce qu'elles aiment, pratique, non ?   La première poésie est hasardeux mais pour être sûr de savoir à qui elle touche, des chibi des trois héroïnes sont à côté de la liste et se mettent à sauter de joie lorsque l'on choisit un mot qu'elle aiment, celle qui aura le plus de mots dans votre poème déclenchera sa "route", c'est à dire que vous allez vous rapprocher d'elle et vous en serez plus sur la fille en question mais aussi vous débloquerez des scènes inédits avec cette dernière, rien de bien nouveau pour le genre.   Pour ma part, c'est Yuri qui a eu mes faveurs, il faut reconnaître qu'elle a tout ce qu'il faut pour plaire, j'en apprend plus sur cette jeune demoiselle dans des scènes plutôt tendre, j'apprend notamment qu'elle aime profondément un livre plutôt étrange pour ne pas dire mystique, le très célèbre « Portrait de Markov»  (ne chercher pas, il n'existe pas). Ce livre parle d'une expérience sur une jeune femme qui devient une meurtrière sanguinaire qui démembre ses victimes dans une asile....très glauque pour une fille comme Yuri, non ?   On échange encore des poèmes, une petite dispute entre Yuri et Natsuki éclate pour une indifférence artistique, bref je vous passe des détails qui ne vous servirons pas pour la lecture de ce billet. On réécrit un nouveau poème mais je décide d'aller du côté de Natsuki pour tester un peu les routes possibles. Le principe est le même que précédemment et les jours passent tranquillement dans le club, à croire qu'on a fait des caisses pour pas grand chose en ce qui concerne les avertissements.   Cependant, deux éléments de l'intrigue vont précipités les choses, d'abord Monika veut organiser une activité pour le festival de l'école qui arrive à grand pas, on assiste alors à de nouvelles scènes mignonne où les personnages tentent de vaincre leurs peurs de réciter leur poème devant une foule, cela me fait penser à ces animés « tranche de vie » où on suit le quotidien d'adolescents dans leur vie scolaire, personnellement ce genre d'animé m'ennuie un peu et je commence un petit peu à le ressentir dans ce jeu, ce qui me fait rester est ce mystère autour de ces avertissements, c'est intriguant vous ne trouvez pas ?   La lecture des poèmes de vos futurs conquêtes est primordial pour toucher leurs cœurs !   Je disais donc que le festival de l'école arrive est que des préparations sont de mise cependant et contre tout attente, Sayori la fille énergique du groupe ne va pas bien, elle semble avoir le moral dans les chaussettes, on ne comprend pas pourquoi et cette dernière finit par partir plus tôt que d'habitude, on apprendra plus tard qu'elle est en réalité dépressive pour une raison inconnue, révélation assez triste qu'on pouvait devinez dans ces poèmes. Cette facette jusque là inconnue de Sayori ne nous fait pas perdre le nord puisque selon le choix que vous aurez effectuer vous passerez votre Dimanche à préparer soit des banderoles avec Yuri ou des cupcakes avec Natsuki. Que ce soit avec l'une ou l'autre vous vous rapprocherez de l'une d'entre-elles de façon très intimes alors qu'on avait fait un petit coucou à Sayori le jour même dans sa chambre (Quel connard je suis, non ?)   Puis alors qu'on pensait embrassé l'heureuse élue Sayori débarque sans prévenir et les choses vont se compliqué très rapidement, Sayori déclare sa flamme envers nous et un choix très important se présente : Accepter ses sentiments ou la friendzoner, sachant selon votre choix qu'elle est dépressive autant vous dire que vous aller enregistrer votre partie et bien réfléchir. C'est un choix délicat pour tout ce que j'ai énuméré auparavant mais aussi parce que Sayori n'est pas vraiment mon premier choix, j'ai alors fait le triste choix de la friendzoner (c'est officiel je suis un enfoiré de la pire espèce !)    Sayori se met à hurler et à fuir me laissant pantois et avec un peu de regret parce que c'est douloureux comme expérience. Puis vint enfin le jour J du festival où l'on se dit que tout va bien se passer et que Sayori retrouvera son sourire ou que tout s'arrangera, c'est souvent comme ça dans ce genre d'intrigue ! Monika nous présente les livrets où sont présentés nos poèmes sauf que deux détails cloches, la première est l'absence de Sayori dont on sait depuis un petit moment qu'elle a du mal avec le réveil (la dépression vous vous en souvenez ?) mais c'est le second détail qui vous attire, un poème 'inédit' de Sayori et autant vous dire qu'elle vous glacera le sang.   Nous comprenons que quelque chose cloche et autant vous dire que j'avais une petite idée de ce qui se tramait, malheureusement cela ne me rassure pas du tout mais vraiment pas du tout ! Nous courrons rapidement chez elle et là....Bordel  c'était quoi ça !? On découvre avec effroi que les avertissements du jeu sont avérés par le terrible choc que le jeu nous envoie littéralement dans la gueule, excusez du terme mais c'est très violent !   C'est ainsi que ce termine l'acte I et on nous balance au menu principal mais il est différent et quand je dis différent, je veux dire pas rassurant..... Pas le temps de se poser des questions car je fonce charger ma partie avant le choix fatidique en espérant que les choses s'arrangent mais une mauvaise surprise m'attend, notre sauvegarde est étonnamment corrompu et le jeu nous projette dans une nouvelle partie de force.   Nous comprenons deux choses à ce moment, le jeu de drague est en réalité un jeu d'horreur (je l'avais devinez merci) et également que vous ne jouer pas à ce jeu mais que c'est le jeu qui joue avec vous, autant vous dire que la suite sera moins agréable et que les ennuies commencent .....   Comme tout bon Visual Novel vous aurez accès à des illustrations mignons (qui a dit aguicheur ?)             Voyage au bout de l'enfer.....   à la vue de la conclusion de l'acte I, j'ai littéralement abandonné ma partie il y a trois ans de cela. Était-ce si effrayant que cela ? Disons que c'est un sacré choc mais c'était surtout dus au contexte où j'ai joué à ce jeu, je vais être franc je ne me sentais pas bien du tout et j'ai découvert avec ce jeu que j'avais des problèmes d'angoisse, j'ai alors senti que c'était trop pour moi.   Mais le monde et le temps change, j'ai fini par attendre gentiment de retrouver le courage nécessaire pour me remettre à ce jeu, d'autant que dans mon esprit j'entretenais une relation plutôt étrange. D'abord, le jeu me fascinait pour les raisons que je citerai plus tard mais en même temps j'ai créer une sorte d'aura effrayant autour de ce jeu, m'imaginant qu'il était le jeu le plus effrayant auquel j'ai joué, cependant je me suis juré de reprendre ma partie quand ma vie (et mon courage) sera au top niveau.   Mesdames, messieurs ce jour est arrivé très récemment lorsque j'ai appris l'exportation du jeu sur PlayStation 4, je me souviens encore du visage de Monika sur le PSN qui avait mis le titre en avant ! Il ne m'a pas fallut plus pour replonger dans Doki Doki Littérature Club, tel Ripley je devais affronter mes peurs, c'était l'heure du second round et j'étais chaud patate !   Commence alors l'acte II où nous revivons l'Acte I mais avec quelques différences, la présence de glitch aussi soudain que passager, cela n'a l'aire de rien mais ces petits interventions génère en moi une montée de stress et une méfiance à chaque clic de ma souris. Le jeu joue beaucoup sur le concept d'angoisse sans pour autant que cela soit des Jumpscare  mais de simple turbulence qui contribue à ce mal-être, surtout avec la conclusion de l'acte I en tête.   En vérité, il y a deux types 'd'interférence', ceux prévu par le jeu comme des glitch sur le visage de Yuri par exemple puis ceux qui sont aléatoires. Ces derniers sont plus des Easter Eggs qu'autre chose mais il en demeure pas moins des élément perturbants dont voici quelques exemples.   Lors de l'écriture du poème, il se peut qu'au bout des vingt mots vous aurez une petite surprise, un dessin malaisant le tout dans un bruit sourd. Il se peut aussi que la 'caméra' se rapproche lentement sans raison lors d'un dialogue ou encore lors du lancement d'une partie vous trouver un message différent au lieu de l'avertissement du jeu. Ceci n'est qu'un petit aperçu de ce qui vous attend mais sachez qu'il se peut que pas grand chose arrive lors de votre partie ou qu'au contraire pas mal de chose se produit, cela dépend de votre chance..... Sachez également que chaque partie est différent, tout le monde n'aura pas les mêmes choses ce qui amplifie une nouvelle fois cette angoisse perpétuelle.   Cette fois-ci ce n'est pas Sayori qui nous convînt de rejoindre le club mais Monika elle-même ! On revit globalement les mêmes choses puis arrive l'instant d'écriture du prochain poème. Si lors de l'acte I, on avait tendance à prendre l'exercice à la légère, autant maintenant vous avez l'impression d'avoir le baril d'un pistolet sur votre tête.   Vous aurez toujours  le choix entre dans votre quête de l'amour (pour ne pas dire survie) toujours en fonction des mots qui leurs font plaisir, je décide de continuer avec Natsuki.   Pour ne pas spoiler ce qui se trame globalement dans l'acte II gardez à l'esprit que je n'ai pas été tranquille et que le jeu commence à partir dans tout les sens, les poèmes deviennent de plus en plus énigmatiques quand ils ne sont tout simplement pas lisible du tout !   C'est surtout du côté de Yuri que les premières sueurs découle de mon front, il serait délicieux de raconter tout ce qui se trame avec elle mais je gâcherai le plaisir de la découverte, pour ceux qui ont fait le jeu je dirais simplement : Stylo ! Croyez moi vous n'en verrai plus de la même façon. Quelque frayeurs vous attend avec des glitch mais aussi des évènements inattendu pour un Visual Novel et l'Acte II se conclue d'une façon que vous ne serez pas prêt d'oublier.   Puis nous voilà à l'Acte III qui est le dernier (bon certains disent qu'il y en a 4 mais pour moi cela fait un tout), je resterais flou pendant cette Acte puisqu'on apprend plusieurs révélations mais sachez uniquement que l'Acte peut durer très longtemps ou être très court en fonction d'une action qu'il faut faire à n'importe quel moment, techniquement cela peut durer plusieurs jours voire des années en fonction de votre envie.   Puis le jeu se termine sur une note.....particulier. J'en suis venu à bout mais je pense qu'il est temps de vous expliquer pourquoi vous vous devez d'essayer ce jeu.   Les poèmes vont devenir de plus en plus inquiétant à défaut d'être incompréhensible !                   Your Reality   Une bonne semaine est passé depuis que j'ai fini l'expérience Doki Doki Littérature Club et je dois bien admettre que je n'arrive pas à m'en sortir, ce fut tellement intense, court mais intense !   Par quoi commencer ? Et bien parlons de ce qui est selon moi l'un des points essentiel de ce jeu : l'écriture ! Je vous rappelle qu'on est dans un Visual Novel un genre très particulier qui n'attire pas des foules dans nos contrées, disons que lorsque ton seul élément de gameplay est de lire un texte (en dehors de choisir des mots lors des 'compositions' de poème) il faut reconnaître que l'on peut s'ennuyer. Heureusement que ce n'est pas le cas et tout ça grâce à la justesse de la Team Salvato d'avoir fait ce Visual Novel  accessible pour tous....ou plutôt presque à tous ^^'   Le jeu est court pour le genre, j'ai mis environs huit heures lors de ma run que j'avais filmé et commenté pour la première fois, on est loin de la centaine d'heure d'un Fate Stay/Night ! Le petit défaut concerne la répétition en soi de l'acte 1 qui de plus est un acte long, c'est à dire quatre heures soit la moitié du jeu ! C'est un peu bête de constater cela après avoir terminer le jeu mais j'expliquerai un peu plus tard en quoi cette répétition (et cette longueur) est selon moi essentiel pour la 'magie' du jeu.   Un autre point dans son gameplay à noter est l'utilisation de certains fonction comme « passer » ou « sauvegarder » qui sont utilisé comme élément de gameplay, parce que d'habitude ce ne sont pas des éléments de gameplay (fin de l'acte II pour ceux qui ont fait le jeu)       Le jeu garde aussi pas mal de secret comme le fait de checker à un moment précis l'historique des dialogues mais tout ceci sont des éléments dans le jeu mais sa force tient du fait qu'il joue beaucoup sur des éléments extérieur du jeu.   Je vais tenter d'analyser le jeu et d'expliquer en détail ce qui rend DDLC un jeu marquant ! Comme je l'ai dit plus tôt, le jeu est un jeu d'horreur mais il joue énormément sur la destruction du quatrième mur. Le quatrième mur pour ceux qui ce sont endormis à l'école renvoi aux spectateurs lors d'une représentation de théâtre, la scène comporte trois 'mur', l'une à droite de la scène, l'autre à gauche puis le fond de la scène. Normalement, on suppose que la représentation ce fait dans un pseudo huit-clos où les personnages de la pièce sont seul....sauf qu'il y a nous spectateurs qui n'existons pas en tant que personnage mais qui voyons ce qui se passe alors que les personnages ignorent notre présence : c'est le quatrième mur.   On parle alors de « briser le quatrième mur » lorsque un média se rend compte qu'il y a la présence d'un publique, les exemples les plus parlants sont Deadpool dans les comics ou encore Jak et Daxter ...et bien sûr DDLC qui est devenu une référence dans ce domaine.   Excusez-moi de le dire ainsi mais le jeu part en couille dès l'Acte II !   En général, le but de ce briser le quatrième mur est souvent un effet humoristique puis avec le temps on l'a utiliser pour faire réfléchir le spectateurs (Metal Gear Solid ou Evangelion en tête) mais ici il sert à créer une angoisse perpétuel.   Le conseil de Monika de sauvegarder lors d'une décision difficile dans l'acte I est un petit pas vers la destruction de ce quatrième mur, parce que oui le mur ici va être détruit littéralement ! C'est dans l'acte II que les choses vont partir en cacahouète, en vérité le jeu à tout prévu pour vous 'punir' mais tout ceux qui ont fini le jeu ont en tête l'acte III où la frontière entre le réelle et le virtuel est plus que flou. Ce qui contribue selon moi à cette angoisse omniprésent est cette frontière qui disparaît pour devenir notre réalité, ce qui fait que lorsqu'on quitte le jeu on ne le quitte pas vraiment d'où les avertissements à prendre au sérieux. C'est très difficile d'expliquer ce concept et il faut vraiment le vivre pour comprendre la conception d'horreur du jeu qui va bien plus loin que de simplement partir dans tout les sens.   J'ai employé le terme « punir » plus tôt, peut-être que ce terme vous a intriguer ou que vous vous êtes dit qu'il parle de « Jumpscare », laissez-moi plutôt vous expliquer ce qui fait de ce DDLC un Visual Novel excellent !   Pour faire très simple, Doki Doki Littérature Club est un anti-Visual Novel, il possède le syndrome « Evangelion » c'est à dire un genre qui va se remettre en question sur ce qu'il est réellement en jouant avec ces codes mais à la différence que dans le cas de ce DDLC qu'il va encore plus loin, il va jouer avec les codes des Otakus ! Pour moi, c'est comme si vous écoutez de la musique classique et que tout d'un coup vous écouter « Smack my bitch up » de The Prodigy, DDLC est ce « Smack my bitch up » du Visual Novel !   Pour mieux comprendre tout cela il faut comprendre la mentalité d'un Visual Novel, j'oserai même aller à la comparaison avec un Eroge cela sera encore plus claire dans vos esprit. Pourquoi joue t-on à des jeux de drague de ce type ? Pour l'histoire ? Certes mais ce n'est pas le but premier, très souvent le but du jeu est de séduire des filles inaccessibles, d'avoir une relation avec elles puis selon le jeu d'avoir des moments intimes (des scènes Hentai pour ceux qui n'ont pas compris). Ce dernier points est souvent la récompense ultime pour certains Visual Novel au delà même de l'intrigue, l'histoire est important bien sûr mais ces scènes sont des récompenses d'une patience à toute épreuve allant à de nombreuses heures pouvant aller à une dizaine d'heures voire plus pour certains titres ! Autant vous dire qu'il faut être patient pour voire votre waifu nue et gémissant à vos désirs.   Revenons à DDLC, pourquoi avez-vous télécharger le jeu ? Soit vous êtes un habitué du genre et vous croyez qu'il s'agit d'un énième jeu de drague, soit vous n'avez jamais touché à ce genre de jeu et vous vous êtes dit que cela serait amusant de voir ce qu'il en est, dans tout les cas vous êtes parti dans un état d'esprit de séduction qu'importe si c'est sérieux ou non.   C'est le cas de votre persona également, pourquoi êtes vous entré dans le club ? Pour la littérature ? Laissez-moi rire ! Non c'était pour draguer, ce fut même votre première réflexion lorsque vous avez dit qu'elles étaient mignonnes ! Pourquoi avez vous composez des poèmes ? Pour choisir votre waifu et débloquer l'illustration qui est une autre forme de récompense dans ce type de jeu....ce que vous ignorez c'est que le jeu vous a dupé comme vous avez dupé ces filles en jouant avec leurs sentiments, sauf qu'ici impossible de revenir en arrière vous devez assumER vos choix et vos erreurs comme dans la vrai vie.   Oui vous êtes une personne méprisable du moins c'est que le jeu veut nous dire mais rassurez-vous le jeu aussi est comme vous, c'est ce qu'on apprend dans l'acte III....       Le jeu part dans le creepy et s'amuse à vous torturer psychologiquement, c'est votre punition !   C'est alors que vous croyez que vous allez profiterez de ce plaisir puisque ce genre de jeu accorde toujours une récompense mais ici ce n'est pas une scène Hentai qui vous attend, même pas un bisou ou la satisfaction d'avoir aider une âme perdue mais bien le twist de l'acte I et autant vous dire qu'elle fait mal ! Puis c'est la cascade avec les frayeurs et l'angoisse, le jeu vous puni pour votre état d'esprit que ce soit vous ou votre persona, c'est le retour des chose, le retour à la réalité.   En vérité, il y a encore quelque chose que vous ignorez pendant que votre culpabilité par rapport au twist de l'acte I et que vous subissez les multiples punitions du jeu dans l'acte II, ce que vous ignorez c'est que le jeu vous a manipulé. Oui il vous manipule que ce soit par les pensée de votre persona qui dicte votre mentalité et votre but, le fait également qu'il a toujours un coup d'avance ou que certains actions n'en a réalité aucune conséquence que ce que le jeu désire....     Vous croyez jouer à Doki Doki Littérature Club mais en réalité c'est Doki Doki Littérature Club qui joue avec vous ! Je vais prendre un exemple simple, à un moment dans le jeu Monika et les filles vous demande de faire un choix concernant avec qui vous allez passer le week-end, ce qui revient à un moment intime (donc récompense), au moment de choisir la fille vous constatez que votre souris va directement sur l'une d'elle et qu'importe si vous bougez elle reviendra immédiatement sur ce choix, chose plutôt rigolo aux premières abords puisqu'on avait reproché à cette fille justement d'abuser de ses pouvoirs, la preuve ici.   Il y a deux actions possible, soit vous vous soumettez au jeu sachant qu'il vous a dupé (et qu'il vous dupera encore) soit vous jouer les rebelles et oser choisir une autre fille, si comme moi vous avez fait la deuxième action il est fort probable que vous avez regretté ce choix. Je trouve ce passage assez parlant parce qu'il vous montre que si vous n'allez pas là ou le jeu veut que vous allez il vous punis mais si vous écouter le jeu, il vous épargnera comme un toutou (quand il veut vous épargner je veux dire) mais dans tout les cas, le jeu vous manipule qu'importe vos choix, c'est plutôt paradoxale pour un Visual Novel que de vous imposez ses choix, non ?   Cette duperie va très loin et le jeu à tout prévu pour vous piégé qu'importe vos choix et qu'importe vos comportement, oser quitter le jeu subitement lors du twist de l'acte 1 (par reflexe par exemple) et le jeu vous punira, oser tricher avec les sauvegarder et le jeu s'en rendra compte, oser enregistrer votre partie et le jeu se vengera, c'est ce genre de chose qui contribue à l'ambiance du jeu.   Depuis un moment je parle de briser le quatrième mur mais le summum est atteint lorsque parfois vous jeter un œil sur le dossier où figure le jeu, il se passe des choses plutôt étrange et effrayant : des fichiers qui ne sont plus là, d'autres fichier qui s'ajoute et dont ignore comment ils sont arrivé là, des documents texte qu'il faudra déchiffré ou tout simplement lire avec un traitement de texte pour comprendre certains point de l'intrigue, des images perturbants mais le top du top reste que pour finir le jeu, il faut effectuer une certaine action directement dans le dossier du jeu....celui dans votre Windows, la peur va au delà du jeu, elle est immersive mine de rien.   Le jeu est plutôt court mais en sachant que tout dépend de votre vitesse de lecture, de vos choix dans l'acte III, qu'on peut refaire le jeu pour voir les autres routes qui sont tout aussi effrayants, trouver tout les Easter Egg et autre phénomène étrange du jeu (qui change à chaque partie pour mieux vous surprendre), obtenir la fin caché ou la mystérieuse fin au milieu du jeu si vous l'avez raté.....bref le jeu offre une certaine re jouabilité et même plus que ça.   C'est bien trop tard qu'on réalise que le jeu s'est moqué de vous durant tout l'acte I   Comment cela ? Je vais parler rapidement des nombreux théories sur le jeu, il faut savoir que les développeurs ont laissé un certains nombre fichier dans le dossier du jeu qui permet de découvrir une toute autre histoire parallèle, le seul lien avec DDLC semble être ce mystérieux livre : Le troisième Œil ! Il y a eu tout un travail de la part des joueurs pour découvrir le mystère de certain fichier, c'est assez fou d'ailleurs puisqu'il faut changer des police d'écriture, convertir en html base 64, convertir en fichier audio....c'est très long à résumé mais il y a pas mal de vidéo sur ce sujet que je vous recommande de jeter un petit œil après avoir fini le jeu. C'est une théorie très connu sur le net et il y a même des chances que vous en avait entendu parler.   Parlons rapidement aussi de la version plus dont je ne vous cache pas que j'ai précommander la version physique (qui est un collector) mais vaut-il le coût de dépenser de l'argent dans un jeu qui est initialement gratuit ? Cette réponse je ne l'ai pas encore bien qu'il soit sorti sur les stores de vos console préféré mais sachez que les possesseurs Xbox ne pourrons pas obtenir le collector puisqu'ils sont réservé à la Nintendo Switch et à la Playstation 4....c'est con.   La version plus m'a l'air d'être une version fan-service qui possède des chapitre supplémentaire mais seront t-il effrayants ? Mystère pour moi..... Cependant cette version possède deux défaut majeur à prendre en compte si comme moi vous avez aimé le jeu, d'abord le jeu perd en immersion puisqu'ils ont dus mettre en place un faux Windows pour pouvoir recréer l'expérience, certes nécessaire pour les consoles mais on perd tellement en immersion ! Cependant, ils ont ajouter un système de mail qui m'a l'air bien sympa, je n'ose imaginer ce qu'on me réservera ! L'autre défaut ne va pas vous plaire non plus puisque cette version est....censuré ! En faite c'est une scène qui est censuré (et aussi un certain terme) ce qui a valu un sacré Taulé chez les fans mais il faut comprendre que le jeu va loin, on sent que Sony et Nintendo n'aurait pas laissé passez ça.     Du coup, cette version plus est réservé avant tout à des gens qui ont joué à l'original et adoré l'expérience mais cela fait réfléchir tout de même : Mettrez vous de l'argent dans une version censuré et moins immersif alors que l'original est gratuit, immersif et non censuré ? La réponse est clairement pas puisque le jeu coûte 15 euros sur Steam et Xbox mais seulement moins de 13 euros pour la Playstation 4/5 et Nintendo Switch.....Pourquoi ?.....bonne question.   Dans tout les cas c'est trop cher pour ce que le jeu propose ou alors attendez une promo. Quand à la version physique/collector il vous coutera 40 euros avec comme « cadeau » des autocollants, un poème, la BO du jeu sur disquette et quatre petites figurines en plastique (je ne sais pas comment cela s'appelle mais c'est à la mode). C'est également trop cher pour ce qu'ils propose mais l'idée d'avoir ce jeu en physique dans ma bibliothèque me suffit pour que je craque (et aussi qu'il va devenir ultra cher dans les années à suivre, comme ça pas de regret), il m'a marqué ce jeu vous savez !   Donc je vous conseillerez d'essayer la version PC originale qui est gratuit et vous évitera une mauvaise surprise si vous acheter sans trop savoir ce que c'est réellement, bref c'est réservé aux fans.   Les décisions de vos choix seront de plus en plus stressant à travers le jeu, il faut dire qu'il ne vous aide absolument pas !                  Au revoir les filles......au revoir club de littérature (conclusion)   Que dire de tout ça, de ce que j'ai vécu à travers ce jeu ? Pour être très franc, je pense que je n'ai pas joué à un jeu aussi bien depuis une bonne dizaine d'année, le jeu en matière d'horreur met littéralement des coups de pied aux culs à des triples A alors qu'il s'agit d'un jeu à petit budget. Je vais même aller plus loin, je pense qu'il s'agit d'un jeu culte, ouais je pense que dans vingt ans on en parlera encore !   J'ai adoré ce jeu, j'ai adoré l'expérience qu'il m'a procuré, ce sentiment d'avoir été au delà de mes peurs est la plus belle des victoires mais aussi sur le message du jeu.   Que faut-il comprendre ? Le jeu pose beaucoup de question sur son média, le rapport avec les waifu, des questions sur la vie mais aussi sur l'écriture et la lecture. On parle très peu de l'éloge de l'écriture et de la lecture dans ce jeu alors que ce sont les deux seul élément de gameplay. DDLC nous invite à prendre en compte de nos faiblesse et nos peurs de la vrai vie mais il nous invite aussi à faire d'autre Visual Novel, n'oubliez pas que pour beaucoup ce jeu fut la première expérience dans ce genre si particulier et impopulaire chez nous.   Pour ma part, il m'a permis de revoir ma façon d'écrire, il m'a encouragé à relire des romans et de m'initier au Visual Novel (pourquoi pas continuer avec les adaptations d'Evangelion...), d'une certaine façon je trouve dommage que les gens retiennent surtout les twist du jeu (qui sont marquant) et qu'on oublie que le but premier du jeu était tout simplement de nous mettre à la lecture. Finalement est-il si effrayant que ça ? Je dirais oui et non.   Oui parce qu'il vous génère une angoisse constant (malgré quelques fou rire de mon côté) et même en connaissant le jeu par cœur, le sentiment d'angoisse ne part pas, c'est juste dingue, c'est une total réussite ! Non parce qu'il n'y a pas autant de Jumpscares (et encore c'est un grand mot en soi) que ça, quoi que si on peut en considéré comme tel, je dirais qu'il y en a quatre en tout sachant que le premier n'en n'est pas vraiment un et qu'on peut en esquiver deux....c'est probablement le seul jeu dont je tolère ses jumpscares parce qu'en général j'ai horreur de ça ! Tout ça pour dire qu'on est loin du train fantôme d'un Until Dawn par exemple.     Cependant, je me demande si on a réellement compris le jeu, quand je vois qu'il a tout un système de goodies et des oreillers à l'effigie de ces héroïnes dans des positions sexy, je me dit qu'il est un jeu incompris mais bon quand je vois les nombreux mêmes sur ce jeu, je me dit aussi à quel point il a marqué au fer rouge les joueurs.   Voilà je pense avoir tout dit si ce n'est que je vous recommande ce jeu à condition que vous n'avez pas de problème de dépression, de sensibilité ou d'angoisse car il faut vraiment prendre en compte ces avertissements je n'exagère pas !   Pour ma part je vous souhaite de bonne fête de fin d'années, éclatez vous bien !     Et n'oubliez pas, le jeu est gratuit mais pas la thérapie 😅   PS : deux petit cadeau avant de vous quitter, l'un est une petite vidéo rigolote sur DDLC que j'ai trouver par pur hasard   Attention Spoil :   Quand au second il s'agit du premier épisode de mon "Let's Play" sur ce jeu, c'est une première pour moi donc c'est très "amateur", on verra si je continue dans cette voie ^^'   

DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

Just Monika

Oh ! Je ne vous ai pas vu, entrez entrez donc, ne soyez pas timide ! Quand j'étais petit (je n'étais pas grand) je lisais beaucoup, certes pas des romans mais je lisais beaucoup, plus tard j'ai lu pas mal de roman mais quelques peu d'entre eux ont su me marqué, cependant je m'y suis remis mais cette fois-ci en sirotant un bon thé......   Oubliez ce que vous venez de lire, nous somme rien, nous somme juste des mots sur un écran. La seule chose qui a du sens et qu'il faut penser est Monika, pensez à Monika, just Monika...     NOBZCE@@!!!,:;^^zEFNVCIHEHVZC           Just Monika, Just Monika, Just Monika, Just Monika     Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika, Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika, Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika, Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika, Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just Monika,Just 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DrunkenPenPen

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Mise à jour des serveurs Cloud : GameBoy, GBC, GBA et serveurs privés PS2

La GameBoy, la GameBoy Color et la GameBoy Advance rejoignent les systèmes compatibles avec les serveurs Cloud.   Contrairement aux consoles de salon, le Multijoueur en écran partagé n'est pas possible sur ces trois consoles portables pour des raisons évidentes. Cette option se joue en effet par consoles interposées via la connexion locale établie par le "câble link".   Certains émulateurs reproduisent cette connexion avec plus ou moins de succès. En théorie, il est donc déjà possible de jouer en ligne en passant par exemple par un VPN. Dans les faits, le netcode des jeux qui exploitent le câble link est pensé pour des échanges au timing très strict avec une latence inférieure au millième de seconde. La latence supplémentaire induite par la connexion en ligne provoquera crashs et ralentissements dans le meilleur des cas.   Grâce aux serveurs Cloud, il est désormais possible d'offrir une expérience de jeu en ligne satisfaisante. Cette option est permise par une méthode déjà exploitée pour adapter en Cloud la connexion en mode ad hoc des jeux PSP. Les particularités de la GBA présentent toutefois un défi supplémentaire que nous pensons avoir surmonté.   Pour autoriser le Multijoueur par systèmes interposés, activez l'option intitulée "Créer une instance par client pour les jeux en réseau" à la création du serveur/lobby. Cette option reproduit les conditions du jeu en réseau local (LAN), lorsque le titre est compatible, en permettant à chaque client de jouer sur son instance avec sa sauvegarde. Contrairement au serveur VPN, les instances émulées par le serveur Cloud sont réellement reliées localement. De ce fait, la connexion est plus stable et plus directe. Certaines options sont exclusives au jeu en écran partagé : partager la manette et sauvegarder/charger l'état. Si vous souhaitez donc conserver l'écran partagé sur une instance unique, malgré la sélection d'un jeu en réseau, désactivez l'option d'un clic à la création du serveur.   Actuellement, cette option est uniquement effective sur les jeux GameBoy, GameBoy Color, GameBoy Advance et PSP.     Les serveurs privés Playstation 2 en Cloud   En plus de l'intégration des nouvelles consoles évoquées, cette mise à jour des serveurs Cloud est également l'occasion d'introduire nos premiers serveurs privés PS2 en Cloud. Resident Evil Outbreak, File 1 et 2, inaugurent le système en permettant la connexion aux serveurs privés en ligne PS2, directement depuis le Cloud.   Contrairement aux autres serveurs dédiés du Multijoueur, il s'agit ici d'un serveur central unique agissant comme un Hub et permettant à chacun de créer son salon, public ou privé, directement depuis les menus du jeu. Les joueurs partagent donc tous le lobby commun de RomStation en plus d'un salon en jeu propre à chaque groupe (jusqu'à 4 joueurs).     ℹ️ Notez qu'il s'agit seulement d'une mise à jour des serveurs Cloud. Aucune mise à jour de votre client (l'application RomStation) n'est donc nécessaire pour profiter de ces nouvelles options.

Kratos

Kratos

Neon Genesis Evangelion [Redux]

Le 5 Novembre 2018, c'est la date où pour la première fois je publiais quelque chose sur le net, c'est ici sur Romstation que j'ai dit mes premiers mots, très timide et hésitant j'ignorais si cette essai réussirait, j'étais loin de me doutez que cela serait une aventure ! 3 ans mes petits pingouins que je parle d'un animé chaque mois, parfois c'était bien parfois c'était discutable, parfois décevant et même parfois amusant, laissez-moi donc soufflez mes trois petites bougies sur mon gâteau mais il est de quel saveur ? Je me suis dit qu'on est en période de remake que ce soit en série ou en jeux-vidéo alors pourquoi ne pas faire un remake d'un de mes billet ? Et puis je me suis toujours demandé ce que cela donnerait si je réécrivais un de mes ancien sujet. Vous aussi vous vous êtes posez cette question ? Alors qu'il en soit ainsi et pour marquer le coup on va refaire mon premier billet qui concerne....Neon Genesis Evangelion, je crois que j'aime déjà ce cadeau !      Excusez-moi je dois changer de pantalon et je suis de nouveau à vous 😅                Tel un ange cruel, Jeune homme, tu deviendras une légende !    C'est pas la joie à la Gainax en 1991, le futur studio qui réalisera Neon Genesis Evangelion à le moral dans les chaussettes, pourtant il vient d'obtenir la renommé mondiale avec leur dernier bébé Nadia et Le Secret de L'eau Bleu, alors pourquoi on fait la tête ? Si Nadia et Le Secret de L'eau Bleu est un succès critique dont le célèbre magazine Animage écrira qu'il s'agit du meilleur animé de tout les temps, malheureusement ce n'est pas le cas d'un point de vue commercial. En effet, les produits dérivés tel des jouets ou autre marchandising comme des jeux-vidéo n'attire pas les foules, paradoxale n'est-ce pas que de voir un animé qui est un carton mondial mais qui n'engendre aucun bénéfice pour le studio, la raison d'une tel situation est probablement dus à la difficulté de vendre un produit sur un animé qui n'est pas réellement un space-opéra mais pas non plus un animé d'aventure. Sans la vente de produit dérivé un studio vie très peu longtemps, surtout quand on s'appelle Gainax qui ont pourtant déjà connu ce genre de cas et qui a été sauvé par les ventes de Gunbuster.   Nadia et Le Secret de L'eau Bleu devait donc renfloué les caisses mais ce ne fut pas le cas, bien au contraire puisque le studio est au bord de la faillite, alors on finit par chercher un responsable de cette fâcheuse situation et qui de mieux que le réalisateur de ce Nadia et Le Secret de L'eau Bleu, après tout c'était notre son projet qui n'est rien d'autre que Hideaki Anno.   Ce dernier commence petit à petit à plonger dans une dépression dont on ignore encore aujourd'hui l'influence qu'il a eu dans sa vie, j'ai entendu dire il y a plusieurs années de cela qu'il avait tenter à trois reprise de se suicidé mais selon certains membre de la Gainax il n'en n'était rien, bref on sais rien ! Hideaki Anno a vraiment, excusez-moi de l'expression, tout pris dans la gueule et en a payé le prix fort : on a limité son pouvoir créationnel sur la fin de Nadia et on l'écart du film qui se déroule après la série, on lui prive de deux projet qui sont Olympia un récit de science-fiction qui raconte la quête de vengeance d'une femme envers son père et Aoki Uru (ou Uru in blue) la suite des Ailes d'Honnêamise dont il ne reste que les artwork de Sadamoto. C'est également le manque de confiance, de soutient et de reconnaissance de la part de ses collègue ainsi que de la charge importante de travail qui va mentalement le fatigué, c'est la douche froide.   Cependant, contrairement à ce que je croyais à l'époque, Hideaki Anno ne s'est pas enfermé en attendant je ne sais quoi mais il a bossé.....sans sa signature. Pourquoi ? Je pense que le manque de reconnaissance l'a beaucoup affecté et pour éviter d'être blessé à nouveau dans son ego il préfère travaillé anonymement. C'est ainsi qu'il se retrouve dans différent projet tel que Mobile Fighter G Gundam (1994) mais surtout une certaine Sailor Moon (1992). L'expérience sur ce dernier animé sera plutôt bénéfique pour Anno puisqu'il va d'abord prendre plaisir à travaillé d'autant qu'il est personnellement fan de Sailor Moon (chose que je comprend tout à fait), son implication dans le premier long métrage ainsi que dans l'arc Le Silence (saison 3) va également donné des idées pour Neon Genesis Evangelion. Pour les curieux, on lui doit les transformations d'Uranus et de Neptune mais il va aussi réalisé un épisode, lequel ? C'est celui sur le retour de Chibiusa pendant un festival.....mon dieu c'est lui le responsable de son retour !   Les Eva sont tout aussi terrifiants que classes !   Cependant, Anno ne se sent pas bien pour les raisons cités plus tôt mais également pour des raisons plus personnelles. Il faut savoir qu'Anno est un homme qui préfère prendre ses distances avec les autres, on peut même dire qu'il ressent un désintéressement envers ses compères et si on voulait aller encore plus loin on peut dire qu'il n'aime personne, que ce soit les gens ou les animaux. Pour tout vous dire, on apprend en 2005 par le biais de sa femme Moyoco Anno (Mangaka de Chocolat & Vanilla) que le régime alimentaire de Mr.Anno consistait en des plats transformés tel des Chips, des Ramen, des Pizza, des Pâtes mais surtout évidemment du Saké ! D'ailleurs, il évite de manger de la viande (il est végétarien) et boire également du café en canette (ça me dit un truc dis donc) Vous vous dite probablement cette chose en lisant tout ça mais si vous avez vu Nadia et Evangelion ce sont normalement des choses qui vous dit quelques chose puisque ces éléments sont visible dans ces série comme Nadia et Rei qui sont végétarienne ou les fameuses canete de café dans Evangelion, moi qui pensais que c'était un sponsor pour financer la série.   Pourquoi un tel état d'esprit ? On peut trouvé son origine dans son enfance plutôt difficile puisqu'il vit avec un père qui passe son temps à se saouler et à le frapper, véritable traumatisme pour le jeune Anno qui est effrayé par ce père tyrannique auquel il lui manque un bras suite à un incident de travail dans une scierie, détail qui donne cette impression de monstre pour l'enfant.   Alors qu'est-ce qu'il aime ? Les robots et les séries Super Sentai ! Anno ne ressens que de la sympathie pour les choses "non-vivant" tel des mécha, sans se rendre compte Anno a déjà pas mal d'idée pour un nouveau projet qui commencera à écrire fin 1993, bien sûr c'est Neon Genesis Evangelion. C'est lors d'un rendez-vous avec un ami d'enfance Toshimichi Ohtsuki un producteur et directeur musical que les choses vont s'accéléré, les deux bonhommes se plaignent du manque d'originalité dans l'animation Japonaise et propose à Anno de lui amener "n'importe quoi" pour l'apporter à ses supérieur et créer un nouveau projet, ce "n'importe quoi" sera Neon Genesis Evangelion. Anno retourne à la Gainax toujours dans la dèche pour annoncer que les affaires reprennent, Le PDG de la Gainax est plus que ravi et impose plusieurs conditions au contrat dont les droits de la série pendant 5 ans et le fait qu'aucun enfant ne soit tué dans la série.   Pour faire simple, Anno veut faire revivre le genre Mécha et lui donné une ambiance plus mature et plus sombre mais aussi révolutionné l'animation Japonaise en ouvrant le genre à un public plus large et plus uniquement au simple Otaku, ouais il voit les choses en grand ! L' équipe va alors choisir un mécha dans une ambiance christianisme. Pourquoi ? Au Japon le christianisme est plutôt exotique ce qui leur permet de se distingué des autres productions, Anno commence à écrire un premier jet de scénario qui contient la base de la série mais il a une petite idée en tête, il souhaite que les monstres soient effrayant et que les enfants vomissent devant la série, pour information les EVA devaient "bouffer" les monstres pour les vaincre ce qui servira à certaines scènes.   Anno présente donc sa première version mais le comité est choqué de voir autant de violence surtout avec la stipulation qu'aucun enfant ne doit être tué mais Anno n'en n'a que faire, il va continué à exploité le concept quitte à délaissé le cannibalisme des Eva. C'est le 4 février 1994 que l'écriture originale de Neon Genesis Evangelion arrive à terme et en parlant de scénario il est peut-être temps de vous le présenter.   On trouvera quelques références subtile à Sailor Moon dans la série !         Emmène-moi jusqu'à la Lune, Laisse-moi jouer parmi les étoiles !   L'intrigue se déroule en 2015, l'Humanité à dus faire face à un cataclysme provoqué par une étrange explosion au pôle nord, cet incident va provoqué la montée des eaux et ainsi engloutir des villes comme Tokyo. La raison officiel de cette explosion est la chute d'une astéroïde mais la réalité est tout autre, il y a quinze ans de cela des hommes ont découvert une source de vie inconnue, l'être enfouis sous la glace se fait nommé Adam, cette découverte se nomme le "First Impact". Des scientifiques ont alors voulu faire des expériences sur cette être mais ça a mal tourné provoquant ainsi ce cataclysme qu'on appelle "Second Impact". Quinze ans après ce drame l'Humanité s'en est relevée mais des créatures géante appelées Anges tente de détruire Tokyo-3, la capital forteresse et provoquerai le "Third Impact" qui serait fatal pour l'humanité !   Mais on avais tout prévus ! L'organisation secrète Nerv fut créé dans cette éventualité et on créer un être humanoïde capable d'éradiqué ces monstres : Les Evangelions ou EVA pour les intimes. Les EVA ne peuvent être piloté que par des ado de quatorze ans, c'est ainsi qu'apparait Shinji Ikari, fils du commandant de la Nerv qui fut "invité" de piloté l'EVA-03 mais ce dernier refuse parce que son père est un fumier qui l'a abandonné à la mort de sa mère. Il changea d'avis à la vue de sa futur coéquipière dans un brancard qui arrive à peine à se relevée, cette fille n'est rien d'autre que Rei Ayanami de fil en aiguille Shinji va se retrouver dans une lutte de tout instant, accompagné de Misato Katsugari sa chef et tutrice mais surtout Rei et Asuka ses coéquipière qui vont se battre à ses côtés.   Ça c'est le pitch de base mais il y a également une sous-intrigue concernant l'origine de ces EVA et du Second Impact qui va permettre de mieux comprendre les fils de l'histoire.   Bon on commence par quoi ? Neon Genesis Evangelion une série mythique qui s'est fait une réputation pour la maturité de ses sujets abordés, son ton mais aussi pour son aspect psychologique. Ouais, Evangelion est très psychologique pour l'époque bien qu'il existe d'autres animés qui était aussi psychologique comme Gunnm ou Akira, Evangelion reste marquant pour ses personnages tourmentés et ses réflexions introspectives.   "Mais on parle bien d'un mécha, non ? Gundam avait aussi des personnages tourmentés alors pourquoi ce Evangelion est-il plus marquant ?" Bonne réflexion mais pour comprendre tout ça il faut expliquer plusieurs points.   D'abord, Evangelion brise les codes du genre mécha par la fusion entre le Real Robot et le Super Robot, les EVA sont donc un mélange de robot surpuissant face à des extraterrestres comme un bon vieux Goldorak mais en mettant l'accent sur le progrès scientifique et le mal être des héros, surtout le mal être des héros. Souffrance physique, morale et psychologique sans oublié une bonne crise existentialiste attend les héros mais aussi le spectateur.   L'EVA est un robot très mobile contrairement à un Gundam par exemple, il est presque humain dans ces gestes ce qui est déjà une révolution pour l'époque mais ça ne s'arrête pas là ! Le pilote subit les coups aussi bien que L'EVA, chose tout aussi nouveau pour l'époque (d'ailleurs, je crois qu'on a jamais repris ce concept). Mais le top du top pour moi est l'image même du mécha qui est ici remis en question, tout les précédents mécha sauve le monde, l'EVA le sauve aussi mais on sent aussi qu'il peut conduire à la fin de l'humanité. Non mais regarder moi cette gueule ! Vous seriez rassurez si ce genre de mécha existait dans notre monde ? Et encore quand il pète pas un plomb et se met à tout détruire voire bouffer ces adversaires.   Regardez donc ce passage mythique de la série : Si ça c'est pas effrayant comme mécha, je ne sais pas ce qu'il vous faut !   Il y a aussi un autre passage où Asuka est effrayé par l'EVA 01 et dit : "C'est ça que je pilote ?" remettant en cause le statut même du mécha dans la société Japonaise, brillant juste brillant ! Il faut reconnaitre qu'Anno avait déjà fait quelques pic sur la science avec Nadia mais Evangelion c'est juste la science qui part en vrille !   Beaucoup de spectateur ont été marqué par cette série car ils ont dus faire face eux aussi à une introspection "involontaire" de la part d'Hideaki Anno qui voulait faire réfléchir sur le média, le rapport que l'on a auprès de ces héroïnes (le phénomène Waifu en tête) et les dérivations trop extrême des Otakus.   Cependant concentrons-nous sur des choses plus simples voulez-vous ? C'est donc pas moins de 26 épisodes où combat spectaculaire et vie quotidienne se côtoye, j'ai pas vu beaucoup de mécha dans ma vie je dois bien le reconnaitre mais je dirais qu'Evangelion est le premier mécha qui mélange ces deux aspects (quoique Gundam...). Les épisodes sont construit d'une façon très précises, chaque épisodes est d'abord composé de Quotidien/Combat mais surtout d'une "thèse" et de son "application".   Qu'est-ce que j'entend par là ? Evangelion traite plusieurs sujet dans chaque épisodes, notamment beaucoup sur les relations humaines ou les apparences, au début cela semble très sommaire mais ça va très vite changé dans la seconde moitié de la série quand il sera question de confiance, de trahison et de mensonge. Pour développer mon argument je vais prendre l'exemple de l'épisode 16, c'est un épisode que j'aime beaucoup car il est question de confiance en soi. Shinji a réussie à battre Rei et Asuka au fameux test de synchronisation que l'on voit régulièrement quand soudain un ange apparait, Shinji se sentant extrêmement confiant suite au succès du test de synchronisation fonce vers l'ennemie pour se faire avoir bêtement se retrouvant ainsi piégé dans l'ange. Une fois piégé, Shinji se retrouve dans une toute autre lutte, une lutte psychologique face à lui-même, des questionnements sur les raisons de sa vie et du pourquoi il pilote. Il serait long et fastidieux de tout expliquer parce qu'il est aussi question de liberté (le fait qu'il ne suit pas les ordres par exemple) mais l'idée de "Thèse" (j'ai réussie le test donc je suis fort) et "d'application de la thèse" (j'ai voulu me battre tout seul parce que je suis fort mais cela a échoué) est ici appliqué, ce n'est pas toujours le cas mais cela l'est régulièrement.   Plus on avance dans la série, plus les combats gagnerons en violence et les souffrances psychologiques en feront de même !   On notera aussi que les combats sont en réalité double, d'abord physique avec les anges puis/ou psychologique face aux anges bien sûr mais aussi face aux autres humains. Parce que oui il est question du rapport des uns aux autres, Shinji en est le parfait représentant, enfant tourmenté à cause de l'abandon de son père et de la mort de sa mère, il impose des distance plus ou moins rapproché en fonction des évènements et du caractère des personnages. En vérité, Shinji est l'anti-pilote de mécha parce que contrairement à tout les autres pilotes de toute les autres série avant Evangelion, le pilote accepte de piloter sans se poser de question et même prennent l'initiative de piloter. Shinji quand à lui.....est imposé de piloter, d'abord parce qu'il n'aurait pas d'intrigue mais aussi parce que ce dernier est forcé de piloté, son père et Ritsuko le critique, Misato essaye de le résonner mais le force d'une certaine manière, le regard des autres qui voit la scène impose une pression, l'urgence du combat imminent est tout aussi une pression pour enfin avoir une Rei en piteuse état qui doit se battre alors qu'elle ne peut pas, sous-entendu que Shinji est un "salaud" de ne pas piloter.   C'est une interprétation comme il en a d'autre mais on ressent dans l'écriture l'angoisse de la sociabilisation car c'est de cela dont il en question dans Evangelion (et la souffrance de la sollitude). Il faut dire que l'une des force d'Evangelion est qu'il est parfois dérangeant dans son visuel, je pense fortement aux Anges, aux EVA mais aussi à Rei, la mise en scène y joue beaucoup mais quand j'entends le prénom de Rei, je pense avant tout aux scènes introspectives et ses apparitions mystérieuses qu'à l'aspect "Waifu".   Puisqu'on parle de jolie fille, parlons de Yoshiyuki Sadamoto le chara-designer d'Evangelion et de plusieurs travaux d'Hideaki Anno. Sans surprise c'est mon dessinateur préféré, j'adore son style et sa façon de dessiner, en particulier les femmes. Sérieusement je trouve qu'il réussie à donner un côté charnel à ses héroïnes sans tomber dans la facilité du "trop sexy" ou du vulgaire, d'ailleurs ce dernier avoue que si Misato existait dans la réalité il aurait voulu sortir avec elle (t'es pas le seul mec XD).   Petite anecdote, Misato était initialement une femme immature mais qui en réalité était une militaire qui devait sauver Shinji à chaque épisode....devinez ce qu'ils ont garder ^^ Misato est censé être un mélange entre Fujiko Mine (Edgar de la Cambriole) et Usagi Tsukino (Sailor Moon) mais sans ses couettes, non vraiment elles ont la même coupe de cheveux !   Ritsuko est plutôt l'opposé de Misato, inspiré d'Electra dans Nadia et le Secret de L'eau Bleu et d'une ancienne petite amie d'Hideaki Anno. Contrairement à Misato qui s'était inspiré de femme fantasmées comme des top model, Ritsuko est plus proche de femme réelle dans son design et dans son caractère....chose assez marrant quand on sait qu'elle est la personnage la moins aimé de la série alors que son but était d'être fantasmée.   Gendo, le père de shinji est inspiré du scientifique fou et de l'acteur Ed Bishop et partage les mêmes caractéristique que Shinji, c'est normal c'est son père. Shinji est un cas assez intéressant en matière de design puisqu'il est inspiré de Nadia dans Nadia et Le Secret de L'eau bleu, ouais il est inspiré par un personnage féminin, Sdamoto a juste changer ses sourcils et sa coupe de cheveux mais sinon c'est le même personnage. Il avait pour volonté de créer un homme avec des traits féminins.   Il reste qui ? Ah Rei évidemment, Aaah Rei, j'ai toujours eu un rapport compliqué avec elle, j'ai eu du mal à me reconnaitre en elle mais maintenant j'aime beaucoup ce personnage, par contre j'ai toujours adoré son design je trouve que c'est une leçon de dessin pour tout les dessinateur en herbe. Le prénom de Rei n'est pas anodin, d'abord c'est un jeu de mot avec le nombre zéro qui se prononce pareil, puis c'est un clin d'œil à deux personnage : Rei Asaka (Très Cher Frère) dans le but d'attirer un certain Jun'ichi Satō qui avait travaillé sur....sur....Sailor Moon qui a un personnage qui s'appelle....Rei Hino....sophistiqué pour simplement demandé de travaillé avec lui ^^'   Le plus difficile fut son caractère car Anno avait donné comme consigne : "quoi que tu fasse, elle doit ressembler à une fille amer et malheureuse qu'on remarque à peine"....Sayori ? Petit Hic, Anno ne veut pas tomber dans une ambiance morbide avec ce personnage, il a demandé de l'aide Junichi Sato (le réalisateur de Sailor Moon) pour l'écriture de ce personnage, ouais le gars qui a réalisé Sailor Moon à participé à l'écriture de Rei Ayanami, la classe ! Pourquoi lui ? D'abord Anno est fan de son travail sur Sailor Moon et aussi parce qu'il est spécialiste dans les problèmes d'adolescente et sur les Mécha, très pratique tout ça !   L'autre problème avec Rei était la tension sexuelle que l'équipe avais créer avec Shinji, en vérité personne ne sait comment on en est arrivé au fait que Shinji met la main sur la poitrine de Rei dans l'épisode 5, c'est plutôt drôle comme situation je trouve.   Rei ou Asuka ? Encore de nos jours on n'arrive pas à résoudre ce dilemme !   Vous savez ce qui est drôle aussi ? Le doublage VF de l'époque qui est une Ca-Ta-Strophe. Le problème est que la boite qui s'occupait du doublage à l'époque pensait qu'Evangelion était une bouse monumentale et que ça ne marcherait jamais, Raté !   Par conséquence, les doubleurs ont eu à peine 48 heures pour doubler une série comme Evangelion d'où la catastrophe. Quand au nouveau doublage "Netflix", il est bien meilleur que l'originale mais possède deux gros problème, d'abord une nouvelle censure concernant l'homosexualité de Kaworu (le fameux "parce que je t'aime" deviens "parce que je t'apprécie bien") quand à la seconde raison c'est qu'ils n'ont pas eu les droit de Fly Me To The Moon, le célèbre ending de la série qu'ils ont dus remplacer par un des thème de Rei....c'est balaud Netflix !   On ne sens rend pas compte mais Evangelion partage l'écriture Shojo dans une série de mécha, qu'est-ce que je veux dire par là ? De nos jours, la psychologie dans la fiction est trouvable aussi bien dans des shonen que des seinen mais on oublie que c'est les Shojo qui ont véritablement développer ce domaine, c'est peut-être pour ça que j'entends souvent cette bêtise que la psychologie est un truc de fille. Cependant, Anno a été marqué par une petite amie dans le passé (la fameuse Ritsouko) qui lui a fait découvrir des œuvres Shojo ce qui l'influencera dans quasiment tout ces travaux.   Sailor Moon en tête quand on pense à influence avec pas mal de référence comme on l'a vu mais aussi le fait d'avoir repris des membres du staff de la Toei et des doubleuses, Anno ira même jusqu'à mettre en scène une soirée qu'il a passé avec le réalisateur de Sailor Moon dans un bain chaud que l'on peut voir dans l'épisode 24, il ne l'a jamais avoué mais le réalisateur de Sailor Moon pense que cette épisode viens de cette soirée.   On reconnait aussi quelques clin d'œil subtile mais j'ai une petite théorie concernant Shinji, je pense qu'Hotaru dans Sailor Moon a été sa source d'inspiration, ils partagent beaucoup en commun (même passé, même caractère, même problème).   Le manque de budget poussa l'équipe à créer une mise en scène théâtrale mais incroyable !        Je ne dois pas m'enfuir, Je ne dois pas m'enfuir, Je ne dois pas m'enfuir......   L'ost d'Evangelion est mythique, épique et émouvant ! On le dois à Shirō Sagisu, un compositeur assez fidèle d'Hideaki Anno puisqu'il a travaillé sur quasiment tout ses projets mais il a aussi travaillé sur d'autres projets connu comme le second film de Sakura Chasseuse de carte (La Carte scellée) ou les films Berserk. Sinon il a composé sur des séries comme Jeanne et Serge (1984), Macross 7 (1994), Bleach (2004), Mobile Suit Gundam: Iron-Blooded Orphans (2015) et bien sûr Nadia, le secret de l'eau bleue (1990) et tout ce qui est relié à Evangelion évidemment.   écoutons quelques extraits :   - Thanatos (thème relié à Rei)    - Angel Attack (thème de combat)   -  Barefoot in the Park (Thème de détente, sortie)   - Et bien sûr le très célèbre thème des batailles décisives !   - Bon un petit dernier avec le thème de Rei I :   J'ai oublié de mentionné qu'il y a également des compositions de musique classique très connu dans la série qui fut ajouter parce qu'Anno adore ce genre de musique et aussi pour contrer la musique pop qu'on utilise souvent dans les animés....qui à dit que c'était aussi parce que c'est libre de droit ?   Des défauts ? Comment cela ? Qui va a dit qu'Evangelion avait des défauts ? Elle est parfaite cette série....ou presque. Bon assez de mauvaise de foi, oui Evangelion a des défauts et pas des petits d'ailleurs ! Commençons par ce qui a fait parler le plus de lui, une animation parfois douteuse....du moins quand animation il y a.   Vous le savez très bien maintenant mais la Gainax était au bord de la faillite à l'époque, de ce fait le budget d'Evangelion était amoindri comparé à d'anciennes productions, l'équipe à mis le parquet dès le début de la série mais vers la seconde moitié c'est là que les choses se compliquent, au point même qu'ils n'ont même pas assez d'argent pour finir la série, la dèche total !   Une autre raison d'un tel manque de budget pour une série qui pourtant était un phénomène à l'époque est dus à la crise économique, non non ce n'est pas une blague ou une bonne excuse mais pour ceux qui l'ignore le Japon à connu une crise économique dans les années 90 et les studio d'animation en ont payé les frais comme tout le monde. Par conséquent, les studio d'animation était beaucoup plus enclin à refuser des créations originaux au risque de faire faillite et préfèrent miser sur des adaptations de manga beaucoup plus sûr. Imaginez alors un studio comme Gainax qui sont déjà en manque de budget dans une période de crise économique....ouais c'est la merde.   Pourtant Evangelion a réussie à aller jusqu'au bout alors comment ils ont fait ? D'abord, Anno a pris beaucoup à Sailor Moon comme on l'a vu mais ce qu'on pensent le moins est ce qu'il s'est tout aussi inspiré en matière d'économie d'argent. Vous avez pensez aux transformations, c'est à dire à la répétition des plans, en vérité il y en a peu (ils ont repris des plan de l'opening pour certains combat). La première méthode consiste à faire durer inutilement certaines scènes, la scène mythique de l'ascenseur en tête mais également d'autres petites scènes bien plus subtile.   Je pense à l'épisode 6 et précisément à la scène où Rei va voir Shinji à l'hôpital. Elle donne les instructions de la futur opération qu'elle a marqué dans un carnet. La première fois on ne fait pas trop attention mais dès un second visionnage on se rend compte que Rei tient son carnet de façon à ce que l'on ne voit pas sa bouche, c'est une méthode pour économisez de l'animation, d'ailleurs elle est très souvent utilisé avec Gendo avec sa fameuse pose, et non ce n'était pas que pour faire stylé c'est aussi une façon d'économiser de l'argent.   C'est stylé et économe, que demandé de plus ? (une animation ?)   Si au début ce genre de scène est rare cela changera dans la seconde moitié où ils seront plus fréquent et plus longues.   Je vous laisse la très célèbre scène de l'ascenseur comme exemple :   Ah oui la première fois on a l'impression que ça dure une éternité !   Vous aurez remarqué également que l'animation est différent que dans votre souvenir, c'est normal puisqu'il est très fréquent qu'une série bénéficie d'un retouchage. Comment cela est-il possible ? Il faut savoir qu'entre la première diffusion d'un animé et sa sortie en DVD, le studio retravaille certaines scènes parce que l'animation était pas top, très souvent par manque de temps, on le fait encore de nos jours puisque des séries comme Dragon Ball Super, Sailor Moon Crystal ou Seven Deadly Sins ont eu droit à cela (il faut dire aussi qu'ils ont été pointé du doigt tant l'animation était vraiment pas top lors de la diffusion à la télé).   Le second point est plus personnelle mais lorsque l'on parle d'Evangelion qu'avez vous en tête ? Des Eva en mode berserk ? Des révélations sur les personnages ? La mise en scène nerveux des combats ? Ou encore les scènes introspectives ? Et bien tout ça est majoritairement dans la seconde partie de l'animé. Qu'en est-il de sa première moitié ? Malgré quelques épisodes marquant comme l'arrivé d'Asuka, le premier affrontement contre le premier ange, le sourire de Rei, l'épisode où Shinji et Asuka doivent apprendre à se battre ensemble en dansant ou le combat contre l'ange en pleine canicule et sans courant dans la ville......le reste est oubliable triste de le reconnaitre.   Ouais la qualité des épisodes n'est pas très stable dans sa première partie quand certains sont contradictoires ! Qui se souviens de l'épisode où les américains ont créer leur propre EVA avec du nucléaire ? Qui se souviens de l'épisode où l'on te présente l'ordinateur de la Nerv ? L'épisode "Magmadriver" considéré comme le pire épisode de la série (ce que je conteste, l'épisode 13 avec le système Magi est pour moi le pire tant on se fait chier).   Ayant revu quelques épisodes, je constate aussi que certains "concept" n'ont pas été autant développer. Je vais vous poser une colle, il y a combien d'épisode où Shinji, Rei et Asuka se battent ensemble ? Il doit en avoir pas mal vu qu'on représente beaucoup les trois personnages ensemble....pas tant que ça, en faite il n'y a que deux épisodes....Ah oui c'est peu.   C'est très souvent par deux qu'ils combattent mais rarement pas trois et devinez avec qui Shinji se bat le plus ? Rei ou Asuka ? La réponse est Asuka puisque Rei est très souvent en retrait, il faut attendre un bon moment avant de la revoir en action. La raison à cela est en faite une erreur de Mr Anno, vous vous souvenez de l'épisode 6 où Rei fait un grand sourire à la fin (mon passage préféré de toute la série d'ailleurs) et bien Anno à trouver sur le moment que c'était cool mais lorsque la télé diffusa l'épisode il s'est rendu compte que c'était une grosse erreur puisque c'était censé être la conclusion du personnage....au début de la série....c'est con. Du coup, Anno à mis à l'écart Rei au point qu'il ne voulait plus l'impliqué dans l'intrigue mais les fans ont réclamer de la voir plus souvent et vous connaissez l'adage : Con et passion font compassion. Oui on ne voit pas beaucoup Rei malgré son statut de waifu ultime pour l'époque.   Certains épisodes sont vraiment passable contrairement au reste de la série !   Un autre point à parlé et qui a fait couler beaucoup d'encre, la censure ! Vous l'ignoriez peut-être mais Evangelion à eu pas mal de soucis avec la censure et cela à cause....D'une grand-mère. Non non ce n'est pas une blague, la Gainax avait tendance à rendre l'épisode à la chaine de télévision 5 minutes avant la diffusion, on ignore si c'était parce qu'ils ont galérés à faire les épisodes ou si c'était pour éviter que la Télévision regarde l'épisode avant et décide de modifié ce qu'ils ne leurs plaisaient pas.   Mais c'est l'histoire de la grand-mère qui vous intéresse, non ? Pour ça il faut remonter à l'épisode 20, cette épisode parle en gros....de sexe et de désir corporelle, certes c'est pas la première fois qu'on parle de cul dans la série mais alors qu'est-ce qui s'est passé ? Ceux qui ont une bonne mémoire se rappelleront de la fin de l'épisode où Misato et Kaji font crac-crac après avoir sauvé Shinji (c'est ce que je suppose le repos du guerrier lol). Après avoir soupirés un grand "Aaaa!" vous vous êtes dit : "Mais on voit rien !"....oui mais on entends ! C'est d'ailleurs la scène la plus hot de la série (en VO c'est....Whoa !), une rumeur prétend même qu'Anno a fait cette scène parce qu'il avait la doubleuse de Sailor Moon sous la main, sacré Anno !   Et la grand-mère dans tout ça ? Et bien on suppose qu'elle faisait ses activités de son âge, c'est à dire rien du tout et qu'elle a allumé la télé et....Oh ! Mais qu'est-ce donc ce dessin animé qui montre un homme et une femme faire l'amour ? Je vais appeler les associations et le responsable, ça va gueuler ! Donc suite à une grand-mère qui a allumé sa télé au mauvais moment et sur la mauvaise chaine, la Gainax et TV Tokyo ce sont retrouvé dans le caca, une rumeur prétend également que le responsable de diffusion a été viré à cause de cette histoire et concernant la Gainax, ils doivent se calmer dans leur série.   Sauf que c'est Anno qui est à bord et lui est déterminé à aller encore plus loin juste pour faire chier le monde (j'adore ce mec), ce sont les fameux épisodes Director's Cut ! Cela concerne les épisodes 21 à 24, ce sont des épisodes plus longs que les autres par le simple fait qu'ils ont ajouter et améliorer des scènes, quand on pense à censure dans Evangelion c'est ces épisodes qu'on a en tête. Ils ont été projetés à la télévision lors d'une seconde rediffusion dans la nuit si ma mémoire est bonne. Si de nos jours il n'y a rien de si choquant, à l'époque c'était une autre histoire : Des filles souvent représentées toutes nues (coucou Rei), mention de suicide voire on assiste à l'une d'entre elle, violence psychologique sur des enfants, meurtre d'enfant et j'en passe. Je pourrai continuer encore longtemps mais le temps me manque alors passons au sujet qui fâche: la fin ! On ne pourra pas dire que la fin de la série est oubliable loin de là par contre elle est très frustrante, pour tout vous dire la première fois j'ai crevé le plafond. Beaucoup, beaucoup, beaucoup de gens n'ont pas aimé cette fin parce que les deux derniers épisodes sont....bizarres ?!   Le problème est qu'Anno n'a plus du tout de budget pour faire ses deux épisodes, pour vous dire à quel point c'était banqueroute à la Gainax que des croquis servent de plan comme tel ! Pour beaucoup, c'est un foutage de gueule Monumentale, certains parle même du scandale du siècle (si si) mais sans vraiment comprendre que derrière c'était dus à un manque de budget en plus d'une censure qui a vraiment bouleversé les plan d'Anno.   La fin, on la connaitra en 1997 avec le film The End Of Evangelion mais c'est une autre histoire.   exemple de scène qui a subit de lourde censure (chez nous particulièrement)          Merci les amis ! (Conclusion)   Alors qu'a t-on gardé d'Evangelion ? Pour certains c'est une œuvre introspective qui casse les codes du mécha et qui a remis en cause leurs vie (c'est mon cas), pour d'autre c'est simplement des jolies filles et des gros mécha bien badasse, la véritable réponse est selon moi aussi bien l'aspect psychologique que "fan-service".   Pour la Gainax, le succès sera grandiose, ils vont gagner plein d'argent mais ils vont surtout se prendre la grosse tête et dépenser dans tout et n'importe quoi causant ainsi leur déchéance. Pour Anno c'est une victoire amer, d'accord il a réalisé une série révolutionnaire et marquante mais les gens n'ont pas retenu la leçon du bonhomme : arrêter de mater des animés et aller dehors construire votre vie ! Bon il est assez extrême comme ça mais on peut combiner vie sociale et animé je vous rassure.   La suite sera les films Evangelions puis le départ d'Anno à la Gainax pour faire son remake/reboot qu'il viens à peine d'achever.   J'aurais souhaité faire plus mais le manque de temps par rapport à ma vie de manchot me permet simplement de faire un billet modeste qui j'espère vous aura plus. 3 ans et oui, je commence à devenir vieux maintenant mais j'ai encore pleins d'animé à vous présenter. Pour le mois prochain ? Pas mal de chose de prévu mais on verra bien ce que je vous réserverai. Neon Genesis Evangelion restera pour moi le meilleur animé que j'ai vu malgré ces défauts mais c'est pour ça qu'on l'aime et je conclurai de la même façon ce billet que j'ai fait il y a 3 ans : Merci à tout ceux qui m'ont lu pendant ces trois ans ou à ceux qui me liront dans le futur !    il existe 26 versions différentes de cette ending soit un par épisode, cool non ? Et Netflix n'en n'a aucun Ahahah !     PS: L'écriture de ce billet à été réalisé avec l'aide de l'ouvrage Neon Genesis Evangelion – Le renouveau de l'animation Japonaise – disponible chez Pix'n Love que je vous recommande à 300% si vous êtes un grand fan d'Evangelion comme moi !

DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

Mise à jour 2.8 : Serveurs Cloud HD 60 FPS

RomStation passe en version 2.8 ! Cette mise à jour corrige certains bugs et apporte plus notablement la possibilité d'augmenter quelques paramètres vidéo pour l'hôte d'un serveur Cloud.   Le jeu en Cloud est tributaire du débit descendant (download) de votre réseau internet. Vous pouvez tester votre débit en moins de 30 secondes sur un site tel que speedtest. Une vitesse comprise entre 1 et 3 Mbs est considérée comme lente et ne vous permettra pas de jouer dans de bonnes conditions. Entre 3 et 13 Mbs, vous devrez sacrifier un peu de qualité vidéo au profit des performances. Pour déterminer votre compromis, vous pouvez manipuler 3 paramètres : Le framerate correspond au nombre d’images affichées par seconde. L'animation est plus fluide à 60 fps tandis que la consommation du débit est moins importante à 30 fps.   La résolution précise le nombre de pixels affichés. La résolution native préserve la définition originale du jeu et diminue le débit requis. La résolution HD multiplie la résolution native pour nettement améliorer l’image, mais le débit sera bien sûr plus important.   Le bitrate limite la quantité de données transmises par seconde. S’il est insuffisant, l’image sera compressée pour suivre le débit. Lorsque vous modifiez le framerate et la résolution, la valeur recommandée du bitrate est automatiquement sélectionnée. Vous pouvez toutefois diminuer ou augmenter cette valeur recommandée selon la vitesse dont vous disposez.   Si le débit descendant de votre réseau internet vous permet d’aller au-delà de 13 Mbs, augmentez simplement toutes les valeurs à leur niveau maximum pour profiter de la meilleure qualité vidéo sans vous soucier des performances.   Le jeu en Cloud consomme déjà d'importantes ressources (GPU, CPU, bande passante, ...) et l'augmentation des paramètres vidéo d'autant plus. C'est pourquoi nous décidons de réserver ces options aux membres Premium. Tout le monde peut cependant diminuer le bitrate du flux, de 5 à 2 Mbps. Ce "mode performance" permet aux connexions les moins rapides de profiter du Cloud malgré tout.   Enfin, gardez à l'esprit que les paramètres vidéo déterminés par l’hôte à la création du serveur sont imposés à tous les joueurs du lobby.   Note de version : Ajout des paramètres vidéo à la création d'un serveur Cloud. Correction d'un bug lors de la suppression d'un fichier de jeu depuis la fenêtre de modification. Correction d'un bug lors de la suppression d'un fichier d'émulateur depuis la fenêtre de modification. Correction d'un bug avec le téléchargement des jeux multi-disc rendant leur lancement impossible. Correction d'un bug potentiel forçant le mode hors-ligne au démarrage. Correction d'un bug relatif à l’émulation Cloud de la PSP. Optimisation des réceptions d'input en Cloud, notamment en cas de perte de paquets vidéo.   ⚠️ Si vous possédez une version antérieure à l’actuelle 2.8, n'oubliez pas de redémarrer RomStation pour appliquer automatiquement la dernière mise à jour.

Kratos

Kratos

The Legend of Zelda: Skyward Sword (HD)

25 ans ça se fête, le moins que l’on puisse dire c’est qu’en 2011 Nintendo n’a pas lésiné pour sa licence Zelda. Concert, livre, remake, Four Swords offert et un nouvel épisode pour une Wii en fin de carrière. Ce Skyward Sword était ambitieux : monde céleste, révélation sur la mythologie de la série et volonté de nous faire brandir l’épée « en vrai ». Il y avait de grandes attentes me concernant...  Alors mène-t-il jusqu’au 7ème ciel ? Attention, la chute risque d’être rude.  
Il y a longtemps que je souhaitais écrire un test sur Skyward Sword, mais je me défends de parler de jeux que je n’ai pas fini. Car oui, pendant près de 10 ans il faisait parti des rares Zelda dont je n’avais toujours pas vu le bout, le boss final avait été pour moi le coup de grâce. Si certains considèrent ce jeu excellent, beaucoup le voient comme le mouton noir des épisodes 3D et je vous avouerai me ranger de leur côté. Je reviendrai en détail sur ce qui m’a gêné, mais ce qui va mettre tout le monde d’accord c’est qu’il s’agit d’un épisode radical dans son approche, loin d’être si classique que ça. Rien que tout le gameplay qui gravite autour du motion gaming à outrance suffit à en rebuter beaucoup. Il ne faut non plus oublier qu’à l’époque, si vous n’aviez pas les derniers modèles de Wii, vous deviez repasser à la caisse pour l’accessoire qu’est le Motion Plus (ou une nouvelle wiimote l’intégrant, au choix). Prérequis assez agaçant pour juste profiter d’un jeu (allez, deux si vous voulez Wii Sports Plus). Ce n’est pas faute de proposer un bundle avec une superbe wiimote dorée bien bling bling… que je n’ai pas eu. Néanmoins en consolation, Nintendo a eu la gentillesse de fournir dans chaque boite un CD du concert Master Quest comprenant 9 remix/ medley orchestraux. Merci ! Cependant cela ne suffit pas à faire passer la pilule d’un Zelda qui m’a dans l’ensemble plutôt déçu sur beaucoup de points. Alors qu’il possède de grandes qualités, un jeu véritablement en dents de cie qui alterne les passages poussifs et les idées brillantes. L’attente était haute me concernant, car on n’avait pas eu de nouveaux épisodes 3D depuis Twillight Princess (en 2006) et que le jeu promettait plein de choses, ne serait-ce que son histoire revenant « chronologiquement » au début selon une frise inventée exprès pour l’occasion. Des années après, c’était à prévoir, Skyward Sword est de retour sur Switch dans un remaster proposant HD et légères retouches ainsi qu’une nouvelle maniabilité 100% boutons ! Ah… peut être vais-je revoir mon jugement ?

Ce qui est certain c’est que je garde le même avis concernant le scénario. Celui-ci nous narre lors d’une courte intro à la Wind Waker l’origine du monde avec son artefact divin appelé Triforce, protégé par la déesse Hylia. Lorsque vinrent les forces du Mal, elle le protégea au péril de sa vie et dissimula l’artefact tout en expédiant la race des Hommes haut dans le ciel sur des ilots volants en attendant que la terre redevienne saine. Depuis lors, ils se sont habitués à leur nouvel habitat en voyageant à l’aide de célestrier, des gros oiseaux colorés. On commence donc des siècles après, avec Link (que vous pouvez renommer) se préparant pour son diplôme de chevaucheur de piaf. Une longue intro qui nous présente l’école, le rival Ergo et Zelda la fille du directeur. Sans surprise, Link se voit remettre le titre de célestrier et remporte même le parachale de son amie. Les deux en profitent pour aller faire un tour dans les airs mais hélas un monstre surgit des nuages et emporte Zelda dans son sillon. Il n’en faut pas plus pour que Link parte à son secours avec l’aide de Fay, « l’âme » de l’épée Excalibur qui sommeille secrètement près de la statue de la déesse. Celle-ci va alors guider Link dans le monde terrestre et ainsi espérer retrouver Zelda. Un début de jeu chargé en informations, autant vous dire que vous ne poserez pas les pieds à terre avant une bonne heure de blabla à Celestbourg, seul village de tout le jeu. Cependant, on ne peut pas vraiment dire que ce soit épique avec sa petite ambiance « scolaire », on est loin de l’efficacité d’un Ocarina of Time, du côté épique d’un Wind Waker ou inquiétant de Twilight Princess. Détail qui me ne convainc pas pour un épisode « origine » : non seulement il y a déjà un passé (donc on n’est pas complètement au début) et en plus techniquement l’épée existe déjà. Il faudra attendre la seconde moitié pour la forger ou devais-je dire l’améliorer. Ce qui signifie qu’avant ça il faudra se farcir un premier tiers de jeu guère passionnant, se résumant à un jeu de chat et de la souris. Link arrive sur terre, Fay vous dit que vous avez 98,99% de chance de trouver dame Zelda, et lorsque que vous arrivez au bout du donjon elle vous échappe. Et ce trois fois ! Autre « souci » enfin, le monde est partiellement dépeuplé, restant dans un état sauvage. Heureusement quelques autres races comme les mignons Tikwi (sorte de graines) ou les plutôt disgracieux Mogma (des homme-taupes) pourront vous faire la causette au détour d’un chemin. Ce qui veut donc dire que l’on joue très souvent avec une quasi absence de narration, avec pour seule compagne l’inf-âme Fay qui s’exprime comme un robot. Ce n’est pas elle qui nous fera oublier Midona de Twilight Princess.                L’absence de personnalité de Fay empêche toute empathie pour cette dernière, ce qui est dommage dans un épisode où les personnages et la narration se font plus rares. Pire, elle devient même énervante car la majorité de ses interventions consistera soit à souligner l’évidence, soit à vous prémâcher le travail lors de certaines énigmes. Sur Wii elle servait aussi à vous signaler quand les piles/batterie de la wiimote étaient en rade ou que le pointeur n’était plus centré depuis un moment. J’ai subi quantité d’interruptions lors de mes parties à l’époque qui rendaient l’expérience d’autant plus poussive et le personnage crispant. Heureusement sur Switch, ce détail est maintenant de l’histoire ancienne ! Préférant jouer aux boutons en mode portable, aucun manque de batterie et pas de risque de pointeurs absents. De plus les développeurs ont un peu revu ses interventions à la baisse, même si cela n’enlève rien à son manque total de charisme. Autant vous dire qu’à la fin, sans spoiler, la voir faire ses adieux ne m’a fait ni chaud ni froid. Même si en relativisant elle devient, dans une moindre mesure, involontairement « attachante » dans le sens où il se crée une certaine proximité dû à son omniprésence. Une sorte de compagnon qui devient familière sur la durée. M’enfin que l’on arrête de se plaindre de Navi d’Ocarina of Time, on ne fera pas plus insipide que l’âme d’Excalibur qui manque de tranchant.

Passé ces deux points fâcheux, en définitive le scénario se révèle plutôt surprenant et bien plus prenant dans sa seconde moitié une fois que s’installe les vrais enjeux qui justifient les errances de Zelda. Voyage dans le temps et malédiction sont au programme, dans un sens on ne change pas la formule puisse que concrètement il sera toujours question de réunir des artefacts pour défaire le retour des forces du mal. Ici symbolisé par l’avatar du Néant qui a pour serviteur le disgracieux Ghirahim. La volonté de proposer un caractère qui lui est propre pour ne pas refaire un énième subalterne simplement démoniaque est tout à fait louable, du coup exit le méchant bien badass ou manipulateur, Ghirahim est… un fou androgyne. Du genre à prendre des postures bizarres, lécher son épée et gémir. Un antagoniste qui ne m’a pas bien convaincu et dont là aussi j’ai du mal à trouver du charisme. Lui reste néanmoins une par de mystère et des interventions rares (pas plus mal dans un sens) qui lui confèrent une sorte d’aura énigmatique. Pour le reste, l’aventure aura son lot de rebondissement et d’excuse pour que vous n’atteigniez pas chaque donjon trop vite. Cependant certains sont quand même un tantinet trop artificiel, comme les nombreuses fois où il faut chercher des morceaux d’artefacts ou personnages éparpillé dan la zone. L’histoire y est plus prétexte et si vous cherchez des enjeux aussi épiques que Twilight Princess ou proche d’un conte comme dans Wind Waker, il y a de quoi être un peu déçu. Certaines révélations tombent un peu à plat car avec un peu de jugeote vous pouvez anticiper, en particulier l’identité de la vieille du temple du sceau que j’avais deviné bien des années avant d’arriver à la fin. Néanmoins la mise en scène très efficace relève le niveau et quelques cinématiques assurent le spectacle, faisant passer la pilule d’une histoire finalement un peu trop convenu pour une « origin story ». Le final en ce sens ne répond pas vraiment à des questions (si tant est que l’on en ait), l’aventure se finissant de façon totalement prévisible : le Mal est vaincu et tout est bien qui finit bien.                 L’ambiance permet un peu de relever le niveau, mais comme le monde terrestre est souvent dépeuplé il y a comme une sensation de solitude qui plane, ou du moins une forme de simplicité dans le sens où le découpage en zones donne l’impression de parcourir des niveaux avec un début et une fin. Ne reste alors plus que Celestbourg et ses habitants pour y trouver un peu plus de substance. Bon point, comme Majora’s Mask qui avait lui aussi une ville centrale, chaque PNJ est développé avec son caractère propre et sa petite quête à mener à bien. Entre la petite fille qui se lie d’amitié avec un démon caché, la fille de la consigne qui en pince pour Link ou la lettre d’amour à transmettre entre plusieurs étudiants, il y a pleins de petites histoires assez mignonnes ou rigolotes qui rendent les habitants de Celestbourg attachants et mémorables. D’ailleurs, un détail ne vous aura sans doute pas échappé, il est question de peuple vivant dans le ciel et pourtant vous comprenez bien que la quête réside sur terre. C’est là une des déceptions : le ciel étant finalement mis de côté, relégué pour du bonus et faisant office de transition entre les zones.

Car s’il y a bien un détail qui fâche dans cet épisode, c’est son ciel. Sorte de réminiscence de la mer de Wind Waker, il ne garde pas ses qualités mais ses défauts. Déjà en taille, le ciel n’est pas bien grand (à titre de comparaison la superficie doit être à peine plus grande qu’un carré de la carte de WW). Ce qui dans un sens n’est pas un mal car cela évite de voyager longuement sans rien faire. Et pourtant… la faute à un environnement terriblement vide : on s’empresse d’arriver à destination. Après Célesbourg et une (petite) ile importante pour la progression, vous n’aurez que trois mini-jeux, une auberge et une myriade de micro-plateformes à vous mettre sous la dent. Ces dernières possèdent un ou deux coffres scellés qui ne peuvent être ouverts qu’en activant des Cubes de la déesse cachés sur la terre ferme. Bref, autant vous dire que niveau mystère et aventure on y est pas du tout et au final ce mini monde ouvert déçois pour qui aurait envie de vagabonder. Dommage car mis à part le village (plus grande île), il est possible d’atterrir sans transition, ce qui est assez grisant. La même année, voir un an avant au japon, sortait Solatorobo sur DS qui avait aussi un concept d’île volante et qui a mes yeux est nettement plus convaincant sur ce point là.                 Se pose alors la question : était-il possible de faire autrement ? Car l’horizontalité de la mer permet d’accoster puis de traverser les îles à pied de façon classique. Or voler est le moyen de déplacement ultime (pas pour rien si c’est souvent possible à la fin des J-RPG) car l’on peut tout passer. Si Nintendo avait créé des zones complexes que le joueur pouvait zapper à sa guise en les survolant, cela n’aurait pas eu de sens. Quoique, en forçant à fouiller… je pense qu’il y avait moyen. J’ai surtout cette impression que le ciel n’était pas forcément prévu à la base et qu’il aurait été ajouté en cours de route histoire d’unifier facilement les zones entre elles, je peux me tromper mais le gameplay ou la progression ne donnent pas vraiment l’impression d’avoir été pensé autour... Du coup, il y a un truc qui ne fonctionne pas et les aller retour incessant dans les nuages font clairement remplissage bidon et n’apportent pas grand-chose d’un point de vue ludique ou narratif. D’autant plus qu’il n’y a pas de réelle fonction de téléportation. Revenir en ville vous demandera à chaque fois de trouver une statue de sauvegarde et de refaire le chemin à vol d’oiseau. Il n’y a que pour les zones terrestres où vous pouvez choisir vers quelle statue atterrir. L’option s’est néanmoins assouplie sur Switch… à condition d’avoir l’amiibo adéquate.

Car l’autre souci, le talon d’Achille de cet épisode, celui qui m’a tant rebuté : son rythme. Aller-retour poussif, découpage clair et net + puzzles/énigmes incessants au point que la frontière entre donjon et zone extérieure en devient mince. Skyward Sword n’est pas vraiment un jeu d’aventure ! Mais un jeu d’action, dont la formule lorgne presque sur un Super Mario Sunshine avec ses retours dans des zones « niveaux » déjà visités mais avec des modifications et de nouveaux objectifs. Certes cela donne une dynamique propre à ce Zelda, mais qui peut déplaire pour qui attendait une structure plus « classique » axée sur une exploration souple. Car le ciel est le seul et unique moyen d’aller sur terre, dans des zones déconnectées les unes des autres. Il n’y a même plus de cycle jour-nuit, relégué au village pour le besoin de certaines quêtes annexes. Chaque environnement est lui-même structuré en (3 ou 4) grandes zones semi ouverte qui se suivent mais conçus de sorte à être exploré une première fois de façon linéaire en bouclant. Si la zone de la forêt est très agréable à parcourir car espacée, dès le volcan et sa lave qui balisent le chemin ça devient plus dirigiste et impose plus d’action (notamment les lancers de bombes). L’apothéose est alors atteinte dans le désert avec ses sables mouvants et ruine qui dessine un cercle qu’il faut traverser part par part de façon linéaire où il faut s’en arrêt exploiter les objets. Un ennui à l’époque de la Wii, qui m’avait fait prendre une courte pause.                Si l’utilisation intense du motion gaming est tout à fait louable, en plus de bien fonctionner (Motion+ oblige, tout de même), cela s’avère bien plus fastidieux qu’un simple pressage de bouton habituel. Si dans un ancien Zelda tuer un ennemi demandait 2-3 fois d’appuyer sur B, ici ça peut parfois devenir une épreuve à elle seule. Chaque ennemi étant pensé pour vous faire exploiter les possibilités liées au mouvement, ce qui est une excellente idée ! Mais dans la pratique, passé la découverte et surtout au rythme imposé cela peut devenir poussif. Car il ne suffit pas de juste lever la wiimote et agiter bêtement le poignet comme la majorité des jeux Wii, là ce sont carrément des mouvements plus amples et précis qui sont requis. Par exemple une simple plante carnivore va ouvrir sa bouche soit à l’horizontale soit à la verticale, à vous de vous adapter très vite sinon vous ne passerez pas. L’épée n’est pas seulement impactée par la nouvelle maniabilité, les objets traditionnels sont eux aussi repensés ! Au-delà de viser avec arc et lance-pierre, les bombes peuvent être projetées en hauteur avec un lancer en cloche, ou les faire rouler au sol comme une boule de bowling avec le mouvement idoine. Arrivé dans la zone du désert, donc, ce sont de nombreux mouvements qui vous seront imposés, avec un level-design linéaire, un scénario qui n’avance pas et une musique oubliable parachevant une ambiance relativement morne. Sans oublier Fay qui viendra vous casser les pieds, bien sûr.

Mais c’est là où je retourne ma veste. Car tout ce que je critique, c’est l’omniprésence du motion gaming et l’appauvrissement de l’exploration. D’habitude dans un Zelda, le monde s’explore de façon assez « simple » dans des zones semi-ouvertes ; seuls quelques rares passages et autres éléments annexes requièrent les objets. Ici, les lieux sont conçus comme des niveaux blindés de micro-puzzles avec de multiples raccourcis qui, mis bout à bout, finissent par créer des zones semi-ouvertes. Et je dois bien admettre que le level-design de Skyward Sword est plutôt brillant (dans sa proposition). Car il y a à plusieurs reprises une relecture de chaque zone via ses modifications d’environnement et ses raccourcis lors du premier passage. Prenez la forêt par exemple, plus tard il faudra la visiter dans une version inondée. Sans oublier les phases de Psysalis qui vous font tout retraverser sous un nouvel angle où les raccourcis prennent tout leur sens. Une des très bonnes idées : dans la seconde moitié de l’aventure il faudra revisiter chaque première zone de chaque région dans une version « dark » appelée Psysalis. Dans ces versions alternatives plongées dans la nuit et gardées par des espèces de fantômes il faudra, à la manière de Twillight Princess, récupérer 15 perles de lumière éparpillées. Celle-ci confèrent une immunité d’une minute trente avant que les fantômes ne vous traquent. Faites-vous toucher par l’un deux et vous recommencez l’épreuve. Ajoutez la musique qui va bien avec, ces phases sont véritablement stressantes ! Cependant, l’immunité étant assez longue, pour peu que l’on soit bien organisé et que l’on évite bien les halos de lumière ou les flaques qui pourraient vous faire repérer, en définitive ces phases ne sont pas bien dures et le stresse s’amoindrit passé la découverte.                Là où je change véritablement mon fusil d’épaule concernant Skyward Sword, c’est vis-à-vis de sa maniabilité et forcément de son rythme qui en découle en partie. En effet, le principal atout de la version HD étant les contrôles adaptés aux boutons (indispensable pour le mode portable et le model Lite). Et là ça change tout ! Les mouvements étant relégués au stick droit (en principe fait pour la caméra, ce qui mène à quelques complications), il suffit dès lors de coups brefs avec le pouce pour donner des coups d’épée, ramenant finalement à une maniabilité simple et vive bien plus proche des autres Zelda. Sans pour autant perdre une partie du sel de cet épisode puisqu’il faut toujours bien orienter et être précis. Même s’il est vrai que viser avec l’arc revient à une maniabilité ultra classique… Dès lors, tous les passages qui étaient à la longue poussifs avec le bras deviennent tout à fait agréables une fois que l’on s’habitue à ce nouveau style. Seules quelques confusions peuvent se présenter avec la caméra, qui nécessite de rester enfoncé sur L pour que le stick droit change de fonction. Au-delà de ce petit désagrément, ce fut en vérité un plaisir de rejouer à Skyward Sword sous de nouvelles conditions. Le désert se présente toujours comme un coup de « mou » dans l’aventure mais je l’ai traversé sans lassitude cette fois. D’autre part, avec les années et mes attentes de l’époque mises de côté, j’ai fini par accepter le parti pris de ce Zelda orienté action et bien moins exploration. Détail qui m’avait fortement déçu à l’époque au point de dire que le level-design était mauvais parce que non pensé comme les précédents. J’y ai finalement vu un épisode qui fourmille d’idées et qui se renouvelle très souvent dans ses situations. Un peu comme Mario Galaxy vis-à-vis de ces prédécesseurs dans un sens…

Car si le rythme effréné des puzzles et des actions demandées constituait finalement pour moi la cause du désagrément sur Wii (et non le motion gaming en lui-même), une fois avec une maniabilité plus dynamique et demandant moins d’efforts (sans vouloir passer pour une feignasse tout de même) j’ai alors pu « savourer » l’aventure. Le fait que de nombreux objets aient une relecture liée au mouvement permet d’apporter un certain vent frais à la série dans une structure hélas très rigide mais évitant assez bien la répétitivité en variant ses objectifs/situations comme susmentionné. Il n’empêche que les va et vient dans le ciel, revenir à chaque fois trois fois dans les mêmes environnements (avec même un donjon à retraverser une seconde fois) et recombattre certains boss à plusieurs reprises s’avère assez surprenant pour la série. Car Ghirahim se présente comme une sorte de Bowser de Mario 64 : même combat mais un peu plus dur, il faudra aussi affronter à trois reprises le Banni. Sans aucun doute le pire boss du jeu, ce dernier est un monstre gigantesque qui se déplace dans un cratère avec un chemin en spirale. La cause du désagrément étant que l’ennemi échappe assez facilement aux coups, lui courir après n’est pas difficile mais reste bien exaspérant tout de même. Puis bon, une fois d’accord, mais de là à le refaire trois fois… Les autres boss s’en tirent mieux, cela oscille entre le bon et le passable. Mention spéciale au boss du 4ème donjon, un peu long mais aussi épique qu’inventif ! Ce n’est pas pour rien s’il avait été montré dans les trailer de l’époque.                Et les donjons alors, parlons-en. Etonnamment ils ne sont pas très vastes, tout du moins ils sont constitués pour la plupart de très grandes salles avec plusieurs choses à y faire et peu d’aller-retour. Et surtout les ¾ des donjons ne font qu’un étage ! Leurs structures ne sont pas franchement complexes, à l’exception du bateau qui se rapproche plus de ce que l’on a l’habitude de voir dans le reste de la saga. Pas plus d’une clef sur soi et les boussoles ont disparu puisque les cartes indiqueront serrures et coffres. Rajoutez les conseils de Fay et dans l’ensemble il n’y a pas de difficulté pour qui a déjà poncé un Zelda 3D par le passé. Seul le bateau m’a donné un peu de résistance car il repose sur une mécanique originale déjà exploitée dans toute la zone et qui oblige à être assez attentif à une variation d’environnement… pour ne pas spoiler. Dans le même ordre d’idée le dernier donjon se montre particulièrement réussi et complexe dans sa structure, là aussi il vaut mieux laisser la surprise. Pour ce qui et du reste, ça m’a paru globalement classique, seul le 4ème se rattrape par un design qui sort vraiment du lot : Temple aquatique mais avec une architecture très orientale avec des nénuphars et des statues ressemblant à bouddha, le tout avec des couleurs chaudes. On est d’ailleurs loin des donjons lugubres hormis le premier, vite fait. Hélas pas de donjons vraiment mystérieux ou effrayant dans le lot, c’est un peu dommage, la majorité m’a paru un peu fade niveau ambiance.

Malgré leur petitesse il y a pourtant de quoi y passer du temps, le jeu est même long et bien dans la moyenne des Zelda 3D. Comptez environs entre 25 et 30h pour aller jusqu’au bout en prenant votre temps. Sachant que le jeu est riche en contenu et je conseille tout de même de faire le boss rush pour obtenir le fameux bouclier incassable, sinon le boss final serait bien laborieux sans. En effet, Skyward Sword propose aussi d’autres petites idées et innovations dans son gameplay. Les boucliers ont maintenant une jauge de résistance et vos potions comme vos objets pourront être améliorés moyennant rubis et matériaux dans le marché couvert de Célestbourg. Ce qui pouvait être original, à l’époque le craft n’était pas encore trop à la mode. Terre comme ciel posséderont soit des matériaux (crane, corne, gelée…) lâché par les ennemis ou trouvables dans de petits coffres, soit des insectes qu’il faudra attraper avec son filet. Cependant, les objets requièrent pas mal de matériaux différent et en définitive j’ai fais quasiment tout le jeu avec les versions de base… ce qui est suffisant. Charger ses flèches plus vite ou avoir une potion qui donne encore plus de cœurs ne m’ont pas paru d’une grande pertinence. Donc l’idée tombe un peu à l’eau et relève plus du 100%. Autre subtilité, dorénavant lorsque vous sélectionnez un objet dans votre inventaire (qui se présente sous forme de menu radial, bien pratique !) le jeu ne se met plus en pause. Cela dit Zelda n’est pas une série de jeux qui nécessite sans arrêt de grands réflexes, il y a toujours un moment tranquille pour fouiller dans sa sacoche en paix. Enfin en ajout bien plus notable Link peut dorénavant courir, ce qui a pour effet de vider une jauge d’endurance. Plus d’une fois il faudra se ruer, ou tout simplement escalader des parois où il faudra garder un œil très attentif à cette jauge. En bref, entre les mini-jeux, les nombreuses quêtes pour les habitants, le boss rush, trouver tous les quarts de cœur et avoir tous les objets et au max, il y a de quoi faire ! Et même un mode difficile une fois l’aventure terminée. Mais franchement vu l’exigence de certains combat et la précision demandée, cela faisait longtemps que dans un Zelda je n’ai pas autant perdu de vie.                 Maintenant, de là à retenter une aventure qui ne propose quasiment aucune incartade dans son exploration ou son déroulé, hormis faire les quêtes quand bon vous semble à Celestbourg... Je ne sais pas. Malgré la relative répétitivité à revoir les mêmes environnements, ils sont variés, en particulier la forêt qui propose aussi une toute autre thématique. La seconde partie du désert, beaucoup plus réussie que la première, a elle aussi des relents de Wind Waker ce qui propose aussi un certain renouvellement dans les paysages. Ce que j’apprécie surtout dans les graphismes c’est la direction artistique et plus particulièrement les textures inspirées du pointillisme (plus largement de la peinture impressionniste). Ce faisant, chaque texture est composée d’une myriade de petites taches de couleurs différentes donnant un grain et un cachet plaisant à regarder, me concernant. Moins convaincant pour certains par contre, les arrières plans un peu trop loin se retrouvent flouté et légèrement représenté sous forme de « tache », ce qui donne un rendu un peu baveux, parait-il accentué sur une Wii branchée à une télé HD. J’apprécie néanmoins ce cachet unique à cet épisode, avec ses nombreuses couleurs il se dégage quelque chose de chaleureux dans ce Zelda contrairement à ses artworks plus dans un style Twilight Princess peint à l’encre. Les proportions et les designs font sérieux mais il y a comme une sorte de cell-shading, sorte de mix entre le sérieux et le cartoon qui permet à cet épisode de trouver son identité par rapport aux précédents volets 3D. Les animations demeurent soignées, l’ensemble fluide et lisible… le seul défaut dans tout ça c’est le chara-design qui souffle le chaud et le froid. Entre les grosses lèvres de Link, la frange + le nez de Zelda, mention spéciale a Ergo qui a… un physique particulier. Dommage car d’autres PNJ, même caricaturaux, ont de bonnes trognes… Ceci étant une affaire de gout, mais rien de vraiment rédhibitoire cela dit.

Il en va forcément de même pour la bande-son qui à l’image du jeu ne me convainc pas complètement. D’autant plus étonnant que de nombreux compositeurs ont travaillé sur cet épisode, mais c’est peut-être ça aussi qui explique une certaine irrégularité dans la qualité. Objectivement et avec du recul, j’admets que Skyward Sword a une très bonne bande-son, Cependant il n’y a que 4-5 musiques que je trouve excellentes… ce qui n’est pas le cas de Twilight Princess par exemple. Le souci c’est que mes musiques préférées sont finalement rares et « mal » réparties dans l’ensemble de l’aventure, parce que ce ne sont pas les thèmes que l’on entend le plus souvent. De ce fait, les musiques qui vous accompagneront la majorité de l’aventure (à savoir : les donjons, les 3 zones, le ciel et Celestbourg) ne sont dans la majorité pas fameuses. Les zones et les donjons surtout ont tous des musiques passe-partout, ce qui contraste avec la musique épique et orchestrale du ciel. Très jolie mais dont la mélodie ne m’a jamais vraiment ému/ emporté. La forêt a quand même un air plutôt entêtant. Mais le reste bof. Et que dire des donjons quasiment tous oubliable avec quelques percussions et une nappe en fond, on est très loin d’un Ocarina of Time et ses ambiances très marquées. La seule qui sort du lot c’est le dernier donjon, alternant très vite passage inquiétant et envolée lyrique, le tout avec un effet de réverbération qui produit une ambiance étrange et presque mélancolique. Au final, parmi les musiques que je retiens, c’est le thème de Fay (que l’on a vite fait au début puis à la fin…), le thème du lac Farora qui est assez doux mais si l’on tend l’oreille s’avère très reposant et rappelle la musique impressionniste, le thème pour deux boss est épique et puissant (bien supérieur au thème du boss final, un comble) sans oublier celui de Celestbourg qui transmet une ambiance à la fois chaleureuse et légère. Enfin, comment ne pas évoquer le thème principal que l’on entend… au générique de fin. Super. Ce dernier est absolument remarquable, car si vous ne le saviez pas, il s’agit en faite du thème du premier Zelda mais composé à l’envers (et donc réorchestré). Et en définitive le thème est aussi mémorable qu’épique ! Dommage que le reste du jeu n’aie pas suivi…  
3 Positifs :
+ Des idées et renouvellement à foison.
+ Brandir l’épée apporte une certaine fraicheur et technicité aux combats.
(Wii) + Le CD de musiques offert.
(Switch) + Les nouveaux contrôles au stick !

3 Négatifs :
- Des soucis de rythme et de recyclage.
- Ciel inintéressant et complètement sous-exploité.
(Wii) - Motion Control très lourd à la longue.
(Switch) - ça fait cher le remaster, sans CD offert.
    Conclusion :
Episode inverse du futur Breath of the Wild qui primera sur une liberté totale, Skyward Sword malgré son ciel vous enferme dans des zones terrestres aux puzzle et actions effrénés. Garantissant une grande inventivité mais un rythme, qui couplé au motion control à outrance, peut user sur la durée. Alternant moments mémorables (spysalis, la deuxième partie du désert, le dernier donjon…) et les coups de mou (première partie du désert, Banni, aller-retour dans le ciel) le jeu souffle régulièrement le chaud et le froid. Il n’empêche que si l’aventure m’avait déçu à sa sortie, j’avoue avoir eu grand plaisir à le refaire à défaut de le redécouvrir. Evidemment, si vous n’y avez pas joué à l’époque, laissez-vous tenter par le remaster, surtout si la partie « exploration » n’est pas ce qui vous intéresse le plus. A contrario, si une maniabilité exigeante vous refroidit, ou que vous soyez désireux d’une superbe histoire, de l’épique, des donjons tortueux et de l’exploration libre, alors vous ne trouverez pas votre compte dans cet épisode. Quant aux connaisseurs déçus, à vous de voir si payer plein pot pour jouer dans de véritables nouvelles conditions (et en portable) soit suffisant pour un épisode « mal aimé » et ainsi lui laisser sa seconde chance. En ce qui me concerne je ne regrette pas.   Mes notes:    14 /20 (Wii)    16 /20 (Switch)

Paxdu92

Paxdu92

Indochine The Single Collection 1981- 2021

On pourra dire tout ce que l'on veut et qu'on apprécie ou pas Indochine, il serait un tort de ne pas reconnaitre que ce groupe a su faire une place dans le paysage musicale français. Quarante ans plus tard Indochine est toujours là malgré les hauts et les bas surtout en grande partie par le seul membre restant du line-up original, Nicola Sirkis. Vous n'avez probablement pas passé à côté de cette anniversaire puisque un livre est sorti récemment, une nouvelle tournée est annoncé (déjà complet) mais c'est surtout la sortie de deux compilation qui a fait parlé d'elle. Oui vous avez bien lu, deux compilations pour revenir sur l'intégralité de leur carrière et aujourd'hui j'avais envie de vous en parler, vaut-il le coup ? C'est le moment de vérité !   à gauche la  pochette de la compilation 2001-2021 et à droite la pochette de la compilation 1981-2001 vendu séparément.                  Et soudain surgit face au vent, Le vrai héros de tous les temps, Bob Morane contre tout chacal, L'aventurier contre tout guerrier !   C'est le 28 Août 2020 que votre petit penpen s'est procuré la première compilation soit Day One, cette première compilation comporte les années 2001 jusqu'à nos jours, puis c'est le 11 décembre de cette même année que la seconde compilation est sorti et ce fut encore Day One pour moi.   Je pense que vous l'avez compris mais je suis fan d'Indochine, pour ne pas vous mentir je me suis procuré ces compilations trois fois ! La première fois en CD, la seconde pour offrir et quand à la troisième fois c'est en vinyle oui quand on aime on compte pas ! Je pourrais aussi vous parler du teddy "Je serai ton chaos" que je me suis procuré sur le site officiel dans la foulée mais je préfère faire un petit résumé sur l'histoire du groupe.   Indochine s'est formée le 10 Mai 1981 avec pour membre Nicola Sirkis (Chant) et Dominique Nicolas (Guitare) suite à une expérience d'un petit groupe qui leur avaient déplût. Ils écrivent leurs premières chanson et se produise au Rose Bonbon en Septembre 1981 accompagné d'un ami Dimitri Bodianski (Saxophone) et du frère jumeau de Nicola Sirkis : Stéphane Sirkis. Suite au succès de ce concert ils décrochent un contrat qui vont amener le premier album et leur premier gros succès, L'aventurier.   Ils sortirons en 1983 leur second album Le péril Jaune (un de mes albums préférés) qui connaitra quasiment le même succès que leur précédent album mais c'est le 10 Mai 1985 qu'Indochine connaitra la véritable consécration avec l'album 3 qui sera un énorme carton : 3ième Sexe, 3 Nuits par semaine, Canary Bay, Salombô, Tes yeux Noirs sont sur cette album. Puis c'est une tournée dingue qui les attends en 1986 avec leur premier album Live (que je vous recommande) qui sera tout aussi un carton.   C'est après tout ce succès que les soucis commence à se pointé, les premiers détracteur du groupe commence à dire que le groupe n'est qu'une vulgaire copie de The Cure, que Nicola ne sais pas chanté etc.... en 1989 Dimitri Bodianski quitte le groupe pour se consacré à sa vie de famille, il reviendra faire un petit coucou lors du Wax Tour en 1997 à Bruxelles.   Puis c'est la descente aux enfers, L'album Un jour dans notre vie (1993) et Wax (1996) ne se vend pas, Dominique Nicolas quitte le groupe en 1994 ne se reconnaissant plus dans le groupe, on dit qu'Indochine est un groupe de ringard mais c'est surtout le décès de Stéphane Sirkis qui enfonce le clou laissant Nicola Sirkis.....tout seul.   Cependant, le groupe va connaitre un étrange phénomène durant cette sombre période, tout d'abord le publique est majoritairement composé de jeune mais qui connaissent par cœur tout leurs albums, renouvelant un publique bien plus fidèle (et je ne dit pas ça parce que je suis de cette génération). Puis, si les albums ne se vend pas, ce n'est pas le cas des concerts qui sont des gros succès dont le Wax Tour en 1997 qui connaitra un sacrée push commercial par TF1 bien avant leur émission à la con genre The Voice mais si je continue dans cette voie je vais devenir méchant et je ferais surtout un bon gros hors-sujet.   Enfin, l'album Dancetaria (1999) n'est pas un succès commercial mais possède une aura très particulière puisque c'est le dernier album avec Stéphane Sirkis dont les fans en sont encore choqué par sa disparition mais c'est également les premiers prémisse de ce que sera le prochain album Paradize (2002).   A partir de là vous connaissez l'histoire, Paradize est un succès monstrueux avec J'ai demandé à la Lune puis les succès s'enchaine aussi bien en album solo qu'en live, bref une belle histoire que cette double compilation raconte.   La Track List des compilations respectives.             La vie est belle et cruelle à la fois, elle nous ressemble parfois, Moi je suis né pour n'être qu'avec toi !   Pour faire simple je vais parlé des deux compilations en même temps puisqu'ils ont les mêmes avantages, le point fort de cette compilation est avant tout le remixage. Oh mon dieu, quel remixage ! Autant vous dire que le terme "dépoussiéré" n'a jamais été aussi vrai, le son est très claire et on a l'impression qu'ils viennent de sortir ces chansons de nos jours. C'est Mick Guzauski qui s'en est occupé et si vous ne connaissez pas le bonhomme, sachez qu'il a travaillé avec Michael Jackson et Daft Punk rien que ça.   Bref, cette compilation n'est pas qu'une simple réédition d'ancienne chanson, il y a bel et bien un travail de son dessus pour notre plus grande plaisir. Ce qui est fou c'est que même les chansons plus récente d'Indochine bénéficie autant de ce son donnant une sorte de réécoute, je pense notamment aux chanson de l'album Black City Parade (2013) qui avais un mixage plutôt dégeulasse je trouve et qui ont enfin droit à un bien meilleur traitement, c'est véritablement le jour et la nuit !   Écoutons trois extrait pour vous faire une idée :   - Collège Boy   - Adora   - Marilyn   Je n'ai hélas pas trouvé de vidéo de comparaison avec les plus anciennes chansons mais je peux vous garantir que cette compilation fait l'effet d'un vent frais en matière de son.   Le second point fort réside en soi dans le choix des chansons dont particulièrement ceux de la période 2001-2021 qui n'ont jamais été compilé pour le bonheur de ceux qui n'ont pas les albums originaux. Mais qu'en est-il de ceux qui ont les albums ? Cela vaut le coup ? Oui pour deux raison, la première pour le son comme je l'ai déjà dit mais la seconde raison concerne certaines chansons qui possède des versions différentes de ceux de leur album.   C'est à dire ? Indochine a cette particularité que leurs chanson sont différent selon le single ou l'album, cela a toujours été le cas avec 3ième Sexe par exemple qui n'est pas pareil sur l'album originale. Le plus flagrant reste Un singe en Hiver qui est totalement différent que sur l'album, d'ailleurs j'ai découvert cette version sur cette compilation. C'est une très bonne chose d'avoir des versions différentes car elles sont rares ! Ouais les singles originaux sont difficilement trouvable à petit prix et font office de collection donc forcément des prix faramineux, alors retrouvé des versions "single" dans cette compilation pour moins chère et avec plus de chanson c'est forcément cool.   Enfin comment oublié les exclusivités comme Nos célébration ou 3SEX (qui n'a pas fait l'immunité parmi les fans mais dont j'aime bien), d'autant que certaine édition comporte 3 CD (ou 5 vinyles) pour 2001-2021 et 4 CD (ou 4 vinyles) pour 1981-2001. Ayant également les version vinyles, ils ont l'avantage d'avoir les bonus (Piano sans voix) directement contrairement au version CD qui dépendent de certaines éditions. Par contre, si vous prenez les versions vinyles j'espère que vous avez de la place car ils en prennent, mention spéciale à la compilation 2001-2021 et ces 5 vinyles qu'on ne peut même pas rangés dans leur intégralité puisqu'il n'y a que 4 place laissant toujours un vinyle qui traine, personnellement ça me fait rigoler, ça donne la sensation qu'ils ont bourré la pochette 😁   L'esthétique est très sobre, on ne voit pas bêtement des photos du groupe mais des enfants qui représente l'époque et les membres du groupe, c'est subtile, c'est classe, j'aime bien ! Ça a le mérite de donner un cachet à cette compilation.   les pochettes de Nos Célébrations et 3SEX les deux inédits de ces compilations sont disponibles en single à part.     J'arrive pas très fier de moi, Je prie pour que tu sois là, Comme si la vie n'avait pas changé, Comme celle que tu es, Comme celle que tu étais !   Cependant, il y a quand même quelques déception concernant cette compilation, la première en tête concerne des absents de certains singles comme Punker ou Je n'embrasse pas qui sont pourtant sorti en single mais absent dans la compilation, d'accord, c'est pas les plus connu, ni les plus indispensable mais ce sont de bonne chanson c'est dommage. Par contre, j'aurai aimé que certaines chansons popularisé par le groupe via des clips soit présent comme Kimono dans l'Ambulance ou Gloria qui ont pourtant bénéficiés d'un clip mais tout aussi absent. Je regrette aussi l'absence de Salombô qu'on peut considéré comme un classique puisqu'il est constamment joué en live mais une fois de plus absent dans cette compilation, dommage. Histoire de chipoter encore plus, peut-être qu'un ou deux titres live aurait été bien sympa parce qu'Indochine c'est aussi de sacré concert, je pense par exemple à la fin du Alice & June tour qui est très émouvant et aussi très étrange avec le groupe qui part laissant un public en larme qui refuse de partir, la version DVD filme l'évacuation de la salle qui met trois plomb le tout dans un bruit angoissant, franchement regardez-le c'est juste incroyable !   Bon revenons à nos compilations, on pourrait dire que je chipote et je ne le cache pas mais le problème c'est que ces chansons aurait pus figuré dans la compilation sachant que certains CD ne dépasse pas les 50 minutes, c'est plutôt léger de ce côté là et je trouve cela dommage parce qu'il y avait opportunité.   Quand au bonus....je ne les écoute pas à l'exception des deux titres exclusives, je trouve que les Piano sans voix sont pas intéressant, c'est juste certaines chansons joué au piano sans Nicola qui chante et cela constitue un CD entier (très court en plus), n'aurait été t-il pas plus judicieux de mettre des chansons moins connu ou des lives ? Je pense que cette compilation mérite un plus grand équilibrage des chansons en fonction des époque, surtout les années 90 qui sont peu nombreux, c'est dommage une fois de plus parce que c'était l'occasion de mettre en avant ces chansons qui n'ont pas eu de chance à l'époque et qui aurait trouvé leur public.   J'ai également un petit coup de gueule à donner concernant la version de 3ième Sexe qui est charcuté (beaucoup trop raccourcie) sans aucune raison, ma petite idée est je pense qu'ils ont fait cela pour mettre en avant la nouvelle version : 3SEX. Il n'empêche que c'est un choix plus que discutable sachant que de précédente compilation laissez au moins en entier la chanson, ça fait tâche sur une compilation de cette ampleur.   Il y a aussi cette histoire de coffret qui permet de réunir les deux compilation mais vendu uniquement avec la seconde compilation mais au prix des deux compilation, aie ! Du coup, au même prix vous avez les deux compilation à part que si vous prenez le coffret où vous payerait 20 euros de plus et toute de même acheter l'autre compilation à part, je vais être franc je trouve cela débile.   Le prix ? Ah bah oui le prix ! Comme cela va faire bientôt un an qu'ils sont sortis le prix à donc baissé (sauf pour les vinyles), je les avais payé dans les 23-25 euros chacun à l'époque alors que maintenant ils sont aux environs de 15 euros ce qui plutôt une très bonne nouvelles. Personnellement, prenez les compilations sans les bonus vous en aurez pour moins chère et ils sont très satisfaisant pour ce qu'ils propose.   Le Central Tour, prochaine tournée du groupe qui promet électrique mais déjà complet ! (par contre j'ignore si les dates sont toujours les mêmes)   À la vie, à y croire, À nos célébrations ! (Conclusion)   Alors à qui concerne cette double compilation ? Il concerne aussi bien aux fan du groupe qui verra un certains intérêt de retrouver les classiques du groupe dans un son entièrement et extrêmement bien remixer mais également à ceux qui veulent simplement une compilation d'Indochine et qui ne possèdent aucun de leur album.   Pour ma part cette compilation est une réussite, je me l'écoute régulièrement en vinyle mais aussi en CD malgré les petits défauts que je lui ai donné. On peut le dire c'est la meilleur compilation du groupe qui fête ses 40 ans d'existences, si ces deux compilation vous tente je ne peux que vous conseillé de succombé et c'est un fan qui le dit.   Cela sera tout pour moi en espérant que cette petite excursion musicale vous aura plut, je vous laisse j'ai bien envie de réécouter ces compilations.   PS: J'ai oublié de précisez qu'il existe également une version K7 audio pour les deux compilation au doux prix de 21 euros chacun.   Je ne peux m'empêcher de vous montrer le super Teddy que votre serviteur à payé, non franchement ce n'est pas pour me vanter 😅

DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

Sailor Moon Stars

Le réveil est toujours une épreuve difficile, bien sûr je pense à ceux qui se lève tôt pour gagner de l'argent ou bien ceux qui ont la gueule de bois....comme moi 😅
Cependant je pense aussi à ce réveil lorsqu'on est dans une impasse, il faut se soulever pour avancer à nouveau même si c'est pour une dernière fois, c'était un peu le cas pour la Toei lorsqu'ils se sont planté avec Sailor Moon Super S, on a encore ce goût amer lorsqu'on y repense et pour conclure une franchise qui a fait le bonheur de nombreux fans, il fallait que cela soit grandiose. Toute chose mérite une bonne fin et on souhaite de tout cœur que le voyage en valait la peine mais encore faut-il que l'atterrissage se passe bien avant de se réellement poser la question, d'autant que cela se fera en deux temps, deux arcs pour achever le tableau, est-vous prêt à tenir le choc face aux turbulences ?   Nouveau Opening avec un nouveau thème pour de la nouveauté ?          Et la belle veut sa revanche, elle veut retenter sa chance, encore et encore.... [l'arc La revanche de Queen Nehellenia]   Avant de dire quoi que ce soit sur cette dernière saison, sachez qu’avant tout qu’elle reste inédite en dehors des frontières japonaises, oui seule les petits japonais ont eu la chance de voir la conclusion de la plus grande franchise populaire de Magical Girl à l’époque, laissant le monde entier avec comme conclusion….Sailor Moon Super S….je crois que je vais vomir (maudite gueule de bois). Mais alors pourquoi ? Difficile de répondre à cette question qui pourtant possède une réponse évidente : La déprogrammation des animés Japonais.   Hélas oui les années 90 c’était compliqué parce que les séries cartonnaient et en même temps des voix importantes mais très loin d’être ouverte d’esprit et peu intelligentes crachèrent sur le média. Pour vous dire à quel point ils ont tout fait pour déprogrammer les animés ils ont citer les Hentai comme argument que les animés c’est mal ! Alors selon leur logique on devrait bannir le cinéma à cause du cinéma pornographique….voyez le niveau de la connerie. De plus Sailor Moon en France commençait à devenir vraiment génant à cause de ses thématiques sur la liberté sexuelle (Haruka/Michiru on vous regarde) mais également de quelques scènes un peu “hardcore” pour des enfants (Hotaru crucifié avec des bras démoniaques ou encore des morts violentes), plutôt ironique comme situation quand on sait que Sailor Moon avait pour but d’évincé Dragon Ball Z pour les mêmes raisons. La télévision Française à donc recommencer le même processus qu’avec DBZ, c’est à dire d’évincer Sailor Moon par une autre série plus “adapté” aux enfants, c'est ainsi que le remplaçant de Sailor Moon fut tsuyoshi shikkari shinasai ou Un garçon formidable chez nous dont sa première apparition fut lors de la première partie de Sailor Moon R Le Film au cinéma remplaçant ainsi l'oav innitial sur le résumé de la première saison de Sailor Moon.   Le problème est simple, qui parmi vous connais Un garçon Formidable ? Toi là-bas au fond, non ? Vous au premier rang, non plus ? Vous lecteurs qui êtes si cultivé, pas une idée ? Vous pouvez chercher longtemps puisque même moi je ne connais pas alors que je suis un enfant des années 90 ! Bon, après une petite recherche il s'avère que c'était une comédie populaire au Japon mais qui fut très peu diffusé chez nous, il faut reconnaitre que lorsque tu passe derrière Dragon Ball Z et Sailor Moon qui était les deux séries les plus populaire à l'époque et qui encore de nos jours anime le cœur des gens....c'était mal barré 😅 Ajouté à cela qu'au même moment un certain Neon Genesis Evangelion allait faire la gloire de Canal + relançant le phénomène manga malgré tout, oui c'était perdu d'avance !   Alors quand a t-on eu accès officiellement à Sailor Moon Stars ? Accrochez-vous, les fans ont attendus 2015 pour voir cette fameuse saison, soit 19 ans d'attende pour l'occasion de fêter les 20 ans de la série et de l'annonce de son remake....on dit que les fans d'Evangelion sont très patient mais les fans de Sailor Moon le sont tout autant ! D'autant que de nos jours, le prix de l'intégrale atteint des sommes astronomiques allant jusqu'a maudit ces chiffres avec quatre zéros, ouais l'éditeur Kazé et sa politique "Du pognon et encore plus de pognon" qui ont rendu ce marché compliqué parfois (ouais je les ai dans le nez).   Cela ne te dérange pas que j'emprunte ton mec ? Les hommes en détresse ont toujours été ma grande passion !   Bon, c’est là que les choses vont se corser, comme je l’ai dit dans l’intro cette saison comporte deux arcs ou plutôt un mini arc qui va introduire la dernière arc : l’arc star ! Cette mini-arc comporte 6 épisodes et il faut plutôt le voir comme une fin de saison, oui c’est compliqué parce que le début de la saison 5 est en réalité une conclusion….mais une conclusion de quoi ?   J’ai beau avoir la gueule de bois mais j’ai encore des visions de ma précédente cuite puisque je vois encore Quenn ragnagna (Nehellenia...c’est pas évident à dire). Et bien non cher lecteurs (lectrices), je n’ai pas de problème de vue puisque cette arc est la conclusion de la saison 4….qui avait déjà une conclusion….késaco ? Si vous avez lu mon précédant billet je vous avais dit que la conclusion de Super S était nul à chier, et ben je ne suis pas le seul à le penser puisque la Toei a bien dûs admettre aussi que c’était nul. Le problème est que l’intrigue du manga et de l’animé par rapport à la saison 4 sont très différent surtout par ce petit fait : Les Sailors renforts (Outer-Senshi) sont présent dans l’arc Dream qui correspond à la saison 4 sauf que dans l’animé….elles ne sont pas là ! De plus, l’animé s’est concentré sur Chibiusa et sa relation avec Pégase ce qui aurait été compliqué de réintroduire des personnages importants, d’ailleurs j’ai trouvé une explication par rapport à ce choix de mettre en avant Chibiusa dans Super S. J’ai découvert après avoir poster mon précédant billet que Chibiusa est un personnage très populaire au point d’avoir même battu Sailor Mercury ! Comment est-ce possible ? Le truc c’est que Chibiusa est populaire auprès de jeunes enfants et c’est pour ça que la Toei a adapté la série par rapport à son public au détriment d’une fan-base plus âgée qui ont connu les premières saison et d’une écriture plus enfantine.   C’est pourquoi la Toei à décider de reconquérir les fans de la première heure, du moins je pense que c’était l’objectif de cette ultime saison. Pourquoi une telle affirmation ? Disons que lorsque le premier personnage que tu vois de cette saison est Hotaru, tu comprend qu’on veut faire revenir les fans. Oui c’est la première bonne nouvelle, les Outer-Senshi sont de retour et pas pour jouer un mauvais tour, loin de là ! Mais pourquoi sont-elles de retour ?   C’est l’instant résumé : Alors qu’on pensait que Queen Nehellenia était rentrer dans sa prison de verre en échange de la beauté éternelle, il s’avère que quelqu’un la libérée. En effet, apparemment elle n’était pas au courant que son “incroyable plan” avait foirée en beauté (faut-dire que c’était pas très difficile non plus), bref tout le monde est content sur Terre, sauf Nehellenia. C’est donc avec un nouveau plan mais surtout un nouvel objectif que Nehellenia revient, son but ? Détruire Sailor Moon et quand je dit détruire, je veux dire l’humiliée, faire souffrir ses amies et son mec en étant impuissant, voir sa ville en ruine, la faire souffrir à petit feu, tuer la gamine, lui faire regarder Sleeping With Hinako, reconnaitre que Mari dans Evangelion n’était pas un si mauvais personnage pour enfin la tuer (bon il y a peut-être quelques informations douteux dans ce résumé)   Le pire dans cette histoire est que Nehellenia en a profité pour “emprunter” Mamoru (alias Mamo-chou ou Mamo-sert à rien) et qu’elle lui donne une petite nuit pour aller le récupéré comme quoi passer ce délai le colis ne pourra plus être remis à son propriétaire et sera conservé pour l'éternité dans les objets perdu, ou pour résumé autrement Mamorue sera considéré comme le nouveau époux de Nehellenia…..tout ça pour un cheval quand même.   C’est donc avec la peur au ventre qu’Usagi doit faire face à son destin qui promet d’être compliqué.   Pour mieux comprendre cette arc, je considère qu’il est découper en deux partie (3 épisodes chacun), d’abord on va suivre principalement les Sailors Outer Senshi qui vont tenter de comprendre tout viens la menace et aussi pourquoi Hotaru est capable de recréer l’univers dans sa chambre (c’est pas une blague, elle est trop classe cette gamine), puis dans un second on suit l’affrontement des Sailors contre Nehellenia et principalement Usagi qui doit se rendre au château de cette dernière à poil….sans pouvoir évidemment, faite pas genre que vous n’avez pas compris.   Elles sont de retour ! Loué soit la rage haineux des fans !   Si la première bonne nouvelle était le retour des Outer Senshi, sachez qu’une bonne nouvelle ne viens jamais seule puisqu’on apprend dès le début de cette arc que la petite Chibiusa va (enfin) rentrer chez elle et que c’est sa dernière apparition dans la série. Ne sortez pas le champagne tout de suite puisque Nehellenia n’a pas attendu son départ pour envahir la ville, donc hélas oui il faudra (encore) se la coltiner mais rassurez-vous elle ne sera qu’en second plan durant presque tout l’intrigue et on la verra très peu, en faite elle parle même très peu, à mon avis on lui a donnée une consigne très simple, vous voila rassurez je le sens !   Détail assez rigolo quand on repense mais tout ce qui renvoi à la saison précédente est mis sous silence, pour tout vous dire on n’ose même pas prononcé le mot “Pégase” pour moi cela veut tout dire. Quoi donc ? Et bien que la Toei avoue qu’ils ont merdé tout simplement, c’est un aveu d’échec et cette saison aura vraiment pour but de ramener les fans auprès de la série en leur faisant plaisir. Dès les premières minutes du premier épisode on t’annonce le retour des Outer Senshi et qu’on vire Chibiusa...plus fort que ça je ne connais pas !   Je disais donc que la première partie de l’arc se concentre sur les Outer Senshi ce qui est une très bonne chose pour plusieurs raisons en dehors du fait qu’on adore ces héroïnes. Tout d’abord ça change, on est plutôt habitué à suivre Usagi mais là on suit ce petit groupe et elles font avancé l’intrigue d’autant que l’une d’entre elle viens de se réveillée à nouveau sans trop comprendre pourquoi, cette sailor en particulière donne le ton avec ces visions où elle voit la mort d’Usagi et du monde. L’autre point positif à cela est qu’il y a des combats face à plusieurs ennemies qui peuvent surgir de nulle part, on est loin du “monstre du jour” qui fait agrougrou. Enfin, cela créer une certaine tension et donne un récit bien plus mature que toute la saison précédente, je dirais même qu’il y a une volontée de recréer une ambiance comme Sailor Moon S.   C’est dans sa seconde partie que l’arc va devenir vraiment intéressant puisqu’on suit toute les sailors pour aider Usagi par groupe de deux, générant ainsi plusieurs situations avec des personnages qui ont tendance à être au second plan d’autant que ces duos ne sont pas forcément avec des Sailors qui ont l’habitude de se côtoyer, bref la narration est vraiment bien et on retrouve une véritable enjeu. Je pense à la scène avec Sailor Mars et Neptune qui affronte Nehelliena dans une forêt sombre, d’ailleurs je pensais que c’était la saison 4 quand j’avais vu l’extrait mais non c’est bien la saison 5 (ce qui m’avait déçu).   Et que dire de son dénouement qui change drastiquement d’un shonen classique même si dans la forme cela ne change pas tant que ça (et que surtout c’est un Shojo) mais il n’empêche pas que la conclusion est assez inattendue, on se demande jusqu’au bout comment cela va se finir et le résultat est satisfaisante et dans le ton de la série. Il faut dire que l’arc traite du cycle vicieux de la vengeance et de la haine représenté par notre Nehellenia. C’est aussi à partir de cette arc qu’Usagi ou plutôt Sailor Moon est divinisée, rien que sa première apparition est mémorable, elle se dresse devant nous avec la pleine Lune en fond….ah oui maintenant elle a des ailes parce que c’est classe les ailes.   Dans une position impériale elle dit ces mots le tout en se tournant vers nous :   “Je suis celle qui enveloppe tout, Je suis la guerrière née de l’amour de toute l’humanité, je suis éternelle.”   Ouais on est loin de la Usagi humaine qui passe son temps à bouffer et à dire des conneries (selon Mars) ou de celle qui en chie face à un simple ballon (ça par contre c’est de moi), plus sérieusement on comprend que c’est la dernière saison et que la Toei à tout misé sur l’épique, j’en parlerai en profondeur dans l’arc suivant de ce détail.   Globalement, il n’y a pas grand chose à dire sur cette arc puisqu’elle est courte, si ce n’est que je l’ai adoré, disons qu’après le calvaire que fut Super S autant vous dire que cette arc mérite vraiment d’être regardé. Je ne vais pas m’attardé sur cette arc puisque les qualités et les défauts sont similaire avec l’arc suivante qui n’est rien d’autre que le dernier de la série originale.   Alors les filles ça fait quoi d'être amies avec une déesse ? Quand elle le veut bien évidemment !           You must be my lucky star 'Cause you shine on me ! [Arc Stars]   Enfin nous y voilà, l’ultime arc de Sailor Moon ! Avant toute chose, il s’agit de l’arc canonique la plus courte (si on met de côté l’arc Ail et Ann) et comme pour la précédente arc on sent une volonté de la Toei de ramener les fans de la première heure. Il y a autre chose aussi à dire et qui ne vous aura pas échapper concernant l'opening....c'est pas Moonlight Detsestu ? Et bien non ! On ne le dirais pas comme ça mais c'était une prise de risque de remplacer l'Opening mythique de Sailor Moon pour sa dernière saison, est-ce un signe d'un changement pour la série ? Vous verrez bien....   Une dernière chose, ce nouveau opening est vraiment réussie et je l'ai beaucoup apprécié, il faut reconnaitre son potentiel d'une mélodie qui reste dans le crâne mais pour le plaisir.   Je demande le résumé de cette arc, s'il vous plait ! Usagi est un peu dans le brouillard dans sa vie, en effet l'homme de sa vie “Mamo-chou” (c'est son surnom officiel) part aux Etats-Unis pour achever sa thèse et ses études en....en quoi déjà ? C'est une bonne question ! Au même moment arrive trois garçon dans le vent, ce sont des ados-stars qui forment un genre de groupe de Boys-Band connu sous le nom des Three Lights. Parmi ces trois garçon populaire, Seiya va se rapprocher d'Usagi parce qu'ils sont dans le même lycée, d'ailleurs quasiment toute les sailors sont dans la même lycée à l'exception de Rei qui va dans son école chrétienne alors qu'elle une prêtresse Kiko qui possède des pouvoirs magique (je suis le seul à être perturbé par ce détail ?). Sauf qu'en parallèle, un nouveau méchant débarque et c'est Galaxia qui me fait étrangement pensé à Thanos, vous allez voir. Galaxia débarque sur Terre comme le frère de votre serviteur dans son igloo, cette dernière recherche les Stars Seed, des cristaux qu'on trouve chez des gens et qui....attendez, vous allez encore me faire le coup des recherches de cristaux chez des personnes lambda alors que c'est forcément un des alliés d'Usagi, c'est ça ? Je reviendrai sur ce détail plus tard, bref Galaxia recherche les stars seed qui lui permettent d'être encore plus forte et de conquérir non la Terre mais bien l'univers, ouais on voit grand chez Galaxia ! C'est donc avec sa petite armée de larbin qu'elle va embêter les Sailors qui vont dans un premier chercher qui est leur ennemie, comme d'habituuuuude. Puis des nouveaux sailors apparaissent connue sous le nom de Star Fighter, Star Maker et Star Healer, ces sailors ne sont pas amis ni ennemie et Usagi souhaitent s'alliée à eux mais refusent, comme d'habituuuuude.   Ces nouveaux sailors semblent chercher quelqu'un ou quelque chose mais on ne le saura que très tardivement, comme d'habituuuude. Puis enfin, apparait une gamine qui s'appelle Chibi-Chibi et ne parle quasiment que la langue Chibi, c'est à dire que 98 % de son langage consiste à dire “Chibi-Chibi”, par contre comment on conjugue, bonne question ! Est-ce que ce personnage est lié à Usagi ? Ou est-ce qu'elle possède l'objet de convoitise des méchants ? Est-ce lié à Chibiusa ? Non parce qu'on a galéré à s'en débarrassé mais tel le Terminator elle finit toujours par revenir alors comprenez mes craintes, comme d'habituuuuude.   Oh comme d'habitude, tout la saison elle va joué à faire semblant, comme d'habit....pardon quand je suis lancé dans ma connerie on m'arrête plus 😅 Bref, vous l'aurez compris, ça sent le réchauffé, j'ai l'impression qu'il n'y a que les transformations qui évolue vraiment.   Contrairement à Super S, Stars possède une sous-intrigue beaucoup plus intéressant au point même que je trouve que c'est la raison selon moi de regarder cette saison. Je vous avez parlé de Seiya qui se rapproche d'Usagi comme un très bon copain, vous savez qui est fidèle et qui n'oserai jamais tombé sous le charme de son amie, je parle du vrai copain qui est juste ami et qui ne profitera pas de l'occasion pendant que Mamo-cocu ne soit pas là pour tenter l'essai, non il n'est pas comme ça Seiya, j'y crois vraiment.....évidemment qu'il va tombé amoureux d'elle et qui n'attend que l'occasion pour transformer l'essai ! Je suis bête aussi c'est pour ça que je n'ai pas de petite amie, qui a dit que c'était parce que j'étais fan de Sailor Moon ?   Bref, on va donc assister à un étrange triangle amoureux entre Seiya, Mamorou et Usagi, pour ma part Mamorou risque d'avoir de mauvaise surprise en rentrant au Japon mais vous savez ce qu'on dit les absent ont toujours tort !   Parlons technique voulez-vous ? Cette fois encore on sent un progrès, je dirais même un très gros progrès, on sent qu'on est dans la deuxième moitié des années 90, il n'y a qu'a comparer avec la première saison pour se rendre compte que la série à réellement évolué d'un point de vue de l'animation et je trouve que cette dernière saison est particulièrement jolie. Bien sûr ce n'est jamais constant mais il reste la saison la plus stable dans ce domaine, bref il y a plus de budget, c'est plus jolie, c'est une réussite !   Sinon à part l'aspect technique, est-ce que l'écriture l'est tout autant ? Je tiens à rassurer tout le monde, c'est bien mieux écrit que Super S, on sent une volonté de revenir à l'écriture des premières saisons aussi bien dans son intrigue que dans son humour. D'ailleurs, l'humour de cette saison est correcte mais loin des fous rire que j'ai eu dans les trois premières saisons. Il faut reconnaitre aussi que cette saison se veut bien plus sérieux et que l'humour y est moins à sa place, cependant cela n'empêche pas quelques situations drôle comme un combat avec quasiment tout les sailors dans la cuisine d'Usagi ou encore Minako (Sailor Venus) qui débusque l'ennemie à chaque fois sans le savoir (il était particulièrement drôle celui-là).   Voici deux extraits de scène qui m'ont fait bien rigolé : Qu'est-ce que tu croyait Usagi ?    Perspicace Minako, trop même ^^'   On trouve aussi de bonne idée dans cette saison comme l'idée des “monstres du jour” qui sont en faite les victimes sans les star seed, c'était une très bonne idée.   Et puisque l'on parle d'écriture, il faut parler des fillers. Bon, la bonne nouvelle est que cette saison comporte très peu de fillers mais la grande question est sont-ils bon ou mauvais ? C'est pas évident une fois de plus.... D'abord, ce n'est pas la qualité de Super S si cela rassure les plus réticents d'entre vous mais je ne les ai pas trouvé fou-fou. On sent que la Toei n'arrive plus vraiment à faire des fillers avec Sailor Moon, c'est quand même la cinquième saison donc forcément cela se ressent qu'on n'a plus vraiment d'idée.   Globalement ils sont tous corrects, certains sont mieux que d'autres alors qu'est-ce qui ne va pas ? La grande majorité des épisodes sont oubliable sans pour autant être mauvais, ennuyeux ou What The Fuck, ils sont juste pas mémorable. Ils sont oubliable parce que les fillers se concentrent surtout autour des Three Lights, ce qui est bien en soi puisque cela permet de les développer un peu mais on tourne très vite en rond puisque c'est toujours la même chanson :        1/ Un des Three Lights ne s'entend pas avec Usagi ou les Sailors comme situation initiale      2/ Une situation va bousculé le status-quo entre les Three Lights et Sailor Moon (un personnage tier par exemple qui va réunir les personnages).      3/ Le membre des Three Lights réalise qu'il était con de penser de tel ou tel façon.      4/ Combat contre le méchant du jour où le membre des Three Lights va aider Sailor Moon ou une Sailor.      5/ Le membre des Three Lights éprouve une forme de sympathie ou de respect envers Sailor Moon.      6/ Sauf que c'est un filler et que ça compte pas donc retour à la situation 1.   Garçon ou fille ? Fille ou Garçon ? Sans contrefaçon je suis un garçon !   Vous aurez peut-être devinez deux chose dans ce petit schéma, d'abord que c'est quand même con de revenir à chaque fois à la situation initiale, non parce qu'un moment on conspue plus contre les Three Lights qu'autre chose. Oui, je n'ai pas trop aimé les Three Lights à l'exception de Seiya parce que c'est le seul personnage du groupe qui ne revient pas à la situation initiale. Non parce que Yaiten et Taiki, les autres membres du groupe sont vraiment antipathique selon moi, bon cela servira à développer un propos de la saison mais c'est pas avant les derniers épisodes donc d'ici là on suit des personnages antipathique. Peut-être avait vous en tête Uranus et Neptune qui avaient un peu le même schéma sauf que c'était mieux réussie due à cette étrange lien avec les sailors alors que les Three Lights sont “étranger” aux sailors malgré qu'ils jouent sur deux bord.   Comment ça ? Et bien les Three Lights sont en réalité les Sailor Starlights, des sailors en dehors du système solaire....mais ce sont des hommes, non ? Oui et non, en faite ce sont des femmes qui se transforme en homme pour se cacher de leur ennemie....ou l'inverse je ne sais pas trop vu que ce n'est pas vraiment précisez. Ce petit détail n'a pas plut à la mangaka qui était clair sur l'idée que les sailors sont des femmes et ne peuvent pas être des hommes mais la Toei la envoyé voir ailleurs, Naoko Takeuchi a toujours désapprouvé ce changement.   Pour en revenir avec les fillers, on retrouve de très bon épisode même si je trouve qu'on est loin de l'excellence de certains filler du début de la série. Je vous conseillerai l'épisode où les filles doivent retrouver le cousin de Rei (Sailor Mars) qui est un artisan tout en profitant d'un camping sauvage, il s'agit d'un épisode qui se rapproche d'une parodie d'un slasher movie (surtout Vendredi 13). Il y a aussi l'épisode suivant où Usagi et Seiya sont seul chez elle pour la nuit et que tout le monde vient un par un et qaund je dis tout le monde, c'est tout le monde : Les sailors, les three Lights, Haruka et Michiru, des journalistes qui s'incrustent (la victime) et enfin les méchants, le tout réunis à la cuisine auxquelles chacun cherche à se transformer sans que les gens les voient, bref c'était drôle.   Je vous conseille également l'épisode avec Taiki qui se demande pourquoi il chante et qui en a ras le bol de ses fans jusqu'à ce qu'il rencontre une petite fille à l'hôpital. Je vous conseillerai encore l'épisode 191 "L’envol des papillons de lumière ! Pressentiment d’une nouvelle vague." qui est l'épisode le plus bizarre de toute la série ! Usagi déprime dans son coin pendant que les autres tentent de rentrer en contact (encore) avec les Three Lights en participant à un concours de versus fighting. Elle se déguisent tel des otaku à la Japan Expo et font une mise en scène "dramatique" alors que c'est juste un tournoi d'amateur. Je passerai les détails concernant la deuxième moitié de l'épisode qui est réellement dramatique et de l'animation très douteux...quand je vous dit que c'est bizarre.   Vous aurez probablement noté que je ne mentionne pas d'épisode autour des autres sailors, c'est parce qu'il n'en n'a pas ! Seule Minako (Venus) à la chance d'avoir deux épisodes pour elle contrairement aux autres qui n'en n'ont pas du tout, on peut le dire Minako est vraiment la Star !    D'ailleurs l'arc Star ne s'appelle pas comme ça pour rien, en effet "Star" possède un double sens, d'abord l'intrigue qui concerne des guerrières considérée comme des étoiles filante (Les Three Light) ou l'enjeu même de ce combat (l'univers les gars !) mais aussi le sens de la célébrité car on retrouve beaucoup d'élément lié à cela comme la base des méchants qui est une chaine de télévision (qui s'appelle Galaxia TV et qui n'intrigue personne alors qu'elles savent que leur ennemie s'appelle Galaxia !) ou encore la célébrité des Three Light sans oublié le rêve de Minako de devenir une star.   Mais qui est donc cette Chibi-Chibi ? Tout ce que je sais c'est qu'elle est Kawaii ! Mais pas autant que ça !        I'm going to take my time, I have all the time in the world to make you mine, It is written in the stars above !   Vous vous êtes bien doutez que cette saison est plutôt bon mais pas si extraordinaire selon moi. Je comprend que pour plusieurs fan qu'il s'agit de leur saison préférée mais globalement les fans préfèrent la première et la troisième saison. Pourquoi je suis assez dubitatif concernant cette arc ? Disons que je lui reproche finalement un gros défaut : c'est du réchauffé !   Ouais j'ai trouvé que cette arc manquait d'idée pour se démarqué des autres, je le vois comme un best-of des précédents saison (sauf la quatrième et vous savez très bien pourquoi). Je ne vois pas nécessairement comme un mal puisque par exemple on sent cette volonté de revenir à au schéma de la première saison avec la relation entre Seiya et Usagi qui amène tout cette question de tromper son mamo-chou car il n'avait qu'à lui répondre bordel !   Je me demande bien ce qu'il fait là-bas tout seul, ça ne m'étonnerait pas qu'il s'éclate comme le clip des Prodigy Smack My Bitch Up ! Je comprend la situation imaginer que vous savez déjà tout votre avenir, surtout avec une gamine comme Chibiusa.   Il y aura aussi ce nouveau personnage que je n'ai pas encore présenté qui est Chibi-Chibi, une petite fille de 4-5 ans qui débarque on ne sais où et qui ressemble à Chibiusa mais dont personne ne semble se demander réellement pourquoi elle est là....je sais qu'elles sont habitués aux gamines mystérieuse mais de là en avoir quasiment rien à faire !   Du coup vous voyez aussi les limites de réutiliser les mêmes schéma des précédentes saison, on fait pareil mais en moins bien sur certains point. Les three lights sont l'équivalent d'Haruka et Michiru (saison 3), Chibi-Chibi de Chibiusa (saison 2), l'idée de reprendre encore des cristaux chez des gens (saison 3), Seiya qui casse les couilles d'Usagi comme Mamoru (saison 1) et encore plein d'autres chose dans ce style, vous voyez l'idée.   Même le dernier quart de cette arc renvoi à de précédant fin de saison comme celui de la première saison qui n'est pas aussi traumatisant que ce dernier mais dont j'ai quand même été dubitatif en y repensant parce que dans ma tête, ça sonnait comme ça :     D'ailleurs en matière de doute, j'ai également pas trop fait attention aux attaques des nouveaux sailors mais celui-là m'a bien fait poser des questions   Toi ne commence pas ! 😅   Soyons plus sérieux, l'arc star manque réellement de nouveaux concepts et de ce fait je trouve que cette arc manque ce petit quelque chose qui le rendrait unique. Bien sûr qu'il se démarque dans son ambiance bien plus sérieux et moins coloré que les précédentes saisons mais ça reste du repompage d'idée, pour tout vous dire je trouve que Super S a plus une identité que Stars avec ses gamineries, certes c'était pas terrible mais il a une aura....j'aurais cru le défendre 😶   Ne me faite pas dire ce que je n'ai pas dit, Stars est marquant mais pas aussi marquant que les autres saisons, c'est triste à dire mais on sent qu'on est à bout de souffle chez la Toei. Un autre défaut concernant qui est présent depuis la première saison est évidemment sa répétitivité mais étonnamment j'ai trouvé cette saison pas aussi répétitive que ça, on voit moins les transformations (et hélas les sailors également), il y a plus d'enjeu et malgré cette manie d'étirer le fil conducteur avec ce même schéma narrative depuis la saison 3, il faut bien reconnaitre que cette arc se débrouille bien.....mais je le trouve pas si passionnant.   Certains aspect de l'arc aurait mérité plus d'approfondissement notamment dans la relation de certains méchants qui sont amis (ou autre ?) comme Sailor Lead Crow et Sailor Aluminum Seiren. Je pense aussi à des développement plus personnelle comme avec Sailor Tin Nyanko dans ses dernières apparitions qui lui donne un côté "torturé"......     On regrettera aussi une méchante absente dans l'animé mais présent dans le manga, j'ignore la raison de son absence, il faudra que je lis le manga pour connaitre ce personnage.   Vous avez remarquez aussi que les subalternes ennemies sont des sailors, en effet par rapport à l'intrigue on suit plus ou moins une sorte de guerre entre des guerrières suite à une autre guerre contre Chaos : La Sailor Wars ! C'est qui Chaos ? C'était quoi cette histoire de guerre ? Et ben c'est là ou je vais chipoter parce que bien qu'on explique qu'il y a des guerres astronomique dans l'espace contre le "Mal"....on développe pas tant que ça. Je vais également reprocher ce manque d'implication des sailors (en dehors de sailor moon) qui reste trop à l'écart, il ont tenter de créer des conflits intérieur mais beaucoup trop limité et c'est toujours les Outer-Senshi contre les Inner-Senshi, ça aurait été cool de voir le groupe se brisé d'autant que c'est tout le propos de Galaxia, la grande méchante qui veut démontrer que dans une guerre on ne peut que compter sur soi et que l'amour n'a pas sa place.   La rumeur prétend qu'on avait fait une fête à la Toei avant la production de cette épisode ! (C'est quoi ces têtes !?)   Ce qui m'amène au dernier quart de l'animé, Oh mon dieu quelle spectacle ! Autant vous dire que les derniers épisodes vont vous scotcher sur votre canapé et c'est en partie grâce à notre Galaxia. Personnellement, durant toute la série Galaxia n'est pas vraiment mise en avant, on sens qu'ils ont voulu recréer une Beryl-sama mais je trouve qu'elle était beaucoup imposante, même si ce n'est pas ma méchante préférée elle représente pour moi l'incarnation du mal dans la série, bien plus que Chaos qui n'est qu'un petit brouillard en somme (c'est littéralement un brouillard).   Pour en revenir à Galaxia, elle possède les mêmes qualités que Beryl-sama : Imposante, cruelle et charismatique ! Sauf que durant presque toute la saison elle reste assis sur son trône et c'est tout. Bien sûr on te la vend comme LA méchante absolue de la série qui fait passer tout les autres pour des clowns (et le pire c'est qu'il en avait), Galaxia c'est l'ultime épreuve !   Cependant, il faut vraiment attendre ce fameux dernier quart pour la voir en action et tu comprend très vite qu'il ne faut vraiment mais vraiment pas la faire chier !     C'est d'ailleurs pendant le visionnage de ces derniers épisodes que je me suis rendu compte de quelque chose, j'ai remarqué que depuis la saison 3 la série pris une tournure beaucoup plus épique, je veux dire par là qu'on s'éloigne des premières valeurs de la série, le quotidien de jeunes filles qui apprend sur la vie et l'amour. Non pas que je lui reproche d'évoluer mais on comprend mieux pourquoi cette série est très souvent comparé à Dragon Ball en dehors de leur popularité.   Ces deux séries qui ont connu le même type d'évolution, c'est à dire un concept simple à la base pour évoluer dans de plus en plus dans de l'épique avec des combats de plus en plus impressionnant et de ce fait devient plus complexe. J'ai déjà entendu des gens qui regrettaient l'époque de Dragon Ball, n'aimant pas vraiment la tournure de DBZ, je ressens un peu ça avec Sailor Moon. Même si c'est bien traité, j'ai une préférence pour les premières saisons qui était plus terre à terre, plus fiévreux aussi mais avec un concept qui m'avais séduit. Non pas que je n'ai pas aimé la tournure des choses avec Galaxia il n'empêche que je trouve que la série c'était un peu perdue surtout depuis la saison 4 où finalement la série n'avait de cesse de recréer le succès de l'excellent saison 3.   Mais pour défendre cette fin de saison, je trouve qu'il s'agit d'une des meilleurs fin de saison et non pas parce que c'était la dernière saison (fin qui vous donnera une petite larme à l'œil si vous avez suivi la série depuis le début) mais bel et bien parce qu'elle envoi du pâtée ! Je pense notamment à une révélation précis qui était bien trouvé alors qu'il était pourtant évident mais dont je me suis fait avoir, preuve que comme quoi il était plutôt réussie d'autant que Sailor Moon a vraiment du mal avec les révélations, disons qu'ils ont le chic de te spoiler tout en t'annonçant le mystère !      Je reprocherai toutefois une incohérence scénaristique avec les Stars Seed qui transforme la victime en monstre mais dont le dernier quart c'est tout autre chose, genre pourquoi il y a pas de monstre mais cette autre élément que je ne peux pas dire sans spoiler ?   Ce que j'ai beaucoup aimé est justement ce incohérence scénaristique, je pense que la fin de saison parle bien sûr des limites de la gentillesse et de l'amour par la cruauté de la vie mais je trouve qu'elle parle aussi du deuil, le deuil idéologique de l'enfance et des valeurs qu'on nous a enseignés, qu'on a bafoué avec cette réalité difficile, puis bien sûr le deuil de la perte d'être cher, voire le deuil de la série, c'est presque une élégie funèbre qu'on assiste.   On regrettera aussi l'absence de quasiment tout les personnages secondaire : personne de la famille de Rei, personne de la salle d'arcade, pas d'ancien alliés et même pas Nanu et son copain Geek totalement absent ! C'est pas grave en soi mais je trouve que ces personnage contribue à l'univers de Sailor Moon et je trouve dommage que d'uniquement mentionné le grand père de Rei.   D'ailleurs, passage plutôt étrange où Rei devient diseuse de bonne aventure dans un centre commercial juste parce que son grand père l'a envoyé là-bas pour ce job. Ça tombe en plein milieu de l'intrigue, ça ne dure pas longtemps et le pire cela fait avancé l'intrigue....il y a des reste de Super S ou je me trompe ? Il y a cette princesse Kaguya qu'on n'arrête pas te de mentionner mais qui sert pas à grand chose, même pour tout vous dire à rien puisqu'à part faire "Twinkle-Twinkle" et "Lalala" bah on l'oublie très vite.   Un petit mot sur la VF qui n'est pas terrible, chose plutôt incompréhensible alors que c'est un doublage de 2014 mais dont on a l'impression qu'elle a été fait dans les années 90 par sa qualité d'enregistrement. Les voix ne correspond pas trop aux personnages et semble trop neutre dans sa globalité, ouais ça été fait à l'arrache.   Pour finir je vais vous laisser avec quelques extrait musicaux de cette saison dont le fameux Search for you love des Three Light, c'est cadeau !   - Thème de Seiya   - Thème pour Usagi (qui est une version alternatif de l'opening)   -Thème de Sailor Saturn   - Enfin le très célèbre Search For You Love que vous allez entendre un milliard de fois dans la série mais que j'aime bien ^^   L'affrontement final vous mettra en haleine du début jusqu'à la fin !   La puissance manque tout-à-fait à la haute conception mais déjà mon désir et ma volonté, se portaient ailleurs, dirigés par l'amour qui met en mouvement le soleil et les autres étoiles. (Conclusion)   Voilà c'est fini comme le chante si bien Jean Louis Aubert mais alors que faut-il en conclure ? D'abord, Stars est une bonne saison mais qui manque d'ambition malgré sa volonté de terminer une franchise en beauté, trop d'élément sont repris de la saison 3 sans vraiment avoir réussie à recréer le charme, j'aurais préféré qu'il créer sa propre "histoire" même si c'est ce qu'il fait. C'est le moins bien des bonne saison en somme et comme je n'ai pas souffert à ce visionnage je le recommande.   Maintenant il faut que je conclue la franchise, que dire ? Je ne pensais pas que j'aurais tout regardé et pourtant je l'ai fait et je ne le regrette pas ! Mon regard à pas mal évoluer depuis mon premier billet sur Sailor Moon, passant ainsi de simple découverte à fan, oui je suis fan de Sailor Moon parce que c'est une série en vaut le détour. Les saisons sont inégaux entre eux, certains plus par défaut (saison 2) d'autres l'ont vraiment cherché (saison 4) mais quel plaisir cela fut de suivre Usagi et ses copines, de rire et de pleurer avec elles, c'était chouette.   Je pense que si vous voulez vous lancer dans le Shojo et le Magical Girl, Sailor Moon est un très bon commencement, c'est un classique qui à instaurer les bases du Magical Girl, mais pour moi elle a fait plus que ça. Sailor Moon est en soi le premier animé à avoir réunis les garçon et les filles, certes pas comme on l'entend et pas non plus pour les mêmes raisons mais pour l'époque c'était énorme surtout avant Evangelion. De nos jours, on ne distincte plus vraiment quel animé pour quel type de personne, tout le monde regarde tout et c''est vraiment cool mais dans les années 90 c'était pas comme ça ! Les mentalités ont changé, les filles sont fan de DBZ (j'en connais personnellement) et les garçons adore Sailor Moon mais une chose important est à retenir : Aimer ce que vous aimer ! C'est con comme phrase mais croyez moi que cela a beaucoup de sens et puis comme le dit Amy :   Amen !   Alors, c'est un adieu ? Vous me connaissez non ? Croyez-vous vraiment qu'on en a fini avec Usagi ? Très loin de là puisqu'il y a le remake mais aussi les jeux vidéo ou encore le Drama et soyons fou le manga original, non c'est pas la fin du voyage pour le plaisir des fans de la petite blonde ! En parlant de voyage il y a aussi le voyage Romstation, le mois prochain je vais souffler mes trois bougies sur le gâteau d'anniversaire et j'ai prévu un cadeau digne de ce nom, c'est quoi ? Si je vous le dit ce n'est plus une surprise !   Par contre j'ai une surprise pour vous maintenant, je vous laisse avec une vidéo déconcertante à 360 degrés auquel nous pouvons dormir avec les Sailors, ne me demandez où je vais chercher ce genre de chose mais demandez le à mes recommandations Youtube !  Permettez-moi de partir faire dodo avec Makoto et de rejoindre les étoiles, a plus 😉   Usagi arrête de ronfler, j'essaye de dormir !     - Pourquoi c'est toujours moi qui se coltine les fillers à la con ? (déso en faite c'est canonique ^^')

DrunkenPenPen

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Sailor Moon Super S

Un jour après une dure journée de travail, j'avais décidé de faire un petit détour dans un bar que je connaissais bien. Je me suis assis devant le comptoir et j'ai commandé une bière bien fraîche mais au moment où je buvais ma première gorgée j'ai remarqué un homme à côté de moi totalement vautrer sur le comptoir du bar, cette homme marmonnait quelques chose d'incompréhensible tout en tenant dans sa main une photo. Vous pouvez me faire tout les reproches du monde mais ma curiosité était telle que j'ai jeté un œil sur la photo, c'était la photo d'une fille blonde aux yeux bleu, son visage était rayonnante et dessinait un sourire à faire pâlir Rei Ayanami. Devinant que cette fille l'avait abandonnée j'ai ressenti de la pitié pour ce pauvre homme, je m'approcha de lui en posant ma main sur son épaule et je lui dit de ne pas perdre espoir en l'amour mais c'était vain, il s'était endormie l'alcool lui avait trop monté à la tête. Revenant à mon verre je n'avais même pas remarqué que j'avais pris la photo de cette charmante demoiselle, c'est à ce moment que je regarde avec plus d'attention la photo pour aboutir à l'idée que je connaissais cette fille.....   Un Opening toujours aussi entrainant et réussi !         Fly me to the moon, Let me play among the stars, Let me see what spring is like on a Jupiter and Mars   Enfin nous y voilà Sailor Moon Super S soit la quatrième et avant-dernière saison de la série originale. Je ne ferai pas l'affront de vous re-re-représenté Sailor Moon puisqu'il s'agit de mon quatrième billet à son effigie. J'aurais pus vous présenté plus tôt cette saison mais je ne vous cache pas que je n'étais pas très motivé à regarder cette saison. Pourquoi ? Pour différents raisons, d'abord, j'ai joué à ce fameux RPG sur Super Nintendo qui s'appelle Antoher Story dont j'avais cru comprendre qu'il était canonique pour la série (ce qui est plutôt faux) mais pensant que j'en aurai pour des mois à le finir, au bout de trois semaines je l'avais fini à 100%.....ouais il est court. La seconde raison était que je n'avais pas entendu vraiment d'éloge concernant Super S, beaucoup de gens disent que ce n'est pas leur saison préférée et qu'il était décevant ce qui m'a un petit peu rebuté. Quand à la troisième et dernière raison est que j'ai (enfin ?) décidé de me procurer les intégrales pour qu'elle puisse rejoindre ma collection entre Evangelion et Berserk, j'expliquerai plus tard ce qu'il en est devenu. D'ailleurs la saison 4 est la saison la moins cher parmi les autres, si les commentaires sur le net ne m'avais pas rassuré autant vous dire que j'aurais dû vraiment me poser des questions quand à cette étrange fait.   Mais voilà il fallait bien que je me lance alors j'ai pris mon coffret fraichement acquis et j'ai regardé les 39 épisodes que constitue cette saison.Maintenant que j'ai le recule nécessaire, je pense sincèrement que si on me demande mon avis sur cette saison, je répondrais.... Je savais que ce n'était pas une très bonne saison mais pas à ce point là ! Bon je crois qu'il va valoir que je dévellope....et que je commande une autre bière.   L'intrigue est très simple puisque c'est "presque" comme la saison 3, Usagi et ses copines vont assister à un éclipse solaire, ce spectacle mystique s'avère en réalité être le point de passage des nouveaux ennemie de Sailor Moon : Le Dead Moon Circus ! Leur base secrète est un chapiteau en plein centre-ville....suspendu dans les airs entre les buldings.....devant les citoyens Japonnais.....de couleur rose fluo.....bref, le chapiteau est dirigé par Zirconia qui contrairement à la VF est une femme mais qui n'est qu'un régent intermédiaire puisqu'elle suit les instructions de Queen Nehelennia (ou Queen Gnagnagna parce que je n'arrive pas à prononcé son nom). Cette méchante reine recherche le cristal d'or pour pouvoir se libéré de sa prison qui est un miroir mais que fera t-elle une fois libérée de sa prison de verre ? Conquérir le monde parce que c'est une méchante reine.   Mais pour ça il faut d'abord le cristal d'or qui est détenu par un étrange animal nommé Pégase qui s'est caché dans les rêves des humains mais plus précisément dans le plus beau des rêves et parmi le monde entier, parmi les millions d'humains, chez qui Pégase s'est installé ? Indice, elle nous casse les bonbons depuis la saison 2....et oui c'est Chibiusa ! Cette dernière va cachée l'existence de Pégase aux autres parce que.....c'est une gamine de 6 ans mais vous verrez par la suite que c'est un peu plus complexe et surtout plus malsain mais j'y reviendrai plus tard.   Je vous propose de commencer par le visuel de cette saison, l'animation est beaucoup plus jolie que les précédentes saisons sans pour autant être extraordinaire (sauf quelques moments), c'est très jolie et on est dans la continuité des améliorations visuelles de la série. Pour résumé, c'est plus beau que la saison 3 sans pour autant explosé la rétine mais c'est quand même notable.   C'est surtout dans les nouvelles attaques et transformation que l'on peut voir le progrès visuel, voici les nouvelles transformations (plus pour Sailor Moon que les autres mais bon)   La nouvelle transformation casse quand même la barraque !     Vous aurez probablement constaté que la transformation de Sailor Moon et de Chibiusa se font désormais ensemble (la transformation de Chibi toute seule est issu du second film) pour une raison très simple qui a fait crincé beaucoup de dent, Chibiusa est (une fois de plus) mise en avant mais cette fois encore plus qu'avant. Pour les non-initié à cette super franchise, Chibiusa est le personnage le plus détesté des fans parce que c'est une gamine de 6 ans qui énerve tout le monde, mais alors pourquoi cette étrange choix de mettre en avant Chibiusa ?   Je me suis posé cette question parce que globalement les gens ne vont pas plus loin dans la réflexion que de simplement dire que Chibiusa prend beaucoup trop de place dans cette saison, pour vous dire à quel point elle est mis en avant qu'Usagi est au second plan et les intrigues sont toujours lié à Chibiusa, même les transformation elle s'incruste auprès d'Usagi, ce qui a déplut les fans. En vérité ce n'est que la partie visible de l'iceberg puisque le choix de faire Chibiusa l'héroïne de cette arc amène sont lot de conséquence avec tout d'abord le public-cible.   Difficile d'expliquer pourquoi la Toei a fait un tel choix mais on peut deviner quelques pistes: Une volonté de mettre en avant un personnage détesté des fans et de leur faire changer d'avis; Usagi est une héroïne dont on a tout dit et qu'il est temps de laisser la relève avec Chibiusa ou le studio est en panne sèche d'idée et au vu du rythme de diffusion bah il fallait vite agir.   Il y a eu un peu de tout ça mais je pense fortement qu'il y a eu une volonté de renouveler le public...et oui les petites filles sont grandes maintenant et que peut-être suivre une ado en mini-jupe ça ne les attirent plus, du moins selon la Toei. Je ne dit pas que c'était une mauvaise idée de renouveler la série, c'est même tout le contraire surtout venant d'une série qui se répète beaucoup alors pourquoi ça n'a pas vraiment marché ? Probablement pour deux raisons, la première est que lorsqu'on voit une série qui s'appelle Sailor Moon je m'attend à voir Sailor Moon et non Sailor Moon Chibi-Moon, quant à la seconde raison est que ce renouvellement aurait bien mieux marché si les intrigues ne sont pas destinée à un public âgée d'enfant entre 3 et 5 ans.   Oh purée vous n'imaginez pas le calvaire que son visionnage a été pour moi, ce fut la souffrance, elle m'a mis en PLS dès le troisième épisode, ce fut une sacrée douche froide quand on voit qu'on est passé d'une saison 3 très bien écrite et mature à une saison 4 mal écrit et enfantin pour ne pas dire rempli de gaminerie. Je comprend ce que les fans ont dus ressentir à l'époque, c'est presque une trahison voire un rejet des fans de la première heure !   Pour cela il va falloir que je vous parle des Fillers de cette saison, sur le net on lit partout que ce sont les pires fillers de la franchise, de mon point de vue je n'irai pas jusque là étonnamment puisque que je trouve que la seconde saison avait de bien pire filler (il faudra que je vous parle un jour de cette épisode pseudo Jurrasic Park) mais je ne vous cache pas que les fillers de cette saison ne sont pas fameux. Disons que vous aurez trois émotions devant ces fillers : "On s'en fout", "On s'ennuie" et surtout "What The Fuck !!!" . Je tiens à rassurez on n'est pas au niveau d'un Naruto qui doit chevauché une autruche mais parfois je me dit qu'on s'en rapproche.   Pour faire un petit tour rapide de ce qui vous attend, vous aurez des fillers où Chibiusa croit que Mamoru va quitter Usagi pour une autre fille, un autre où Chibiusa s'inquiète pour sa professeur d'art plastique, il y a aussi cette épisode où Chibiusa rencontre le nerd du coin qui rêve de rencontrer une fée (s'il vous plait ne me demandez pas pourquoi), un autre encore où Chibiusa rencontre une ancienne cuisinière mais asociale (ah les vieux !), je vous passe les détails de l'épisode où Chibiusa est attiré par un garçon de son âge ou encore celui où elle devient danseuse étoile (le temps d'un stage faut pas déconner) mais également où elle rencontre un peintre des rues, sans oublié l'épisode où elle a peur de l'épreuve terrifiante du saut de cheval et encore moins où elle va soutenir un garçon qui veut voler avec son vélo......Pour résumé mon avis sur ces épisodes : C Fun !   J'espère que vous aimez Chibiusa et les intrigues plat parce que vous allez en bouffer !     Mais attendez ça ce n'était que les épisodes ennuyeux parce qu'il y a aussi des épisodes qu'on va qualifié de "What The Fuck ?!". Par exemple, il y a l'épisode où Usagi se déguise en shinobi pour espionner Mamoru qui travail sur sa prétendu thèse chez Rei (Sailor Mars) dont cette dernière a vu son petit itsi bitsi teeny weeny, tout petit, qu'elle avait vu pour la première fois (et dernière je suppose ?). Il y a également l'épisode du vieux tacot qui combine à la fois l'ennuie et le WTF, Amy (Sailor Mercury) tente de réparer la voiture d'une femme (je ne savais pas qu'Amy avait un BTS Maintenance des véhicules option A voitures particulières), femme qu'elle croyait être une amante de Mamoru.....je répète Amy la fille la plus intelligente du groupe croyait que Mamoru trompait Usagi parce que ce dernier avait remis une clé de voiture à la sortie de son appartement. Purée si la fille la plus intelligente de cette animé finit par sauter à la conclusion sans réfléchir à toute autre éventualité, autant vous dire qu'on est dans la mouise, plus sérieusement vous aurez pas trouver une autre fille pour ça ? Rei, Makoto ou Minako j'aurais rien dit mais pas Amy ! Depuis quand elle agit sans réfléchir ? Et encore je vous épargne le méchant qui se déguise avec une simple barbe dont sa couleur de cheveux ne correspond absolument pas à sa barbe mais tout le monde gobe le truc !   Il y a aussi l'épisode où une gamine de 4 ans est une "Samouraï/épéiste" qui bat Yojimbo sous un pont et qu'Usagi héberge chez elle....bon elle est où ma bière ? Ah elle était caché derrière les autres. Je vous épargne l'épisode où Usagi et Chibiusa rencontre la princesse d'un autre pays (Non elle ne viens pas de la contrée de Cagliostro !) ou enfin celui où les filles tentent de savoir qui est le garçon dont Chibiusa aime et qui d'après sa description à la gueule d'un cheval et elles finissent par rencontrer un homme....qui a littéralement la gueule d'un cheval.....Barman je voudrai un long Island Iced Tea, double dose s'il vous plait !   Le Saviez-vous ? Elle patinait, sur une jambe elle patinait !   Connaissez-vous Evgenia Medvedeva ? Cette jeune demoiselle d'origine Russe est une patineuse professionnelle qui à participer aux Tokyo World Trophy de 2017 et devinez quelle sujet elle à choisit pour sa chorégraphie ? Sailor Moon, bien sûr ! (sinon je n'en parlerait pas). Elle a donc fait une chorégraphie sur le très célèbre opening Moonlight Densetsu déguisée en Sailor Moon alors à peine âgée de 17 ans ! Elle remportera la médaille d'argent lors des Championnats d'Europe de patinage artistique 2018, il faut croire que les juges ont eux aussi saisie la réf (cristal d'argent).   Vous pouvez voir sa performance ici :   Je trouve ça dingue de gagner une compétition de cette manière et le tout en battant un record de point, la classe !   Et si vous vous dite que je passe trop de temps pour seulement des épisodes fillers, je dois bien reconnaitre que c'est vrai mais il faut dire que cette saison est quasiment constitué de filler ! Comparons avec les précédentes saisons : La première saison est constitué de 65 % de fillers, ça fait beaucoup mais pas mal d'épisodes sont mythiques de nos jours ! La seconde saison est composé de 51 % de filler (si on compte l'arc Ail et Ann en tant que filler) c'est quand même la moitié de la saison. La troisième en est à 44 % de filler c'est le bon élève d'autant que certains épisode pourrait être perçu comme canonique. Cette quatrième saison possède 56 % de filler ce qui en fait la seconde saison possédant le plus de fillers (la cinquième n'en possède que 26 %) mais quand on voit la qualité autant vous dire que vous aurez l'impression qu'on est plus proche des 85 % tellement on s'ennuie. La cerise sur le gâteau reviens à la continuité des fillers puisque si la première saison pouvait enchainer 7 fillers d'affilé, la quatrième saison en enchaine 12 fillers d'affilés !   Heureusement tout de même qu'il y a de bon filler, bon il se compte sur une main mais voici quelques fillers avec un minimum d'intérêt : Globalement il s'agit des épisodes où les Sailors sont les victimes des Trio Amazones mais je retiendrai l'épisode où Minako sort avec deux mec en même temps, on retrouve enfin un humour digne de la série et aussi pas mal de sous-entendu sexuelle, ouais c'est le seule épisode avec un humour adulte. Il y a aussi l'épisode où Makoto va dans un bal de son école en quête d'un homme, c'est un épisode classique en somme mais assez émouvant pour retenir mon attention. C'est également cette épisode où la théorie Amy X Makoto fut relancée dus à cette scène.   Pour finir, il y a l'épisode où les filles vont à la plage et on apprend que le frère d'Usagi à le béguin pour Amy chose difficilement reprochable me direz-vous. Plus tard Amy et le garçon se retrouve sur un bateau (on dirais le début d'une blague) et vont se naufragés dans une grotte pendant que les autres s'inquiète de leur absence...très sommaire en somme puis il y a ce plan :    je ne pourrais jamais expliqué la sensation que j'ai ressentie la première fois mais ça m'a fait quelque chose. Il faut dire qu'il manque tellement de tension/d'enjeu dans cette saison qu'un simple plan de quelques secondes suffit pour vous conseillé un épisode, c'est pour vous dire à quoi j'en suis réduit. Et pour la déconne, je vous laisserai tenter de regarder l'épisode où Usagi est un ninja (histoire de faire tout les épisodes où les sailors sont victimes des méchants) et finalement l'épisode avec le mec à la gueule de cheval parce que c'est le moins mauvais des mauvais épisodes.   C'est terrible tout ça mais on pourrait se consoler avec les épisodes canoniques n'est-ce pas ? N'est-ce pas ? On va dire que c'est pas évident. En effet, si l'ennuie était très présent dans les fillers, triste de constater que l'intrigue principale n'est pas mieux, on aura droit à des intrigues parfois...douteuse. Il y a un épisode très important dans le découlement de l'arc mais quand on voit la situation on se demande si c'est pas un filler qu'on regarde, la palme revient certainement à l'épisode où Usagi et Chibiusa échangent leur corps à cause du "vilain du jour", ça fait très filler vous ne trouvez-pas ? C'est bête parce que ça fait avancé l'intrigue mais de bien étrange façon mais le pire reste que les combats de cette saison ne sont pas vraiment des combats. Je sais bien qu'on n'est pas dans un shonen avec des combats bien vénère mais quand on voit que les combats consiste par exemple à sauter sur un trampoline maléfique ou se battre contre un ballon (à plusieurs reprise en plus !) et avoir des difficulté à vaincre un simple ballon géant alors que tu as sauvé à mainte reprise la Terre....je me dit que c'est une blague.   En voici une preuve de ce que j'avance : Crève ce putain de ballon ! Et le pire c'est qu'il te vend ça comme étant sérieux !     Pour résumé c'est comme les fillers sauf que cela fait avancer l'intrigue.   Je pense que la première moitié de l'arc fût les moments les plus douloureux pour moi, imaginez que vous ne voyez aucune Sailor durant un bon quart de la saison (du moins très peu), qu'Usagi est mise au second plan pour mettre en avant une Chibiusa désormais devenue une personne de sagesse bien plus que les sailors (chercher l'erreur 😅). C'est littéralement un gros mollard lâché sur la saison 3 qui jouait subtilement avec cette question de l'intelligence notamment avec leurs relations avec Haruka et Michiru.....d'ailleurs elle sont où les deux là ?   Désolé de devoir vous annoncer cette triste nouvelle mais pendant le visionnage j'ai prié de tout âme de voir ce célèbre couple, de voir le jolie minois d'Hotaru et même celui de Pluton, bref les sailors Outer-Senshi ou comme j'aime bien le dire les Sailor Renfort.....ne sont pas là ! Malgré qu'on les voit sur le coffret du DVD (j'ai même les cartes collectors en cadeau) bah nada, elles sont absente, il faut croire qu'en lisant le scénario de cette arc elles ont dit : Non, sans nous ! Mine de rien ce détail ajoute encore plus de déception comme si on n'en n'avait pas assez.   Donc pas de Sailor Inner-Senchi (Les classiques), pas de Sailor Outer-Senshi, même l'Homme masqué est rarement là puisqu'il doit travaillé sur la thèse machin-bidule-truc ! Heureusement que les autres sailor classique viendrons par la suite mais pendant plusieurs épisode, on s'est coltiné Chibiusa ou plutôt Usagi s'est coltinée Chibiusa. Mais du coup elle est devenue aussi forte que les autres, non ?  ....J'aurais dus m'en douter.   La relation entre Chibiusa et Pégase est....spéciale.                A tout le monde, à tout mes amis, je vous aime, je dois partir   Bon je vais laissez la petite Chibiusa un petit moment pour vous parler des  de Quenn Ngiénaniania (désolé l'alcool commence à faire effet bip 😖), on distincte deux partie dans cette saison comme vous l'aurez devinés, ils sont répartie en deux groupes : Le trio Amazon et le quatuor amazone.   Le trio Amazon sont les subalternes de la première moitié de la saison et c'est très difficile pour moi de donner mon avis sur ces vilains, je dirais que ce sont les pires méchants de la franchise mais en même temps qu'ils ne sont pas si désagréable que ça. On se retrouve donc avec Tiger's Eye, un homme qui n'aime que les jeunes filles, même les gamines de 5 ans .....( °  ( II )  ° ) Puis Hawk's Eye, un homme qui n'aime que les femmes plus mature (même les vieilles pour tout vous dire) pour enfin finir avec Fish Eye l'Androgyne du groupe car oui messieurs c'est bien un homme contrairement à la version français qui en avait fait une femme.   La question que vous vous poser depuis un petit moment est pourquoi je n'aime pas tant que ça le trio, en faite c'est plutôt l'écriture autour de ce trio que je n'aime pas trop. Contrairement aux précédents subalternes, il manque des liens entre ce trio et leurs méthodes voire même leurs personnalités, je m'explique. Pour faire simple, la stratégie du trio consiste à séduire les victimes pour leur prendre leur miroir en espérant trouver le fameux miroir d'or où se cacherait Pégase. Miroir ? Ah oui ici c'est des miroirs où on peut voir le rêve du propriétaire contrairement aux cœurs pur de la précédente saison, à la différence que la mort était omniprésent (le cœur en soi mais aussi le sacrificie de trois cœurs obligatoire pour obtenir le St-Graal) parce qu'ici à part enlever les rêves des gens (et encore)....bah la pression ne marche pas, c'est même très plat étonnamment vu qu'on parle de rêve mais quand tu suis une saison où la mort n'était jamais loin, triste de reconnaitre que ça fait tâche. D'autant qu'on ne cerne pas trop les conséquences d'un Miroir en dehors de la victime, ça la tue ? Elle devient un légume ? Cela n'a aucune conséquence ? L'animé ne répond pas vraiment à la question, il y a bien un cas où un miroir se casse mais j'ignore si la victime est morte ou pas, bref c'est flou.   Canonique ou Filler ? Saurez-vous faire la différence (vu la qualité c'est pas facile)   Revenons à notre trio, leur but est donc de "vérifié" si Pégase se la coule douce dans le rêve de la victime et leur plan consiste tout d'abord à séduire la victime pour gagner leur confiance puis les prendre au dépourvu pour "checker" si Pégase est là.....sauf qu'il y a un problème. Ce problème est que cette stratégie ne marche jamais, comment cela ? Quand je dit qu'ils séduisent la victime c'est vraiment séduire, sortir avec elle et tout le tralala, or ils ont tendance à mettre trois plomb et à chaque fois devinez qui c'est qui attend au tournant ? Evidemment Sailor Moon, Chibi-Moon et les autres sailors. Du coup c'est très con d'avoir à chaque fois un plan déja foireux sur le papier (sauf pour certain épisode) pour le répéter sans cesse alors qu'il faudrait changer de stratégie.   "Mais les précédant méchants utilisait toujours la même technique et tu n'en n'a pas fait un plat"   Oui mais à la différence que les échecs de leur prédécesseur était dus à la présence de Sailor Moon qui met des bâton dans les roues, ils ne passaient pas par quatre chemin, souvenez-vous de la subalterne qui défoncer tout à coup d'ambulance et de gun dans la précédant saison et même les plus malin attendaient simplement que la victime soit isolé pour attaquer. Notre trio piège les victimes rapidement mais alors qu'ils pourraient passer à l'action, bah ils ne font rien que de continuer leur petit jeu le temps que Sailor Moon arrive pour leur péter la tronche, l'épisode où le trio tente de créer un piège pour capturer Pégase avec Tiger's Eye qui séduit Naru la BFF d'Usagi (ou l'éternelle victime comme j'aime bien l'appeler) en jouant le condamné à mort d'une maladie incurable (dans le genre je vais mourir dans trois mois) puis...   "Puis va la piégée quand elle sera isolé de tous ?"   Raté ! Il va demander de plaquer son copain pour consacré véritablement trois mois à sortit avec lui, genre ton plan est réellement d'attendre trois mois avant de lui "chiper" son miroir ? Et le pire c'est que Naru va réellement plaquer son copain ce qui va évidemment attirer l'attention des Sailors.   Je pourrait dire de même avec l'épisode où Fish Eye séduit un nerd qui aime (un peu trop) les fées où ils passent des heures autour d'un lac dans une forêt où on peut facilement se perdre, il va sauter sur l'occasion ? Pas du tout, au point même qu'il demande à sa victime c'est quoi son rêve alors que de toute façon il est obliger de forcer le passage pour "examiner" le miroir, c'est con ! Parfois ils sont même au courant dès le début comme l'épisode avec "mini-Kenshin le vagabond" mais alors pourquoi tenter de la piégée ? Rentrer dans le tas bon sang !   "C'est quoi tout ses guillemets quand tu parle de regarder le miroir des victimes ?" Bonne remarque Billy, en vérité la première fois que j'ai vu le processus du trio pour obtenir le miroir d'une victime cela m'a plus fait penser à un viol qu'autre chose. Ils attachent d'abord la victime à distance (d'où mon questionnement concernant leur stratégie) puis extrait le miroir du corps de la victime pour regarder dans le miroir tel des prédateurs pendant que la victime hurle à la mort, voire très gênés sachant que la grande majorité sont des femmes.   Le Saviez-vous ? La parodie Hentai Officiel Sailor Moon ?!   Cela est devenu une tradition maintenant mais je ne peux m'empêcher de parler d'une petite anecdote coquine sur l'univers de Sailor Moon. Alors après les préservatifs Sailor Moon, la mention d'un film pornographique, la taille des poitrines des Sailors, le redraw challenge un peu trop inspiré, qu'est-ce qui reste pour le peu de salut de mon âme ? Les parodies Hentai !  Attention je ne parle pas des doujin qui circule depuis les années 90, non je parle d'un animé parodique qui a la prétention d'être "officiel" ou plus moins fidèle, bref on cache pas que c'est du Sailor Moon version coquine. Si certain on en tête la parodie mal foutue avec Son-Goku ce n'est pas celui là mais belle et bien un autre. Son nom ? Je vais vous le faire devinez, vous verrez c'est simple : Mon premier commence par Sailor Senshi, mon second est le nom d'une planète attribue d'une Sailor et le dernier est le nombre des Sailor Inner-Senshi, vous voyez c'est simple ! En plus il est sorti chez nous en DVD....interdit au moins de 18 ans bien évidemment. Et dire qu'initialement je devais vous parler de la richesse des Sailors 😆   Bon là si c'est pas assumé comme parodie !     Oui c'est assez malsain la première fois mais la sensation passe très vite cependant c'est quand même malaisant dans le concept, d'accord je trouve la saison manque de maturité mais là je trouve que c'est assez déplacé.   Je suis peut-être le seul à avoir des idées mal placé mais on parle bien de rêve là, non ?   Les choses plutôt positives concernant ce trio restent que ce n'est jamais le même membre qui s'occupe de cette tâche donnant un peu de diversité mais comme c'est toujours la même méthode cela reste très limité. D'autant que c'est dommage puisque lorsqu'on découvre l'origine de ce trio on se rend compte qu'ils ont une véritable histoire et également on comprend mieux leur position mais l'animé attend littéralement les deux dernier épisodes pour révélé tout ça, du coup quand ils deviennent vraiment intérressant....et bien c'est la fin, je trouve ça très bête.   Je peux comprend que l'on peut avoir de l'affection pour ce trio mais j'ai plus ressentie cela avec leurs remplaçants : Les quatuor amazones. Constitué de quatres filles, CereCere, PallaPalla, JunJun et VesVes sont pour moi plus intéressants que le trio Amazon. On voit mieux les liens thématiques de cette saison à travers ces personnages : Elles sont enfantines et ne pense qu'à s'amuser, elles jouissent d'une jeunesse éternelle et souhaitent rester dans une innocence propre à l'enfance. Chose plus étonnant encore quand on pense que ces vilains pourrait facilement être l'opposition de Chibiusa (qui rêve de grandir par exemple) sauf qu'il n'en sera rien et une fois de plus c'est dommage. Puis-je encore ajouter que contrairement au trio Amazon, elles ne séduisent pas mais rentre dans le tas, vous voyez c'était pas si compliqué que ça ! Il n'empêche que cette seconde moitié de la saison fut plus agréable, je ne dit pas qu'il est extraordinaire mais on sent quand même que c'est moins chiant, d'autant qu'on garde cette idée de changer les membres qui attaques les victimes, bref c'est un poil plus agréable.   D'ailleurs c'est surprenant de constater que je trouve Sailor Moon Super S le film s'en sort largement mieux dans la maitrise de ces thématiques pour une courte durée (une heure à peine) alors que cette saison qui parle pourtant de la même chose et possèdent plus de temps galère à maitriser son sujet, rien que pour ça je vais reprendre encore un petit dernier verre (quand le barman arrêtera de se multiplié).   Je parle encore et encore mais je n'ai pas encore fini de parler de Sailor Moon, un autre gros problème dans cette saison est l'affaiblissement de Sailor Moon. Dans cette saison Usagi a besoin de Chibiusa pour gagner les "combats" ou pour être plus précis de Pégase. En effet, le seule arme pour éliminer les monstres....c'est Pégase qui l'a et il doit à chaque fois venir en renfort pour donner l'arme à Sailor Moon (via Chibiusa le bordel !) ce qui affaiblie une héroïne qui dans le passé n'avait besoin de personne pour achever un ennemie !   Et puisque l'on parle de Pégase, ceux qui ont vu cette saison vont très vite savoir de quoi je vais parler : La relation entre Pégase et Chibiusa. Il faut reconnaitre que cette enfant à un sérieux problème de "fantasme" entre son complexe d'Œdipe dans la saison 2, son attirance pour une fille de son âge (du moins pour certains d'entre nous) et maintenant c'est avec un cheval ! Bon il s'avère que Pégase n'est pas en soi un Pégase mais un garçon de son âge, ce qui annule tout mais ce détail on l'apprend très tard du coup pendant ce temps on croit vraiment que c'est un cheval.....moi qui pensait avoir tout vu avec Sakura Chasseuse de Carte, ça mérite qu'on trinque pour ces deux là après tout qui je suis pour juger ?   Trio Amazon ou Quartet Amazones ? Cela va dépendre de vos goûts   Revenons très vite sur la relation Usagi/Chibimoon, c'est plutôt bancale et comme cette saison on tourne très vite en rond. Cette relation est très peu exploitée, cela se comprend en réalité c'est pas comme si il y avait déjà eu deux saison sur ce thème. Donc on se retape cette même thématique mais c'est pas vraiment traité, en faite c'est plus un prétexte comique qu'une véritable thématique, c'est encore une fois de plus dommage parce que la relation à quand même évoluer depuis la saison 2, il y a eu des révélations mais j'ai l'impression qu'elles ont la mémoire courte....je comprend mieux Mamoru, trinquons à sa mémoire ! Comment ? Evidemment qu'il n'est pas mort mais ça n'empêche pas qu'on peut trinquer quand même !   Finalement le problème de cette saison est qu'il souffre de sa comparaison immédiate avec la saison 3, c'est littéralement son opposé surtout dans son ambiance globalement trop enfantin, on est loin de l'ambiance adulte de la saison précédante, il n'y a qu'a regarder le premier épisode de ces deux saison pour se rend compte du décalage. Je pense que la Toei a du avoir des soucis vis à vis de la saison 3, c'est un studio qui entretiens une certaine image de Sailor Moon même encore de nos jours (et aussi une politique à la Nintendo de striker la création des fans, RIP Supreme Moon Senshi et Sailor Moon Says). Mon avis est que le studio à dus imposer à l'équipe de faire une saison sans violence et sans petite fille crucifiée....par contre la romance avec un cheval ça passe.   Je passerai très vite sur l'OST qui n'a pas vraiment changer et est toujours digne de la série, quand à la VF bien que pas mal de changement de doubleurs ont été opéré (dont Sailor Moon) il reste dans la même qualité que celui de l'époque, c'est à dire que si vous voulez rigoler un bon coup. La saison a subit pas mal de censure, très fréquent à l'époque au vu du contexte anti-manga de l'époque : Pégase possède une voix de fille (vous savez pourquoi), Fish Eye est une fille au lieu d'être un homme androgyne, tous allusion sexuelle (mention de la poitrine ou autre) est effacé ainsi que tous allusion d'une relation entre un adulte et un enfant (Tiger Eye dit quand même que les jeunes filles sont fraîches....purée !). Pour une fois, je trouve la censure plutôt juste même si elle a tendance à aller à l'encontre de certaines thématiques mais bon quand on voit Tiger Eye qui parle d'enfant mineur....je comprend tout à fait la censure et tant mieux d'un côté.   Il y a quand même des passages assez marrant qui permet d'oublier un peu la catastrophe globale    Il me reste quoi à parler ? Ah oui la reine Ngnié....Ngnié....Ngnia....lala ? Je déconne la reine Nehelenia, j'y peut rien si je n'arrive pas à dire son prénom....surtout avec 5 gramme d'alcool dans le sang. Mais avant de parler de l'antagoniste principale, parlons d'un autre personnage rapidement, Diana la petite chatte grise qui débarque dans l'indifférence total ! Non je ne plaisante pas, personne n'en n'a rien à faire de ce personnage tant elle n'apporte rien à l'intrigue, en faite elle est même pas impliqué, du coup pourquoi est-elle là ? Diana c'est le minou qui accompagne Chibiusa qui accompagne Sailor Moon qui accompagne.....euh....mon verre, Kanpai !   Plus sérieusement, Diana ne fait que simplement accompagné Chibiusa, c'est tout ! Pas d'intrigue autour d'elle sauf sa première apparition bien sûr dont on devine tout de suite d'où elle sort mais je ne dirai pas parce que cette blague va beaucoup trop loin. Pour résumé, il n'y a rien à dire sur Diana et tout le monde s'en fout que ce soit les Sailors, les méchants, Mamoru, la Toei et évidemment les spectateurs. Cela s'explique qu'à travers une recherche très rapide, Diana était censé apparaitre dans la deuxième saison (c'est le cas dans le manga) mais c'est finalement dans la quatrième qu'elle apparait...et bien elle a bien choisit son coup. De toute façon vu le peu de présence de ce personnage, il est inutile de s'attarder plus longtemps sur Diana.   Maintenant parlons de Queen Nehelenia....Oh, du premier coup ! Il faut fêter ça avec un verre ! Normalement je devais vous dire que je n'avais pas compris son histoire car elle c'était confus mais il s'avère que le visionnage d'une critique  m'a permis de constater que je n'était pas fichu de suivre une intrigue....par contre c'est quand même confus ! Queen Nehelenia est une antagoniste certes classique, c'est la méchante qui veut le royaume voisin de son satellite et qui comme par hasard est la lune ! La maman de Sailor Moon l'emprisonne dans un miroir et Nehelenia souhaite sortir de sa prison pour se venger, sauf que manque de bol comme Diana elle a un petit retard puisque Beryl-sama a fait le taff, du coup elle se venge sur sa fille (même si en réalité j'ai pas vraiment eu cette sensation).   Le saviez-vous ? Neon Genesis Moon Evangelion ?    J'en avais déja parlé auparavant mais Sailor Moon et Neon Genesis Evangelion partage pas mal de point communs mais c'est toujours marrant quand ils ce font mutuellement références. C'est assez connu des fans mais dans l'épisode où Sailor Mercury acquiert de nouveaux pouvoirs lorsqu'elle est prisonnière dans un PC (trop long à expliquer), la scène en question fait penser à une autre scène dans Evangelion.  Cela renvoi à l'épisode où Rei est confronté à Armisael, la mise en scène est assez similaire et c'est une référence assumé puisque plusieurs membres du staff qui travaillait sur Sailor Moon ont également participé sur Evangelion.  Comment ne pas être enthousiasmé face à cette anecdote quand on est fan des deux franchises ?     Vous pouvez voir la version Sailor Moon ici bas :     Le problème autour de ce personnage réside dans la confusion de son histoire, c'est mal expliqué je trouve alors qu'elle a un passé intéressant et même une thématique super cool autour de la jeunesse éternelle, sans oublié qu'elle est plutôt charismatique et imposante, elle est classe et on loin de son armée de cirque à la con ! Le hic est que j'ai du mal à voir l'opposition entre elle et Sailor Moon, par contre avec Chibiusa je le voit mais comme ce n'est pas développée, c'est décevant une fois de plus.   Quand au dernier quart de la saison et l'affrontement final, j'ai été déçu une nouvelle fois parce que c'est très mou malgré quelques bon passage comme celui où les Sailors rencontre leurs propres reflets maléfique qui argument sur l'idée d'abandonné la lutte, c'est vraiment un des rare bon passage de cette saison. Le combat final....n'est pas un combat, ouais pour résumé très vite c'est un genre de pari que font Queen Nehelenia et Sailor Moon concernant la vie de Chibiusa, en somme :   - Sailor Moon ! Je balance la petite Chibi depuis mon bout de cratère dans les airs, si tu la récupère avant que la gravité ne lui donne tort, tu aura gagné et je rentre chez moi la queue entre les jambes, mais si je gagne....bah j'aurai gagné Ha Ha Ha ! Je suis méchante !   Pardon mais ton plan est nul ! Tue-la et c'est régler ! Enfin bref, j'ai été déçu voire frustrer de voir un affrontement finale qui n'en n'est pas un ! Je viens d'y repenser mais le rêve de Chibiusa c'était quoi ? Non parce qu'à aucun moment on ne le dit, du coup pourquoi Pégase s'est caché chez elle ? Purée je me suis coltiné la saison entière pour rien, je vais boire ma déchéance....pourquoi mon corps est si lourd, j'ai la tête qui tourne, je crois que j'ai besoin de.....🤢   Heureusement qu'il y a quelques excellents passages mais trop rare hélas !        Hum....Conclusion ?   Cher Lecteur, je me présente je serais votre narrateur à partir de maintenant de cette triste histoire, mon nom n'a peu d'importance et notre DrunkenPenpen est tombé bien bas puisqu'il fait dodo sur ce comptoir de solitude en vomissant littéralement ses excès, pour une fois qu'il porte bien son nom. Malheureusement pour lui conclure ce biller sera très complexe vu son état alors je me permet d'intervenir.   Il faut dire qu'il en a bavé avec cette saison, déjà que l'acquisition de l'intégrale de Sailor Moon en DVD deviens réellement difficile (la première saison tourne autour des 300 euros ! La dernière saison autour des 500 euros et même à 1000 euros !), il a cependant eu la chance d'acquérir les quatres première saisons à des prix convenable mais on va se mentir, il a du bol.   Par contre, il a eu beaucoup moins de chance en traitant cette saison, il a vécu un calvaire et n'a pas apprécié cette saison, la réputation de "mouton noir" de cette saison par rapport à la série lui est amplement mérité. C'est une saison où il vaut mieux être rapide dans son visionnage, s'éternisé dans les fillers serait un calvaire, regardez donc où ça nous a mener ! C'est dommage parce que cette saison possède de bonne idée et des thématiques sympa mais l'écriture n'a tellement pas suivie.   Espérons pour DunkenPenPen qu'il s'en remettra pour la dernière bataille car oui ce sera tout pour ce soir, il a besoin de repos et je vous demanderez de bien attendre le mois prochain pour conclure avec la série Sailor Moon, d'ici là je vous souhaite de profiter pleinement de romstation, quand à moi, je vais aller aider PenPen à sortir de son vomi.   pff tout ça pour une photo.   Messieurs je vais appelez la police immédiatement !    

DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

Mise à jour 2.7

Toujours en bêta-test, le jeu en Cloud s'enrichit de quelques options détaillées plus bas, ainsi que du support de nouveaux systèmes, notamment la PSP. Cette dernière voit même son Multijoueur local porté en Cloud grâce aux dernières améliorations.     Créer une instance par client Cette option reproduit les conditions du jeu en réseau local (LAN), lorsque le titre est compatible, en permettant à chaque client de jouer sur son instance avec sa sauvegarde. Contrairement au serveur VPN, les instances émulées par le serveur Cloud sont réellement reliées localement. De ce fait, la connexion est plus stable et plus directe. Certaines options sont exclusives au jeu en écran partagé : partager la manette et sauvegarder/charger l'état. Si vous souhaitez donc conserver l'écran partagé sur une instance unique, malgré la sélection d'un jeu en réseau, désactivez l'option d'un clic à la création du serveur. Actuellement, cette option est uniquement effective sur les jeux PSP.     Langue et région du système Lorsqu'un jeu multilingue ne permet pas de sélectionner la langue depuis les options du jeu, c'est la langue du système émulé qui conditionne ce choix. La région du système devra quant à elle correspondre à celle du jeu sélectionné. Et si la valeur automatique fonctionne pour la plupart des cas, la correspondance s'avère parfois incorrecte. Pensez donc à essayer une sélection manuelle si vous rencontrez un souci de compatibilité.     Sauvegardes Lorsque l'émulation le permet, vous pouvez "Sauvegarder/Charger l'état" depuis la barre d'options de la fenêtre du jeu ou le raccourci clavier Ctrl+S/Ctrl+L. Si la sauvegarde d'état permet d'enregistrer sa progression en dehors des moments autorisés par le jeu, les sauvegardes effectuées ainsi ne sont pas conservées au delà de la session de jeu. Préférez donc les méthodes prévues par le jeu pour enregistrer durablement vos sauvegardes. Ces dernières sont toutes conservées dans le Cloud du compte associé. Vous retrouverez donc toujours votre progression en vous identifiant avec le bon compte, indépendamment du PC utilisé. Sur Playstation 2 et GameCube, le jeu propose souvent un formatage de la Memory Card à la première utilisation lorsqu'il détecte un support vierge. Vous pouvez accepter sans crainte car le serveur crée une Memory Card unique par jeu pour éviter la saturation, d'où le comportement de la console.   Notez aussi que le serveur supprime automatiquement les Memory Card formatées dont les slots n'ont pas été utilisés pour sauvegarder. Dans ce cas, la console répète son message au prochain démarrage du jeu.     Changer de disque Quand le lecteur de disque est émulé par le système, vous pouvez "Changer le média" chargé dans le "Lecteur" directement depuis la barre d'options de la fenêtre du jeu. Vous devrez alors activer successivement et dans l'ordre les trois options du lecteur pour que le changement de disque soit reconnu par le système : Ouvrir le lecteur > Changer le média > Fermer le lecteur Cette option est essentielle pour les jeux Playstation et Saturn qui demandent souvent de changer de disque sans permettre de sauvegarder la progression. Les trois opérations s’exécutent en effet sans avoir à quitter le jeu.   Sur GameCube, l'option est inactive car le changement de disque est automatique.     Capture d'écran La "Capture d'écran" s’opère d'un clic depuis la barre d'options de la fenêtre du jeu ou via le raccourci clavier F12. Les captures d'écran sont toutes conservées localement dans le répertoire "app/screenshots", à la racine du répertoire d'installation de RomStation.     ⚠️ Si vous possédez une version antérieure à l’actuelle 2.7, n'oubliez pas de redémarrer RomStation pour appliquer automatiquement la dernière mise à jour.

Kratos

Kratos

The Great Ace Attorney Chronicles

Le pays du Soleil Levant a par plusieurs fois gardé pour lui des séries entières, ou plus souvent plusieurs titres, avant de se dire que, finalement, ils pourraient avoir du succès dans le reste du monde. On pourra notamment penser à Fire Emblem, qui ne fit son entrée internationale qu’avec le septième épisode ! Perdurant dans le monde entier en faisant le choix de proposer moins de traductions locales, la saga des Ace Attorney comportait elle aussi ses épisodes restés un long moment exclusifs au Japon. Cette isolation disparut en 2021, lorsque Capcom décida de publier une compilation de ces deux épisodes, tant sur Switch et PS4 que sur Steam. L’occasion de vivre dix aventures à l’ère victorienne, en incarnant l’ancêtre de Phoenix Wright, Ryunosuke Naruhodo… Pour qui maîtrise la langue de Shakespeare, cela vaut-il l’occasion de rempiler en tant qu’avocat de la défense au sein de cette duologie ? Enfilez votre brassard d’attorney, faites une provision de sachets de thé et découvrons-le ensemble, ami Lecteur.   Contrairement aux autres épisodes, plusieurs témoins seront fréquemment à la barre en même temps, ce qui aura plus d’une fois son importance.   Apporter le changement dans le monde judiciaire   Nous sommes à la fin du vingtième siècle et le nouveau système judiciaire du Japon en est encore à ses balbutiements, tout baigné qu’est le pays par les influences occidentales. L’archipel dispose désormais d’une cour suprême et Ryunosuke Naruhodo va avoir le douteux honneur d’y entrer au cours d’un procès à huis clos : il est en effet l’accusé dans une affaire où un docteur anglais a été assassiné dans un restaurant où il se trouvait ! Comme si les enjeux n’étaient pas suffisants pour un premier procès, on lui donnera également l’ordre d’assurer sa propre défense plutôt que de laisser ce rôle à son meilleur ami Kazuma (jeune juriste brillant) alors que lui-même n’est qu’étudiant… Procès se déroulant sous le regard attentif de pontes du gouvernement nippon : en effet, la victime étant anglaise, la Grande Bretagne exige une résolution rapide de l’affaire dans un contexte où un important traité a été récemment conclu entre les deux nations. Autant dire que le jeu met le paquet dès le début, même si le procureur en face de vous restera de peu de prestance : histoire de rajouter un côté filiation absurde mais comique, il s’agira d’un descendant du fameux Payne, punching-ball des nouveaux avocats dans la série ! En-dehors du physique et de quelques refrains gestuels de Ryunosuke (comme le fameux pointage du doigt pour lancer de vibrantes objections) le fait qu’il soit l’ancêtre de Phoenix n’aura pas grande importance, sinon symbolique.   Malgré toute la tension d’un tel évènement pour notre protagoniste, il arrivera néanmoins à prouver son innocence en dépit des circonstances, même si la victoire conservera une saveur plutôt amère concernant la personne coupable. Aussi impressionnante puisse cette performance être pour un novice, cela ne lance pas d’office Ryunosuke comme étant le protagoniste. Ce n’est qu’après la deuxième aventure qu’il se retrouvera à prendre la place de Kazuma en tant qu’avocat au cours d’un programme d’échange, dans lequel son meilleur ami était supposé perfectionner son art en Grande-Bretagne. Charge à lui d’étudier le droit britannique pendant les 50 jours de la traversée pour être aussi au point que possible ! Cette deuxième aventure est assez unique dans le sens où, se passant à bord d’un bateau, il n’y a aucun procès, seulement une phase d’investigation. On comprend rapidement que le but de cette séquence est d’introduire deux éléments liés : le personnage de Herlock Sholmes et ses « grandes déductions » que l’on retrouvera ensuite dans quasiment chacune des aventures proposées par la duologie. Ace Attorney oblige, l’illustre détective est loin d’être infaillible : bien au contraire, Ryunosuke devra à chaque fois corriger plusieurs de ses observations, modifiant le sens des déductions finales. Il y en aura en effet systématiquement un indice pertinent dans l’environnement, souvent pointé par un regard involontaire de la personne subissant le travail de déduction… Bien que cela apporte de la nouveauté à la série, en mettant en scène la gymnastique mentale point par point (exercice qui manque parfois lors des phases de procès), ces exercices de raisonnement impliquent une certaine longueur. En effet, vous devez en quelque sorte subir les hypothèses de Sholmes une première fois, puis les vivre une nouvelle fois en apportant ensuite de précieuses corrections, qu’on aimerait pouvoir offrir juste après les failles de raisonnement du détective- d’autant plus que certains indices sont douloureusement évidents, les possibilités étant de toute manière fort limitées. Bref, ce n’est qu’une fois Ryunosuke débarqué en Angleterre que les choses sérieuses commencent vraiment, aidé par la très digne et très compétente Susato Mikotoba, très mature pour ses 16 ans et dont le soutien en tant qu’assistante judiciaire sera essentiel. Réfléchie, déterminée et loyale tout en ayant également ses moments d’humour, Susato est un agréable contrepoint à Maya ! Et c’est en défendant un riche magnat au cours d’une affaire plus que trouble que ce duo va mettre les doigts dans un engrenage d’une sombre histoire dont la trame sera filée tout au long des affaires des deux titres, avec des retentissements pour les pays concernés tout aussi intenses, sinon plus, que ce qui se passe dans Spirit of Justice…   Une bonne partie des affaires se déroulera dans la cour du Old Bailey, comportant un jury qu’il sera essentiel de convaincre !   Dans une cour de justice, les preuves sont reines   Sans surprise aucune, à part le premier cas de chaque titre et la deuxième aventure du premier jeu, la structure de chaque affaire reste dans la droite lignée de la série : un entremêlement de phases d’investigation pour récolter indices et témoignages, avec des phases de procès où vous défendrez votre client. Celles-ci reposeront majoritairement, comme auparavant, sur des séquences de contre-interrogatoire où vous devrez traquer tel un (vrai) chercheur de vérité la moindre incohérence et le plus petit mensonge dans les paroles des témoins et des accusés, comme une pelote de laine à dévider fil par vil jusqu’à ce qu’il ne reste plus que la froide vérité. Il vous faudra attaquer certaines déclarations afin d’obtenir plus de renseignements, puis présenter la preuve adéquate afin d’exposer les propos fautifs, ce qui est toujours aussi satisfaisant ! Cette duologie rajoute une petite particularité, que l’on pourrait associer comme étant la « capacité spéciale » de Ryunosuke (au même titre que Phoenix pouvait discerner les verrous-psyché, ou Athéna utiliser la matrice des émotions) : repérer les attitudes dissonantes d’un personnage suite aux déclarations d’un autre témoin. L’avocat malgré lui interpellera la personne ayant tiqué pour approfondir sa réaction, ce qui apportera un éclaira différent sur le contre-interrogatoire en cours. Rien de flashy, mais cela met en avant le fait d’avoir plusieurs témoins à la barre et nous change quelque peu du surnaturel ou d’une technologie s’en rapprochant, comme il s’agit uniquement ici d’une capacité d’observation crédible (contrairement à un certain Apollo ?). J’ai pu lire dans un court avis sur le jeu qu’on pouvait tout aussi bien activer le mode Histoire (dans lequel tous les bons choix sont automatiquement réalisés en votre nom) car c’est justement l’intrigue qui fait l’intérêt de cette compilation, une assertion assez fantaisiste. Si le mode Histoire peut vous débloquer à des moments où vous seriez réellement perdu, le laisser en permanence ne vaudrait pas mieux que de regarder un Let’s Play sur Youtube ! Nous ne sommes pas dans un visual novel « kinétique » à la Higurashi, il serait plus que dommage de se priver du gameplay de The Great Ace Attorney Chronicles. Certains passages seront assez retors et vous demanderont d’avoir prêté une grande attention à ce qui s’est passé antérieurement, même en gardant à l’esprit un des principes moteurs de la série (la volte-face, plus que les retournements de situation, désigne finalement aussi la tendance fréquence à ce que les crimes aient été perpétrés de manière diamétralement différentes de ce à quoi on peut songer en première instance) les habitués comme les nouveaux venus trouveront de quoi se creuser agréablement les méninges.   Un autre élément inédit apporté par cette compilation est la présence d’un jury de six personnes. Il ne s’agit donc plus uniquement d’obtenir la conviction du juge mais bien que les jurés se prononcent majoritairement en faveur de votre client. Les jeux useront de cet élément à satiété, poussant le côté dramatique jusqu’à avoir les jurés déclarer l’accusé coupable alors que le procès aura à peine débuté ! La première fois que cela se produira, Susato arguera du droit de la défense à un « examen récapitulatif » au cours duquel chaque membre du jury devra expliquer les raisons pour lesquelles il a déclaré l’accusé comme coupable. Charge alors à Ryunosuke de creuser ces raisons et confronter des propos contradictoires afin de persuader plusieurs d’entre eux de modifier leur décision afin que le procès puisse continuer. Cette procédure, présentée comme rare et désuète, deviendra finalement un impondérable pour éviter un fatal verdict… Notamment du fait que le jury, bien loin d’être sélectionné au hasard comme on le prétend, contiendra toujours des membres ayant un lien pertinent avec l’affaire en cours. Dans la première que vous aurez à gérer en Angleterre, on trouvera par exemple le maître de la Guilde des Cochers, alors que le crime s’est justement déroulé à l’intérieur d’un cab, dans celle suivante, vous aurez carrément la femme d’un témoin, dans une autre encore l’expertise d’un juré permettra de trouver un indice déterminant dans des photographies… Si on pourra pointer du doigt le fait que le jury soit utilisé comme ressort dramatique avec un peu trop d’appui, le système apporte un brin de variété entre deux contre-interrogatoires garnis de mensonges, de de bonne hypothèse à choisir, de preuves à examiner soigneusement et de plans à détailler. On pourra retenir néanmoins quelques moments ridicules, comme le besoin d’avoir le témoignage d’un juré pour « prouver » que, oui, même en plein hiver glacial, lorsqu’un feu se déclare dans un appartement, on va ouvrir la fenêtre pour évacuer la fumée ! Il s’agit ici toutefois d’un problème récurrent dans la série, avec des passages où l’on sait parfaitement ce qui ne va pas et expliquer en quoi il y a problème, alors que le jeu nous impose un chemin alambiqué pour nous permettre de l’exprimer. On retrouvera également, sur un autre versant, la proportion des jeux à nous donner l’illusion d’avoir une option dans des situations désespérées alors que les personnages se corrigeront eux-mêmes si vous sélectionnez la mauvaise option… Jamais il ne servira en effet de garder le silence ou de ne pas émettre une objection !       Le design des personnages sera toujours aussi typé, tandis que les phases d’enquête comporteront moins le besoin de présenter des objets- ce qui n’est pas plus mal.   Ouvrir la boite de Pandore   Bien entendu, au-delà du gameplay, ce sont deux autres éléments qui assurent la solidité d’un Ace Attorney : la qualité des affaires proposées au joueur et sa galerie de personnages. Pour le premier, on ne sera globalement pas déçu : la duologie saura nous proposer des solutions insolites, en plus de se dérouler bien plus loin dans le passé (ce qui permet par exemple d’avoir un compteur de gaz qui fonctionne en insérant des pièces comme élément important d’un procès !), à l’instar d’un meurtre à l’intérieur d’un cab – la scène du crime étant littéralement transportée dans la cour ! – ou d’un incident concernant une invention loufoque lors de la Grande Exposition scientifique de Londres. De manière inédite, deux des procès ne comporteront même aucune victime- sans pour autant que le chemin vers la vérité soit évident. La force de ces affaires est qu’elles auront toutes un lien, plus ou moins important, avec un scandale vieux de 10 ans qui devra être dénoué et vous tiendra aisément en haleine. Ace Attorney oblige, les protagonistes seront impliqués plus personnellement que ne voudrait leur rôle dans ces affaires, Ryuonosuke se retrouvant ainsi sur les lieux d’un crime peu après qu’il a été commis et défendant ensuite l’accusée dans un mystère de pièce close. Cela ira parfois jusqu’à l’absurde (ce à quoi la saga nous habitue, néanmoins) lorsqu’un procès historique et décisif pour l’avenir du système judiciaire britannique aura pour avocat de la défense et pour procureur deux étrangers ! Rarement dans d’autres épisodes de la saga un fil rouge tissé de mensonges et de noirceurs aura pris tant d’importance, dans une atmosphère qui, si elle contiendra son cortège habituel de moments drôles ou burlesques, comporte également des occurrences plus nombreuses de moments poignants et d’un certain côté sombre avec des instances plutôt violentes ou déprimantes. Ce côté est assumé très tôt dans le jeu : la deuxième aventure, sans procès, est une tragédie, tandis que la première affaire dans une cour britannique vous fait bien sentir que l’accusé n’est clairement pas blanc dans l’histoire, la sombre vérité n’éclatant que plus tard. Fans de légèreté, attendez-vous donc à une alternance d’émotions tranchées ! A titre personnel, je pointerai néanmoins du doigt une des affaires du second jeu… Qui est en fait Chronologiquement la « suite » d’une autre affaire ayant eu lieu des mois plus tôt, avec le même accusé ! Si le concept derrière le crime avorté est toujours frappé au coin de la brillance de l’auteur, Shu Takumi (béni soit cet homme), on peut avoir l’impression d’un certain remplissage, d’autant plus que son impact sur le scénario global est insignifiant et placé de manière assez artificielle. L’affaire finale, d’une ampleur telle qu’elle sera séparée en deux cas distincts, aura pour sa part une tendance à la surenchère un peu trop appuyée, notamment à cause du besoin de deux inventions improbables au vu de l’époque pour qu’elle ait un dénouement heureux : un émetteur-récepteur longue distance et portatif, ainsi qu’un appareil capable de projeter le son et l’image d’une personne aussi bien qu’un hologramme !   Quant aux personnages, ils tiennent globalement la route également, entre les témoins/accusés pouvant être très perchés (comme « Shamspeare » qui parle comme un Shakespeare du pauvre…) ou le casting des personnages principaux, Ryuonusuke impressionnant par sa résolution à rechercher la vérité, aussi amère puisse-t-elle être. Barok van Zieks, le procureur que vous affronterez, est particulièrement retors- dans son comportement et son apparence, il peut donner l’impression d’être un croisement entre Miles Edgeworth et Manfred von Karma, avec une froideur et une aura qui commandent le respect. Avant de se confronter à Ryunosuke, il n’avait pas servi comme procureur depuis 5 ans, car une terrible réputation l’accompagne- celle d’être le faucheur du Bailey. Réputation compréhensible car la majorité des personnes acquittées durant les procès auxquels il a participé sont mortes de manière accidentelle, alors qu’il avait toujours un alibi indéboulonnable ! Le juge, de son côté, aura des réactions prêtant à sourire, tout en se montrant d’une allure plus compétente et solennelle que cela à quoi les épisodes originaux ont pu nous habituer (ce qui n’est pas forcément un mal). Au rang des personnages de soutien, vous pourrez compter sur Herlock Sholmes et ses créations (tel un réactif permettant de déterminer que des traces de sang n’appartiennent pas forcément à la même personne) et sa pupille Iris Wilson, une génie de 10 ans docteur en médecine, créant moult inventions et celle qui écrit les exploits de Sholmes ! C’est d’ailleurs au 221 B Baker Street que Ryunosuke et Susato vont vivre leur séjour en Angleterre, fait qui démontre toute l’absurdité, parfois, des questions de propriété intellectuelle puisque en intervertissant deux lettres, ça, passe, tout en conservant des références claires à l’œuvre de Conan Doyle. Ruban moucheté, chien des Baskerville, étude en rouge, « Lorsque vous avez éliminé l’impossible, ce qui reste, si improbable soit-il, est nécessairement la vérité », ce sont plus que des clins d’œil qui ajoutent un charme aux jeux. Herlock, pour sa part, s’il est très doué dans certains domaines, est un brin plus sociable que son modèle et sensiblement moins brillant, mais s’il l’était autant, il resterait bien moins de travail pour notre duo judiciaire ! Le voir poser comme faux mannequin dans le musée de cire de Madame Tussaud (qui devient ici une jeune femme mystérieuse en habits de sorcière) car il n’a plus assez d’argent pour payer le loyer est assez cocasse, entre autres moments drolatiques.     « Bon sang ne saurait mentir »   Aspects négatifs   -          Pas de traduction en français -          Un cas remplissage -          De petites fioritures dans certaines preuves à apporter -          Les « grandes déductions », longuettes -          Un final un brin outrancier   Aspects positifs   -          Le contexte historique offrant d’autres perspectives -          Une solide galerie de personnages -          Bonne durée de vie -          Compositions musicales agréables -          Les efforts pour apporter de petites variations de gameplay -          Histoire plutôt captivante -          Une ambiance sachant jongler entre moments sombres et d’autres plus légers   Beaucoup ne manqueront pas de critiquer le studio pour ne pas avoir mis la main au porte-monnaie concernant la traduction, fermant de facto les portes de cette compilation à ceux n’ayant pas un bon niveau en anglais. Si vous possédez ce dernier et que vous avez apprécié la saga par le passé, il serait dommage de se priver de cette duologie avec le retour de Shu Takumi aux manettes, réussissant savamment son coup en nous transportant dans une autre ère où, si les moyens d’investigations sont forcément moins avancés, la quête de la vérité et les affaires bien ficelées demeurent. Et si jamais vous vous retrouvez réellement bloqué, le mode Histoire vous permettra, de façon ponctuelle, de garder une progression fluide- mais jouer ainsi par défaut vous priverait d’une partie de la force de ces jeux.

Aronaar

Aronaar

Gunbuster

Au fil du temps certains animés sortent du lot, ils deviennent mythiques pour ne pas dire légendaire, leurs succès deviennent leurs héritages et on ressent encore leurs esprits aujourd'hui malgré que l'on n'arrive plus à mettre le doigts dessus, vous savez cette sensation de créativité, d'originalité et de liberté. Le succès des animés font la gloire des studios au point que certains ont créer un style propre, une sorte de marque de fabrique qui ont fait la gloire de leurs créateurs, car oui derrière des animés il y a des studios et au delà il y a des hommes (et parfois des femmes). Malheureusement, on voit aussi la déchéance de studio qui ont pourtant marqué les esprits comme un groupe de rock dont leurs membres ont trop vieillit, les sons deviennent monotones, la voix en a pris un coup et les déhanchés sexy et provocateur n'y ont plus leurs place....c'est triste n'est-ce pas ? Dans l'animation japonaise, je pense surtout à la Gainax, des esprits créatifs et dynamique qui ont connu la gloire à la fin des années 80 jusqu'au milieu des années 2000. Cependant ne broyons pas du noir, faisons honneur à ce studio en vous présentant le premier gros succès de la Gainax : Gunbuster !
Accrochez-vous à vos siège parce qu'on va viser les sommets !   Bienvenue dans les années 80 !         Revvin' up your engine, Listen to her howlin' roar, Metal under tension, Beggin' you to touch and go Highway to the danger zone !
  Commençons par le contexte, nous somme en 1981, à l'occasion de la vingtième édition du festival de Science Fiction Japonais surnommé Daicon III qui à lieu à Osaka, neuf potes de la fac expose fièrement un court métrage de 5 minutes, ce court-métrage je vous l'avais déjà présenté c'était en....Décembre 2018 (le billet Me!Me!Me!) ! Bon pour les nouveaux venus, ce court-métrage montrait une petite fille qui ressemble à Clarisse dans le Chateau de Cagliostro luttant contre plein de monstres et de vaisseaux. Sans vraiment le savoir, nous avons assister à la naissance du fan-service qui aboutira à celui qu'on connait : petites-tenues, plages, concombre des mers (merci Another)..... Parmis ces neufs étudiants on retrouve des noms qui en parlera à certains : Hiroyuki Yamaga (le réalisateur du film Les Ailes d'Honnéamise), Toshio Okada (le futur CEO de la Gainax entre 1986 et 1992), Takami Akai (illustrateur sur les jeux Princess Maker) mais surtout Yoshiyuki Sadamoto (illustrateur et Character designer de quasiment tout les projets Gainax), Shinji Higuchi (scénariste sur Evangelion) et enfin Hideaki Anno (le réalisateur d'Evangelion, Nadia et le secret de l'eau bleu ou encore Gunbuster).   Daicon III et par la suite Daicon IV sera un gros succès pour ces jeunes étudiants et se feront très vite remarqué par Bandai qui leur voit confié un énorme projet en 1984 : Les Ailes d'Honnéamise. C'est à l'occasion de ce projet qu'ils forment la Gainax, l'origine de ce nom viendrai d'un dialecte dans une région du Japon dont le mot Gaina signifie énorme, Grandiose.....le ton est déjà donné. Comme tout bon studio débutant, ils servirons dans un premier temps de mains-d'œuvre pour d'autres studio, ils participeront à un petit film pas très connue mais qui permettra de se faire un peu d'argent pour le futur film en préparation....il s'appelait comment déjà ce film qui à permis à la Gainax de renflouer les caisses ? Ah oui, Macross Do You Remember Love ! (un des plus gros succès du cinéma de l'époque).   En 1987 soit 3 ans de préparation intense sort enfin Les Ailes d'Honnéamise qui sera....un gros flop qu'il ne méritait pas un tel sort mais la vie est faite d'injustice que voulez-vous ? Il n'empêche que cela ne décourage pas les membres de la Gainax et que cette échec n'a pas fait couler l'entreprise, tant qu'il y a de la vie, il y a de l'espoir. L'espoir de la Gainax s'est tourné du côté des OAV , un marché fleurissant et qui attire les Otaku en manque d'animé à découvrir, cela tombe bien puisque la Gainax ne connait qu'une formule qui le définit tel un précepte : Des animés d'Otaku pour des Otaku, fait par des Otaku !   Cependant, on ne va pas se mentir c'est surtout la dernière chance pour la Gainax pour relever la barre, un nouvel échec serait fatal pour ces gens qui vivent un rêve de gosse. Pourquoi ? Et bien l'échec de leur précédant film les ont un peu mis sur la paille, ils ont subits des pertes financières....des grosses pertes financières ! Un succès permettrait de se refaire une santé, surtout dans le domaine des OAV.   "Hey Penpen depuis tout à l'heure tu parle d'OAV mais c'est quoi un OAV ?"   Ah Billy te voilà ! Mesdames et Messieurs laissez-moi vous présentez Billy, c'est un nouveau venu qui viens de découvrir (comme beaucoup d'entre vous) mes billets, il n'est pas toujours à jour mais ce n'est pas grave puisque l'on aime malgré tout et puis cela va un peu vous rafraichir la mémoire.   L'OAV ou Original video animation est l'équivalent du Direct-To Vidéo mais en matière d'animé japonais. Ces productions peuvent être aussi bien des séries que des long-métrage et même des épisodes bonus pour une série. Comme je l'ai dit plus tôt l'OAV est un marché rentable car contrairement au Direct-To Video qui subit une mauvaise image (production peu onéreux et de mauvaise qualité) l'OAV possède un statut plus noble au Japon, il faut voir ces productions comme des "exclusivités" voire même de la collection puisque très souvent c'était du tirage limité et qui dit tirage limité dit prix élevé...tout le contraire du Direct-To Video. Cette pratique permet à des gros studio de se faire de l'argent facilement en jouant sur une franchise (épisode Bonus) et cela permet à des petits studio de se faire un nom en plus d'un revenu conséquent, voici 3 exemples d'OAV différents :   - Sailor Moon Ami's First Love est un épisode spécial sorti en VHS avec d'autres épisodes spéciaux (Les puristes savent qu'il est d'abord sorti au cinéma est que de ce fait ce n'est pas réellement un OAV mais bon cela n'a pas empêcher la Toei de le sortir uniquement en VHS) - Ninja Scroll est un film sorti uniquement en VHS donc un OAV. - GunBuster est une série de 6 épisode sorti exclusivement en VHS donc un OAV   Voilà Billy tu sais maintenant ce qu'est un OAV, revenons sur Gunbuster. Dans le cas de Gunbuster, la série est sorti en trois casette de deux épisodes, la production à coûté environs 25 millions de yens (200 000 euros) et s'est vendu à 30 000 exemplaires à chaque volume. Ce petit succès permet à l'expansion de la série sous différent format comme le LaserDisc ou le Betamax (dérivé de la VHS) ce qui permet d'engendrer encore plus de bénéfice, bref c'est le succès !   C'est bien mais qui est derrière ce Gunbuster ? On retrouve Hideaki Anno en tant que réalisateur pour sa toute première réalisation, si on a en tête Neon Genesis Evangelion ou Nadia et le secret de l'eau on a tendance un petit peu à oublié GunBuster. Etonnamment ce n'est pas Yoshiyuki Sadamoto qu'on retrouve au Character Design puisqu'il était Chef-animateur, c'est Haruhiko Mikimoto qui prend ce rôle mais j'expliquerais plus tard pourquoi ce choix pour Gunbuster alors pas la peine de googliser.   Amano et Noriko sont les deux héroines principaux de Gunbuster.             'Til I make you take me on your mighty wings, Make you take me on your mighty wings across the sky   L'intrigue de Gunbuster est très simple en soi, Noriko est une adolescente de 16 ans qui intègre une école de....de.....pilote de mécha (je suppose vu que ce n'est pas vraiment précisé) et qui rêve d'aller dans l'espace comme son défunt père qui s'est sacrifié lors d'une bataille (qui a dit cliché ?). Malheureusement Noriko est loin d'être la pilote la plus brillante de l'école, disons qu'elle ferait pâle figure à côté d'une certaine Asuka Langley Sōryū, sauf qu'à la surprise générale Noriko et Amano sont les deux seules pilotes sélectionnées pour aller dans l'espace, non pas pour prendre du bon temps mais pour botter des culs aliens, Yeah ! Amano est typiquement la pilote douée et déterminée à être la number 1 (Asuka tu as de la concurrence). Plusieurs péripéties vont amener Noriko à prendre confiance en elle et à piloter le Gunbuster, un robot super géniale capable de tout pulvériser (mais pas aussi cool qu'une Eva hein ?).   Bon on commence par quoi ? Et bien pourquoi ne pas commencer par le "délire" de Gunbuster, son concept en tant que série de Mécha est un étrange mélange entre ce que sera une des marques de fabrique de la Gainax , c'est à dire beaucoup d'exagération et de sensationnel qui croise une toute autre série très populaire à l'époque. Cette série est The Super Dimension Fortress Macross ou tout simplement Macross qui avait sensation en 1982 mais c'est surtout le film Macross Do You Remember Love (un de mes films préférés) qui marque les esprits, film auquel la Gainax avait travaillé en tant que studio de soutient, tout se rejoint. Sauf qu'à la Gainax "refaire" une série à la Macross n'est pas suffisant parce que quitte à faire du Macross autant en faire qui se rapproche le plus de la série original et savez vous comment on peut faire ça ? On fait des références ? On reprend une intrigue similaire ? Des thèmes similaire ? Et biens à la Gainax ils ont fait mieux que ça, ils ont embauchés Haruhiko Mikimoto qui n'est rien d'autre que le Character-Designer de Macross, la classe absolue ! C'est d'ailleurs pour ça que les filles et les "aliens" font très Macross sans oublier que le Gunbuster est un mécha qui peut se détacher en vaisseau ce qui fait penser aux transformations des valkyries dans Macross.   C'est cool de voir du Macross à la Gainax mais Gunbuster c'est aussi une autre étrange mélange, une autre série à aussi servi de base au concept de cette animé, il s'agit de Ace o Nerae! (Jeu,Set et Match chez nous) un Shojo très populaire au Japon et qui parlera au plus anciens d'entre nous (Le JDG en parle d'ailleurs). A ce moment vous vous dite : "Pourquoi s'inspiré d'un Shojo sportif ?" Pour faire simple, Hideaki Anno a été rapidement influencé par le Shojo (ce qui se verra plus tard dans Evangelion avec les inspiration de Sailor Moon) par une amie d'enfance, une certaine Ritsuko....ce prénom parlera aux fans mais on est là pour du Gunbuster. J'expliquais donc que le réalisateur avait été inspiré par Jeu,Set et Match mais dans le cadre de Gunbuster, il s'agit plutôt d'une parodie, pour ceux qui ne l'ont jamais vu on y voit des mécha faire des pompes......ça veut un peu tout dire !   Pour terminer les influences de Gunbuster, on notera également que le studio s'est inspiré d'un film culte des années 80, si je vous dit Berlin ? Avions ? Tom Cruse ? Il y a des chances que vous me répondez Top Gun et c'est effectivement le cas. D'ailleurs la subtilité du titre original de l'œuvre : Gunbuster Top wo nerae ! Est en réalité un croisement entre les noms de Top Gun et Ace o Nerae! J'aime bien ce genre de détails.
Donc résumons, Gunbuster est un mélange entre Macross, Top Gun et Jeu,Set et Match le tout par les gens qui ferons plus tard Evangelion, si cela ne vous donne pas envie de le regarder, d'autant qu'un certain Cristhopher Nolan s'en est inspiré pour faire son film Interstellar notamment pour un sujet précit mais j' reviendrai plus tard.   Si cette étrange combinaison à permis à Gunbuster de ce démarquer de ces concurrents, il reste cependant connu pour autre chose, il y a d'abord la Gainax Pose qui consiste à reprendre une pose précit de Noriko dans l'animé mais qui est tellement badasse que d'autres production y feront référence. Sinon, il y a aussi (et surtout) un autre élément dont j'en avais également déjà parlé dans le passé mais Gunbuster est le premier animé à créer un type de fan-service, le Gainax-Bounce ! Si vous ne savez pas ce qu'est le Gainax-Bounce, sachez que les images parle mieux que les mots.   La très célèbre Gainax Pose inventé par Noriko en personne !   Pour les quelques-uns qui auraient un doute concernant la définition exacte du Gainax-Bounce il s'agit tout simplement d'une animation réaliste de la poitrine, ce qui fait une bonne transition avec l'animation général de l'animé. Pour 1988 c'est magnifique, ça n'a pas vieillit d'un pouce, les combats sont superbement bien animé, comme j'aime bien le dire c'est propre ! Regardons un court extrait pour vous donner une très vague aperçu de la qualité de l'animation :     Et on n'oublie pas de gueuler le nom de l'attaque pour être encore plus stylé !   Vous aurez également remarqué que la mise en scène est très "Gainax" c'est à dire gigantesque, incroyable, on en fait des caisses et ça rend le tout épique. Cependant Gunbuster joue sur deux bord, d'abord le gigantesque comme je viens de le dire mais également le réalisme de la série.   En effet, Gunbuster comporte pas mal de terme scientifique concernant en particulier le domaine spatiale comme les trous noirs ou la Dilatation du temps (en gros le temps passe plus vite dans l'espace que sur Terre, élément qui sera repris pour le film Interstellar). Ce dernier point va prendre beaucoup de place dans l'intrigue vu que cela va affecté les personnages.   Ce qui m'amène à l'intrigue qui était plutôt complexe pour l'époque, perso il n'est pas si compliqué que ça, on est loin de terme ultra complexe à coup d'AT Field ou de Moteur S². On y suit l'initiation de Noriko dans un monde froid et glacial qu'est l'espace mais elle devra affronter les préjugés de sa sélection pour aller dans l'espace, les filles jalouses et un poil à cran et bien sûr les aliens qui ne ressemble à rien et qui tue tout ce qui voit parce que.....parce que ce sont des aliens.   Alors oui l'intrigue au début est assez décomplexé avec des mécha qui font du sport ou le fait que la narration est assez classique avec un coach qui va amener Noriko à repousser ses limites, bref il manque plus que la chanson Push it to the limit est on est dans l'ambiance. Mais comme je l'ai dit cela ne va pas durer puisque dès le second épisode on va comprendre qu' Hideaki Anno va parler d'un sujet qu'il aime beaucoup : Les Traumatismes lié à la perte d'un être cher ! Ajoutez à cela les morts lié au batailles, la menace incompréhensible de ces aliens et le manque de confiance de Noriko pour vous rendre compte qu'on ne rigole plus comme le premier épisode. Je tiens quand même à précisez qu'on est loin d'un Evangelion avec ces héros à la limite de perdre les pédales (si ça rassure certains de mes lecteurs).   L'ost de Gunbuster est typiquement dans l'ambiance de l'animé, c'est à dire de l'épique et de la pop 80 mais également beaucoup de mélodie mélancolique. On le doit à Kōhei Tanaka qui est connu pour son travail sur One Piece mais également les jeux vidéo Sakura Wars et Alundra ! Écoutons quelques extraits :   - Thème du Gunbuster   -Thème de Noriko   -Thème de combat   Peut-être serais vous d'accord avec moi mais je trouve qu'il est assez proche d'Evangelion dans son OST ou plutôt qu'il y a pas mal de similitude.   On retrouve rapidement l'écriture d'Hideaki Anno concernant la souffrance de ces personnages.        I need to walk on the wire just to catch my breath, I don't know how or where but I'm goin' it's all that I have left   Je ne vais pas vous mentir mais j'ai pas vraiment de défaut à reprocher à Gunbuster mais je vais toute de même chipoter sur quelques détails. D'abord, la série est court, très court puisqu'elle ne possède que 6 épisodes et implique forcément des défauts comme un manque de développement concernant l'univers. Bien sûr pour ceux qui ont vu Gunbuster ce n'est pas si grave dans ce cas là puisque l'intrigue est très codifié dans le genre Mécha mais quelques questions reste en suspens. Je pense en faite à Kazumi Amano concernant sa volonté d'être pilote, la question que je me pose est pourquoi est-elle pilote ? Parce que pour Noriko c'est très claire mais pour Amano ,bah on ne sais pas ! Je pourrait dire de même pour Jung Freud, une jeune pilote de l'URSS en 2023 dont on ne sais pas grand chose non plus....attendez l'URSS ? Je croyais que c'était la Russie.....   C'est un petit dommage que l'animé ne prend pas son temps pour développer un peu le contexte, c'est aussi le bémol des séries courte que de devoir être rapide dans son intrigue mais il faut comprendre qu'au vu des circonstances du studio il était impossible pour eux de faire quelque chose d'aussi complexe. Ils ont tout misé sur la mise en scène et l'animation est le pari à marché au détriment d'un approfondissement de l'univers mais cela reste assez appréciable pour ne pas être perdu dans l'intrigue.   Il faut savoir que suite au succès de Gunbuster il connut une version cinématographique....en 2006. Pour être très franc si j'avais aucun reproche à dire sur la série original, ce n'est pas le cas du film. On retrouve toujours le même problème dans ce genre de production puisqu'il s'agit d'une simple transposition de la série au cinéma mis bout à bout....ou presque.   Parce que quitte à faire un film de ce type autant mettre l'intégralité de la série dans le film d'autant que Gunbuster ne dure que 2 H à tout casser mais non, le film dure 1H30 et ce permet même de virer un personnage (adieu Jung Freud) ou encore de charcuter le scénario, souhaitons la bienvenue à des scènes hors-contexte que si tu n'a pas vu la série tu ne comprend pas....alors qu'elle est l'intérêt de regarder le film ? Aucun !   Sauriez vous reconnaitre les petites références dans ces deux images ?   Concernant mon avis par rapport à Gunbuster, je dois bien admettre que je ne l'ai pas autant apprécié que je le voudrai. C'est assez étrange comme sensation puisque je considère que je l'ai bien aimé voire même que c'est un classique qu'il faut voir mais j'ai mis beaucoup de temps à le regarder alors qu'il est très court (la sortie du dernier film Evangelion a peut-être aussi joué sur ce visionnage tardif ). Il faut dire aussi que Gunbuster est dans son délire et qu'on est encore loin d'un Evangelion ou d'un Nadia qui sont deux projets bien plus ambitieux. Je ne dit pas que Gunbuster n'est pas ambitieux mais je vous rappelle une fois encore que la Gainax était dans la dèche et qu'il fallait remplir les caisses.   Cependant, Gunbuster a permis à Hideaki Anno de créer de A à Z un univers et d'écrire comme bon lui semble comme Le Chateau de Cagliostro pour Hayao Miyazaki. On y voit les prémisses d'Evangelion (décès d'un proche, coopération avec un équipier pour s'en sortir, l'initiation dans un monde terrifiant etc....) mais il sait être avant tout divertissant et c'est tout ce que l'on demande d'un animé.   Pour finir rapidement, sachez qu'il existe des sortes de mini-série dans la série qui s'appelle Gunbuster Science Lessons. Cette mini-série composé de 4 épisodes sur les VHS originaux se verront ajouté de deux épisode en 1994 lors d'une réédition. Ces épisodes dure à peine deux minutes et servent surtout à expliquer aux spectateurs quelques notions lié à l'espace ainsi que des théories scientifiques, on retrouve toujours cette volonté de "réalisme" mélangé aux spectaculaires, sauf qu'ici c'est plus un cour qu'autre-chose. Mention spéciale à l'épisode 06 qui parlent du système solaire et évidemment on ne s'est pas privé pour faire une référence à.....et bien regardez pour le savoir !   Les plus grands connaisseurs auront remarqué la présence de la planète Nemesis qui est un autre clin-d'œil à ce même animé.   petite anecdote d'ailleurs, Noriko explique qu'elle n'a pas eu le temps de faire les autres cosplay mais en réalité en 1994 on n'était qu'à la deuxième saison, les autres guerrières n'existaient pas encore !
  Certains personnages auraient vraiment mérité un plus grand développement....c'est moi ou Jung ressemble à Meryl et Le coach à Miller dans Metal Gear Solid ?        Turning and returning to some secret place inside, Watchin' in slow motion as you turn my way and say: Take my breath away ! (Conclusion)   Alors faut-il consacré deux petites heures pour regarder Gunbuster ? Je crois que cela parait assez évident comme réponse : Bien sûr que oui ! L' avantage est que cette série est parfaite pour se lancer dans le monde des Mécha, regarder un animé des années 80 et découvrir le style Gainax !  C'est un classique un peu oublié sauf pour les fanas de gros robot que je vous recommande mais qui est pas évident à trouver, en effet la série originale n'a pas été réédité depuis un petit moment et on le trouve rarement à un bon prix (c'était encore pire il y a 3 ans de cela !), par contre vous pouvez toujours trouver la version du film mais bon malgré tout ce que j'ai dit sur ce film ça reste toujours un moyen de découvrir Gunbuster, on fait avec ce qu'on a !   En tout cas, Gunbuster est un très bon animé qui a bien vieillit alors si vous voulez regardez un animé épique avec ces personnages haut en couleur digne d'un Gurren Lagann alors vous savez ce qui reste à faire 😉 Ce billet fut relativement assez court mais c'est pour préparer celui du mois prochain qui sera plutôt long (voire en 2 partie) car on va finir une série qui dure et dure....je crois en avoir trop dit.   N'oubliez pas de jeter un rapide coup d'œil sur mon avis du dernier film Evangelion 3.0 + 1.0 (et oui il est enfin sorti)  Sur ce bon fin de vacance !   Allez faite moi bruler vos boulons !
 

DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

Loup Solitaire- Steam

Monument dans le petit monde des LDVELH, il était logique qu’un jour une aventure du Loup Solitaire se faire un chemin dans le format vidéoludique, ce dernier ayant déjà accueilli des adaptations de livre-jeux existants (comme l’excellente adaptation de Sorcellerie! par Inkle) ou des œuvres originales, à la qualité variable (tel An assassin in Orlandes). Produite lorsque le regretté Joe Dever était encore de ce monde, cette version Steam d’une aventure inédite peut donc avoir de quoi attirer la curiosité des fans et, pourquoi pas, achalander des personnes ne connaissant pas l’univers en question. Et s’il y a des efforts méritoires pour nous offrir des tribulations montrant leurs racines dans le genre papier, il serait malavisé d’ignorer les défauts qui guettent le soft comme autant de Gloks pernicieux… Partons en expédition pour découvrir ce qu’il en est précisément, ami Lecteur : prenez un havresac taille XXL rempli de potions et de munitions, le chemin sera périlleux !    Les déplacements « principaux » se font sur diverses cartes, qui ajoutent un degré d’immersion bienvenue.   De neige et de cendres   Pour ceux ne connaissant point l’univers de Loup Solitaire, le jeu vous expose un récapitulatif suffisant : vous êtes le personnage éponyme, dernier survivant d’un ordre de guerriers possédants des dons surnaturels, les autres seigneurs Kaï ayant été tué par les Maîtres des Ténèbres. Après avoir récupéré la seule arme capable de tuer un tel être – la Sommerswerd – et réglé son compte à un traître dans le grand nord, le roi vous a accordé un Novicomté. Être propulsé dans les rangs de la noblesse, c’est bien, mais il faut évidemment aussi administrer son fief. Or, plus aucune nouvelle n’est parvenue depuis Rockstarn depuis un moment, aussi VOUS décidez d’aller enquêter, en avance des troupes royales alertées. Cela ressemble quelque peu au pitch du quatrième volume du premier cycle et sans surprises, lorsque vous arrivez à Rockstarn, c’est la désolation : bâtiments en ruines, bâtisses pillées, cadavres dans tous les sens, Gloks (d’affreuses créatures goblinoïdes) errant dans tous les coins. Vous trouvez rapidement Léandra, une survivante et fille d’un inventeur local, apprenant alors qu’un seigneur de guerre a attaqué la ville pour son minerai rare, le bronin, ainsi qu’un prototype mystérieux qui pourrait conférer aux Maitres des Ténèbres un avantage militaire effroyable… Votre mission est alors aussi simple que claire : empêcher qu’une telle chose se réalise et sauver ce qui reste des habitants de Rockstarn, secondé en cela par l’impétueuse Léandra. Ce qui sera loin d’être une mince affaire et on retrouve bien là l’habitude du dernier des Kaï à se re trouver empêtré dans des situations désastreuses ! L’histoire n’est pas la plus palpitante écrite par Dever, contenant néanmoins quelques rebondissements et moults opportunités pour notre héros de montrer sa vaillance. Elle est composée de quatre actes, chacun divisé en plusieurs chapitres, impulsant un rythme bienvenu et une durée de vie tout à fait honorable (une solide dizaine d’heures) même si, version numérique oblige, une bonne partie de ce temps ne sera pas dédié à la lecture- j’y reviendrai.   Si, malgré son nom, notre Novicomte a l’habitude dans ses aventures d’avoir une compagnie plus ou moins éphémère, cette version Steam tranche avec le reste par la présence marquée de Léandra, dont l’aide sera essentielle pour venir à bout de certains obstacles rencontrés. Cela invite à plus de dialogues – ce qui est rarement une mauvaise chose dans l’univers LDVELH, où cet élément manque parfois cruellement – tout en portant un vice inhérent, à savoir… La personnalité même de Léandra ! On pourra se réjouir de son intelligence, de sa langue bien pendue et son adresse avec une arbalète, tout en pestant contre sa propension à ignorer encore et encore vos paroles de prudence élémentaire, se jetant plus d’une fois et fort inutilement dans des situations dangereuses. Même si elle peut s’adoucir au fur et à mesure de l’aventure, sa défiance vis-à-vis de Loup Solitaire, qui affronte pourtant des épreuves que même un Seigneur Kaï confirmé pourrait avoir du mal à endurer, ainsi que ce comportement suicidaire, pourront quelque peu lasser, surtout qu’une bonne partie du désastre est de sa faute… Je ne m’étendrai même pas sur la possibilité de pseudo-romance qui se déclare inopinément quelques minutes avant la confrontation finale, à la fois malvenue et pas du tout dans le caractère de Loup Solitaire. Lequel, sans que vous ayez vraiment le choix, n’arrêtera cependant pas de devoir abandonner des personnes qu’il est supposé protéger ! Bref, si l’on retrouve sans peine l’ambiance propre à la saga et une structure assez familière, tout en ajoutant une pincée d’éléments intriguant (notamment dans les ruines Majdar) l’histoire proposée ne sera pas forcément un puissant moteur pour vous inciter à y revenir ; en tant qu’aventure se passant dans un cadre déjà établi qu’elle ne peut changer, cela demeure décent.   A défaut de paragraphes, lorsque vous aurez plusieurs options, une roue de choix sera affichée- comportant aussi bien des décisions « génériques » (approche prudente, directe, agile…) que l’utilisation d’une Discipline.   Pour le Sommerlund et pour le Kaï !   Votre aventure débutera avec une création de personnage où l’on vous demandera quel est le style de votre Loup Solitaire, ce qui influencera vos statistiques de départ : Force (qui influe sur les dégâts et la vitalité), Intelligence (déterminant votre jauge de pouvoir Kaï et l’efficacité de vos disciplines au combat) et Agilité (liée à vos chances de frapper, d’esquiver les coups ennemis et d’infliger des dégâts critiques ; elle détermine aussi votre endurance). On vous demandera également de choisir quatre Disciplines Kaï parmi huit, même si à l’usage certaines sont clairement moins utiles que d’autres. Fort étonnamment, là où la Guérison est essentielle dans les livres, ici, elle a extrêmement peu d’usages en-dehors des affrontements. Votre méditation (qui permet de régénérer votre vitalité, votre endurance et votre pouvoir Kaï au risque, selon les lieux, d’être attaqué par des ennemis) est suffisamment efficace sans avoir besoin d’être améliorée par la Guérison. En combat, la possibilité de régénérer entièrement votre vitalité et votre endurance est alléchante, mais d’une part, vous aurez un stock bien assez généreux de potions de soins, d’autre part, la Discipline de la Survie (l’équivalent de l’Art de la Chasse) vous permet de transformer vos attaques en drain de vie pour vous régénérer pendant un court moment, ce qui remplit le même office… Tout en vous offrant de nombreuses opportunités d’échapper à des occurrences néfastes ou de commencer certains combats de manière avantageuse ! Le Sixième Sens fait également figure de parent pauvre. Cette itération vidéoludique vous offre amplement l’opportunité de revenir sur vos pas et d’explorer, vous aurez assez peu l’opportunité d’utiliser cette Discipline. En combat, le Sixième Sens vous permet de savoir quand un ennemi va attaquer, information dont vous pouvez finalement tout à fait vous passer. Enfin, cette Discipline permet de savoir exactement comment résoudre la dizaine de puzzles avec le Cube Majdar.   Le cube en question, qu’il faut manipuler afin de le faire correspondre à la forme de la serrure. Prenez trop longtemps et il explose !   Ce qui enlève tout le challenge… Et si comme moi, ami Lecteur, vos aptitudes spatiales laissent fortement à désirer, vous pourrez tout aussi bien laisser le cube se mettre en surcharge, vous blessant mais se configurant ensuite pour correspondre à la serrure. Les objets de soin et les possibilités de méditation sont suffisamment nombreusx pour le permettre, ce qui au final, est à mettre au crédit du jeu, plusieurs de ces puzzles étant obligatoires. Le reste des disciplines est un peu plus probant, même s’il est quelque peu étrange que la communication animale, d’un usage modéré en-dehors des affrontements, permette d’invoquer littéralement un loup durant ces derniers ! Personnellement, la combinaison Maîtrise des Armes/Camouflage/Puissance Psychique (qui englobe ici aussi le Bouclier Psychique)/Survie a très bien fonctionné en difficulté Normale.   Là où dans les livre-jeux la gestion de votre inventaire doit être soigneuse car il est assez limité, ici, vous récolterez beaucoup d’objets. Repas pour se soigner à n’importe quel moment en-dehors des combats, potions pouvant régénérer une jauge précise, bombes incendiaires, armes, couteaux, carreaux d’arbalètes, anneaux, colliers et, c’est un point original, des matériaux de craft ! Arme, armure, sac, bouclier, étui à couteaux, arbalète, tous ces éléments peuvent être améliorés jusqu’à trois fois chacun. Malgré le côté quelque peu urgent de la situation et le fait qu’en tant que Novicomte vous auriez tout à fait la possibilité de régler vos dettes après avoir réglé le léger problème d’une invasion des forces de Naar, vous devrez également débourser moult pièces d’or pour vos achats et améliorations. Baste, cela procure un plaisant sentiment de montée en puissance de votre équipement et rentabilise les (bien trop) nombreux combats, tout en ajoutant un aspect de gestion des ressources. Et vu l’opposition, améliorer votre attirail et utiliser des pièces d’équipement supérieures ne sera pas optionnel pour rester au niveau, tout l’équipement (à l’exception du sac) conférant des bonis à vos statistiques. Attendez-vous donc à des allers-retours vers les marchands, qui vous proposeront aussi de vous reposer contre une modeste somme, ce qui sera plus d’une fois un signalé service.     Le jeu comportera quelques illustrations, légèrement animées, du plus bel effet.   Une lame d’espoir au milieu des ténèbres   Votre progression sera guidée par un journal qui se mettra à jour au fur et à mesure des objectifs que vous devrez réaliser, même si vous n’en aurez certainement pas besoin pour garder le nord narratif en vue. S’il existe ainsi quelques zones et quêtes secondaires (comme retourner sur ses pas dans les tunnels Majdars, équipé d’une carte de l’ennemi indiquant des caches secrètes- rien de terriblement excitant, pas même les récompenses associées) les variations viendront majoritairement dans votre manière d’approcher une situation, plutôt que dans le chemin suivi. Les embranchements définitifs (opter pour un chemin qui condamnera la possibilité d’en prendre un autre) sont très peu présents, à l’exception notable d’un choix binaire dans la Forêt Engloutie : passer à l’ouest sur une voie lourdement gardée par vos ennemis, ou prendre un détour plus court sur un pont verrouillé par une porte Majdar. L’important est qu’on puisse très raisonnablement façonner le style de notre Loup Solitaire dans sa lutte contre les forces de Naar via des décisions qui, outre leur caractère narratif et leur impact direct sur la résolution d’un obstacle – par exemple utiliser votre Puissance Psychique pour déstabiliser un groupe d’adversaires avant de lancer l’assaut – joueront également un rôle sur l’évolution des stats de votre personnage. En effet, à chaque fin de chapitre (qui s’accompagne le plus souvent d’un combat plus ardu que les autres) vous gagnez un niveau et selon vos choix, vos scores de vitalité, d’endurance et de Kaï augmenteront plus ou moins, tandis que la montée en niveau aura l’heureux effet de vous régénérer entièrement. Cela comprend également en compte des décisions que le jeu veut vous vendre comme plus importantes, représentées par des dés violets. La première d’entre elle vous confronte à un survivant prisonnier des geôles de Rockstarn : s’il avoue être un voleur, il dément avoir effectué le meurtre pour lequel il a été incarcéré. Allez-vous le laissez dans sa cellule ou lui donner une chance de survie en le libérant ? Mis à part la dimension morale, la seule différence sera que si vous ne le libérez pas, vous n’obtiendrez pas son anneau, mais une paire de villageois vous en offrira un différent en sachant que vous l’avez laissé croupir ici ! L’impact est donc assez dérisoire et parfois, cela tiendra même du non-choix. Vous n’aurez ainsi aucun bénéfice à ne pas libérer un antique esprit Majdar, lequel, au contraire, ne sera que trop heureux de vous aider contre un puissant ennemi dans le secteur. Si l’aventure est agréable à vivre (ne serait-ce que par la qualité des descriptions) et que l’on se sent raisonnablement impliqué, le potentiel de rejouabilité n’est pas forcément excellent. La perspective de revivre la dernière partie peut notamment n’être pas enchanteresse : les obstacles ont déjà été nombreux et le jeu rajoute artificiellement une section où vous êtes capturé, alors que le chef ennemi avait toutes les raisons du monde de vous occire séance tenante. En marge, notez que vous aurez des QTE à accomplir (parfois) pour certains choix et l’utilisation de vos Disciplines en-dehors des combats, histoire, on peut le supposer, d’investir un peu plus le joueur, lui faire sentir que ceci est plus qu’un livre-jeu : une mécanique devenant répétitive et n’apportant au final pas grand-chose. Le mini-jeu de crochetage reste aussi assez anecdotique, comme dans Skyrim, vous pourrez pester devant vos crochets qui se brisent trop facilement, à moins que vous ne vous teniez le menton de façon perplexe en vous imaginant difficilement Loup Solitaire pratiquer une telle activité, assez peu dans ses cordes. Dans les faits, si le mini-jeu vous rebute, vous pourrez utiliser la manière forte, avec ou sans la Science des Armes- au risque néanmoins de briser une partie du contenu. Ce qui serait dommage, car pour être à la page face à vos ennemis, il sera judicieux de récolter autant de ressources que possible…     Les efforts pour faire correspondre les environnements des combats au lieu où vous vous trouvez n’empêcheront pas une certaine lassitude de s’installer.   A bras vaillant, rien d’impossible   Ce qui nous amène donc à un élément important du gameplay : les combats. Foin ici de dés, de table de hasard ou autres accessoires de ce genre. Les affrontements sont faits de successions de phases où Loup Solitaire peut agir (la barre jaune qui diminue) et de phases où il reprend son souffle, à la merci de ses adversaires. La clé de la réussite est donc de gérer soigneusement vos actions pendant votre « tour » et d’utiliser des actions défensives lorsque c’est impérieux pour préparer le « tour » ennemi, notamment vous mettre en garde avec votre bouclier, ce qui vous permettra, en réussissant un QTE, de parer un coup ou d’esquiver totalement. Pendant votre tour, vous avez 5 types d’action possible, chacune incluant un délai avant une nouvelle utilisation :   -          Attaquer avec votre arme/bouclier. Des études indéniables prouvent que cela reste encore la meilleure méthode pour tuer un ennemi. Au début de l’aventure, on vous aura demandé de choisir une arme parmi trois : épée, hache ou masse (peut-être auriez-vous adoré comme moi, ami Lecteur, de voir Loup Solitaire humilier les séides des ténèbres avec un simple bâton, mais on peut comprend que cette arme ne soit point proposée), chacune pouvant être utilisée plus ou moins rapidement et avec des dégâts différents. Dans l’absolu, notre Novicomte peut utiliser les trois, notez néanmoins qu’utiliser un seul type d’arme vous permettra de la maîtriser et d’améliorer vos techniques, la frappe lourde de la masse devenant ainsi susceptible d’assommer le tas de viande infortuné qui se reçoit le coup. Chacune des trois techniques de votre arme a un coût en endurance (laquelle se régénère pendant votre phase de récupération) a plus ou moins de chance d’être parée/évitée par l’ennemi. Sans surprise, une attaque rapide sera plus précise et moins puissante qu’une frappe lourde. Votre bouclier, outre la posture défensive qui sera essentielle à la survie plus d’une fois, peut également être utilisé pour assommer un antagoniste (tout aussi utile) ou pour faire saigner, infligeant des dommages sur la durée.   -          Dégainer le Glaive de Sommer. L’arme sacrée a posé des soucis d’équilibrage à Dever dans les livre-jeux, ici, il ne sera aucunement fair-play de la laisser au fourreau : vous en aurez grand besoin ! La technique de base est une vague d’énergie contre un seul ennemi, vous obtiendrez par la suite deux autres techniques touchant tous les ennemis. Toutes ont en commun le fait d’annuler le bonus d’armure adverse, c’est donc un coup d’ouverture judicieux, valant bien la dépense en pouvoir Kaï. Par ailleurs, vous regagnez du pouvoir Kaï à chaque fois que vous tuez un ennemi, encore plus si vous réalisez un finishing move avec un QTE. Le délai de réutilisation du Glaive est fort long, il est bien improbable que vous l’utilisiez plus d’une fois dans une bataille.   -          Utiliser une Discipline. Une seule fois à chacun de vos « tours », cependant elles feront régulièrement la différence. La Science des Armes vous permet par exemple d’attaquer à votre arme sans dépenser d’endurance pendant un tour, tandis que le Camouflage vous assure de toucher votre ennemi, augmente votre taux de coups critiques et vous permet d’esquiver pendant un court laps de temps.   -          Faire usage de votre arme tertiaire. Couteaux ou arbalète rétractable, soyons honnête néanmoins : en plus de vous faire passer pour Waylander, l’arbalète est plus efficace que les couteaux et remplacera avantageusement ces derniers après le premier acte. Difficile d’argumenter face à des carreaux empoisonnés et explosifs, en plus des carreaux normaux ! Cette arme ne coûte rien en endurance et peut donner l’impression d’être de la sorcellerie comme notre héros peut enchaîner les actions dans un laps de temps très court ; pour autant, ces dommages pourront aisément faire la différence pour achever un ennemi ou réduire sa santé sur la durée.   -          Utiliser un objet. Plus d’une fois, la survie du Magnamund sera assurée par la capacité de Loup Solitaire à boire moult potions !   Nous avons donc là un système de combat assez complet (en notant également la présence de statuts négatifs) qui, avec l’adjonction d’un système d’amélioration d’équipement, nourrit fort bien le gameplay… Quitte à être bourratif. Loup Solitaire pensera en effet à un moment que le dieu Kaï devait être avec lui pour lui permettre d’abattre autant d’ennemis, présence divine ou pas, le constat est clair : les combats sont simplement trop nombreux, une quantité telle qu’elle pourrait facilement remplir trois livre-jeux. Difficile de ne pas ressentir alors une certaine lassitude lorsque la confrontation est le mot d’ordre même lorsque vous essayez de vous faire discret, les types d’ennemis devenant routiniers, comme les affrontements eux-mêmes à la longue. Une fois que vous avez compris quelle était la meilleure méthode, il y aura assez peu de variations à mettre en place ; les combats de boss pourront s’avérer plus aisés que des batailles « normales » mais fournies en ennemis- vous ne savez d’ailleurs jamais trop combien de renforts vont apparaître. Ce côté « abondance » nuit également du fait que le jeu vous oppose à beaucoup trop de Gourgaz et de Vordak, des ennemis censément formidables que vous finirez par broyer. C’est d’ailleurs assez désolant de pouvoir rencontrer de tels adversaires lors de batailles aléatoires… Car oui, en plus des multiples combats obligatoires, cette mécanique est également en place, ce qui pour le coup est réellement superfétatoire. Un côté frustration s’ajoutera à certaines instances belliqueuses, lorsque vous ne comprenez pas trop pourquoi l’ennemi a l’avantage, ou bien en raison d’un pattern d’attaque laissant perplexe. L’exemple typique est un Gourgaz qui martèle le sol, vous infligeant de lourdes blessures tout en vous assommant, vous laissant vulnérable à son prochain assaut durant lequel vous allez piteusement décéder. On comprend alors d’autant plus la nécessité de mettre le paquet durant le premier « tour » de Loup Solitaire… Pour toutes ces raisons, on pourra raisonnablement ne pas désirer se frotter au mode Difficile, la difficulté normale paraissant bien suffisante dans ce contexte.   Quant au final de l’aventure, il sera expédié de manière assez rapide… Et il est dommage que cette aventure, s’insérant dans une série nous habituant à des voyages lointains, se déroule en quelque sorte dans « l’arrière-cour » du fief de Loup Solitaire, un territoire où se dresse une forteresse manifestement maléfique sans que cela ait inquiété les gens !   « Loup Solitaire sur le sentier de la guerre »   Aspects négatifs -          Un pitch convenu -          Plusieurs Disciplines en-deçà des autres -          Le comportement stupidement téméraire de Léandra -          Dernière partie longuette -          Hacher du servant de Naar à longueur de temps -          Quelques moments de remplissage   Aspects positifs -          Chouettes illustrations -          Système d’amélioration d’équipement -          L’utilisation des Disciplines -          Bonne durée de vie -          Véritable mise à l’épreuve du héros -          Un système de combats avec de bonnes intentions     Pour ceux ne connaissant pas les LDVELH en général et la saga en particulier, cette aventure inédite sur Steam ne représentera pas forcément la meilleure des introductions, par trop axée sur l’aspect martial, délaissant le côté voyage et avec quelques instances ne correspondant pas nécessairement au caractère de Loup Solitaire. Les fans y trouveront là de quoi retourner un brin en Magnamund, sans forcément en retirer de quoi vouloir vivre plusieurs fois cette expérience, laquelle demeure un effort méritoire en la matière.

Aronaar

Aronaar

Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time [Avis]

Il aura fallut pas moins de 15 ans pour Hideaki Anno pour donner à sa licence fétiche Neon Genesis Evangelion une nouvelle vision ,une nouvelle peau, un remake ! C'est hier soir que c'est achevé une longue attente pour les fans (presque 10 ans !) sur la plateforme Amazon Prime Vidéo, j'ignore le succès de ce dernier film à l'heure où j'écris ces lignes mais c'est loin d'être ma préoccupation première. Pour ceux qui ont l'habitude de me lire et qui savent que trop bien l'affection particulière que j'ai pour Evangelion vous vous êtes peut-être demandé si j'allais traité ce film, la réponse n'en n'était que trop évident, cependant cela ne sera pas une critique habituelle mais un simple avis sur le vif, un regard sur l'instant après à peine quelques heures son visionnage. Pourquoi un tel choix ? Pour différentes raisons, d'abord éviter l'erreur d'Alita Battle Angel écrit aussi sur l'instant et pas digne de mes autres billets; Le second choix est que ce Evangelion aura droit à un billet digne de ce nom mais pas tout de suite, il me faut digérer, disséquer la bête et cela prendra le temps qu'il faudra mais il était hors de question que je n'en parle pas alors un simple avis était le bon choix. Assez niaiser répondons enfin à cette question qu'on a tous sur les lèvres : Alors, Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time est-il bien ? C'est ce que l'on va voir.....     Une des affiches du Film            Avant de dire quoi que ce soit.....   Il est bon de rappeler le but de ce billet, je pense que vous aurez compris le pourquoi du comment mais quelques détails sont à précisez :   1/ Ce qui va suivre est mon avis et n'est pas source de vérité, si votre avis est différent n'hésitez pas à donner votre vision des choses, ce billet est fait pour ça. 2/ Je ne serai pas totalement objectif, le fan-boy de la franchise va parler plus que le DrunkenPenpen habituel....quoi que ça a toujours été le cas, non ? 3/ Je vais Spoiler c'est évident mais rassurez-vous tout sera caché par l'onglet prévu à cette effet, alors si vous compter regarder le film, jouer le jeu ne lissez pas les spoils, ça vaut le coup croyez-moi. 4/ Mon avis n'est pas définitif, avec le temps je verrai ce film autrement donc rassurez-vous le futur billet de ce film ne sera pas une simple copie de cet avis. 5/ Ce billet ne sera pas aussi exhaustif qu'à l'accoutumé, normal c'est un avis sur l'instant donc n'ayez pas trop d'attente sur les détails de production ou autre. 6/ La lecture de mon billet sur Evangelion 3.33 sera probablement nécessaire car je ne vais pas m'attarder à résumé les anciens films (j'en ai déjà parlé).   Bonne Lecture mes Pingouins !             Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time c'est quoi ?   Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time, alias Evangelion 4.0, alias Evangelion Final (j'utiliserai ce dernier pour une raison évident de longueur) est un film d'Hideaki Anno 'créateur de la série originale), Kazuya Tsurumaki (co-réalisateur depuis la série originale), Katsuichi Nakayama (animateur clé de la série originale) et Mahiro Maeda (Le mec derrière le design des Anges de la série originale).   Il s'agit du film qui conclut la quadrilogie Rebuild of Evangelion qui est un projet de remake en chantier depuis 2006. La question qui vous viens à l'esprit est probablement pourquoi ce dernier film à mis autant de temps ? La réponse est Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo. Le rapport ? Et bien Hideaki Anno en a été très affecté par ce film au point qu'il a faillit prendre sa retraite à cause de ce film ! Ce film était trop personnelle et il s'est épuisé à le faire d'autant que la critique était assez mitigé à l'époque.   Il faut dire que ce troisième film à fait le curieux choix d'être un reboot en plein milieu du remake, d'où le bordel sans nom qu'a été ce projet. C'est Hayao Miyazaki qui redonna la motivation au bonhomme (Le vent se lève a été fait avec Anno) puis le film Shin Godzilla (Godzilla Resurgence) qui motiva Anno de terminer ce qu'il devait être achevé : Evangelion Final !   En bref, on retrouve l'équipe originale sur ce projet mais c'est pas ça qui vous interresse n'est-ce pas ?     Le film envoi de la pâtée en matière de mise en scène !               Ça raconte quoi Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time ?   Le film commence par un résumé rapide des anciens films en.....3 minutes chrono, ouais résumé c'est vraiment pas ton point fort Anno 😅 Sinon on reprend là où le troisième film nous a quitté, Shinji est devenu une sorte de légume suite à son histoire avec Kaworu et est raccompagné par Rei et Asuka dans le désert rouge. Ils finissent par rejoindre le point d'extraction qu'Asuka avait demandé et......je n'irais pas plus loin parce qu'il n'est pas évident de résumer sans spoiler mais sachez que des évènements vont conduire à l'affrontement finale entre l'organisation Nerv et Willie, le groupe Rebel mené par une Misato discrète et un poil vénère.              Quand The End Of Evangelion rencontre Evangelion 3.33 You can (not) Redo   Avant de répondre à la question, je tiens à précisez que le film dure 2H30 et qu'il est coupé en deux partie, une première partie dans un village où nos héros ont trouvé refuge (cette partie dure une petite heure) et une seconde partie qui concerne l'affrontement final (partie qui dure 1H30 si vous avez suivie).   D'abord, j'ai adoré cette première partie même quelques heures depuis son visionnage je trouve cette partie incroyablement réussie. L'inquiétude que l'on pourrait avoir est de voir un début mou surtout quand on a encore en tête le précédent film mais il n'en n'est rien. On va de découverte en découverte ou plutôt de révélation en révélation, et oui on nous a pas tout dit concernant le troisième impact comme le fait qu'il y a des survivants et pas n'importe qui.....     Cette partie est très bien rythmé mais aussi assez émouvant notamment vis à vis de Rei que je trouve choupi, je crois que c'est la première fois depuis son sourire exagéré dans la série originale que Rei a fondu mon cœur de pierre (de la part d'un mec qui vante le kawaiisme absolue d'Hotaru dans Sailor Moon je vous rappelle), sérieusement elle est trop mignonne....ou d'une grande naïveté puisqu'elle est devenu sacrément ingénue. Comment ça ? Et bien notre petite Rei découvre la vie, les gens, les coutumes, les expressions comme bonjour ou au revoir, le remerciement, la sociabilité.....elle est clairement l'héroïne de cette partie. Vous l'avez compris, j'ai été beaucoup touché par les expériences de Rei parce que je me suis vu en elle, d'autant que ces scènes sont touchant voire attendrissant comme la scène où elle découvre comment on nourris un bébé, Anno réussit à nous donner une douceur dans un monde apocalyptique, voire Miyazakienne (j'invente des mots). On est entre l'attendrissement et le rire mais aussi entre la joie et la tristesse, tout se mélange mais c'est très bien fait, je pense que cette partie me marquera à vie.   Pourquoi je parle de tristesse ? Disons que c'est pas la joie avec Shinji et qu'Asuka passe son temps à passer à l'engueuler tout en étant à moitié dénudée, d'ailleurs le Fan-Service est présent mais assez discret je trouve. Cependant, la scène la plus triste est celle qui conclue cette première partie.....     ....je pense qu'il s'agit largement de ma scène préféré de ce film, voire de la quadrilogie !   Cette première partie est une véritable réussite pour moi surtout grâce à Rei !     Puis viens la seconde partie....et là c'est plus difficile pour moi, je dois admettre que je suis mitigé. Pourquoi ? D'abord, parce que le réalisateur a fait des choix qui amène un certains goût amer durant quasiment tout le reste du film....  

....on se retrouve avec pas mal de retardataire voire d'absent durant un petit moment et je trouve que cela créer un étrange vide, on va aussi se concentré sur des personnages qui n'ont pas (encore) de développement, sincèrement parfois j'en avais rien à faire que tel personnage pleurniche pour tel ou tel chose. Les scènes d'action sont peu nombreux (trois dont celui d'ouverture du film) et malgré qu'ils étaient impressionant....je suis sorti mentalement du film, j'étais plutôt concentré sur le développement mis en place dans la première partie mais il y a cette coupure qui casse tout, on se retrouve avec uniquement des personnages secondaire ou qui n'ont pas eu de développement (ou très peu) pour se concentrer sur l'action, je trouve cela dommage parce qu'il manque une forme d'enjeu ou de réelle implication.   Cependant, le dernier gros quart et son combat final totalement What The Fuck relève le niveau, non franchement Anno m'a mis plus d'une fois une claque dans la tronche dans ce film mais ce dernier quart : Whoa ! D'autant que le développement MindFuck digne de la série fait son retour en force, ça fera plaisir aux fans !     D'ailleurs mention spécial à ce "truc" lors de l'affrontement final qui est creepy, malaisant et va me faire beaucoup beaucoup de cauchemar, quand j'ai vu ce "truc" je me rappelle exactement ce que j'ai dit à voix haute : "Putain" et croyez-moi que ce mot est sorti du cœur !   Pour ceux qui ne voit pas de quoi je parle :

Alors autant vous dire que j'avais cette tête quand j'ai vu ce "truc" :   Ouais j'étais pas prêt....   J'ignore si le but était de ressentir ce que shinji ressentais dans le film The End Of Evangelion et bien c'était réussie !                   Le blanc au niveau symbolique c'est un peu lourdingue, non ? Même pour des funérailles....   Je vais être très franc, je ne sais pas quoi penser de ce film, j'ai envie de dire qu'il est le film qu'on mérite depuis le temps et que sa conclusion est probablement la plus jolie des conclusions que j'ai vu dans Evangelion (je reviendrais dessus) mais en même temps il souffre de beaucoup de maladresse dans son rythme avec une première partie parfait mais une seconde partie mou malgré l'action à la Gurren Lagane et un dernier quart qui reprend les choses en main.   Parce que oui, je trouve ce film maladroit notamment en ce qui concerne certaine explication laissé dans le flou depuis plus de dix ans. Le problème est que ce film doit expliquer ce qui s'est passé entre le second film et le troisième (non parce qu'on n'a rien expliqué dans le 3.33) mais en plus entre le troisième film et le quatrième, c'est à dire qu'est-ce qui passe durant que les héros sont dans le village, c'est quoi le plan de la Nerv et de Willie par exemple, sans oublier Mari qui j'attend depuis maintenant trop longtemps ne serait-ce une explication, un développement, un truc quoi !   Il faut croire qu'Anno a lu mes billets sur Evangelion parce qu'il donne enfin des explications, même pour Mari.....du moins je crois, vous allez comprendre. Le hic est que cela ressemble plus à du rafistolage qu'autre chose (oui je suis chiant), sensation que j'ai depuis la première partie du film notamment envers certaines insinuations dans le 3.33 qui s'avère être faux. Il y a aussi des explication en ce qui concerne des révélations qui explique le lien entre le 2.22 et le 3.33....     Sans oublier tout les nouveaux termes du film que l'on nous balance au visage, sincèrement si vous me demander mon point de vue sur la deuxième partie du film, je dirai tout simplement "J'ai rien pigé"                                                                                                                                                                                DrunkenPenpen 13 Août 2021   Il faut dire que ce film ne caresse pas les fans dans le sens du poil, c'est même plutôt le contraire et je vous préviens que si vous êtes fan vous allez faire deux trois crise cardiaque....     Même si j'ai la sensation qu'Anno fait des doigts d'honneurs à ses fans, cela reste gentillet contrairement à The End Of Evangelion qui était bien plus vénère.   Donc pour résumé, le fan-boy en moi a été déçu pour des broutilles de fans mais le Penpen objectif quand à lui à beaucoup aimé ce film car il s'affranchi de la licence.....peut-être même un peu trop. Ouais parce que franchement parfois j'avais plus l'impression de regarder autre chose qu'Evangelion tellement on est dans un délire à la Macross/Space Battleship Yamato mais c'est ce qui fait son charme à la fois. Je trouve également le film un peu trop long par rapport à son rythme cassé en pleine milieu de l'intrigue.   De plus, la première partie possède des décor MAGNIFIQUE, j'étais sur le cul sur certains paysages, même la technique était impressionnant avec de la 3D bien utilisé (mais qui vieillira hélas) et j'ai même appris qu'ils ont utilisé de la Motion Capture notamment pour.....le vous saviez quoi, le "Truc".   Il s'agit probablement du plus beau film de la quadrilogie !   Pour faire une rapide analyse, je pense que ce film est un miroir qui reflète la franchise Evangelion, il y a constamment des clins d'œil subtile aux anciennes productions que ce soit dans le remake, l'original, les films des années 90 et même Nadia et Le Secret de L'eau Bleu. Des plans voire animations issue de la série originale sont réutilisés comme s'il étaient en manque de budget (clin d'œil à la situation financière de l'époque ?) mais je pense que c'est surtout par hommage parce que ce film est un hommage à Evangelion mais aussi sa mort.   Oui ce film est selon moi le dernier souffle d'un vieillard qui dit ces derniers mots à ses enfants, la fin de ce film montre clairement cette appel de tourner la page (en plus d'être une dinguerie en matière technique), c'est presque un deuil que l'on nous impose mais je pense qu'Anno dit clairement dans ce film que c'est la Fin.....la vrai fin véritable de la franchise, il n'aura plus de production pour Evangelion, c'est presque un enterrement que l'on assiste.   Evangelion redeviens ce qu'il est censé être à la base: un animé ni plus, ni moins. On assiste à la dégénérescence de la franchise, on voit les travers des décors, on nous rappelle que c'est un film : Oui c'est un brisage du quatrième mur à coup de char d'assaut. Evangelion n'est plus, il faut revenir à nos vies, à la réalité comme c'est l'homme que je suis qui écrit ces lignes et non DrunkenPenPen.   Nos héros réalisent ce qu'ils sont vraiment, le film réalise ce qu'il est réellement, Hideaki Anno réalise qui il est véritablement, j'ai réalisé qui j'étais en faite. Oui Evangelion n'est plus mais il est quelques part, dans un coin de mon coeur et dans ceux des fans aussi et c'est avec beaucoup d'émotion et de bienveillance qu'Anno nous dit :   "Evangelion c'est fini mais il demeure dans nos cœurs à tout jamais"   Je crois que c'est ce que le film veut dire et j'accepte volontiers ce destin comme celui de ces personnages.   2 exemples de plan quasi-similaire avec la série originale (et c'est très souvent le cas)                   Bonne Nuit, Bonjour, Merci, Au revoir (Conclusion....du premier round !)   J'aurais voulu dire plus de chose mais je crois avoir dit l'essentiel, Evangelion Final retournera les cerveaux et les cœurs. C'est un film particulier que je regarderai à nouveau avec plaisir et l'analyse en sera excitant, je l'ai beaucoup aimé malgré une légère déception au fond de moi mais bon vivre c'est changer comme le dit si bien Anno.   L'ai-je aimé ? Je crois que c'est une question bien plus complexe qui nécessite une réflexion plus approfondie dans un véritable billet. En tout cas, si vous êtes d'Evangelion vous vous devez de terminer ce que vous avez commencer comme son réalisateur, j'ai fait ma part du travail et c'est avec beaucoup d'émotion dans mon cœur que je vous dit à une prochaine !   J'en ai loin d'en avoir fini, croyez-moi !   Bye Bye, All Of Evangelion Et encore merci !

DrunkenPenPen

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Ys IX: Monstrum Nox

Après que la série Ys se soit davantage ouverte au public suite à l’excellent 8ème volet, l’attente du 9 était grande (du moins en ce qui me concerne). Annoncé comme plus sombre et se déroulant dans une ville, il y avait de quoi avoir des craintes mais ne boudons pas notre plaisir sur un très bon action RPG de plus. Très bon ? Disons que j’ai quelques réserves… Devenez vous aussi un Monstrum et arpentons la cité de Balduq pour mieux comprendre le souci.
  Ys VIII fut un véritable coup de cœur, je ne peux que vous renvoyer vers mon test pour savoir plus précisément tout le bien que j’en pense, mais surtout pour mieux comprendre ce qui ne va pas avec sa suite. Difficile de ne pas comparer, les deux jeux partagent le même moteur graphique, le même gameplay et sont disponibles sur globalement les mêmes machines. D’abord sorti sur PS4 en 2019 au Japon, puis 2021 chez nous, il fallu attendre quelques mois pour le voir porté sur PC et Switch. L’attente fut longue mais j’avais déjà quelques réserves. En effet, Ys a pour particularité, entre autres, de faire voyager dans une région précise un peu comme les Pokémon, donnant finalement un univers et un cachet à chaque volet. Si le VIII nous faisait parcourir les rives azurées de l’île de Seren, le IX prend place dans la cité pénitentiaire de Balduq. Aïe... ville + prison, pour une série qui mise sur l’exploration, ça semble plutôt mal parti.
Les premiers retours d’ailleurs vont à peu près tous dans le même sens : « c’est bien, mais pas autant que le VIII ». Il fallait s’y attendre, le précédent avait placé la barre tellement haut qu’hormis faire un peu mieux c’était difficile. Le souci ici, c’est qu’à peu près tout est un peu moins bien… Néanmoins pour se consoler la boite possède une fois de plus quelques cadeaux : jaquette réversible, 5 musiques à télécharger (à l’heure des OST sur YouTube ça n’a pas grand intérêt, mais ça reste mieux que 3 pauv' cartes) et un mini-artbook plutôt jolis.

Se plaçant chronologiquement après Ys Seven, Adol Christin et son ami Dogi continuent leurs voyages. C’est de retour en Gllia (l’équivalent de la France) qu’ils décident de faire une halte dans la ville de Balduq au bord de la Loire. Mauvaise idée, le royaume a été annexé à l’empire de Romun il y a 8 ans de cela et une garnison accompagnée de l’Ordre de la croix bleue (l’équivalant des Templiers) décident d’envoyer au cachot notre héros, qui soi-disant « sème le trouble » partout où il va. De fil en aiguille (ou de fourchette en cadenas) Adol parvient à s’échapper de sa cellule mais dans sa lancée il tombe face à la mystérieuse Aprilis, une sorcière qui lui jette une malédiction le transformant en Monstrum. Sous cette apparence alternative notre héros se retrouve avec de nouvelles capacités mais est condamné, avec d’autres compagnons, à rester dans Balduq. De plus ils doivent participer aux Nuits de Grimwald, sorte de dimension parallèle où pullulent des monstres appelés Larvas qui menacent la ville. Adol retrouvera en partie sa liberté, avec l’aide de Dogi et des gens rencontrés un peu partout, ils créeront un QG secret sous un bar : le Dent-de-lion. Le but sera donc de découvrir ce qu’il se trame dans la prison : pourquoi tant d’innocents sont-ils enfermés ? Qui est Aprilis ? Pourquoi la Nuit et surtout comment retirer cette malédiction ?                   Le début est des plus exaltant, mouvementé et laisse en suspens pléthore de questions. Qui ne trouveront majoritairement leurs réponses qu’à la quasi toute fin. Et oui, il faudra prendre son mal en patience, les scénaristes prennent un malin plaisir à épaissir certains mystères et avec les héros qui lâchent en continu un « hm, c’est mystérieux » s’avère un brin poussif. En définitive cela donne presque l’impression que l’intrigue pouvait tenir sur quelques pages mais pour éviter que le jeu soit trop court toutes les révélations sont retardées, donnant presque 2/3 où j’avais cette impression que l’histoire n’avançait pas. Surtout que le but de nos héros Monstrum sera toujours le même au gré des 9 chapitres : trouver une entrée dans la prison, dont les fondations semblent être un véritable gruyère, pour aller enquêter. J’ai dû louper un détail, mais pourquoi ne pas passer par le même passage ? Surtout qu’avec leurs dons spécifiques, il y a moyen d’esquiver les gardes. Bref, l’intrigue semble quelque peu cousue de fils blanc et les personnages qui en savent beaucoup mais attendent la fin/le bon moment pour déballer leur sac fait quand même artificiel, même si justifié. Certains mystères sont très saugrenus, ce qui permet de ne pas trop deviner la suite, néanmoins les explications apportées sont bonnes dans l’ensemble. Attendez-vous à beaucoup de parlotte dans ce volet sous le signe des trahisons et complots politiques. Pas vraiment ma tasse de thé. En ce sens la motivation des antagonistes est bien justifiée et garde un minimum de nuance évitant tout manichéisme. Cette fois Adol ne sauvera pas le monde d’un dieu, donc avoir une intrigue plus « humaine » change des canons du JRPG. Ce qui n’empêchera pas son lot de légendes anciennes, de guerre de jadis et de divinité. D’ailleurs, l’aspect plus mystique qui justifie les Nuits peut paraitre un brin hors sujet avec le reste mais ça ne m’a pas gêné car on reste dans un univers d’héroïque fantasy. Dans l’absolu, l’écriture est bonne et l’intrigue plaisante à suivre, heureusement en grande partie grâce aux personnages.

Adol, dit « Roi Rouge » sous sa nouvelle forme, fera vite la rencontre des autres Monstrum qui, vous vous en doutez, intégreront l’équipe au compte-goutte. Cet aspect « double identité » dans une ville donne à ce 9ème volet un p’tit côté super héros plutôt original dans ce genre de jeu. Pour combler la relative vacuité de l’intrigue principale, chaque chapitre (du moins les 6 premiers) se concentreront à chaque fois sur un personnage, permettant de mieux les cerner et de développer des histoires plus ou moins touchantes. Chacun d’eux s‘avère bien développé et évitent d’être caricaturaux. Alba Felis est une jeune fille pleine de bonne volonté mais manquant d’assurance, Falco est un teigneux vindicatif, Puppa une poupée amnésique et sans émotion, Furens Taurus est maternelle et enjouée, enfin Renegatus est maussade et direct dans ses propos.
Des personnages qui ont globalement tous un p’tit problème et dont cette aventure permettra d’en apprendre plus sur eux-mêmes et de se surpasser. Alba Felis est sans doute mon personnage préféré, présente très tôt, elle sera la compagne et la porte-parole d’Adol pour un bon moment. J’ai été tout particulièrement surpris sur la véritable identité d’un des membres, je ne spoilerai pas qui, mais il est question d’handicap physique. Il apporte alors une réflexion intéressante : et si la malédiction pour les uns, ne pouvait pas être une bénédiction pour d’autres ? J’ai trouvé son segment poignant, puisqu’il est aussi question d’un conflit père-fils, évitant le tire-larme facile. Risqué vu les sujets abordés. Aprilis quant à elle est taciturne et il faudra attendre aussi la toute fin pour comprendre qui elle est vraiment, mais je ne l’ai pas trouvé d’un grand charisme pour autant. Elle fait plus prof qui donne des infos à ses élèves Monstrum, qu’une alliée au caractère développé. Comme le VIII, une pelletée de quêtes permettra d’apporter un peu de bonheur aux citoyens ou membres de l’équipe, l’occasion de conclure chaque sous-intrigue de façon plutôt poignante ou mignonne.                     Parque des quêtes, vous allez en avoir et pas qu’un peu. Elles ne sont pas vraiment annexes car le jeu vous incite à les faire. Déjà, et c’est d’ailleurs le principal reproche que j’ai concernant Ys IX, c’est que le rythme est lourd et répétitif. A chaque début de chapitre il sera question d’obtenir des points Nox, qui sont récoltés soit en faisant des petits combats en ville (le temps est figé et il faut abattre 4-5 Larvas) en passant des portails disséminés, mais ça rapporte peu. Soit en accomplissant les nombreuses quêtes des citoyens et autres membres du Dent-de-lion. Et pour le coup ça en rapporte beaucoup ! Une fois le seuil de 100 Nox atteint, un portail d’une Nuit de Grimwald se matérialise près d’une zone jusqu’alors inaccessible par une barrière (dû à la malédiction, une excuse habile pour mettre des murs « invisibles »). Résolu, vous pourrez alors débloquer une nouvelle parcelle de carte pour faire avancer l’intrigue, puis donjon, puis phase « prison » avec un autre personnage à l’histoire parallèle (un peu comme Dana dans le VIII). Répétez ça à chaque fois et vous comprenez bien que le duo quêtes + Nuits freine considérablement les ardeurs d’aventurier. Autant je saluais le VIII pour sa véritable frénésie de son gameplay et de découverte sans cesse, autant le IX limite constamment la progression en plus d’être très linéaire. Deux zones annexes et les quêtes à réaliser dans un ordre de préférence, mais dans l’absolu tout le reste suit un rail précis dont il est impossible de s’écarter.

Mais bon, les quêtes sont-elles bien ? Heu… pff, vite fait. J’ai connu pire mais il y a mieux, ne serait-ce encore Ys VIII. La grande majorité d’entre elles se résument à aller parler à des PNJ ou se rendre à un endroit pour inspecter ou combattre. De ce fait d’un point de vue ludique c’est ennuyeux, même si certaines demandent de combattre quelques ennemis plus coriaces, voir même d’explorer un micro-donjon. Les quêtes sont très scénarisées (et donc bavardes) mais là où ça marche moins bien ici, je trouve, c’est que globalement on se fiche des habitants de la ville. Dans le VIII le scénario était plus resserré dans ses enjeux, les seuls PNJ étaient les survivants du camp et en ce sens chaque quête leur était dédiée pour les développer. Dans le IX, entre savoir pourquoi un paysan est malade et redonner la peluche perdue à une fillette, il n’y a vraiment pas de quoi se lever la nuit. Ça permet quand même de développer l’univers et les Monstrums.
Pour contrebalancer il y sera aussi question d’aider une résistance face aux Romuns ou obtenir encore quelques infos de la prison par exemple, mais très souvent ça donne plus l’impression de jouer les bons samaritains. L’intrigue ne bouge pas d’un iota pour autant et ajoutez à ça la mise en scène rigide/limité, il y a une soudaine sensation de lenteur dans la progression. Ça ne m’empêche pas d’aimer l’histoire, mais je trouvais que son prédécesseur était moins envahissant et se contentait d’être clair et efficace. Cependant là où le VIII donnait l’impression d’embrayer subitement sur une deuxième intrigue un brin exagérée, ici la transition entre les deux parties se fait de façon très naturelle, puisque les enjeux autour de la prison sont posés dès le début et sont plus terre à terre. Ce qui amène à un final pas vraiment épique.                   Si plusieurs chemins mènent à Rome, dans l’univers de Ys plusieurs chemins mènent au pénitencier, ce qui sera donc l’occasion d’arpenter des donjons qui y sont connectés. C’est finalement plus dans ces endroits-là que l’on joue vraiment à du Ys, mais si cela peut vous rassurer il sera quand même possible d’explorer les zones qui bordent la cité. Cependant (et c’est là encore une p’tite déception) Balduq occupe plus d’1/3 de la superficie de la carte et le nombre de zones explorables ne sont pas nombreuse : 7, en comptant la ville donc. D’ailleurs une bonne partie de la carte restera grisée, mais n’espérez pas encore découvrir de nouveaux lieux. Grosso modo la région de cet épisode est construite comme une grande ligne droite avec une double bifurcation au nord et Balduq au centre. On perd le côté « complexe-metroidvania » du VIII avec plusieurs embranchements ou aller retour pour découvrir de nouveaux chemins. Vu le nombre de quêtes (une quarantaine), il en va sans dire que les allers-retours dans les quartiers et le Dent-de-lion sont plus que nombreux.
Les zones extérieures beaucoup moins. On sent que les level-designer ont travaillé en priorité sur la structure de la cité, faisant d’elle la meilleure zone du jeu : visuellement cohérente et agréable à arpenter avec son lot de secrets et ruelles tortueuses. Monuments, coffres, pétales bleus et écrits sur les murs seront dispatchés aux quatre coins de la ville et seront à dénicher pour des grosses quêtes sur le long terme. Avec ses hauts bâtiments, son fleuve et sa colline où ce situe le quartier noble et la prison, il y a assez de complexité et de verticalité pour s’amuser à crapahuter de toit en toit.

Et oui, car Balduq sera le meilleur terrain de jeu pour exploiter vos dons. Chaque Monstrum possède un pouvoir qui lui est propre, enrichissant le gameplay par de nouvelles mécaniques. Adol peut se téléporter à des points précis (symbolisés par des halos rouges) dans son champ de vision, Alba Felis peut courir sur les murs, Falco permet de planer et… le reste je vous laisse découvrir. Mais si je vous parle des trois premiers c’est parce que ce sont tout simplement les plus utilisés de tout le jeu. Et encore, planer ne sera pas tant nécessaire, quelques endroits dans les donjons et c’est tout.
Il en va de même pour les trois autres compères, puisque ni Balduq ni les zones extérieures ne requerront vraiment leurs dons (tout juste pour une poignée de coffres annexes). Par exemple, les zones hors villes possèdent toute des falaises incurvées vous empêchant de grimper. Et ça présente une ambigüité : d’un côté c’est intéressant pour empêcher les zones d’être trop ouvertes et en ce sens l’on retrouve une construction en chemins à l’ancienne. De l’autre, c’est en partie renier le concept des dons, qui après réflexion rappellent beaucoup le principe des Objets d’Aventure du VIII qui permettaient aussi d’élargir ses horizons (respirer sous l’eau, double saut, etc.). Et c’est dommage, car c’est supposé être une des grosses nouveautés du jeu mais ne s’avère finalement pas assez pertinente.                      Ys IX reprend presque tout de Ys VIII. Normal me direz-vous, mais le VIII évoluait par rapport à ses prédécesseurs. Là on a vraiment l’impression de jouer au même jeu : mêmes graphismes, même inertie, mêmes contrôles, grosso modo les mêmes idées. Sauf que ce qui était pertinent sur une île avec un camp de survivants, l’est moins dans une ville occidentale. Le Dent-de-lion avec ses nouveaux arrivants n’est pas sans rappeler le camp et ses naufragés secourus, les Nuits de Grimwald sont les phases de défense de camp, les matériaux et la forge sont toujours là, mais en plus s’ajoute un classique système de monnaie qui n’apporte pas grand-chose, etc. Si vous avez lu mon test du VIII, il n’y a pas tant de raisons que je me répète concernant certaines petites subtilités ou le système de combat.
Mais dans le doute je vais faire bref : le gameplay est souple et nerveux, une touche pour attaquer et quatre techniques assignées aux quatre boutons (ABXY) peuvent être enclenchées pour faire de plus gros dégâts sur un certain périmètre. Elles consomment des PT, qui se gagnent en frappant normalement ou avec le temps. A cela s’ajoute le concept d’esquive au bon moment pour ralentir le temps, et de technique placée au bon moment pour créer une contre-attaque et ainsi réaliser des coups critiques dans un laps de temps très court. Enfin s’ajoute la mécanique de point faible, chaque personnage est dédié à un type de coup : tranchant, contendant ou perçant, qu’il faudra donc permuter à la volée selon le type d’ennemi afin de maximiser les dégâts. Voila pour le principal : simple, efficace, complet et un minimum technique.
Et rien de plus là-dedans ? Il y a une p’tite nouveauté, oui. Il y a toujours la jauge de Super Attaque (attaque très puissante autour du personnage) qui se charge en exécutant des techniques. La nouveauté cette fois c’est qu’elle se divise en deux niveaux, permettant de l’activer plus tôt, mieux encore lorsque l’on fait une première fois L+R le personnage rentre d’abord dans une phase de Boost qui décuple sa force et recharge ses PV et PT jusqu’à que la jauge soit vide. Mais avant que cela n’arrive, à vous de déterminer quand réappuyer sur L+R pour enfin utiliser la Super Attaque. Une très bonne idée donc qui apporte un peu d’attention/gestion. C’est tout, mis à part la possibilité de faire des attaques concentrées plus tard.

Ça fait chiche comme ajout. Et en plus on perd certaines idées comme le mini-jeu de pêche (bon, sachant qu’il y a moins de rivages je peux comprendre). Les Nuits de Grimwald, qui sont majoritairement imposées ici sont sensiblement pareilles que les phases de défense : des éléments sont à améliorer moyennant des matériaux : pièges, appâts, renforcement, etc. Puis dans une zone close vous exterminez des vagues de Larvas. La nuance c’est qu’il faut protéger un cristal qui peut être attaqué de toute part, contrairement à la palissade du VIII. Les ennemis apparaissent plus près de l’objectif que vous devez défendre et en ce sens les Nuits sont plus dures mais aussi bien plus intenses. J’avoue que c’est plus plaisant dans cet épisode mais ces phases purement beat them all ne sont toujours pas ce que Ys propose de mieux, surtout quand les dernières trainent en longueur.
Par contre les phases « Dynastie Warrior » ont laissé place à une nouvelle : la destruction de cristaux. Certaines Nuit de Grimwald prendront place dans un quartier ou un coin de plaine dans lequel une centaine de cristaux rouges seront placés, le tout avec plein de Larvas déchainés. Il faudra donc tout briser en moins de 5 minutes, mais il est possible d’abréger lorsque vous mettez au tapis un boss qui n’interviendra qu’après la moitié des cristaux détruit. C’est déjà moins bourrin et ça oblige à se déplacer, mais il y a trop de temps pour être véritablement sous pression et le coup de détruire les cristaux les uns après les autres dans des lieux déjà connus, ça ne semble pas bien inspiré et fait plutôt office de remplissage. Bref, pas mauvais mais pas super convaincant.                     Le reste est vraiment chouette je vous rassure ! Du moins quand on joue, soit quand on ne passe pas son temps à enchainer des cinématiques ou des Nuits bourrines. Dès lors qu’il est possible d’explorer et se battre rapidement, le jeu regagne en intérêt. Il faudra quand même attendre le chapitre 4 pour enfin se perdre dehors, surtout que l’autre petite « nouveauté » de ce Monstrum Nox, c’est que le level-design est plus ouvert ! Sans aller jusqu’à de l’open world, on sent clairement une volonté de s’en rapprocher. Ne serait-ce qu’avec Balduq qui est une très grande ville mais qui passé les GTA, Saint Row 4 et autre Assassin’s Creed ne semble pas si originale ou fraîche. Néanmoins ça reste encore rare dans le paysage du JRPG, ça m’a d’ailleurs pas mal rappelé Transville de One Piece Unlimited World Red.
Les zones extérieures ne sont pas en reste, notamment les deux plaines, où il y a quelque chose de grisant et excitant à s’y perdre. Fini le découpage en petite zone à la Final Fantasy XII, l’absence ou du moins la raréfaction des temps de chargement fait plutôt du bien et va avec cette idée d’action et découverte sans temps mort. Il n’empêche que les plaines sont quand même un peu trop grandes et donc un peu trop vides. Celle du nord s’en sort un peu mieux avec ses plateaux surélevés et murailles en ruines qui donnent divers petits secrets et chemins.

Les donjons quant à eux sont beaucoup plus linéaires et à part quelques grands espaces par moment, il y a plus une sensation d’arpenter un long couloir avec des ramifications qui bouclent ou sont des culs de sac. Etonnamment la plupart des donjons sont construits dans le même moule : une première moitié avec que des tunnels ternes, puis une seconde plus « naturelle » et espacée, comme un ravin aride ou même une caverne de lave (il y a aussi des égouts, hein, vous vous en doutez). Heureusement la variété sera de mise avec quelques petites idées pour diversifier l’exploration, mais par rapport au VIII c’est bien plus léger.
Surtout les 6 premiers donjons qui servent globalement à exploiter le nouveau don récemment acquis. Et à aucun moment ne cherche à complexifier les situations, ce qui passé la découverte fait un peu basique. Dans la caverne de lave par exemple, des courants d’air chaud vous font monter en planant, mais pourquoi ne pas avoir implémenté un réseau de vent descendant et ascendant dans le quel il faudrait se dépatouiller ? Non, l’idée reste dans sa forme de base, sans chercher plus loin. Comptez aussi quelques pièges et leviers à activer. Bien sûr on y retrouve de la plateforme, qui s’enrichit grâce au pouvoir de grimper permettant encore plus de souplesse et ainsi faire mumuse dans certaines situations à essayer de trouver d’autres façons de traverser ou accéder à un coffre. Ça c’est sympa !                   En suite, la frénésie l’emporte. Le cocktail plate forme-exploration-combats fonctionne toujours du tonnerre et si vous aviez adoré jouer au VIII, vous ne devriez pas bouder votre plaisir sur le IX. Mais clairement son rythme en dents de scie peut s’avérer usant et j’ai attendu plus d’une fois que le jeu me laisse libre de découvrir le monde à mon rythme en explorant. Heureusement aussi que l’histoire et l’univers tiennent suffisamment la route pour éviter d’avoir un jeu en demi-teinte. J’ai l’impression que le concept de la ville a complètement sabordé le déroulé. Cela oblige à créer un monde plus réduit (ce qui est paradoxal puisque les zones sont grandes et ouvertes) et forcément plus narratif avec le contexte + tout les PNJ qui s‘y baladent. Propice à des intrigues complotistes qui, sans rendre l’histoire complexe, ne la rend pas pour autant aussi efficace que le VIII. Enfin, il fallait trouver une excuse pour voyager et éviter que tout se règle en quelques heures puisque la prison est sous le nez de nos héros, ce qui explique les quêtes à rallonges. La durée de vie est par conséquent très bonne pour le genre, comptez une trentaine d’heure pour libérer Adol de sa forme de Monstrum. Sachant que j’ai pris mon temps et que j’ai bien complété la carte et terminé la quasi-intégralité des quêtes (j’en ai loupé une). Ah oui, parce que comme le précédent elles sont limitées dans le temps, mais c’est moins pertinent puisque de toute façon on est incité à les faire et pas de fin secrète qui en découle cette fois.

Cependant, le jeu s’avère moins complet… Moins vaste, et à par deux zones annexes comme susmentionné, il reste à tout compléter en apportant toute les recettes de cuisine à la nonne, trouver tous les coffres, explorer la carte à 100%, battre un boss caché, etc. Il existe 6 mini-zones optionnelles bien cachées dans Balduq, ce qui est une annexe plutôt intéressante. Mais niveau post-game, c’est un peu la déception. Aucun donjon bonus, même pas de mode galerie ! En revanche le boss rush reste très complet (et jouable à deux cette fois) avec difficulté et équipe personnalisable. A cela s’ajoute un New Game + avec choix des éléments à conserver (niveau, carte découverte, objets, etc). Hélas, on perd la fonctionnalité d’augmenter la puissance des ennemis faços Dark Souls, ce qui je trouve est plutôt dommage…
Bref, c’est certes une longue aventure, mais qui semble bien étirée et avec bien moins de contenu annexe que son prédécesseur (qui était déjà bien garni), donc ce n’est pas non plus rachitique dans le IX. Surtout que l’on peut avancer sans soucis puisque vous aurez plusieurs modes de difficulté permutables à tout instant. Cette fois le dernier (Inhumain) ne proposera pas de détruire vos flacons de potion après utilisation, sans doute pour éviter d’être coincé dans ce mode-là une fois choisi. Pour l’explication : la seule façon de se soigner se fait uniquement avec des potions limitées par vos nombre de flacons, des aliments peu efficaces ou des plats octroyant des bonus temporaires à l’équipe. Mais bon, en Normal vous aurez rarement besoin de tout ça, le jeu reste facile et j’ai dû faire une bonne partie en Difficile pour relever le tout, mais mon équipe prenait un peu de retard en niveau ce qui rendait certains boss un peu trop longs et ardus (alors que le reste passait).                 Les boss comme les ennemis, d’ailleurs, ont de bon design et certains d’entre eux ont des points faibles et un déroulé spécial. Les larvas auquel vous ferez face sont dans un style un peu « Sans-cœur » de Kingdom Hearts, je trouve, avec un côté plus « macabre ». Les monstres rencontrés dans les alentours sont plus classiques : rat géant, grosse plante carnivore et même des gobelins qui semblent tout droit sortir d’un The Elder Scroll. Le chara-design des protagonistes est assez recherché, mettant l’accent sur une forme d’animalisation (Alba Felis et sa queue et ses oreilles de chat, Furen Torus et ses sabots de fer et son serre-tête avec des cornes…), mais leur version en civil s’avère tout aussi réussie, bien que simple. Le souci c’est qu’il y a encore ce côté un peu lambda (que j’appellerai « manga générique ») pour les visages, mais on s’y habitue et chaque personnage à un code couleur qui lui est propre et permet de bien ressortir par rapport aux décors ternes. Ça ne vous a pas échappé avec les screenshot mais la ville est vraiment grise, faisant d’avantage ressortir les quelques éléments (PNJ, objets, ciel…). Après réflexion je pense que le choix de cette gamme de couleur permet à Balduq, et le jeu, d’avoir une identité au-delà de coller au concept de pénitencier sinistre. Chaque quartier de la ville possède son style, entre les bains à l’architecture provençale, le centre-ville plus normand avec sa cathédrale gothique, le quartier noble et ses rues plus propres et uniformes, etc. Mention spéciale au bas-quartier, complètement enfoncé dans une cavité rocheuse, avec bâtiments et pontons qui se superposent. En définitive, la ville a quand même son charme et possède quelques jolis panoramas. Les alentours s’avèrent étonnamment variés ! Forêt, mont et même une plaine aride. En définitive on arrive à un minimum voyager tout en restant dans des lieux homogène et cohérent. Juste dommage que plusieurs donjons soient vraiment plongés dans l’ombre, au point d’en devenir gênant si vous n’avez pas adapté la luminosité.
Il n’empêche que ça reste bien moins coloré et dépaysant que l’île de Seren. Pourtant il s’agit du même moteur graphique, adapté pour la PS Vita. Conférant encore ce rendu « PS2 en HD » qui n’est pas fameux sans être vilain, il y a clairement plus beau à côté. Le hic c’est que ça se permet de ramer, y compris sur PS5 ! Notamment dans Balduq, les chutes de frame rate arrivent et ça peut bien saccader quand il y a des Larvas. Là-dessus la version Switch trinque et ce n’est franchement pas mirobolant par moments. Lorsqu’il y a un déluge d’effets et d’ennemis lors des Nuits le jeu passe presque à 15 fps pendant 2 secondes, j’ai bien cru que la switch allait planter. Autrement dans les autres zones ça reste globalement stable à 30Fps, contre 60 pour les autres supports. Bref, ça fait vieux, mais j’y trouve un certain charme nostalgique. Après Falcom n’est pas un très gros studio, mais espérons que pour le prochain ils passent à l’étape supérieure.

La bande-son continue toujours d’être de qualité, rendant honneur au reste de la série. On retrouve la même équipe de compositeurs que le VIII, ce qui occasionne quelques sonorités et mélodies un peu dans le même ton que ce dernier. Toujours ce mélange rock-électro qui confère une pêche d’enfer et s’accorde plus avec le sentiment d’action et de précipitation que de vraiment coller aux lieux. Balduq étant plus calme, la musique le sera tout autant, avec plusieurs thèmes au fur et à mesure du jeu. Un peu lancinant au début (ça m’a fait un peu penser à du Dragon Quest), puis toute mignonne et guillerette, puis ma version préférée : un peu zen et mélancolique.
Je dirai que l’OST de cet épisode est aussi bien que celle du VIII, voir même un chouilla meilleur, il y a beaucoup de bons morceaux qui restent en tête ou touche. Il y a bien le thème principal (le thème d’Aprilis) que je trouve sympa sans plus, je préfère le thème de Dana. Sinon quelques musiques sortent du lot, comme le morceau du 3ème donjon et son saxophone qui donne une ambiance jazzy surprenante ou encore celle des zones montagneuses qui est pour moi la meilleure musique du jeu : épique, nerveuse et restant en tête. Le doublage aussi est de qualité, toujours le choix entre anglais et japonais, ce qui accompagne bien les nombreuses cinématiques. Bref la progression même freinée reste plaisante malgré tout. Et c’est bien là l’essentiel.  
3 Positifs :
+ L’OST, toujours superbe.
+ Balduq, un bon terrain de jeu.
+ Gameplay toujours aussi bon et diversifié…

3 Négatifs :
- … mais pas grand-chose de 9.
- Les quêtes et Nuits qui cassent le rythme.
- Dons pas suffisamment exploités.     Conclusion :
à défaut de renouveler ou faire évoluer la série, Ys IX : Monstrum Nox change surtout par son cadre et sa progression qui se résumerait de la façon suivante : « moins d’exploration, plus de blabla ». Mais plus de dialogues n’est pas synonyme de qualité et si vous vous attendiez à jouer à un jeu aussi jouissif que son prédécesseur, vous risquerez d’être un peu déçu. Dans l’absolu ça reste toujours aussi prenant, de par son histoire intrigante et son gameplay dynamique, ce IX est tout à fait recommandable dans le genre. En revanche si vous n’avez jamais touché à un Ys, j’insiste encore, mais jouez plutôt au VIII qui est encore l’apogée de la série. Maintenant qu’elle s’est essayé à un univers plus dark et une grande ville, espérons un futur plus radieux. Ma note: 16 /20

Paxdu92

Paxdu92

 

MJ ce drôle de bonhomme

Au moment où j’écris ces lignes, le Youtuber Micheal J, surnommé MJ et alias Alert Spoiler, a sorti sa dernière vidéo de son émission Fermez la. Il s’agit de la centième vidéo de son émission et pour fêter cela, il a décidé de parler du Nostalgia Critic en invitant moult confrères à faire des interventions. Une vidéo massive d’une heure et demi qui m’a au final laissé une impression mitigé. Pourquoi ? Très certainement parce que MJ m’a toujours laissé une impression mitigée et je pense qu’il est temps de faire un point par le biais d’une critique sur son travail.   Je n’aime pas me justifier en début de critique, mais je vais faire une entorse à la règle afin de poser un contexte. Mon avis concernant le Nostalgia Critic se rapproche de celui de MJ. Je l’ai connu jeune et j’avais une certaine fascination et j’appréciais de rire avec ses mimiques entre deux explications sérieuses. Mais plus je prenais de l’âge et plus j’étais dérangée par quelque chose. J’avais l’impression, tout comme l’AVGN, que le type tournais en rond et ne faisais que de se répéter. En plus, je le trouvais moins drôle, moins pertinent. Enfin, j’ai commencé à regarder Durendal et le Fossoyeur de Film qui eux, étaient à la fois drôle, pertinent et plus tard, seront suffisamment ambitieux pour évoluer. Le JDG dans l’une de ses vidéos commentant ses anciennes vidéos a expliqué que si les vidéastes américains ne changeaient pas leur formule, c’était dû aux exigences de leur public qui déserteraient aussitôt. Je pense pour ma part que c’est une mauvaise excuse. Le public français n’est guère différent et on trouve énormément de gens qui demandent explicitement que leur youtuber préféré ne change jamais sa formule et Fred Molas devrait bien le savoir pour l’avoir subi. N’ayant plus regardé ses vidéos par la suite, je n’étais pas au courant de sa déchéance argumentaire et j’apprécie de l’avoir appris par le biais de MJ.   Voilà pour le contexte. Maintenant, parlons plus avant du sujet du jour.   MJ a aujourd’hui deux émissions majeures sur lesquelles je vais me concentrer : Alert Spoiler qui pour moi n’a pas été abandonné (car je me doute que l’écriture de cette série de vidéo est spéciale et nécessite moyens et préparations) et Fermez la, qui est sa série la plus régulière à ce jour. Il n’a pas de parution précise, une fois qu’une vidéo est prête et monté, il la publie sur youtube et en avant Guingamp. Vous vous en doutez, le fossé de format entre ces deux émissions sont suffisamment large pour que je dois m’attaquer à l’une, puis à l’autre avant de faire un bilan.   Je vais passer rapidement du coup sur ses autres vidéos : Il y a à boire et à manger. Le youtuber manquait encore de vision et de ligne directrice, touchant un peu à tout au point où à ses débuts, il fit une vidéo particulièrement mauvaise sur le football. Je pense qu’il était surtout occupé à produire sa première saison d’Alert Spoiler et qu’il faisait de temps à autre des petits spins off pour se diversifier. Dans tout ce fatras, je vous conseillerai les Jouons et Regardons, qui sont des petites critiques honnêtes de jeux d’aventures. Voilà tout. Maintenant, attaquons le plus gros du morceau.   Alerte Spoiler
La critique au service de la fiction   La plupart des vidéastes aujourd’hui utilisent un peu de fiction pour aérer leur critique. Le Fossoyeur de Film est celui qui s’est le mieux illustrer dans cette pratique grâce à un univers accrocheur et remplis de métaphores. Par contre, faire le contraire est des plus risquée est surprenant. Mais étonnement, l’univers de MJ marche plutôt bien.     Faut dire aussi que même avec des moyens rudimentaires, le bonhomme sait attirer l’œil sur ses personnages et susciter la curiosité.   Chacune des deux saisons ayant une intrigue différente, il est compliqué de faire le pitch. Donc je vais donner les informations les plus générales : Nous sommes dans l’Imaginavaire, constitué de plusieurs galaxies et de moult planète. Là où ça devient intéressant, c’est que chaque planète représente une œuvre et une galaxie peut représenter l’univers d’un auteur, même lorsqu’il est aussi médiocre que celui de Uwe Boll. Les planètes peuvent disparaître et leurs souvenirs survivent alors sous la forme d’un objet (Lorsqu’il n’a plus l’intérêt du public ? Pas sûr car même Evangelion arrive dans l’histoire sous la forme d’une relique). Il y a des forces de défenses, des factions aux cultures et fonctionnement variés et bien entendu, des méchants.   La durée consacrée à chaque sujet a tendance à être massive, ce qui peut être très bien lorsqu’il s’agit d’analyse et d’argumentation. Le vidéaste s’enfonce dans le moindre détail, analyse chaque élément et surtout, il prend tout le temps qui lui paraît nécessaire pour en parler. C’est quelque chose, qui, comme chez CDAL, je trouve ça extrêmement précieux. Quand on est passionné par un sujet et qu’on veut le partager, c’est bien mieux d’aller dans le détail. Quant à ceux qui pourraient avoir peur de se faire gâcher un truc qui voudraient découvrir, n’oubliez juste pas le titre de l’émission d’accord ?   La partie critique cependant, bien qu’elle soit de qualité et majoritaire, n’est pas ce qui m’a le plus attiré dans ces vidéos. Je dois avouer que l’Imaginavaire est l’une des fictions de critique youtube m’ayant donné le plus de fantasmes. Non je ne parle pas de trucs sexuels, je parle bel et bien d’imagination. Je pense même que l’Imaginavaire de MJ m’a aidé à imaginer mon univers à moi pour la Légion de Bast. Et surtout, ce multivers est sans aucun doute une excellente métaphore de la fiction en elle-même. Quand on voit que la série d’Alert Spoiler a été faite très tôt, on comprend qu’il y a quelque chose de très instinctif dans la manière de fonctionner de ce vidéaste contrairement, par exemple, à Durendal qui fonctionne beaucoup avec ses connaissances et donc avec sa réflexion.   Retenez en tout cas une chose avant que l’on passe à la suite :
Micheal J fonctionne beaucoup avec ses tripes. Ou en tout cas, il semble fonctionner avec ses tripes. Attention, ce n’est pas absolu, ses critiques ne fonctionnent pas qu’à l’instinct, il y a de l’ordre, une analyse, une logique.   Cependant, tout n’est pas parfait loin de là. Alert Spoiler a été démarré très tôt, et ça se voit. La technique rend parfois les vidéos difficiles à visionner aujourd’hui. Je ne saurai retranscrire exactement si à l’époque c’était correct ou non, mais aujourd’hui c’est clairement dépassé. Le micro sature souvent, les scènes de batailles sont un peu molles et on semble être beaucoup ancré dans du Do It Yourself. Ca s’améliore nettement dans la saison 2, même si le final a un gros problème d’éclairage, certainement à cause du manque de moyen. Car oui, MJ a beaucoup d’ambition avec Alert Spoiler, mais il doit composer avec ce qu’il peut avoir et ça se voit. Et il a eu l’aide de beaucoup de monde, notamment pour interpréter des personnages secondaires et il arrive à s’en sortir au montage et aux FX comme il le peut. Mais à un moment hélas, même lorsque l’on fait ça en amateur, il y a des impératifs techniques qui peuvent manquer pour nos ambitions.       Je veux dire, regarder ça. Le parking souterrain, où on est passé au vert pour gérer le manque de luminosité, le gros grain qui indique l’emploi d’une autre caméra un peu âgée mais portatif…     C’est encore plus visible lorsque l’effet spécial est appliqué. A droite, la HD, à gauche, la débrouille. Notez d’ailleurs que le fait que l’effet de flamme qui n’a pas subi le ‘’Go Green’’  

  Et quand il termine la scène de bataille par un ‘’Même un amateur peut faire mieux’’… Je pense qu’ici, c’est les tripes qui parlent et non la logique, car hélas, même si Uwe Boll est merdique et pas passionné, il avait des moyens et une équipe technique, c’est juste qu’il ne sait pas les utiliser et qu’il s’en fout. MJ lui est passionné et veut faire de son mieux, mais n’a pas les moyens de ses ambitions. Il est loin d’être mauvais, mais sans le matériel et une équipe qualifiée, difficile d’être d’accord avec cette déclaration. Hélas, pour ma part, je considère qu’il y a match nul, mais avec un avantage pour MJ : là où s’amuse par moquerie pour Boll, on s’amuse parce que c’est fun chez MJ. Ca peut faire la différence.   FERMEZ-LA ! Polémiques débiles et polémiste en dent de scie   La deuxième émission qui est aujourd’hui l’émission principal de MJ est un cas très compliqué. Le sujet devient en effet très diffus, même en étant centré sur la fiction, on parle avant tout de polémique que le youtuber qualifie de débile. Sauf qu’en réalité, il peut parler de n’importe quel sujet pouvant faire polémique du moment que ça tourne autour de la fiction et de la culture de l’imaginaire. Oui ce sont deux choses différente, la fiction étant le matériel en lui-même et la culture de l’imaginaire englobe la production, les manières de penser la fiction et de la créer. La différence est importante bien qu’interconnecté.   L’émission est donc forcément devenue politique avec le temps, une chose inévitable mais que je trouve bienvenue. C’est l’intérêt même d’un polémiste, il doit y aller, jouer des coudes et se préparer à la bagarre, car son avis est forcément en confrontation avec celui d’autres personnes. Pour avoir moi aussi des avis pas forcément en accord avec la majorité, ainsi qu’un fonctionnement pouvant en faire gueuler quelques-uns, je sais qu’il faut être blindé mentalement de base juste pour encaisser ce qui va nous arriver dans la gueule.   Mais comme tous les combats, si on ne cherche pas la guerre et qu’on veut rester un minimum digne dans la bataille, il y a des règles à respecter. C’est pour ça que l’on a inventé le débat qui est tout un art (la fameuse rhétorique) et qui a donc des règles servant de base. Et le souci avec la rhétorique, c’est que si vous ne respectez pas ces règles, alors ce n’est plus un débat, mais de l’agression. Ce n’est pas pour rien que l’on est particulièrement lassé des ‘’débats’’ télévisuels qui n’en ont que le non puisque les règles de bienséances ont tendance à disparaître beaucoup trop rapidement.   Malheureusement, Micheal J est régulièrement tombé dans l’agression. Il ne semble pas malhonnête, surtout si on reste dans l’optique qu’il fonctionne beaucoup sur l’instinct. Soyons clair, je ne dirais pas s’il a tort ou raison sur quoi que ce soit, ce n’est tout simplement pas le sujet. De plus un youtuber peut mimer la colère et l’agression lorsqu’il a une optique de réalisation. Mais lorsqu’il devient agressif, ce n’est pas parce que son personnage est en train de crier. Ce n’est pas parce qu’il utilise un langage grossier. C’est parce que son discours est violent par le fond. C’est parce que ses personnages servant d’antagonistes ont à présent un meilleur ancrage dans le réel et qu’ils servent donc de propos envers des gens avec qui il est en désaccord. C’est aussi quand il affirme par exemple que les personnes d’extrême droite sont plus infiltrés que passionnés, ce qui amène un vilain sophisme qu’est le procès d’intention. Peut être qu’ils voient juste les fictions d’une autre façon (qui peut être problématique bien entendu) mais qu’ils sont eux aussi passionné par l’imaginaire. Et malheureusement, opposé des discours violent à des discours violent, ça ne s’annule pas, ça rajoute juste de la violence au débat.   Il ne le fait pas sur tous ses sujets, encore heureux ! D’ailleurs sa 100eme vidéo est un excellent exemple de ce qu’il peut faire quand il arrive à rester mesuré. C’est ainsi que sur certains sujets, MJ échoue complètement à relever le niveau puisqu’il enfonce lui-même le clou à son tour.   Parce qu’autrement, sur de nombreux autres sujets, il est largement meilleur. Entre sources bien utilisé, argumentation détaillée et qui prend son temps et quelques pointes d’humour par ci par là, il est tout à fait honorable lorsqu’il maîtrise son discours. D’ailleurs, il est moins extrême qu’il pourrait laisser paraître, dénonçant toutes les conneries dans tous les camps lorsque c’est pertinent de le faire.   Parce que généralement, on le voit un peu comme ça.   « Corneguidouille ! Des fachos en train de proférer des insanités ! Chargez habiles compagnons et poutrons cette vermine hors de nos terres verdoyantes. »   On pourrait me dire que sa façon d’interagir sur twitter pourrait correspondre à des bretonniens en maraudes, mais restons concentré uniquement sur son travail. Ce que fait l’homme derrière est une tout autre affaire.   Donc, non, même si MJ est très ancré dans le progressisme, il peut néanmoins avoir des avis nuancés. Encore faut-il l’écouter et réfréner sa réactance lorsque l’on entend des propos avec lesquelles on est en désaccord ou bien lorsque l’on a encore un mauvais souvenir d’une ancienne vidéo. De plus, tout comme sur Alert Spoiler, il a des moments de fulgurances où sa vidéo peut tout défoncer. Je ne peux pas citer son essai sur Kingdom Heart vu que la plupart des idées de cette vidéo vienne d’une série de livres consacrés à ce sujet (mais du coup, on va féliciter Jay, puisque c’est lui qui les a écrits). Mais sa vidéo sur les fan toxiques est hélas complètement crédible et dans le vrai (hélas dans le sens où c’est véridique), sa remise en contexte de l’affaire Scorsese Vs Marvel est salutaire, sa critique de J.K. Rowling est très bien argumenté et est l’une des rare m’ayant convaincu, ce qui est rare vu comment je suis butée, et surtout, son analyse en détail de Green Book m’a beaucoup plu et j’aurai sans aucun problème donner de ma personne s’il en aurait eu besoin.   Néanmoins, parfois, là où je pense qu’il se plante, c’est dans le concept d’une vidéo. Je comprends largement que le chapitrage d’un top ou d’une liste est plus simple. Mais concernant Big Bang Theory, juste lister les erreurs et le mépris qu’éprouvent les auteurs pour les différents sujet ‘’geek’’ c’est lourd je trouve. Très lourd quand on sait qu’il y en aura pour trois vidéos, ça ressemble presque à une leçon de geekerie. Une critique à la Alert Spoiler aurait été plus que suffisante et tans pis si elle avait fait doublon avec d’autres vidéastes. Moi je ne regarde pas tous les vidéastes, ce n’est pas possible de tous les suivre, c’est pour ça que je ne râle jamais quand un youtuber traite d’un sujet déjà traité par un autre youtuber. C’est même mieux, car j’ai alors un avis multiple. Au pire, on aurait un avis similaire, mais n’ayez jamais peur, car vous aurez forcément un traitement différent, des blagues différentes si vous faites de l’humour et etc…   D’ailleurs pour la centième vidéo, parler du Nostalgia Critic, oui, cent fois oui. Juste faire un top, c’est un peu dommage même si du coup ça permet d’illustrer un propos avec des exemples qui montent en puissance.   Pour le coup en plus, je sais un peu de quoi je parle, car MJ n’est pas le premier youtuber dont je critique le travail. (Ici d’ailleurs https://www.romstation.fr/blogs/entry/11086-le-joueur-du-grenier-ce-sympathique-enfoir%C3%A9-du-jeu-vid%C3%A9o/ ) Imaginez maintenant, que pour critiquer le JDG j’aurai juste fait un top des plus grosses bêtises qu’il a dite juste pour le lol (surtout que maintenant, JDG a tendance à faire de plus grandes recherches pour traiter d’un sujet et on voit bien que ça fait gagner ses vidéos en qualité). On aurait clairement perdu quelque chose, à commencer par ce que le JDG a fait de bien. Mais n’oublions pas qu’il y a possibilité de biais de ma part. Comme j’ai opté pour une approche différente, il se peut tout naturellement que je la considère comme meilleure également. C’est une possibilité, la 100eme vidéo de MJ en elle-même est de très bonne qualité même si l’intervention des caméos est – volontairement – pénible.   Bouclons la boucle   Avec les dernières vidéos de MJ, on se rend compte qu’il commence à boucler une boucle. Il revient sur son inspiration première, il fait intervenir des éléments de l’univers d’Alert Spoiler dans son émission principal et il met beaucoup en avant ses anciens comparses de Vox Makers.   C’est pour ça que je fais un bilan aujourd’hui. Car je pense que le vidéaste arrive à un carrefour, un peu comme le personnage de Tom Hanks dans Seul au monde à la fin du long-métrage. Dans quel direction va-t-il aller ? Va-t-il descendre progressivement son agressivité comme il semble le faire depuis quelques mois ? Va t-il s’engager à faire plus d’autocritique ?   Car il ne faut pas oublier une chose, MJ, dans toutes ses vidéos, il joue l’homme providentielle. Pour ceux qui ne connaissent pas cette technique d’écriture, ne le confondez pas avec un gary su. L’homme providentielle est un personnage extrêmement fort, qui connait plein de techniques, de sciences et etc et qui peut donc résoudre n’importe quelle situation presque tout seul. Presque seul, dans le sens où c’est quand même lui qui donne l’impulsion à ses aides pour qu’ils aillent dans la bonne direction. Mais un homme providentiel, contrairement au gary su, malgré sa puissance, peut échouer, se faire capturer, être berné et etc. D’où le fait que c’est un processus rarement critiqué.   MJ met constamment des personnages de ce genre en tant que gentil. Alert Spoiler est une sorte de Seigneur du temps qui voyage dans un Tardis, qui utilise des tournevis supersonic, qui comprend tout son univers au point de toujours savoir comment réagir face aux menaces, mais qui est également un maître de la Keyblade et qui maîtrise les magies de Final Fantasy. Mais, malgré tout cela, il est tout de même régulièrement en difficulté : il se fait capturer et même tuer à la fin de la saison 1. Le patron du Bureau des Polémique Débile répond lui aussi à ce gimmick : Il connaît tout son univers, c’est un sorcier issu de l’univers de Harry Potter, il a Mjollnir et c’est toujours lui qui a les plans afin que ses alliés aillent dans la bonne direction. Mais, il se fait régulièrement bolosser, capturer (même si c’est parfois volontairement) et il a des petits moments digne de Ryo Saeba avec sa secrétaire (qu’il ne paie pas, salaud je vais prévenir Pigeon Gratuit tu vas rien comprendre à ce qu’il va t’arriver).   Sauf que là où ça passe crème sur Alert Spoiler, ça passe moins bien sur Fermez là. Pourquoi ? Les spectateurs réagissent ils en retard ? Ou bien est ce parce que Fermez là est beaucoup plus politique et que donc, l’homme providentiel sert ici les opinions politique de MJ ? Parce que là, oui, ce ne sont pas que des nazis de l’espace qui veulent détruire un monde fictif les méchants, ce sont des allégories de gens envers qui MJ n’est pas d’accord.   C’est pour ça qu’à la question : Est-ce que je recommande la chaîne, je ne peux pas vous dire oui ou non. C’est une question complexe et qui ne pourrait être facilement traité, à part peut être au cas par cas. J’ai de l’attachement pour MJ que j’ai découvert avec Vox Makers, sur le tard quand tout semblait idyllique. Ca joue certainement sur mon point de vue. Surtout qu’il s’améliore sur les FX, que sa maîtrise de la fiction reste très efficace en plus de me faire grave envie (MJ prend moi dans ta fiction je fais une excellente bad guy jte jure) et que surtout, il argumente.   Mais ça reste un sanguin, quelqu’un qui travaille à l’instinct et qui est très frontal. De plus, sa représentation des gens n’étant pas d’accord avec lui est rarement flatteur et parfois, il généralise de façon un peu troublante, voir dérangeante.   Je pense qu’à partir du moment où vous pouvez rester calme, prendre du recul et que vous appréciez les youtubers qui prennent leur temps pour traiter d’un sujet, vous pouvez apprécier MJ autant que moi. Voici sa chaîne d’ailleurs : https://www.youtube.com/channel/UCY-h1yHhpyHICujFIPQWyDg
Peut être que si vous devenez fan vous pourrez parachever le travail que j’ai entamé ici.   Pour les autres, je vous déconseille. Si c’est pour vous énerver et vous monter le bourrichon en réactance à ce qu’il dit, pour finir par le suivre sur twitter pour relever tout ce qui vous déplaît chez lui pour en faire des vidéos réponses vide de sens et d’écriture… Bon… Ce n’est pas la peine hein, contentez vous de ce qui vous plait.     Pis il a l’Ermite Moderne avec lui. Et c’est souvent drôle quand ils sont tous les deux à l’écran.

MaiffaInes

MaiffaInes

RomStation 2.6.1 pour macOS

La version 2.6.1 est maintenant également disponible sur macOS !   Pour rappel, cette mise à jour apporte le jeu en Cloud sur RomStation. Actuellement encore en bêta-test, cette option permet notamment de porter en ligne le Multijoueur local en écran partagé des jeux émulés.   En plus des avantages précédemment détaillés, ce portage offre l'opportunité aux utilisateurs Mac d'accéder aux titres dont l'émulation n'est pas supportée sur macOS. La version Mac de PCSX2 est en effet loin des performances de son homologue Windows.   Si vous possédez une version antérieure à l’actuelle 2.6.1, n'oubliez pas de redémarrer RomStation pour appliquer automatiquement la dernière mise à jour.

Kratos

Kratos

Another

Un soir que je me promenais dans la pénombre de la nuit, suivant les lumières égarées des lampadaires recouvert de brume, j'aperçu ce qui semblait être à ce moment un homme assis sous un lampadaire, il était caché sous son long manteau et son corps semblait difforme, son regard perçant et rouge vif semblait dire de m'approcher, j'ignore quel force ou folie m'ai été donné de vouloir voir de plus près cet étrangeté. Une fois proche de cette homme, il eut un rire rocailleux dès que je lui avait demandais ce qu'il faisait ici, il me retorqua la question et je lui répondis que je me promenais pour réfléchir au prochain animé à traité. À ce moment il eut un éclair de génie et me demanda si j'étais ce fameux DrunkenPenpen qui parle d'animé Japonais sur Romstation, dès lors que je lui fit signe de la tête, il poussa un rire plus puissant qu'avant. Une fois le calme revenu, il me demanda d'une voix grave si je me souvenais d'Another, l'animé d'horreur de 2012. Je lui demandais à mon tour comment il savait que j'avais vu Another auparavant et pourquoi parler de cette animé précisément ? Il me répondit alors : Parce que toute chose ne prennent jamais fin, on croit en avoir fini mais il reviens à la charge et au moment où vous vous attendez le moins, il surgit pour vous attraper, il est déjà trop tard et vous ne le savais même pas. À peine ai-je eu le temps de cligner des yeux qu'il disparu devant moi puis une voix résonne dans le vent du soir :   Les choses ne prennent jamais fin.   Opening d'Another
 
            It's just another day doo doo doo doo dooo doo It's just another dayyy   Hélas oui, les choses ne prennent jamais fin, il y a une suite à cette histoire et elle se rédige devant vos yeux mais avant de poursuive tout cela, quelques infos sont nécessaire. Another est avant d'être un animé, un light-Novel de Yukito Ayatsuji (et non un roman comme on peut le lire, le tout en trois tomes) qui a eu un sacré succès puisqu'il est devenu un best-seller au Japon. "Et c'est là qu'il est adapté en animé !" Non il fût d'abord adapté en manga par Hiro Kiyohara (qui est un homme et non une femme comme on peut aussi le lire partout), spécialisé dans les histoires horrifiques.   C'est enfin à ce moment qu'Another est adapté en animé, c'est la version qui nous intéresse. C'est le studio P.A.Works qui a la lourde tâche d'adapté une œuvre plutôt populaire et apprécié. P.A.Works c'est surtout l'animé Angel Beats! (2010) que j'avais bien apprécié, ils ont fait aussi Charlotte (2015) mais c'est en tant que studio de soutient qu'ils ce sont fait connaitre en participant sur différents projets comme Darker than Black (2007), Eureka Seven (2005) ou encore Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone (2007). Ils ont également travaillés sur les scènes animés des jeux Professeur Layton.
C'est en 2012 que l'animé Another voit le jour, réalisé par Tsutomu Mizushima qui s'est fait connaitre par l'animé Girls und Panzer (2012) mais il a également réalisé xxxHolic (2006), Squid Girl (2010), Joshiraku (2012), Prison School (2015) ou encore Blood-C (2011).   Il me faut aussi répondre à une question qui demeure depuis cette introduction : Pourquoi j'ai décidé de revoir Another ? J'ai deux réponses à cela, d'abord je suis le genre de personne à voir ou à revoir un animé dès que je vois un DVD en occasion pour un petit prix, ce fut le cas pour Another. Quand à l'autre raison c'était pour lui donner une seconde chance parce que je ne l'avais pas aimé, je n'avais pas la même expérience en matière d'animé à l'époque, je me suis dit que j'ai peut-être rien compris à l'œuvre et entre deux visionnages d'un écart de 7 ans je saurais au moins si Another est un bon animé.   D'accord me direz-vous mais ça parle de quoi Another ? L'intrigue commence par une légende urbaine, en 1972 dans la ville de Yomiyama, une fille nommé Misaki est studieuse, sportif et appréciée de tous le monde, c'est le genre de fille qui sait tout sur n'importe quoi qui a gagné tout les compétitions sportif et qui possède l'intégrale d'Evangelion et de Sailor Moon (probablement). Malheureusement pour Misaki sa vie trépidante va prendre fin brutalement dans des circonstances obscures, certains parlent d'un incendie quand d'autre parle d'un accident bref on ignore les détails. La disparition tragique de Misaki va provoqué une profonde tristesse dans son école au point même qu'un élève pointe du doigt le pupitre de Misaki en disant qu'elle est là pour finalement convaincre à toute l'école entière que Misaki est toujours parmi eux. Oui ils pètent tous un plomb mais lors d'une photo de classe pour la remise des diplômes, on peut apercevoir sur la place vide de Misaki qu'elle apparait en souriant ce qui n'est pas du tout normal quand tu es censé être six pied sous terre.

L'intrigue prend place 25 ans plus tard de ces "évènements" (en 1998) où on suit la vie absolument pas trépidant de Kôichi Sakakibara un garçon qui a des problèmes cardiaques et qui vient d'être transféré dans l'école de Yomiyama où il se rend compte que l'atmosphère y est pesant et que les autres étudiants de son âge lui posent d'étranges questions concernant son passé. Le cerise sur le gâteau est sa rencontre à la sortie de l'Hôpital avec Mei une fille qui a le don d'apparaître derrière ton dos (avouez que vous avez fait de même hein ?), qui parle lentement et porte un bandeau sur l'oeil.......désolé ma vieille mais David Bowie et Bryan Ferry l'ont fait bien avant toi.
Kôichi va alors s'intéressé à cette Mei et va apprendre à ses dépends qu'elle est ignorée de la classe à cause de la malédiction de la classe 3-3.   Et je vois déjà la question : "Mais c'est quoi le rapport avec l'Histoire du début avec Misaki ?" Vous savez dans quelle classe était Misaki ? Oui dans la classe 3-3 qui depuis 25 ans subit une malédiction qui consiste à la mort de plusieurs élèves dans des circonstances troublantes et hasardeuses et dont les survivants de chaque année ne s'en rappelle pas. Tout ce que l'on sait est qu'il y a une personne en trop dans la classe, cette personne est le fantôme qui "provoque" les accidents mortelles. Une promotions d'il y a quelques années à eu l'idée d'ignoré un élève pour rétablir le nombre exacte d'élève et ainsi éviter des morts, Mei est cette élève ignorée. Kôichi va alors tenter de trouver le fantôme pour éviter de passer une année de merde....au vu de la situation je pense que le terme "merde" est encore trop gentil.   Au fil du temps, Kôichi va former sa petite bande pour percer les mystères de la malédiction.            One way or another, I'm gonna find ya, I'm gonna get ya, get ya, get ya, get ya   Pour ceux qui n'ont pas vu cette animé, sachez que je viens de spoiler la moitié de l'animé non pas par plaisir mais pour vous parler d'un point plutôt gênant d'Another : Sa Lennnnnnnnnteuuuuuuuur. Mon dieu que l'intrigue met des plomb avant enfin de démarrer ! Pour preuve mon résumé qui est la base scénaristique de l'intrigue ne démarre (et se développe) qu'à l'épisode 6 sur les 12 épisodes de la série, ne vous attendez donc pas à un animé rythmé.   Attendez ce n'est pas parce qu'un animé est lent qu'il en est inintéressant (.Hack// Sign par exemple) mais ce qui pèse dans l'intrigue c'est surtout qu'il est mollasson ! Purée je crois que sur tout les animés que je vous ai présenté, Another est le plus mou ! C'est simple, on avance trop au goutte à goutte dans l'intrigue au point même que j'hésite à parler de meublage tant qu'on avance pas dans l'histoire, même la première saison de Sailor Moon est plus rapide alors qu'il y a plein de filler et que la série est plus long qu'Another. Le spectateur ne possède que l'essentiel des informations de l'intrigue qu'au milieu de l'animé c'est dingue ! En temps normal, un animé ne doit pas dépasser les trois premiers épisodes pour donner l'essentiel de son intrigue, dès qu'il dépasse ce temps on peut déjà savoir que le rythme sera mollasson.   "Alors il se passe quoi durant la première partie de l'animé ?" Il se passe qu'on assiste à une phase de recherche de la part du héros pour comprendre pourquoi les autres élèves ne voit pas Mei....Quoi ? La malédiction ? Bah on l'ignore à ce moment de l'animé donc on se focalise sur Mei mais je reviendrez plus tard sur cette première partie. Tout ce que vous devez savoir pour l'instant est que le début est très mou et très lent au point même qu'on tourne très vite en rond....le tout étant aussi rapide qu'une course d'escargot.   Maintenant savez vous ce qui pourrait être encore pire ? Ah bah oui les gars on ne touche jamais le fond avec Another ! Ce qui pourrait aggraver le cas d'Another sont les personnages et particulièrement Kôichi. Kôichi est un héros plat, vide, mou et n'ayant que trois émotions sur son visage....il est littéralement ennuyeux et aussi charismatique qu'une planche à pain et croyez-moi qu'une planche à pain n'est clairement pas ce qui a de plus fun dans la vie. Le problème est qu'on est indifférent envers Kôichi parce qu'il semble être constamment détaché de l'intrigue, j'ignore si c'était pour créer un style ou un effet dans l'atmosphère mais si c'était le cas c'est raté ! C'est raté pour la simple raison que suivre un personnage qui n'a que très peu d'émotion et semble être absent....c'est difficile à s'identifié à lui, d'autant que c'est vraiment ballot quand c'est ton héros principal !   Du coup, on sent que l'animé ne mise pas sur Kôichi mais plutôt sur les autres personnages, le problème (oui encore un) est que les personnages sont clairement des clichés les plus clichés des personnages d'animé. On a d'abord Mei qui est une Kuudere, Izumi est une tsundere....Ah peut-être devrai-je mieux expliquer les termes mentionnés.   Dans l'animation Japonaise, à partir de la fin des années 90 on a remarqué qu'il y avait des clichés récurrent concernant les personnages surtout chez les filles, c'est ce qu'on appelle les Deres. Il existe plusieurs types et de variation de Deres mais en général on simplifie en 4 catégories (parfois en 5 mais on va pas chipoter hein ?) :   - La Tsundere est une fille hautaine et "violente" mais qui va devenir affectueuse et douce par la suite. L'exemple parfait est Rin Tōsaka de Fate/Stay Night et ça tombe bien que je la mentionne puisqu'un des personnage d'Another qui va aider le héros pour lutter contre la malédiction est une tsundere nommée Izumi Akazawa la délégué censé éviter les morts accidentelles.   - La Yandere est le contraire de la Tsundere, c'est à dire que c'est la fille douce qui va devenir violente mais surtout psychotique. L'exemple qui me viens à l'esprit est Yuno Gasai de Mirai Nikki qui en est la définition parfaite. Another ne possède pas de Yandere à part peut-être....     - La kuudere est une fille qui est froide et ne montre aucune émotion mais qui va devenir un tout petit peu amicale surtout envers le héro masculin. Mesdames et Messieurs l'exemple de ce type de personnage est issu d'un des meilleurs animé du monde j'ai nommé Rei Ayanami de Neon Genesis Evangelion. Dans Another c'est Mei qui est pareil mais avec un cache-oeil (ce que les filles ne ferait pas pour se faire remarquer).   - Et enfin la Dandere (à ne pas confondre avec Deredere comme moi ^^') qui est une personne Gentile mais surtout timide au point qu'elle n'a pas de lien social jusqu'à sa rencontre avec le Héros qui va lui permettre d'être très social (et prendre confiance en soi). L'exemple le plus frappant est Hinata dans Naruto mais il n'y en a aucun dans Another.   Tout ça pour dire que les personnages d'Another sont archétypale au possible, non pas qu'en soi cela me dérange parce qu'on voit ça dans plein d'autres animé mais ils ont tendance à combler un cruel manque de développement des personnages par ces clichés et là cela deviens problématique. C'est problématique parce qu'on se rend très vite compte que les personnages sont vide mais surtout que l'utilisation de ces clichés ne sont pas fait avec intelligence, j'ai la sensation par exemple qu'on a fait de Mei une Kuudere pour en faire une Rei Ayanami 2.0 (je pense surtout de sa relation avec le Héros) sans vraiment comprendre la subtilité d'un tel cliché. Je pourrais dire de même avec Izumi, j'ai l'impression qu'ils ont voulu faire une Asuka dans Evangelion pour amener la notion de rivalité avec Mei parce que dans Evangelion il y avait cette rivalité avec Asuka et Rei, sauf que dans Evangelion il y a tout une imaginerie et une histoire entre ces deux femmes qui amène cette 'rivalité', dans Another c'est juste utilisé comme tel parce qu'Evangelion à fait pareil, pour le coup on se retrouve avec une œuvre qui ne comprend pas ces propres clichés.   On aura à droit à (presque) tout les clichés du genre.   Je passe les détails sur les autres personnages secondaires de la série qui sont également archétypale comme l'intello au lunette etc.... Ce qui va me permettre de passer à ce qui est selon moi le second gros défaut de la série.   Another est désigné comme un animé d'horreur sur internet et même sur le coffret de DVD sauf qu'en regardant une seconde fois cette série je me suis rendu compte que la qualification d'horreur est à la limite d'être remis en question. Pour faire simple, Another a clairement le cul entre deux chaise voire plus.   Comment cela ? Et bien d'abord Another se présente comme un animé horrifique, ce qui implique les codes du genre horrifique mais la question qu'il faut se poser est de quel sous-genre horrifique Another s'inspire t-il.....est c'est là que l'animé devient très bancal. Au début du récit Another se veut être un récit d'épouvante, c'est à dire qu'il met en scène des phénomènes surnaturel dont on ne peut expliquer ces phénomènes ce qui génère la peur car ce qui fait peur est le manque d'explication et/ou de clarté dans ces faits. Dans Another, c'est toute l'histoire de la malédiction, c'est Mei qui apparait comme un fantôme, c'est les morts "accidentelles" etc.....   Cela se complique vers le milieu de la série quand la série commence à jouer sur le gore et mise plus sur la violence visuelle que le surnaturel........cela devient un autre type de récit horrifique. Pour résumé mon idée, c'est comme voir un film qui commence par Ju-on: The Grudge mais qui se finit par être du Destination Final (que je ne considère pas comme un film d'horreur, désolé s'il y a des fans), on est d'accord que le style à clairement changé. Bon si cela ne vous convint pas (mon argument n'est pas top j'avoue) il y a pire dans le même domaine.   En vérité Another se rapproche plus du Thriller que du récit horrifique et là cela devient vraiment compliqué. Après plusieurs recherches j'ai compris que l'horreur et le thriller peuvent cohabité ensemble dans ce cas on parle de thriller horrifique mais cela reste avant tout un thriller c'est son point d'encrage comme j'aime bien le dire. Le Thriller repose sur une enquête pour aboutir au dénouement qui est très souvent le nom du meurtrier, l'animé Ereased en est un très bon exemple car tout l'intrigue repose sur qui est le meurtrier, comment il s'y prend, pourquoi etc.... et on t'explique tout. Another fait de même, il explique certains phénomènes surnaturelle qui pour le coup n'en sont pas et....et.....Another c'est pas un animé d'horreur ?   Les plus perspicaces d'entrevous auront très vite compris le problème, Another tente de faire cohabité deux genre contradictoire parce qu'il garde les structures narrative de ces deux genres : L'horreur qui repose sur le surnaturel et le manque d'explication et le Thriller qui repose sur des faits concret (même en se mêlant dans le fantastique) et des explications. Comment peux-tu faire peur si tu explique l'inexplicable ? Comment peux-tu être crédible si tu n'explique pas tout ?   Le mieux est est d'expliquer ce phénomène par un exemple concret, je vais vous parler de la démystification de Mei dans Another ou comme j'aime bien le dire la démeistification 😅. L'intérêt d'Another dans la première moitié de l'animé est tout le mystère qui entour Mei, cette étrange fille dont personne ne voit, qui parle comme un fantôme, apparait et disparait à sa guise et qui est aussi pâle qu'un mort. Au début de l'intrigue seul koichi la voit et est attiré par cette dernière, il se demande si elle est réelle vu que tout le monde ignore son existence. Au fil de l'intrigue (à l'épisode 5 de mémoire) Koichi va être ignoré par sa classe suite à quelques morts étranges survenue suite à sa persévérance de vouloir convaincre les autres de l'existence de Mei. Jusque là le récit d'épouvante fonctionne plutôt bien, j'ai assisté à 4 épisodes où la série tente de mettre en place une ambiance lugubre et mystérieux où on ignore totalement ce qui est réelle ou pas, je ne vois pas ce qui pourrait tout foutre en l'aire. C'est à ce moment qu'il va se passer la chose la plus incroyable, Koichi (le héros) qui comprend qu'il est mis de côté par la classe va faire la chose la plus improbable qu'il soit : Il va appeler la mère de Mei qui l'invite chez elle et cette dernière lui dit qu'elle n'est pas un fantôme mais est ignorée par la classe comme lui !
  Pourquoi tu as fait ça Another ? Pourquoi tu t'emmerde à créer une ambiance pesante pour le faire essouffler comme un gâteau ? Parce qu'en plus de foutre en l'aire ton ambiance, alors que c'est censé être un animé d'horreur je vous le rappelle, tu rend ton héroïne très conne, non parce que disparaitre sans raison et se faire passer pour un fantôme alors que tu n'en n'est pas un faudrait m'expliquer pourquoi elle agis comme ça ! La réponse en faite est qu'Another reprend sa structure de Thriller sauf que ces changements de structure narratives sont toujours brutales d'où ce sentiment d'assister à un animé qui ne sait jamais où se placer (en plus de créer des incohérences).   Pour aggraver encore son cas, Another ne sais pas non plus utiliser à bon escient ces références car une fois de plus il a le cul entre deux chaises, tantôt il va jouer sur des références extérieur à l'animation Japonaise, tantôt il va faire un animé avec tout les archétypes possible. J'en ai déjà parlé plus tôt mais je vais plutôt me concentrer sur les inspirations d'Another, j'ai repéré plusieurs références à des films mais comme je l'ai déjà dit ce n'est jamais utiliser à bon escient. Je vais prendre l'exemple le plus parlant la fameuse scène de danse dans la classe entre Koichi et Mei, bon si on saute la question "Pourquoi il a une putain de scène danse dans un animé qui est censé créer une atmosphère angoissante ?" on comprend que c'est une référence à......   Vous savez quoi ? On va jouer à un jeu, vous allez le devinez voici la scène : Mais qu'est-ce que.....   Vous avez devinez ? J'en suis sûr que oui puisqu'il s'agit....     Bon c'est bien tout ça mais pourquoi avoir fait une référence à ce film précisément ? Pourquoi cette scène ? Quelle est son utilité ? Je suis persuadé qu'aucune référence n'est gratuit mais je dois admettre qu'ici je ne vois pas pourquoi un animé d'horreur fait cette référence précis, il me semble que le réalisateur du film en question avait un jour être un Otaku mais c'est très vague comme justification.
N'aurait-il pas été plus judicieux de mettre une référence à l'horreur justement ? J'en fait un plat pour pas grand chose finalement mais cela montre une forme de maladresse qu'Another accumule.   Maladresse qu'on retrouve aussi dans sa culture Otaku, je ne sais pas si c'est moi mais je trouve qu'il y a pas mal de référence à Evangelion : La mère de Koichi s'appelle Ritsuko (en plus de l'avoir perdu), ils ont un oiseau qui s'appelle Rei, Mei ressemble beaucoup à Rei, le père de Koichi est absent physiquement (en plus d'être un gros con qui commence toujours par sa phrase de merde : Il fait chaud en Thaïlande), le pote du héro qui se comporte comme Toji et probablement quelques autres moments. Alors oui Another à bien le droit de faire des références à Evangelion mais l'utilisation de ces subtiles références n'a pour unique but de faire plaisir aux Otaku pur et dur qu'autre chose en faite, ce qui est un peu bête selon moi mais bon c'est tout le principe du Fan-Service.   Tiens puisqu'on parle de fan-service, comment ne pas parler d'une autre scène d'Another qui mériterai aussi un facepalm par rapport à l'intrigue mais qui résume bien la philosophie de l'animé. Imaginons que vous êtes un groupe de personne composé de filles populaire et de garçon lambda, vous devez sortir de la ville pour rencontrer une personne qui détient peut-être la clé du mystère, ils s'avère qu'il travaille dans un hôtel pas loin de la mer....donc de la plage.....et qui dit plage dit Fan-service. Oui Another a été jusque à interrompre son intrigue durant un épisode entier pour des héroines en petite tenu de plage, gros plan sur les fesses et les boobs, les jeux de plage, il y a même des tentacules oui des tentacules ! Je crois qu'en faite Another à l'Alzheimer, il ne se rappelle jamais qu'il est un animé d'horreur, qu'il est censé créer une atmosphère angoissante mais qu'à la place on fait du fan-service, j'ai l'impression que cette animé qui prend les Otaku pour des cons et prend toutes les caricatures possibles pour satisfaire "l'Otaku moyen" sauf que je n'aime pas cette mentalité. Il faut arrêter de croire que ceux qui regarde des animés passe le temps à imaginer des waifu et qu'on est totalement asociale parce que c'est faux !   Tentacule, concombre des mers, petite tenue....oui oui c'est censé être un animé d'horreur, je suis terrifié.           Oh, think twice, 'cause it's another day for you and me in paradise   Bon je pense que vous avez compris depuis un petit moment que je ne suis pas tendre avec Another et je suis loin d'en avoir fini, cependant je vous propose une petit "pause" dans ce déferlement salé pour se concentré sur les qualités, parce que oui quand même il en possède....pas beaucoup mais il en possède.   Tout d'abord d'un point de vue de l'animation il n'y a rien à dire de négatif, non franchement l'animé est jolie, bien animé et n'a pas vieillit d'un pouce. L'ost bien que pas aussi marquant que dans d'autres productions que j'ai pu vous présenter à le mérite de créer l'atmosphère que l'intrigue était censé produire. C'est le compositeur Kow Otani qui est derrière tout ça un nom qui vous dira peut-être quelque chose puisqu'il est le compositeur d'un jeu plutôt méconnue qui s'appelle Shadow of the Colossus. Difficile d'expliquer l'ost de ce Another puisqu'il est très discret puis il se fait remarquer au moins une fois par épisode car il prend de l'ampleur selon la situation dans l'intrigue. Par exemple, nos héros vont devoir franchir une barrière pour accédé à un lieu interdit (pour ne pas dire banni) dans leur école, une fois qu'il ne reste que le seul personnage du groupe qui doit traverser cette fichue barrière une musique assourdissante se fait entendre et prend une certaine ampleur jusqu'à atteindre un point culminant : L'interlude !   Écoutons les thèmes qui mérite notre attention :   - From Behind   - Thème connu mais dont j'ai oublié le nom....à part qu'il s'appelle Track 7   - Encore un thème dont j'ignore le nom mais qui est très efficace    Le problème majeur de cette ost est qu'elle n'est pas assez mis en avant ou plutôt qu'il y a étonnamment trop de bruit (dialogue ou autre) qui empêche d'immerger dans cette ost diablement efficace, dommage.   Un petit mot rapide sur la VF qui est plutôt bonne, pour preuve j'ai revu cette animé entièrement en français et cela ne m'a pas dérangé, il n'y a rien à dire de plus si ce n'est que c'est une bonne VF. J'ai longuement insisté sur le fait qu'Another est plutôt ennuyeux que flippant mais pour prouvez que je ne suis pas quelqu'un de mauvaise foi je dois bien admettre que quelques fois l'animé à réussie à créer une atmosphère angoissant. Lorsque j'affirme cela je pense surtout aux cauchemar de Koichi qui sont vraiment réussie (et même le deuxième m'a fait légèrement sursauter), à quelques plan bien réussie qui isole le ou les personnages, les couleurs terne mais hélas trop sombre sont tout aussi une bonne idée.   Il y a aussi des mini-interlude représenté par des plan sur des poupées gothique voire macabre entre certaines scènes, ce qui contribue à cette ambiance horrifique mais le bémol est que l'animé utilise ce procédé que durant les quartes premiers épisode, dommage une fois de plus.   Parfois Another réussie vraiment à créer une ambiance terrifiante mais ces moments sont trop rares.   Another ne manque pas de bonne idée mais il se sent obligé de le gâcher comme le fait que le héros se dit peut-être qu'il est le "mort" ou encore que la culpabilité le ronge et qu'il est responsable des morts dans sa classe. Le problème c'est que son doute d'être l'intru se dissipe en deux secondes (dans le même épisode je veux dire) quand un personnage touche sa main et ne ressent pas de la froideur....ce qui n'est fondé sur rien puisque cette même personne affirme que ça ne prouve rien....oui Another a tendance à être bipolaire et aime les contradictions.   Contradictions plutôt gênant puisque cela a tendance à rendre Another.....débile. Je sais que c'est pas un défaut valable mais c'est un défaut qui revient souvent sur le net alors bon il va bien falloir l'admettre : Another est Débile ! Je ne vous cache pas que cela va être la partie la plus amusant de ma critique parce que quitte à tirer sur l'ambulance autant le faire à coup de missile à neutron.   Alors qu'est-ce qui rend Another "débile" ? D'abord tout ce que je viens de dire plus haut, c'est à dire les contradictions dans les choix de narration et de style qui génère d'étrange situation mais c'est surtout dans les péripéties en soi. Ceux qui ont vu l'animé ont probablement en tête le dernier quart de l'animé en tête mais patience je garde le meilleur pour la fin !   Revenons à notre copine Mei et plus précisément de sa démystification parce que jusque là j'ai précisez que c'était un terrible choix de casser l'image fantomatique de Mei (vous savez quand Koichi appelle la mère de Mei OKLM 👌) mais c'est quand on a la révélation que Mei est ignorée de la classe plutôt qu'être un fantôme que l'ont se dit :   "Mais en faite Mei est conne" Pourquoi cela ? Attendez dans les premiers épisodes elle apparait et disparait comme un fantôme alors qu'elle n'est pas un fantôme ou encore qu'elle parle ou agis comme un fantôme. Pourquoi elle fait ça ? Ça l'amuse autant d'agir comme ça ? Elle s'est levée un matin et c'est dit que ce serait marrant d'être un fantôme vu que tout le monde l'ignore ? Qui agirais comme ça ? Et pas la peine de me dire qu'elle fait ça parce qu'elle pense qu'elle ne mérite pas l'attention des autres parce que personne ne fait ça, c'est incohérent !   Incohérence provoqué par les fails d'écriture mentionné depuis le début de cette critique, ce qui m'amène aux dernier quart de l'animé et je vous prévient qu'il faudra vous accroché parce que je pense jamais avoir vu une fin aussi nanardesque dans un animé. Je pense sincèrement que le studio était conscient des nombreux fails de leur projet, n'arrivant jamais à se stabilisé, ils n'ont que deux choix à faire : Soit ils décident d'assumer la fragilité de l'anime et de garder le cap qu'ils ce sont fixés, soit ils partent dans un tout autre délire pour marquer les esprits (Signe assez révélateur d'un animé qui ne tient pas la route), je vous laisse devinez quel chemin il a pris.   C'est quand même incroyable que certains être-humain dos au mur préfère se crasher en beauté plutôt que de relevé un minimum le niveau mais gardant un certain honneur, oui Another a pris la seconde option, est-ce que cela a été payant ? On va dire que ça au moins le mérite d'avoir marqué les esprits.....mais pas vraiment dans le sens qu'on pourrait s'attendre.   Bon, je vais me permettre d'expliquer la situation sans trop spoilé : La classe 3-3 décide de partir en classe verte dans un grand manoir perdu au milieu de la forêt parce que lors d'une année précédente, la classe avait restauré un temple délabré croyant que la malédiction s'estomperait.....sauf que ça n'a pas marché....   "alors pourquoi ils reviennent précisément dans ce temple ?" Bah....ils le font chaque année, c'est pas parce qu'il a une malédiction qui tue tout le monde qu'ils faut changer le planning scolaire.....est-ce que je vous ai déjà dit qu'Another était un peu débile ?   Bon, il y a une histoire d'amnésie générale qui fait que les survivants précédant ne ce souvient de rien (facilité scénaristique) mais l'un d'entre à eu la bonne idée d'expliquer comment rompre la malédiction, découverte fortuite de sa part mais qui le hantera tout ça vie malgré son amnésie....ce qui semble incohérent. Par contre, cette personne était un peu (beaucoup) con puisque pour aider les maudits des années suivants il a caché la solution sans dire ce que sait, ni à quoi cela ressemble et encore moins où il se cache.....est-ce que je vous ai déjà dit qu'Another était débile ?   Il s'avère que nos héros trouve la solution et décide de l'appliquer dans ce manoir mais non sans crainte puisqu'ils doivent tuer quelqu'un sauf qu'ils ne savent pas qui. C'est à ce moment que l'animé part en couille et croyez-moi que c'est gentil comme terme. Pour faire simple, un personnage secondaire qui avait jusque là deux réplique à tout casser décide de péter un câble du jour au lendemain et de dévoilé à la classe entière la vérité concernant la solution pour rompre la malédiction et donne l'ordre de tuer la petite Mei parce que......parce qu'on a marre de voir une pseudo Rei Ayanami gothique trainer dans la classe ! (je rigole il y a une vrai raison mais c'est trop long à raconter)   Tout devient des psychopathe-Zombie qui veulent la peau de Mei sauf le héro parce qu'il est fan d'Evangelion.....euh je voulais dire parce qu'il trouve que c'est pas bien. S'ensuit un carnage entre les élèves qui s'accusent entre eux, se tue entre eux, il y a la gérante qui tue aussi les élèves alors qu'elle n'est pas concerné et fout le feu dans le manoir (il y a bien une raison mais c'est tellement mal expliqué), il y a des élèves qui en ont rien à faire, il y a encore un personnage qui pète un plomb mais par jalousie mais surtout les morts sont d'un ridicule mon dieu !   exemple des mini-interludes dans les premiers épisodes.   Oui je ne vous ai même pas parlé des morts dans Another, le plus connu reste probablement celle qui se fait empalée par.....un parapluie, non ce n'est pas une blague. Vous en jugerez que cette mort est ridicule mais globalement les morts ne sont pas extraordinaires jusque ce qu'arrive le dernier quart de l'animé.   Je vous passe le fait que Mei possède un nouveau pouvoir celui de voir le "mort" à abattre (facilité scénaristique) mais au moment où elle dit qui est le "mort", TA-DA un évènement perturbateur arrive ! J'ai également oublié de préciser qu'Another adore frustrer son spectateur en coupant toujours au moment précit d'une révélation ce qui génère de la frustration au lieu de créer du suspense, comme par exemple une crise cardiaque d'un personnage au moment exacte où il relève une chose important ou encore un coup de téléphone qui interrompt tel ou tel révélation. Le problème est qu'Another fait ça TOUT LE TEMPS !   Terminons rapidement cette critique parce que je me sens de plus en plus fébrile, après plusieurs morts plus débile les uns que les autres, mention spécial à la fille qui tombe d'un étage et se retrouve dans une pose qui génère plus du rire que de la peur, ce qui sera le cas pour quasiment tout les morts de ce dernier quart. Je disais donc qu'après plusieurs morts, Mei dit enfin qui est le mort qui s'avère s'être fait piégé tout seul comme un grand....littéralement personne n'a rien fait sur le "mort" il s'est fait piéger tout seul.....est-ce que je vous ai déja dit....   "OUI tu nous le dit tout le temps alors qui est le mort ?"   Très bien le mort est.....     Si a première vu on pourrait se dire que le twist final est bien trouvé il y a cependant un petit hic ou plutôt plusieurs hic. Le premier est que c'est incohérent que cela soit cette personne parce que d'abord l'intrigue nous donne pas tout les éléments pour "deviner" que c'était cette personne, même en revoyant l'animé en connaissant ce détail on ne le devine pas....
De plus, comme je le dit dans la zone spoiler le comportement de ce personnage est incohérent, c'est dur d'expliquer sans spoiler mais c'est dommage que cela soit mal appliqué.   Mais ce qui fout vraiment tout en l'air n'est pas en soi la révélation en soi, ni les incohérences qu'ils génèrent mais plutôt comment on l'apprend.   Koichi refuse de croire que le "mort" est cette personne mais Mei lui donne des preuves....   1/ La place en trop n'était pas dans la classe..... C'est incroyable comme tout le monde s'en fout en faite de cette malédiction.   2/ Elle a fouillée le registre des décès est s'avère que le "mort" est....mort.   Quand à la troisième preuve, je dois vous le dire et je m'excuse d'avance pour le peu de gens qui aurait voulu regarder cette animé après la lecture de ce billet mais la troisième preuve est que Mei a vu le meurtre du "mort" il y a un an et demi de cela, ah bah c'est sûr que si elle a vu le meurtre du mort elle ne peut pas se tromp.....QUOI !   Attend Another tu es en train de me dire que Mei savez depuis le début qui était le "mort" ? Mesdames et Messieurs je vous annonce fièrement que le trou du cul de l'année est remis à Mei pour ne pas avoir dévoilé sans raison qui était le "mort" si ce n'est pour éviter de blesser les émotions du héros. C'est touchant Mei mais tu aurait pus éviter les nombreux morts d'innocents de ta classe, d'être innocentée dès le début, d'éviter d'avoir été mis de côté par la classe, de faire de toi un héros vénéré mais surtout que je pète un putain de plomb tout ça pour une carpe !   Et puis Koichi aussi il est un peu con aussi....     Le gros problème est qu'Another n'explique pas une règle pourtant important, du coup pour l'aspect thriller c'est aussi raté.   Et la cerise sur le gâteau revient aux survivants qui décide de laisser un indice pour les prochains maudits mais en cachant la solution sans dire ce que sait, ni à quoi cela ressemble et encore moins où il se cache.....on est d'accord, Another est vraiment débile. Et puis, pourquoi l'école ne supprime tout simplement pas la classe ? Ils ont changé le nom et changé la salle de classe mais n'ont pas supprimé la classe, pourquoi ? Il faut croire qu'une grève aurait été plus dur qu'une malédiction qui tue tout le monde, en faite je suis encore surpris que cette école reçoit des élèves ou même que des parents envoie leurs enfants dans cette écolé, bref vous avez compris qu'il n'y a rien à comprendre.   Ne vous retenez pas ! Vous êtes autorisé à rire (surtout l'image de droite)        If there's something strange, In your neighborhood,Who you gonna call ?....Someone else (respect si tu as la ref, euh je veux dire conclusion)   Reprenons notre calme et donnons enfin le mot de la fin. Malgré que cette critique fut très salé, je ne peux pas vous cacher qu'Another n'est pas un navet comme je pourrai le laissez sous-entendre mais il n'est clairement pas un bon animé. Si je suis aussi sévère avec lui c'est parce qu'il fût populaire pour son argument d'animé qui fait "peur". Another est surtout un échec total dans ce qu'il a entrepris, à force de courir sur différents gibiers il finit par en attraper aucun. Le problème majeur d'Another est son écriture catastrophique qui avec beaucoup de recul n'a aucun sens (comme pourquoi ne pas supprimer la classe ?), les règles qu'il instaure sont flou (cette histoire d'amnésie autant pour les victimes que pour la famille du mort par exemple) mais surtout l'utilisation massive de cliché qui sert de cache misère à un manque de développement. Il est difficile d'apprécier les personnages tant ils sont des clichés et les incohérences scénaristiques font d'eux des imbéciles finis.   Le pire dans tout ça est que j'ai l'impression qu'il y avait un sous-texte, probablement issue du Light Novel mais l'animé semble avoir juste bêtement repris les évènements de l'intrigue sans vraiment réfléchir au sens que cela puisse apporter. Il s'agit probablement d'une commande au studio mais les commanditaires ont très mal expliqué l'œuvre d'autant que ceux qui travaillent dans l'animation Japonaise n'ont pas vraiment le temps de lire 3 Tomes pour cerner l'œuvre.

Another aurait pu être une réussite s'il c'était contenté de suivre une ligne de conduite précis sans passer par la case Fan-service ou le changement de ton surtout vers sa fin, à croire que même les membres du studio n'y croyait plus du tout.   Another connaitra également une adaptation cinématographique qui serait encore pire que l'animé d'après les avis sur le net. Peut-être que le manga est meilleur mais pour le moment je vous propose d'arrêter cette éprouvante critique. Pour la première fois depuis que j'écris sur Romstation je vous déconseille un animé : Another est une déception pour ceux qui recherche le frisson surtout quand on voit inscrit sur la jaquette du DVD "Plongez dans la terreur la plus profonde", la seule chose qui sera profond sera votre ennuie et la seule chose que vous devriez avoir peur est de vous endormir devant.   Cependant, je vous conseille Hinamizawa, le village maudit dont j'en avait déjà parlé sur ce site qui est pour moi bien plus réussit que ce Another.   Sur ce je vous souhaite un bon été !   Ah bah c'est sûr que c'est pas une malédiction qui va vous empêcher de vous éclater à la plage.....purée  Another enlève ces tentacules je t'en prie !

DrunkenPenPen

DrunkenPenPen

EverReach- Project Eden

Parfois, le gamer en goguette a envie de varier un peu ses habitudes ludiques, entres titres AAA et franchises connues venant de studios bien établis. La scène indépendante et les studios plus modestes semblent alors un terrain de choix afin de diversifier son ordinaire et, qui sait, tomber sur une de ces bonnes surprises méconnues, ne bénéficiant pas d’un matraquage médiatique ! Et puis il y a des accidents cosmiques comme EverReach, cherchant à émuler de façon ridicule des titres d’une amplitude incomparable- en l’occurrence ici, Mass Effect. Un désastre si complet que, bien malgré lui, ce titre mérite d’être étudié. Alors chevauchez votre hoverbike et oubliez toute synchronisation labiale, ami Lecteur : à défaut d’être longue, cette exploration sera instructive… Et vous fera voir d’un autre œil les productions seulement médiocres !   Commençons par une image doublement mensongère : le jeu n’est pas aussi beau et vous n’affronterez jamais un tel véhicule !   Projet édulcoration de masse   Il est toujours judicieux de s’intéresser à la page magasin d’un jeu sur Steam : c’est après tout la vitrine du soft et la manière pour le développeur de mettre en avant les qualités (réelles, supposées ou fictives) de sa création. Nous y reviendrons en détail car elle est absolument croustillante par rapport à la réalité du jeu, pour le moment, retenez seulement cette annonce : « Plongez dans 8 heures d'histoire écrite par Michelle Clough, scénariste et ancienne testeuse narrative de la trilogie Mass Effet. » D’une part, on peut déjà penser que c’est un peu court, même pour une aventure au rythme rapide- là j’adorerai avoir une moyenne des temps jeux à consulter, je ne peux hélas vous donner que mon propre temps de jeu : 4,8h. Concrètement, le jeu a six missions et moitié moins de « quêtes » secondaires, quel que soit votre niveau d’expertise, vous en ferez très probablement le tour bien en-dessous de cette barre de huit heures. D’autre part, cette dame n’a été que testeuse narrative additionnelle, pendant les trois derniers mois de la production de Mass Effect 3. En regardant son site Wordpress, scénariste ne semble vraiment pas être une occupation principale – plutôt consultante sur des thèmes précis, notamment la sexualité et la romance dans les jeux vidéo ! – et ma foi, cela se ressent parfaitement dans ce jeu. Le pitch est donc d’une accroche banale : Eden, planète nouvellement colonisée, principalement destinée à servir de monde touristique, connaît une série de mutineries inexplicables venant de la plupart des avant-postes. Vous faites partie de la compagnie EverReach, mégacorporation portant à elle seule le projet et disposant donc de sa propre division de sécurité, on vous envoie donc avec royalement deux autres troufions pour voir ce qui se passe et remettre un peu d’ordre dans ce bazar.   Les premières lignes, vantant de façon exagérée la planète -doublage assuré par l’excellent DC Douglas, la voix anglaise de Wesker dans RE5 – laissaient augurer du bon. Puis, paf, première cinématique : les vaisseaux du trio se font exploser un par un. Celui de Mike sans retour par la case départ, celui de Jay (ami d’enfance de l’héroïne) va se crasher on ne sait où, celui du personnage principal, Nora Harwood, explose mais elle s’en sort à temps. Courageusement, elle explose quelques drones et soldats peu accueillants avant de trouver refuge à l’avant-poste Nova, où elle rencontre la lieutenante Abigail qui aura bien besoin d’elle pour régler la situation… Et, diantre, cornegidouille, se pourrait-il que ces monolithes géants dont on ne sait rien, construits par une civilisation alien, aient quelle que chose à voir avec le comportement des mutins ?! Je pense que la réponse est dans la question et c’est là le seul pseudo-mystère de cette histoire à la qualité embarrassante. C’est-à-dire que dans un temps aussi court, il est difficile de bâtir de manière réfléchie une tension et les enjeux associés par rapport à cette situation. Les révélations sont apportées d’une manière si artificielle (j’y reviendrai plus en détail) dans un pataquès narratif que cela n’a rien de satisfaisant. Pourrait-on alors s’intéresser aux personnages à la place ? Difficilement et le studio n’a de toute façon pas l’air de s’y être investi non plus. Si vous consultez le hub de la communauté steam du jeu, vous pourrez voir un sujet où quelques quidams s’en prennent au développeur car Nora ressemblerait trop à Nova de Starcraft, le nom étant même similaire.   A titre de comparaison, voici Nova.   Un développeur passe donc démentir tout cela, arguant même du fait que le nom de la protagoniste a été choisi en cliquant dans un générateur aléatoire, jusqu’à ce qu’un résultat plaise à tout le monde ! Eloquent quant au degré d’investissement, non ? Bref, Nora, présentée comme une spécialiste de sécurité surentraînée, sera générique au possible. Elle ne démontrera aucun talent tactique particulier et se trouve là parce qu’on a besoin d’un personnage principal, sans charisme apparent, sans traits de personnalité saillants. Il y a une poignée de moments où vous pourrez choisir ses réponses, lesquelles donnent l’impression d’être du conciliation/pragmatique au rabais et n’auront de réel impact que pour une scène ridicule. Abigail, la commandante de l’avant-poste, est juste là pour vous informer de la situation et vous donner des objectifs : c’est un GPS narratif qui remplit une fonction. Le journaliste présent à l’avant-poste est là pour faire le contrepoids bienpensant face à la vilaine mégacorporation voulant étouffer l’affaire. Et puis vous avez donc Jay, l’ami d’enfance de Nora, qui avait fait foirer un exercice crucial parce qu’il avait l’esprit trop concentré sur sa rupture avec elle, qui pleurnichera sur la mort de Mike et ne réapparaîtra qu’à la toute fin. Jay, qui se dirige vers les monolithes car c’est le seul point de repère sur la planète (crédibilité = zéro), même quand Nora lui dit que c’est là que se concentrent les troupes renégates, mais tout va bien, il fera attention aux patrouilles ! Et une fois le brouillage planétaire des communications levés, à aucun moment cela ne semble une bonne idée d’aller le récupérer (doit-on vraiment croire qu’il n’y a aucun moyen de le localiser vu que sa radio fonctionne bien ?) plutôt que de le laisser aller vers l’ennemi. Il n’y a guère que 73-Q qui pourra « relever » le niveau : un droïde de soutien auquel on a implanté un logiciel de personnalité défectueux, l’amenant périodiquement à réaliser des blagues miteuses ou à avoir des comportements idiots. Au milieu de cette mare d’insipidité, j’avoue avoir souri en le voyant pousser une caisse mètre par mètre comme moyen le plus efficace de ramener du ravitaillement jusqu’à l’avant-poste. Bref, l’histoire n’est intrigante que dans l’esprit de celui l’ayant annoncé sur la page Steam du jeu, le mystère se voit venir de loin et même en étant indulgent, ce n’est pas ça qui vous poussera à poursuivre le jeu, alors même qu’il y aurait eu mille manières de concevoir un vrai sentiment de secret à percer. Le problème, c’est que le gameplay ne vous y incitera pas non plus !         Les gunfights vous donneront envie de retourner sur un peu près n’importe quel FPS décent de la fin du siècle dernier.   Le paradis des erreurs de game-design   Reprenons donc le descriptif de la page Steam, pour nous ancrer dans leurs illusions : « Prenez part à des combats tactiques, déployez des champs de force ou utilisez l'environnement contre vos ennemis »   Les affrontements dans ce jeu sont aussi tactiques qu’une horde de taureaux saouls fonçant vers un mur rouge. Le studio a en effet commis une négligence mineure en programmant les ennemis : il a oublié de leur conférer une IA. C’est donc assez hilarant de voir le soft vous donner un choix tôt dans le jeu, face à une bande de rebelles secondés de drones : envoyer 73-Q faire diversion (mais il faudra dépenser des ressources pour le réparer) ou bien rassembler votre cosmo-énergie pour faire face seul à l’opposition- EverReach vous prévient alors que le combat sera « extrêmement éprouvant ». Sur le papier, quand on voit le nombre d’ennemis affichés sur la minicarte, on pourrait même y croire. Sauf que vos adversaires n’ont aucun comportement groupal. Tuez-en un, les autres s’en cognent royalement. Ils ne chercheront pas à vous déborder, à vous prendre à revers, à vous acculer dans une zone difficile à défendre ou quoi que ce soit d’autre. Si les drones se montreront un peu plus aventureux, les humains ne bougeront pas beaucoup, fléchissant les genoux parfois sans raisons, s’agitant dans un sens puis dans l’autre comme une fourmi perturbée par un orage. Combiné au fait qu’ils ne parlent jamais et n’émettent en général pas le moindre son, au lieu d’être des tueurs silencieux motivés par on-ne-sait-quoi, ils deviennent des pantins amorphes qu’il faut éliminer : si vous les attaques par derrière, vous pouvez tout à fait les plomber sans qu’ils se retournent… Lorsqu’ils arrivent sur votre position sans que vous les aperceviez, cela semblera être plus un bug qu’autre chose ! Quant à utiliser l’environnement contre eux, c’est totalement faux- à moins de compter le fait de se réfugier derrière un mur, une caisse ou une quelconque paroi comme « utiliser l’environnement ». Et vous n’aurez d’ailleurs pas tellement le choix, car en confrontation à découvert, les boucliers et la vie de Nova fondent plus vite qu’une motte de beurre au micro-ondes. Heureusement pour vous, les ennemis sont lents et seront très satisfaits de tirer contre votre abri, tandis que vous les dégommez avec des angles de visée parfois improbables. Ne croyez toutefois pas pour autant que vous pourrez utiliser votre fusil pour vraiment sniper : sa portée est étonnamment courte, vous forçant à approcher des ennemis pour les quelques fois où ils seront en hauteur. Ajoutez le fait que vous ne pouvez ni sauter, ni vous mettre à couvert, ni effectuer de roulades ; vous obtiendrez des gunfights poussifs au possible.   EverReach ne vous fera même pas l’aumône d’une satisfaction sensorielle basique. Les armes émettent des bruits ridicules et le seul indice lorsque vous êtes touché sont vos scores de bouclier et de santé qui baissent, rarement ai-je pu voir un jeu vous donnant aussi peu l’impression d’être impacté par les tirs ennemis- ce qui pourra d’ailleurs mener à des décès prématurés. Au niveau visuel, ce n’est pas mieux : l’effet de carton-pâte coloré qui se dégage de votre fusil quand vous tirez est misérable, renforçant l’idée que vous utilisez une sorte de pistolet à patate cosmique. En parlant de pistolet, ce sera justement votre arme secondaire, bien que son utilité par rapport au fusil soit discutable- à moins que ce dernier ne soit à court de munitions. Non, aucune arme bonus, aucune arme temporaire avec des munitions limitées, pourquoi offrir au joueur de la variété ? « Personnalisez vos compétences et faites votre choix parmi plus de 80 améliorations disponibles dans un arbre de compétences classique » La qualité abyssale des combats invalide par avance tout intérêt de cet arbre d’améliorations, qui, à tout prendre, avait du potentiel par rapport au reste. Vous trouverez des matériaux dans des caisses et en tuant vos ennemis, ce qui vous permettra d’améliorer magiquement votre combinaison : boucliers plus puissants, plus de santé, régénération plus rapide, endurance de sprint rallongée, dégâts augmentés en cas de tir continu… Sachant que ces améliorations finissent par avoir des prérequis dans l’une de vos trois stats : force, agilité et intellect. Le chiffre de 80 n’a rien d’impressionnant car toutes ne seront donc pas accessibles d’une part, d’autre part, beaucoup sont juste des boosts similaires dans une même catégorie. Il y a 4 capacités uniques à déverrouiller, dont un champ de force qui ne fera pas long feu. Des améliorations pour obtenir plus de matériaux, des boucliers renforcés et un plus de puissance de feu : voilà qui sera parfaitement suffisant pour vaincre ce court calvaire, et parfaitement insuffisant pour vouloir jouer une nouvelle fois au soft. Vous pouvez majoritairement oublier l’agilité, car EverReach n’est pas un jeu où vous aurez tellement l’usage du sprint durant les combats, ce sera donc juste du confort pour écourter votre expérience de jeu- ce qui, néanmoins, pourrait se comprendre !   En gros plan : la pire idée du jeu.   Mass Disrepect   L’âme tremblante de toutes ces errances, le joueur esseulé pourrait vouloir se réfugier au sein des deux affirmations suivantes : « Partez en exploration dans les magnifiques paysages d'Eden conçus par un artiste ayant travaillé sur des films tels que Warcraft ou Star Trek Sans Limites » « Découvrez des butins cachés et des éléments d'histoire optionnels disséminés aux quatre coins du monde ouvert »   Et soyons honnêtes : pour ce que vous en verrez, Eden a de jolis côtés (contrairement aux personnages, dont les visages sont des masques où seule la bouche se meut, les yeux, billes sans âmes, clignant de temps à autre) et vos mirettes ne souffriront point. Le problème, c’est que nous faisons face à un énième mensonge : cette planète n’est en rien un monde ouvert. La poignée de missions se déroule dans un ordre précis et votre seule liberté sera de visiter les culs-de-sac optionnels sur la carte, où vous trouverez des caisses, ce fameux butin caché, protégé ou non par des ennemis décérébrés. Là où dans un jeu purement d’aventure comme un Zelda, ce genre de logique passe, ici, cela rajoute au côté artificiel de la chose, à moins qu’il y ait eu un maniaque obsessionnel dont la seule passion est de déposer des caisses remplies de matériaux utiles dans les recoins les plus improbables. Certaines de ces caisses vous forceront à réaliser un mini-jeu, soit connecter des points sans utiliser deux fois la même ligne, soit éviter pendant 30 secondes une série de blocs qui tombent, votre propre bloc ayant – pour un simplement mouvement gauche-droite ! – toute la sensibilité d’une savonnette. Même pour quelque chose d’aussi anecdotique, c’est donc raté- même remarque pour les quelques « hackings » à réaliser où il faut alors conduire un bloc d’un point A à un point B le long d’un pseudo-labyrinthe. Quant aux éléments d’histoire optionnels, personne ne vous en voudra si vous voulez vous en dispenser, notez toutefois que l’histoire est déjà assez rachitique si vous esquivez ça ! Vous pouvez donc faire une flamboyante croix sur le plaisir d’exploration, ami Lecteur, ce qui, arrivé à ce stade, ne devrait point être une surprise pour vous. Vos yeux se tournent-ils avec désespoir sur le véhicule montré dans l’image de cette section ? Oh, comme je vous comprends. Comment ne pas vibrer d’une fébrile attente lorsqu’on vous promet ceci : « Enfourchez votre hoverbike et affrontez vos adversaires lors de courses-poursuites effrénées ». Une traduction assez généreuse de « subissez des séquences en véhicule qui vous feront amèrement regretter le Mako de Mass Effect. »   Il n’y a rien de positif dans ces passages : l’hoverbike est un moyen de locomotion ne donnant pas une bonne sensation de vitesse, à peine plus maniable qu’une merguez dégoulinante de graisse, dont le moteur produit un bruit de soufflerie industrielle lancinant- points bonus sur les dialogues obligatoires ayant lieu quand vous enfourchez l’hoverbike, que vous pourrez à peine entendre ! Ce qui est assez gênant puisque vous devrez vous coltiner notamment trois séquences où vous serez poursuivi par un vaisseau reconverti en bombardier, évitant tant bien que mal les obstacles pendant que des faisceaux rouges annonciateurs de ses tirs (avec une hitbox parfois aléatoire) apparaissent non-stop. Pour des deux séquences, être touché impliquera uniquement des dégâts, pour l’une d’entre elle, ce sera l’oblitération instantanée : le summum du fun. Il y a de quoi en être tellement blasé que vous ne vous étonnerez même plus que votre poursuivant, dans la dernière course-poursuite, se pointe devant vous sans aucune raison, juste pour que vous puissiez en finir avec lui. Parce que votre hoverbike dispose tout de même d’un canon, avec un fonctionnement hautement stupide : pour le recharger, il faut accélérer en avant, ce qui est lent et pas fluide pour un sou. Vous en ferez les frais pendant la dernière « vraie » mission, où l’on vous envoie dans le désert pour montrer aux rebelles de quel bois l’avant-poste se chauffe, car les mutins se trouvent bien sûr en plein désert parce que, lieu hautement stratégique, euh, je… Non, en fait, je n’en sais rien. Ah, si : le studio voulait un environnement facile à designer et un prétexte pour tuer des drones et des humains. Des champs de force venant de nulle part vous empêcheront d’ailleurs de progresser tant que vous n’aurez pas éliminé tout le monde, histoire de renforcer votre immersion. Vous pouvez à la rigueur foncer sur un ennemi pour le tuer en un coup, ce qui n’est pas forcément conseillé car les lemmings qui servent d’ennemi conservent une précision respectable. L’hoverbike est donc plus du remplissage qu’autre chose et certainement pas une joie à manœuvrer, mention spéciale lorsque vous devez vous rendre à trois tours de communication différente (car vous ne pouvez obtenir qu’un élément du mot de passe à chaque fois, voyez-vous) sans aucun ennemi sur le chemin. EverReach, pourtant diablement court, arrive quand même à gonfler artificiellement sa durée de vie, comme en devant couper deux générateurs (avec des drones apparaissant de nulle part pour vous assiéger fabuleux) ou en devant récolter des pièces détachées sur trois drones ennemis, lesquels spawnent obligeamment pour l’occasion. Hé oui, sans ça, 73-Q ne pouvait pas désactiver le champ de force protégeant le camp des archéologues…   Les mini-jeux feront fondre ce qui vous restera de temps de cerveau disponible.   Je suis le commandant Shepard, et ce jeu est le pire prétendant de la Citadelle   Après la mission du désert, vous entrerez en effet dans un tel camp, où tout le monde est mort. Heureusement, comme dans toute séquence horrifique en jeu vidéo qui se respecte, vous trouverez des journaux de ceux ayant péri afin de vous expliquer ce qui se passait. Inutile de taire le « mystère » : les Monolithes utilisent un flux électromagnétique pour reprogrammer les cerveaux des êtres intelligents à portée. C’est pour ça que tout le monde est devenu fou, sauf à l’avant-poste Nova, protégé par des amas ferreux faisant office de bouclier contre ces flux ! Fabuleux. Abigail envoie un message à la Terre, mais la compagnie ne pourrait envoyer des renforts qu’en une ou deux semaines, ce qui est apparemment trop long, même avec Nora qui décime les lobotomisés sans aucun souci. Non, il faut y aller avec une bombe, faire sauter les monolithes en envoyant « toute personne pouvant tenir une arme ! » Ce qui se résume à deux troufions vous accompagnant durant cette ultime chevauchée non-héroïque, en évitant (sans aucune difficulté) des miradors (on ne sait trop pourquoi). Vous aurez du mal à vous rendre compte qu’ensuit vient le combat final, lui-même précédent une incursion dans des grottes. Trois occasions avec des pseudo-puzzle, qui, une fois résolus, vous informent commodément de ce qui s’est passé : les Monolithes sont en fait la solution du dernier recours d’une espèce alien au désespoir, infecté par une maladie bizarre. Leur remède : ces monuments lavant le cerveau des gens, afin de les attirer pour qu’ils soient transformés… Pour une certaine raison… D’une certaine manière… En un remède pour une future génération de ces aliens, placés dans des modules de stase. Le rapprochement avec l’endoctrinement de Mass Effect est plus que probable, tout ça dans une bouillie d’exposition narrative au terme de laquelle vous pourrez choisir d’épargner les enfants aliens (qui ne seront responsables de rien, après tout) ou bien de les exterminer avec la bombe, car mine de rien, ça reste grotesque comme histoire et Nora a eu de dures journées au milieu d’ennemis idiots et d’alliés incapables de faire quoi que ce soit sans elle.   Et Jay, dans tout ça ? Il apparaît évidemment juste avant le final. Si vous avez choisi les options conciliation/psychothérapie, il parviendra à repousser le contrôle mental. Mais, attention, si vous avez même une seule fois rappelé qu’il était un solde, ses yeux demeureront rouges et vous le tuerez par réflexe après qu’il vous aura tiré dessus ! « C’était un accident » dira-t-elle alors à 73-Q, clôturant sans aucune émotion réelle une relation sans intérêt. Pour une personne se spécialisant, entre autres, dans la romance vidéoludique, c’est là une démonstration absolument pas convaincante. Quelle ironie alors, quand on se rend sur son site Wordpress (https://michelleclough.wordpress.com/) de voir Nora en première page, tandis qu’elle affirme avoir une solide compréhension de l’art de la narration dans les jeux vidéo, des dialogues, ainsi qu’une expertise dans la romance. Il n’y a toutefois jamais mieux que de s’abreuver directement à la source, ami Lecteur, aussi amère soit-elle, je vous invite donc à regarder quelques extraits sur Youtube pour vous faire votre propre idée, les mots ne peuvent entièrement rendre justice à cette parodie de Mass Effect.   Avant de conclure, quelques mots sur le studio, Elder Games (https://www.eldgames.com/). On peut y apprendre en fait que le studio est en fait une seule personne, Ede Tarsoly (game-design, programmation et musique) engageant des freelancers pour ses projets ! Cela pourrait expliquer un certain manque de cohésion et motivation… Sauf qu’en consultant la page Facebook, on s’aperçoit que depuis 2016 est bien composé de plusieurs membres travaillant sur de multiples projets. Si on en croit la date de la première publication, on peut estimer à environ deux ans le développement du jeu. Si Tarsoly était principalement aux manettes, cela peut s’entendre. Pour autant, le jeu, bien trop ambitieux dans son inspiration, aurait eu besoin de bien plus de temps, de monde et de personnes donnant un avis impartial au studio, avant d’aboutir à quoi que ce soit de raisonnable. On pourrait croire qu’il y a eu pression pour qu’il soit terminé, la fin étant encore plus bâclée que le reste ? Et pourriez-vous deviner l’ultime insulte ? Vous ne pouvez même pas sauvegarder quand vous le désirez, EverReach utilisant un système daté de checkpoints ! Bob, merci de lancer un exterminatus sur cette planète…     « Echec massif »   Aspects négatifs   -          Des éléments allusifs à Mass Effect, sans s’en approcher d’un iota -          Animations rigides des personnages -          Durée de vie absolument pas adaptée pour l’intrigue… -          … dont la résolution se voit trop facilement venir -          Les dialogues avec Jay -          Linéaire à point -          L’hoverbike -          Les ennemis anencéphales -          Aspect RGP risible -          Armes pas du tout satisfaisantes   Aspects positifs   -          La patte graphique, qui reste agréable -          Quelques moments qui arrivent à faire sourire, notamment avec 73-Q -          Tuer Jay -          Une bande-son acceptable -          Désinstaller le jeu     Mal fichu, mensonger dans ses prétentions, inintéressant dans son gameplay, EverReach a en plus le culot d’être vendu à 25€. Sa faible longévité le handicaperait si au final on n’était pas soulagé d’en finir, car clairement le soft n’a rien de captivant à nous raconter et rien de passionnant à nous faire vivre, la dernière partie est gérée de façon tellement expéditive que croire le contraire serait illusoire. Les aliens auraient placé des Monolithes sur plein d’autres mondes, ce qui, espérons-le, ne sera pas le prétexte à une suite. Même si elle ne pourrait être que plus aboutie… Si vous avez envie de vous faire un peu mal pour trouver une perspective fraîche sur d’autres jeux, n’allez pas dépenser plus d’une poignée d’euros sur ce titre : aussi cruel que cela puisse paraître, le studio ne le mérite probablement pas.  

Aronaar

Aronaar

Civilization VI- Platinum Edition

Après un Civ IV plaisant mais ne lésinant pas non plus sur les carences, la série de ce cher Sid Meier semblait avoir atteint une sorte de point d’équilibre au niveau du gameplay et des possibilités avec le cinquième titre principal de la série (jetons un voile pudique sur le fait que si vous remportez une victoire dans ce jeu, il vous invite à acheter Beyond Earth…). Difficile de savoir quand mettre un point final à ce genre de série qui, par essence, n’a pas de scénario intrinsèque puisque c’est le joueur, plaisir sans cesse renouvelé, qui écrit sa propre Histoire, aussi loufoque puisse-t-elle être parfois. Manifestement, Firaxis avait assez d’idées dans sa besace pour justifier une nouvelle mouture, avec des ambitions assez hautes, telles qu’illustrées par un slogan du genre « le jeu de plateau digital ultime » ! Et certainement, Cvilization VI adopte une approche suffisamment différente pour le distinguer de ses prédécesseurs… Sans forcément que cela soit toujours convaincant. Prenez votre sérum d’immortalité, ami Lecteur, arpentons les hexagones et découvrons ce qu’il en est !   Le studio a opté pour une carte plus souriante et plus détaillée, demeurant tout à fait lisible, ce qui est l’essentiel.   Créer une civilisation qui résiste à l’épreuve du Temps (encore)   Si vous lisez ces lignes, c’est que vous êtes probablement familier avec l’univers des 4X, ces jeux généralement bac à sable où il faut eXplorer le monde, eXploiter les ressources, eXterminer la concurrence si les circonstances s’y prêtent (et/ou vous avez décidé d’être un sociopathe averti) et s’étendre à travers le monde. Oui, je sais, il n’y a pas de X ici, mais vous savez sûrement qu’en anglais c’est eXpand, vil facétieux que vous êtes. Toutes ces caractéristiques sont mobilisées pour atteindre cette carotte au goût si doux, présente la plupart des jeux vidéo : la victoire. Comme chaque civilisation demeure prédisposées pour un ou plusieurs types de victoires et que votre stratégie pour atteindre cette dernière doit être décidée dès le début, je vous propose de commencer à aborder cette sixième itération de la série en réalisant un tour d’horizon des types de victoire- ce qui sera également l’occasion de défricher quelques nouveautés.   1)      Vae victis (victoire par domination)   Approuvée par nombre de Big Bad, il s’agit ici de ne laisser aucune place au hasard en devenant le maître du monde : le vainqueur écrit l’Histoire et vous remporterez ici le gros lot en ayant exterminé toutes les autres civilisations, ou bien en vous « contentant » de capturer la capitale de toutes les autres factions. Sachant que plusieurs adversaires vaincus pourraient vilement vouloir se venger pendant que vous partirez guerroyer ailleurs, il sera plus sage pour plusieurs civilisations de capturer ou raser toutes leurs cités. Comme dans Civ V, vos armées, aussi puissantes soient-elles, se trouveront limitées à une unité militaire par case- personne ne voudrait revivre les énormes tas d’unités à la Civ IV, n’est-ce pas ? Firaxis a eu néanmoins une judicieuse idée pour circonvenir cette limitation : une fois les options nécessaires débloquées (après le milieu de partie, généralement) vous pourrez former des bataillons (deux unités associées) puis des armées (un groupe de trois unités) ce qui permet de concentrer beaucoup plus de puissance offensive et défensive. Ce sera loin d’être optionnel face à des cités dûment fortifiées… Celles-ci pourront bâtir différents niveaux de rempart, renforçant leur résistance et permettant de tirer sur les ennemis à portée. Comme auparavant, une fois qu’une unité accumule suffisamment d’expérience, elle pourra acquérir une promotion : plus de résistant face aux attaques à distance, soin en déplacement, etc. Vous ne serez toutefois pas un grand conquérant si vous ne créez pas de districts militaires dans vos cités, où les nouvelles unités apparaîtront et qui seront également capables de tirer sur les unités hostiles. Qu’est-ce donc que cette histoire de districts ? Il s’agit d’une des grandes nouveautés de ce sixième épisode. Très peu de bâtiments seront constructibles dans une ville elle-même : ils devront à la place être érigés dans un district spécialisé, qui occupera un hexagone sur la carte du monde (selon les emplacements, le district recevra des bonus, sachant que les ressources de la case sur laquelle il est bâti sont oblitérées). On trouvera ainsi le district commercial, le district culturel, le district religieux, le district industriel, etc. Vous ne pourrez construire un nouveau district que si la population de la ville en question est suffisamment importante, ce qui peut mener à une plus grande spécialisation de vos cités.   Les ressources perdues seront ainsi largement compensées par les bâtiments construits à l’intérieur des districts, débloqués au fil des technologies découvertes. Cela amène également une plus grande vulnérabilité, car les districts endommagés par des ennemis ou une catastrophe naturelle devront être réparés en passant des tours de production pour cela. Cela ne changera par contre rien au spam de constructions instantanées si vous êtes riche : les districts ne peuvent être bâtis en un tour en dépensant de l’or, mais les bâtiments qu’ils abritent, si. Le concept des districts est globalement bien appliqué, quant à la question de la victoire militaire en particulier, ses mécaniques resteront donc globalement les mêmes : méfiez-vous cependant d’être trop impétueux, car vous pourriez aisément être l’objet d’une coalition de crise, d’autres civilisations s’unissant temporairement pour rendre une ville à son propriétaire légitime victime de vos velléités expansionnistes, par exemple… D’un autre côté, si vous en sortez vainqueur, vous recevez quelques bonus alléchants.   Le système de gouvernement a été revu pour apporter plus de souplesse.   Ad astra per aspera !   2)      Vers l’infini et au-delà ! (victoire scientifique)   A l’opposé, bien qu’il vous faudra garder vos frontière et peut-être bien rosser quelques voisins impudents, la victoire scientifique délaissera quelque peu la scène internationale pour chercher à vous émanciper de la Terre et des catastrophes climatiques en devenir. Comme d’habitude, gagner par ce biais demandera de générer des tonnes de science afin d’atteindre les dernières étapes de l’arbre technologique. Non seulement vous devrez caracoler en tête du progrès humain, vous aurez également besoin d’avoir plusieurs villes très productives et de pouvoir résister aux autres nations qui verraient d’un mauvais œil votre volonté de remporter la mise en jouant les grosses têtes. En effet, cette victoire se divise en plusieurs étapes :   -          Lancer un satellite (ce qui nécessitera l’érection d’un district particulier : le spatioport) -          Faire atterrir un astronaute sur la Lune -          Etablir une colonie martienne -          Envoyer une expédition vers une exoplanète.   Il vous faudra alors patienter pendant que votre fier vaisseau parcourt les 50 années-lumière le séparant de sa destination, délai que vous pouvez raccourcir en complétant des projets de station laser. Une fois le vaisseau spatial arrivé à bon port (en espérant qu’il ne transporte pas un androïde prénommé David), vous pouvez sortir les cotillons ! Avoir autant de campus (district scientifique) que possible sera un must, tandis qu’il sera également judicieux d’obtenir autant d’Euréka que possible. Qu’est-ce à dire ? Hé bien, une autre nouveauté : en remplissant certaines conditions, vous déclencherez un Euréka pour un technologie, ce qui diminuera son temps de recherche de moitié ! Tuez trois unités barbares et vous pourrez vous écrier « euréka ! » pour le travail du bronze, même chose pour l’irrigation si vous avez construit une ferme sur une ressource bonus (comme du blé), ibidem pour l’écriture si vous avez rencontré une autre civilisation… Selon votre localisation et les évènements se déroulant autour de vous, vous n’aurez bien sûr pas toujours l’occasion de cocher ces critères. Dans tous les cas, ces critères sont pleinement visibles et il vous incombera donc de jongler entre l’optimisation de vos recherches et le besoin de découvrir une technologie plus pertinente sur le moment, sans cependant avoir pu en déclencher l’Euréka. Il y a naturellement d’autres moyens d’obtenir ces doux boosts scientifiques, comme l’utilisation de personnages illustres, lesquels font leur retour. Ingénieurs pouvant aider à construire rapidement des merveilles, marchand établissant des comptoirs commerciaux et vous donnant de l’or, généraux buffant vos unités militaires, etc. Lorsque vous accumulez vraiment beaucoup de science par tour, cela peut mener à des aberrations plaisantes, comme d’envoyer un homme sur la Lune en 1750 !   3)      J’ai la jarre à cookies infinis : votez pour moi (victoire diplomatique)   Là où dans Civ V la victoire diplomatique pouvait ressembler à l’élection du Roi des Pirates dans Pirate des Caraïbes en rajoutant une bonne dose de corruption et de gruge avec les Cité-Etats, Civ VI oublie partiellement ce vote décisif, pourtant emblématique, la condition de victoire consistant à atteindre un certain nombre de « points diplomatiques ». Pourquoi « partiellement » ? Car il y aura bien des votes concernant le leader mondial- mais ces votes accordent 2 points diplomatiques, interviennent tard dans le jeu et ne font donc pas gagner directement. Il y a de multiples moyens d’engranger ces points :   -          Bâtir certaines merveilles et rechercher certaines technologies -          Remporter le plus haut score dans une compétition d’aide internationale ou compétition pacifique -          Voter pour une résolution du Congrès Mondial qui sera validée.   En effet, vous aurez à intervalles régulier des sessions du Congrès où l’on vous demandera de prendre une option parmi plusieurs pour chaque résolution (une nouveauté), comme de booster la production de bâtiments d’un certain type de district ou a contrario bannir la production de bâtiment pour ce même district ! Ou encore de donner plus d’or aux joueurs envoyant des routes commerciales vers un certain autre joueur… Ou bien décréter un embargo commercial contre le joueur en question ! Il y a plus de choix, partant, une plus grande richesse, ainsi que des conséquences potentiellement encore plus grandes : le jeu diplomatique n’est donc pas anodin, surtout que certaines résolutions pourront garder un sacré goût d’arbitraire. Afin de voter, foin de délégués : il faut dépenser des points de « faveur diplomatique », lesquels sont obtenus par trois moyens principaux : votre type de gouvernement, vos alliances actives et le nombre de Cité-Etats dont vous êtes le suzerain, faisant qu’elles demeurent tout aussi importantes qu’avant dans le ballet diplomatique. Certains évènements, bâtiments, décisions et merveilles pourront vous permettre d’obtenir également de cette faveur, si vous jouez belliciste, oubliez naturellement cet aspect ! Ces faveurs diplomatiques peuvent même s’échanger comme des sacs de patate, ce qui paraît un brin étrange. Tout au moins le Congrès, qui proposera des sessions spéciales, est-il plus vivant que dans Civ V et sans avantage lié à en être l’hôte.   Le soft mettra l’accent sur les catastrophes naturelles et sur le réchauffement climatique, si la partie dure assez longtemps pour en ressentir les effets, attendez-vous à une belle montée des eaux (entre autres).   L’homme sans culture est un arbre sans fruits   Un mot sur les Cité-Etats : oubliez les pots-de-vin en rafales pour les amener à mieux vous aimer que le voisin, maintenant (même si elles ont toujours des quêtes pouvant faire pencher leur loyauté en votre faveur) il s’agit de se disputer leur suzeraineté à coup d’envoyés diplomatiques. L’activité « naturelle » de votre gouvernement vous fait engranger des points d’influence permettant de former de nouveaux envoyés, tandis que de multiples autres facteurs (technologie, merveilles…) peuvent vous permettre d’en obtenir d’autres. Plus vous avez d’envoyés dans une Cité-Etat, plus vous recevez de bonus de son type (science, industrie, foi, militaire ou culturel). Si vous avez au moins trois envoyés et avez le plus d’envoyés dans cette Cité-Etat, vous en devenez le suzerain, ce qui vous permet également de mobiliser ses troupes contre de l’or, de profiter de son atout unique et d’avoir accès à une partie de ses ressources. Il est donc tout à fait important de vous attacher la fidélité de plusieurs Cité-Etat pour rester au niveau !   4)      La culture ne s’hérite pas, elle se conquiert (victoire culturelle)   S’il s’agira toujours ici de rendre votre nation tellement attractive que le reste du monde ne saurait s’en passer pour vivre (en générant tellement de tourisme et de culture que votre empire recevra plus de touristes que n’en possèdent tous les autres pays au niveau domestique), l’utilisation même de cette culture s’engage dans une voie différente. Ici, point d’arbres doctrinaux à choisir, chaque nouveau choix de doctrine coûtant plus cher, coût impacté par le nombre de cités : vos points de culture serviront à compléter de nouveaux dogmes, lesquels, somme toute, donnent alors l’impression d’être recherchés comme des technologies. Ils peuvent d’ailleurs comme elles bénéficier de délais amoindris sous conditions : ainsi, découvrir un autre continent diminuera de moitié le temps nécessaire pour finaliser le commerce à l’étranger. Ces dogmes s’inscrivent donc davantage dans l’évolution « organique » de votre civilisation et non plus comme des pans dédiés pour la spécialiser. Chaque dogme acquis donne accès à des doctrines et des gouvernements nouveaux, ainsi qu'à certains bâtiments, quartiers et aménagements diplomatiques.   Les doctrines, divisées en 4 catégories (militaire, économique, diplomatique, atouts- cette dernière catégorie pouvant recevoir n’importe quelle doctrine) sont des options que vous pouvez changer selon les besoins, sachant que votre type de gouvernement détermine le nombre de doctrines que vous pouvez avoir, tout en accordant certains avantages fixes. La République Classique permet par exemple de choisir jusqu’à deux doctrines économiques, une diplomatique et une d’atout, alors qu’elle n’accorde aucune place aux doctrines militaires. Les choix de gouvernement seront assez évidents selon le type de victoire que vous visez, tandis que les doctrines vous permettront d’ajuster les avantages dont vous avez le plus besoin selon la situation. Bonus à la production d’unités d’un certain type, boost à la génération d’envoyés diplomatiques, gains de science, foi et culture pour chaque Cité-Etat dont vous êtes le souverain, plus de génération de points pour un certain type de personnage illustre… Les doctrines sont suffisamment nombreuses et permettent une adaptation bienvenue, moins rigide que dans Civ V.   En parlant de gouvernement, causons également des gouverneurs ! Ces immortels personnages doivent être assignés à une cité afin de lui apporter divers avantages, chacun selon sa spécialité : militaire, science et culture, foi, etc. Un gouverneur est débloqué en obtenant, tenez-vous bien, un Titre de gouverneur, ces titres (obtenus par des technologies, merveilles, dogmes et bâtiments) pouvant également être dépensés pour promouvoir un gouverneur afin de le rendre plus efficace. Vous n’obtiendrez pas suffisamment de titres pour en promouvoir beaucoup au maximum, ce qui n’est pas un problème : quel que soit votre style de jeu, vous choisirez presque à chaque fois Pingala (qui booste la science et la culture) les autres étant plus situationnels et pas nécessairement probants, même pour le type de victoire recherché. Victor, le général-défenseur, en est probablement le pire exemple : il ne pourra servir que pour résister à des assauts ennemis et si vous avez besoin de dépenser de précieux Titres de gouverneur pour cela, c’est que vous êtes certainement déjà dans une mauvaise posture. Le concept a été éprouvé dans d’autres titres, comme Endless Legends (où il est mieux implémenté) et mériterait ici un rééquilibrage.   Quant à la victoire culturelle en elle-même, mécaniquement parlant, cela ne change pas tellement : vous allez vouloir générer des montagnes de points de culture (donc construire autant de districts culturels que possible), vous accaparer les merveilles en rapport, attirer les personnages illustres pouvant créer des chefs-d’œuvre afin d’attirer tous les badauds du monde et mettre au travail vos archéologues. Naturellement, vous aurez des doctrines pour augmenter encore votre production culturelle. Quelques autres moyens existent pour vous avantager, dans l’ensemble, tout comme la victoire scientifique, il s’agit d’un travail de longue haleine, ne nécessitant toutefois pas autant de production industrielle ; par contre, au contraire de la victoire scientifique qui se moque des rivaux tant que ceux-ci ne vous cherchent pas noise, la production culturelle des autres nations sera évidemment un obstacle à prendre en compte.   Les autres dirigeants seront un peu moins embêtants niveau dénonciations abusives, mais continueront à vous proposer des échanges en votre défaveur ; il est également pénible de devoir renouveler des accords d’alliance ou de frontières ouvertes.   Toute nation a le gouvernement qu’elle mérite   5)      Convertissez-les tous, Dieu reconnaîtra les siens (victoire religieuse)   Si la foi est une « ressource » pouvant être aisément dédaignée dans d’autres types de victoire, porter la bonne parole de votre religion à travers le monde peut maintenant vous permettre d’apporter l’harmonie suprême sur la planète ! La tâche n’est toutefois pas aisée : il faudra en effet que votre religion devienne prédominante, c’est-à-dire qu’elle soit suivie par plus de 50% des villes dans le monde, une religion devenant majeure dans une ville si au moins la moitié de sa population la pratique. Fourbissez les districts religieux et les prières en masse : vous aurez besoin d’avoir beaucoup de foi afin de pouvoir acheter, aussi régulièrement que possible, des Apôtres et des missionnaires afin de convertir les autres cités. Les villes déjà converties exercent une influence « naturelle » sur celles ne l’étant pas, qui sera toutefois bien insuffisante pour votre objectif final. Les croyances apportent toujours des bonus divers, comme « dieu des artisans » apportant +1 de production pour chaque ressource stratégique exploitée, bien qu’ici vous chercherez, comme de juste, des avantages pour répandre plus facilement votre religion. Certains rivaux, peu portés sur la piété, ne feront pas grand cas de vos bandes religieuses organisées, cependant, d’autres seront forcément un peu chagrin que vous veniez piétiner leurs propres croyances avec la vôtre. Vous risquez donc de perdre de la faveur diplomatique à ne pas pouvoir tenir vos promesses d’arrêter votre prosélytisme, quand, évidemment, les désaccords quant à vos méthodes ne se transformeront pas purement et simplement en guerre (classique ou sainte, selon les envies du moment). Une option à laquelle vous devrez toujours être préparé, car après tout, votre objectif étant chiffré, il y a une autre solution simple pour que le compte tombe juste : raser les cités ne désirant pas suivre vos préceptes religieux ! Sur le principe, plus de types de victoire apporte une plus grande richesse, dans l’exécution, la victoire religieuse peut se montrer fort ardue. Non seulement vous devez prioriser la foi au détriment du reste (comme la science) et vous allez vous mésentendre avec d’autres nations, vous devrez parcourir le monde pour la conversion, et aussi rapidement que possible : plus la partie dure, plus il y aura des villes populeuses, éloignant la pomme dorée de la victoire. Surtout que, sans surprise, les autres dirigeants pourront créer leurs propres missionnaires, Apôtres et inquisiteurs, menant à des batailles théologiques qu’il vous faudra gagner pour rester en piste.   Il existe également une victoire par scores si aucune autre n’est remportée une fois le nombre maximal de tours atteint- une échéance qui ne devrait arriver que rarement. Civ VI ne se limite pas à ces modifications et innovations, déjà substantielles. Les merveilles se retrouvent également notamment chamboulées : sur la même logique des districts, vous ne pourrez pas fourrer tout et n’importe quoi à l’intérieur d’une ville, les merveilles devront être bâties sur la carte générale et avec des prérequis. Pas de pyramides pour vous si vous n’avez pas une case de désert à proximité ! Il vous faudra donc aussi planifier cela dans votre programme de colonisation. Cette contrainte, à l’instar des districts, est toutefois largement supplantée par les bonus apportés par les merveilles en question ; naturellement vous en trouverez tout un tas pas forcément affriolantes, tandis que d’autres pourront vous donner un avantage décisif pour un certain type de victoire. Concernant les aménagements de case, les ouvriers ont maintenant une durée de vie limitée dans le sens où ils disparaîtront après avoir réalisé trois améliorations (plus avec certaines merveilles et doctrines) ; ils ont également oublié comment réaliser les routes car cette mission est désormais dévolue aux marchands ! Les districts commerciaux seront le principal moyen pour vous d’augmenter votre capacité en routes commerciales, toujours cruciales pour assurer un sain afflux en or.   On retrouvera le même plaisir à passer d’une cité isolée jusqu’à un empire respectable.   C’est l’époque qui veut ça   Vous vous souvenez que dans Civ V, plus vos citoyens avaient la banane, plus vous aviez d’âges d’or ? Oubliez ça. Le bonheur est bien sûr toujours important, assuré ici par des ressources de luxe et des bâtiments/districts/merveilles générant du divertissement (notez par ailleurs que vous aurez aussi besoin d’infrastructures permettant plus de logements afin qu’une ville continue de croître), mais les âges d’or ont été revisités. D’une part, ils ne peuvent se déclencher qu’au passage d’une nouvelle ère de l’humanité- comme en passant du Moyen-Age à la Renaissance. Ensuite, il y différents types d’âges, selon le nombre de points de score que vous aurez accumulé, en fonction de moments historiques : construction d’une merveille, fonder une cité près d’un volcan, découverte d’une technologie majeure, posséder la ville la plus peuplée du monde, etc.   -          Si votre score est trop en-dessous du seuil, vous aurez alors le droit à un âge sombre. La loyauté de vos villes baisse et vous avez accès des à des doctrines spécifiques pour vous en sortir.   -          Si votre score atteint au moins le seuil, vous aurez un âge normal- exactement ce que son nom indique.   -          Si vous dépassez le seuil d’un certain montant, vous aurez le droit à un âge d’or, qui vous permettra de choisir parmi 4 dédications pendant toute l’ère en question. Ces options peuvent être sacrément puissantes. Regardez ainsi l’exode des évangélistes : +2 mouvement pour toutes les unités religieuses, +2 utilisation de leur capacité de conversion pour chaque nouvelle unité créée, +4 points de grand prophète par tour et vous gagnez 2 points de score lorsque vous convertissez pour la première fois une cité à votre religion. -          Enfin, si vous avez été dans un âge sombre mais que vous avez ensuite obtenu assez de points de score pour prétendre à un âge d’or, vous obtiendrez alors un âge héroïque et aurez le droit de choisir 3 dédications parmi les 4 !   Intéressant ? Oui et non. C’est un système qui peut facilement pousser ceux avantagés à continuer de l’être, tandis que ceux dans la panade pourront avoir plus de mal à s’en sortir. Il est surtout question de remporter ou non le ticket doré, alimentant lui-même la meilleure manière pour vous de gagner des points de score, car l’influence sur la loyauté pourra sembler généralement assez anecdotique. Vous verrez bien plus souvent une cité devenir indépendante, ou rejoindre un autre empire, lorsqu’elle a été fondée trop près des frontières d’une nation déjà bien établie. Au moins comporte-t-elle un choix, plutôt qu’un bonus général imposé, dans une configuration où un indicateur de bonheur général pouvait sembler un peu arbitraire.   Vous êtes toujours avec moi, ami Lecteur ? Parfait ? Je suis conscient que tout ceci est assez copieux, mais cela me semblait nécessaire afin de bien voire tout ce que pouvait offrir de nouveau Civilization VI- pour un prix. Car beaucoup de ces éléments – les âges, le congrès mondial, les gouverneurs, la mécanique de loyauté, etc. – ne seront disponibles qu’en achetant les deux DLC principaux, coûtant respectivement 30€ et 40€. Alors oui, bien entendu, la question du prix finit toujours par devenir en partie obsolète, avec les soldes et les formules en bundle. Mais elles demeurent symptomatiques d’une certaine vision de la conception et du marketing. Firaxis n’arrête pas de nous faire le coup et on peut raisonnablement pester de devoir payer pour avoir la victoire diplomatique, par exemple. Je ne m’étendrai pas longuement sur le season pass à 40€, contenant surtout de nouvelles civilisations (parfois franchement déséquilibrées) ainsi que des options de jeu pouvant prêter à sourire mais pas forcément implémentées de façon sage. Pouvoir recruter des héros pouvant construire un district en un tour (Hercule) ou générer à gogo des envoyés dans des Cité-Etats (Himiko), pour exemples, peuvent donner lieu à des asymétries criantes. Même constat pour l’implémentation de sociétés secrètes, alors que d’autres modes laissent perplexes, comme celui des zombies ajoutant ces charmants visiteurs, apparaissant de nulle part et pouvant détruire des cités si vous n’y prenez pas garde.   Baste de tout cela, me direz-vous, il est certes dommageable d’avoir un jeu tronqué, pour autant, on ne peut s’en contenter pour adresser des reproches au jeu. Et ici, le constat est d’une simplicité morose : l’IA, encore l’IA. Ceux voulant se tester en allant vers les plus hauts niveaux de difficulté devront aimer être confronté à des avantages indécents pour les nations contrôlées par l’ordinateur, à défaut d’avoir une réelle avancée dans leurs comportements. L’IA vous accablera de remarques insipides, de griefs boiteux (« hé, arrêtez d’obtenir des personnages illustres que nous convoitons ! »), d’échanges clairement en votre défaveur, de villes placées n’importe comment et de réactions ayant de quoi laisser perplexe. La guerre est une facette indétrônable des Civilization, hélas, l’IA de Civ VI aime vous la déclarer sans raison valable, et/ou en n’ayant sérieusement pas les ressources pour l’emporter sur vous- ne parlons même pas de chercher à nouer des alliances. La diplomatie n’est donc pas flamboyante non plus, il est assez dommage de voir que l’IA d’un jeu aussi vieux qu’Alpha Centauri peut avoir des réactions plus sensées. Ce n’est pas à dire que le plaisir de jeu en est irrémédiablement gâché, cependant, les IA pourront donner l’impression d’être plus des obstacles avec lesquels il peut être utile d’interagir de manière très ponctuelle, plutôt que de véritables présences dynamiques. Reste alors le multijoueur… De préférence avec des amis.     « Tout ce qui brille n’est pas or »   Aspects négatifs   -          Manque de peaufinage au niveau de l’équilibrage des types de victoire -          Politique de DLC discutable -          Système de gouverneurs à perfectionner -          Des relations diplomatiques sans éclat -          Une IA pas à la hauteur   Aspects positifs   -          Présentation graphique exquise -          Le système souple de doctrines -          Le concept des districts -          Un nombre respectable d’innovations qui apportent un coup de frais -          Panel varié de civilisations avec leurs avantages distincts     On ne pourra pas enlever à Civ VI une réelle volonté de revisiter de nombreux aspects, qui, pour la majorité, s’intègrent bien dans ce nouvel ensemble. Sachez néanmoins qu’il faudra viser la version platinum pour avoir une expérience de jeu « complète » et que vous ne serez probablement pas suffisamment subjugué par ce titre pour en oublier de jouer aux précédents si vous les avez appréciés. Loin d’être ultime, cette sixième itération comporte ses propres spécificités, que je vous conseillerai plutôt en solde.

Aronaar

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RomStation 2.6 : Multijoueur et serveurs Cloud

RomStation passe en version 2.6 !   Cette mise à jour apporte une toute nouvelle manière d'aborder le jeu sur RomStation, et plus particulièrement en mode Multijoueur. Depuis la page de vos serveurs de jeu, vous pouvez désormais créer d'un simple clic votre propre serveur Cloud !   Actuellement en bêta-test sur l'application Windows, l'option permet de porter en ligne le Multijoueur local des jeux Playstation 2, GameCube et Nintendo 64. Les autres systèmes seront intégrés progressivement.   Dans ce mode de création, le serveur partage un flux vidéo entre les joueurs et intercepte leurs commandes pour créer l'illusion du Multijoueur local au sein du lobby. Le flux vidéo unique rend la désynchronisation du jeu impossible.   Par ailleurs, l'émulation et l'encodage sont assurés par un serveur dédié pour garantir les performances sans dépendre du débit ascendant de l'hôte, de son matériel ou de la configuration de son réseau.   Enfin, l'accès au jeu est instantané, sans aucun téléchargement, et la retransmission du stream aux éventuels spectateurs est même automatisée en option, sans consommer de ressources supplémentaires chez les joueurs.     ⌨️ Configurer ses touches Par défaut, la plupart des contrôleurs sont reconnus et préconfigurés pour chaque système. Vous pouvez toutefois personnaliser vos commandes dans le menu "Contrôleur", accessible depuis la barre d'options de la fenêtre du jeu.     1️⃣ Sélectionnez ici le contrôleur que vous souhaitez configurer après l'avoir connecté (manette ou clavier).   2️⃣ Si votre contrôleur n’apparaît pas déjà dans la liste des périphériques, activez l'option "Afficher tout" pour lister tous les périphériques connectés.   3️⃣ Sélectionnez le profil à configurer sans oublier de le "Charger". Les 3 profils par défaut sont préconfigurés pour l'utilisation d'un clavier ou d'une manette Xbox/Playstation. Chaque profil étant lié à un système, leur gestion est donc conditionnée par le système du jeu actif.   4️⃣ L'assistant de configuration vous permet de personnaliser très rapidement les entrées numériques et analogiques en vous faisant assigner successivement chaque touche du contrôleur.     🎮 Échanger les manettes Par défaut, chaque nouveau joueur du lobby se voit automatiquement assigné un port manette dans la limite du nombre maximum de joueurs autorisés par le jeu actif. Mais l'hôte du serveur peut à tout moment sélectionner un joueur depuis la liste des "Joueurs actifs" du lobby pour lui attribuer un port différent.   Si le nouveau port est déjà occupé par un autre joueur, les deux joueurs échangeront alors leur manette. Vous pouvez également retirer la manette d'un joueur pour qu'il reste uniquement spectateur.   Actuellement, le nombre de ports manette est limité à 2 sur Playstation 2 et à 4 pour les autres consoles.     ▶️ Activer le mode spectateur En parallèle de l'émulation du jeu, le serveur Cloud assure également la capture et l'encodage vidéo pour retransmettre presque instantanément le flux aux joueurs. Optionnellement, ce même flux peut aussi être diffusé automatiquement aux spectateurs extérieurs du lobby avec un délai supplémentaire. Activez d'un clic le mode spectateur à la création du serveur lorsque vous souhaitez utiliser l'option.   L'opération étant exécutée par le serveur Cloud, aucune ressource n'est consommée chez l'hôte et les joueurs. Le player public s’intègre à la page du serveur en remplaçant l'embed du Live manuel diffusé via la clé de stream privée. Le Restream et le Replay sont également compatibles avec cette diffusion automatique.   Vous pouvez désactiver/activer le mode spectateur à tout moment depuis les options du lobby.     ⚠️ Si vous possédez une version antérieure à l’actuelle 2.6, n'oubliez pas de redémarrer RomStation pour appliquer automatiquement la dernière mise à jour.   Merci de participer sereinement et dans le respect des autres joueurs.🕊️

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